Un mesías en Sodoma

Año Uno (2009 dir. Harold Ramis guión Harold Ramis, Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg) es una comedia en donde Jack Black interpreta a Zed, un mal cazador de una tribu de cazadores y recolectores, que recorre rápidamente algunas historias de la biblia y nos dice que no le hagamos caso.

Zed y su cuate el recolector Oh, hijo de Ooh (Michael Cera en su típico papel de cheems pero en humano), son poco apreciados en su tribu. Aunque se supone que ahí en donde vive la tribu es el paraíso, con todo y árbol del fruto prohibido. A la mejor sí es un paraíso sólo que hay un wey tipo bully, jefe de los cazadores y la tribu.

Que quiere con la misma mujer que Zed, Maya (June Diane Raphael).

Zed, frustrado porque nadie lo respeta, Maya piensa que es un bueno para nada, come del fruto prohibido, lo cachan y lo corren de la tribu.

Y así, acompañado de Oh viaja y conoce a Caín y Abel, al patriarca Abraham y su hijo Isaac. Ven por primera vez una rueda.

Finalmente llegan a Sodoma, la mítica ciudad del pecado, que al igual que Las Vegas está enmedio del desierto. No tiene un Caesar´s Palace pero las fuerzas del orden parecen soldados romanos. También hay orgías y otras cosas de estilo romano. Esta Sodoma además es como un Egipto pues la tribu de Zed y Oh ha sido llevada ahí esclavizada. Zed los liberará claro está, pero en el momento de la liberación dirá que no es un mesías, que no crean en esas cosas, cerrando así la merecida mofa que hace de los mitos judeocristianos.

Esta nueva versión de "Clásicos de la Biblia" cuenta con un elenco multiestelar, además de los ya mencionados sale Juno Temple como hermana de Zed y objeto amoroso de Oh. También sale Olivia Wilde como hijastra del malvado rey de la ciudad hermana de Gomorra que le dió su nombre a la sodomía.

Y por cierto, la película tiene su pizca de investigación. El gran sacerdote de Sodoma lee las visceras, un método adivinatorio muy común en la antigüedad en cercano oriente y en Roma.

Fan del Breakfast Club salva a su prepa de una masacre

Heathers (1988 dir. Michael Lehmann guión Daniel Waters) es una muy buena comedia negra. Destacan especialmente sus diálogos. 

Se trata de Veronica (Winona Ryder), una buena chica, que entra al grupo de las mean girls, las populares de la prepa. Que todas se llaman Heather, menos ella. La Heather número uno en especial es tan mala que está llevando a la gorda de la prepa al suicidio.

Es una verdadera fascista que piensa que el mundo sería mejor eliminando a todos los que ella considera perdedores. Verónica en cambio le dice que si no vio Breakfast Club y lo bonito que es  cuando todos son amigos.

Al igual que en la anterior película de la que escribí aquí en el blog, Buffalo 66, se hace mofa de la afición al futbol americano. Los jugadores del equipo de la escuela, obvio, son la contraparte masculina de las Heathers.

Sin embargo los y las populares no son los únicos criticados aquí. El wey que pide donaciones para los niños de Africa se clava la lana y la maestra hippy que quiere que todos se tomen de la mano y expresen sus emociones en realidad sólo quiere salir en la tele.

Y luego está el outsider, el nuevo en la escuela, que en el guión dice que debe tener un aire jamesdeanesco y se llama Jason Dean (Christian Slater) que quiere volar la escuela poniendo dinamita bajo el gimnasio mientras todos están congregados practicando los ritos mágicos para obtener la caspa de ganador, es decir las porras. Se sienten vibras premonitorias de la masacre de Columbine y todas las que han venido después que ya se volvieron costumbre.

 

Secuéstrame pero no me dejes

Buffalo 66 (!998 dir. Vincent Gallo guión Vincent Gallo y Alison Bagnall) es una auténtica obra maestra que presenta una historia de diferentes personajes que se puede decir están secuestrados o presos. Billy Brown (Vincent Gallo) sale de la cárcel pero sigue atrapado por su odio a un pateador de los Bills de Buffalo a quien quiere darle un tiro antes de suicidarse. La afición por su equipo de futbol es para él peor que la prisión.

Sólo el amor puede salvar a Billy y no hay tiempo de pedir permisos.

Hay dos temas tabú que salen a relucir en la película: La mamá que odia al hijo y la mujer que se enamora del tipo que se la lleva por la fuerza. Hay incels, humor, una canción de King Crimson, sale Christina Ricci y también se puede ver a Rosanna Arquette. Una historia original, perfecta. 

El Dios Miope

En Blade Runner (dir. Ridley Scott, guión Hampton Fancher, David Peoples, basado en una historia de Phillip K. Dick.) los ojos representan el alma pues observándolos al hacer la prueba Voight - Kampff se puede saber si alguien es humano o replicante.

La película abre con un close up de un ojo y la pirámide del nuevo Dios-Humano que no es un faraón sino el fundador de la corporación Tyrrell fabricante de los más avanzados modelos de replicantes.

Que sin embargo es muy limitado en su visión, por lo que tiene que usar gruesos lentes, y también en el amor por sus creaturas a quienes sólo deja vivir sólo unos pocos años, lo que facilita tenerlos como esclavos.

Su castigo será que le arrancarán los ojos.

¿Pero porqué habría que darles más vida a los replicantes?

Porque han visto cosas que los humanos no podrían ni creer: Naves ardiendo sobre el hombra de Orión, rayos c en la puerta de Tannhauser.

Es una lucha entre las creaturas de los viejos y los nuevos dioses que culmina en el amor de Rachel (Sean Young) y Deckard (Harrison Ford) que supera el problema del poco tiempo, lo trasciende.

Planetas del mal

Una curiosidad de El Planeta de los Vampiros (1965 dir. Mario Bava guión Barry Sullivan, Norma Bengell, Angel Aranda) es que no sale ningún vampiro. Lo que hay son unos entes, que son como luces, que se apoderan de los cuerpos de los muertos. O sea para hablar en estrictos términos técnicos son entes con poder zombificador. Pero no sólo eso también pueden apoderarse de la voluntad de los vivos. Y sale a relucir la palabra "inconsciente".

Parece sin embargo que el propio planeta, que se llama Aura, es malo. Para empezar atrapa a los tripulantes de las naves espaciales que serán zombificados a través de la gravedad pero no una gravedad "normal" sino una como gravedad manipulada. Los viajeros del espacio sin duda expertos en esos temas, dicen nunca haberse topado con algo así.

Es un planeta de donde sale una señal, cuál canto de sirena, pero las naves que se acercan no pueden ver nada. Hasta que es demasiado tarde.

Creo que puede ser considerado un antecedente del planeta Solaris (Solaris 1972) que atrapa a la gente gracias a su acceso a la mente, descubre las debilidades de cada uno y les receta sueños que funcionan como pastilla azul de la matrix.

Por otro lado lo de revivir muertos y usarlos en conflictos interplanetarios ya se había visto en Plan 9 del Espacio Exterior.

Es como si el Planeta de los Vampiros fuera un eslabón entre la súpercampy película de Ed Wood y la super artística Solaris de Tarkovsky.

El planeta Solaris seduce a la gente, como un vampiro, pero no sale ningúno. En Plan 9 tampoco hay "técnicamente" vampiros, pero sale Bela Lugosi, uno de los más famosos intérpretes de Drácula de la historia y Maila Nurmi, mejor conocida como "Vampira", que se viste como vampiresa, parece vampiresa, tiene colmillos de chupasangre. Pero se comporta como zombi en la película, como una zombi disfrazada de vampiro.

Parecen dos casos de películas que traen pegado el tema de los vampiros, pero sólo eso pues en realidad se trata de zombis. Y de planetas malignos. Como en la astrología.

Solaris ya no necesita vampiros ni zombis, pues el ente maligno que se mete a la mente de las personas y los atrapa como sirena, es el planeta mismo.

Muerte de un perfeccionista

Los dos personajes principales de Un Día de Furia (dir. Joel Schumacher, guión Ebbe Roe Smith) tienen mucho en común pero destinos opuestos. Bill Foster (Michael Douglas) se suicida prácticamente haciendo que Prendergast (Robert Duvall) lo mate. Este en cambio acaba sonriente en una fiesta infantil.

Los dos han perdido hijos, el de Prendergast murió y Bill no puede ver a su hija pues tiene una orden de restricción que le puso su esposa que le impide acercarse a ella o a su hijo.

Ambos se han quedado sin trabajo, a Bill Foster lo despidieron y el sargento Martin Prendergast está en su último día de trabajo tras solicitar su retiro anticipado. Al final dice que sigue siendo un policía así que quizá se quede.

Bill está en su día de furia pero vemos que es un tipo educado, con buenos modales, que tiene serios problemas con su exposa pero nunca la ha golpeado, es escrupuloso para pagar sus compras y dice que siempre ha hecho lo que le han dicho que tiene que hacer.

A ninguno de los dos les gusta como va el mundo.

Pero mientras que Prendergast es un tipo adaptado Bill ya lo ha perdido todo, su caminata desde que abandona su coche en un embotellamiento hasta que cae muerto en el mar es su paseo de despedida.

¿Pero porqué Prendergast se adapta y Bill no? En la película hay muchas señales de que el problema de Bill es el perfeccionismo. En cambio Prendergast es un tipo flexible.

Desde el arranque de la película vemos que a Bill Foster pequeñas cosas lo están sacando de quicio: el tráfico, el calor, la gente en los otros autos, las calcomanías en sus coches, un garfield pegado a una ventana.

Después una lata de coca cola que le quieren vender a 85 centavos cuando a él le parece que debería costar 50 centavos. Y el dependiente de la tienda ni siquiera pronuncia bien "cents".

Cuando Prendergast inspecciona el cuarto de Bill le llama la atención su limpieza y orden. Bill es un ingeniero y tiene muy bien ordenados instrumentos como compases para su trabajo.

En otra parte de la casa al sargento le llama la atención una jirafa de vidrio a la que le parece que se le ha derretido el cuello, la mamá de Bill le aclara que tiene el cuello así porque está tomando agua.

El, al contrario de Bill, es flexible como esa jirafa.

Se va a retirar antes a pesar de que no recibirá completa su pensión para irse a vivir a un supuesto lago que según él no es más que un montón de lodo pero a su esposa le gusta.

Sus compañeros le rellenan un cajón con arena para gato con todo y cacas pero él lo toma con humor. también le hacen un pastel donde escriben su nombre, pero incompleto.

Y ha dejado que crean que es un poli con miedo también por su esposa que prefiere que él trabaje en un escritorio.

Es flexible pero con límites, cuando la esposa le dice que se está desangrando porque la arañó el gato le pone un alto. Pero después a un tipo que le falta el respeto a su mujer y le da un puñetazo.

Es un poli mal pagado y tiene que lidiar con escoria todos los días, en eso están de acuerdo él y Bill, la gente es escoria.

Pero él se adapta, Bill no, y se muere.

El FICUNAM y su altarcito a la Santa Muerte

Según Maximiliano Cruz director artístico del FICUNAM este es un festival dedicado al cine crítico y no para películas que buscan que la gente salga a comprar la "merch" de la peli. Y que bueno que sea así porque de cualquier modo esas películas que quieren vender merch no creo que las prestarían tan fácil para el FICUNAM.

Pero la definición de cine crítico no es tan fácil. Están los que dicen que arte que no es innovativo formalmente es conformista/conservador/ prohegemónico etcetcetc (Estas etcéteras son anticonformistas) pero ya sabemos lo que sucede cuando se busca la inovación formal por sí misma. En lo personal recuerdo a una excompañera de banca que quería hacer una película toda de cabeza, o sea con el piso arriba y lo de arriba abajo - porque nadie lo había hecho -. Y en el FICUNAM ha habido mucho de eso, el director anterior Roger Kozas, el "sueños" Kozas llegó a poner cosas como una película donde se ve a gente durmiendo. Que el colmo es que eso no tiene nada de innovador, Andy Warhol hizo una película que consistía en ver durante horas a un poeta amigo suyo durmiendo.

También se puede entender al cine crítico como el cine de denuncia. Pero eso tampoco aclara las cosas del todo. Y pongo dos ejemplos, tan sólo como eso, ejemplos, de controversias, dentro de la izquierda, de lo que se puede entender como cine de denuncia. Uno es el filósofo marxista, Zizek. Ajonjolí de todos los moles críticos, que dice que la obsesion identitaria de nuestro tiempo es una parte del sistema y por lo tanto feminismos, elegebeteísmos, antigordofóbicos, antiislamofóbicos, antifobifobicos y demás están luchando a favor del sistema y no contra él. Conste eso dice él no yo. Y luego está Mark Fischer, alias K Punk; el filósofo, crítico cultural, bloguero y demás; tan de moda actualmente pero que estaba en contra de la cultura de la cancelación. Es decir contra la idea de pedir la cabeza de cualquiera que haga un comentario racista o misógino o sexista o clasista o lo que sea.

Yo en lo personal critico a los que critican mi estilo de crítica de cine que porque esta debe de ser sobre las actuaciones, la realización, el lenguaje cinematográfico y en resumidas cuentas sobre lo audiovisual y sólo lo audiovisual dejando fuera a la historia, la trama y por lo tanto al guión. Que porque eso es ponerse literario con el cine y eso es pecado mortal. Además de que es tentar, y eso lo es lo menos, a los viejos demonios sicoanalíticos y con ellos a los del yo y del ser. Que Foucault nos proteja.

De cualquier manera, aunque cuando se pone la crítica por delante de las películas a mí me da desconfianza, fui a ver algunas de las películas que compiten en la sección Ahora México del FICUNAM. Una me gustó mucho, "El Mirador", una película con una estructura narrativa original pero sin dejar de contar una historia.

Otra que me sorprendió fue "Río de Sapos", un documental que es un altarcito audiovisual a la Santa Muerte. No me sorprendió el documental en sí sino que estuviera en festival de "cine crítico".

Porque no es una visión crítica o histórica o antropológica del culto a la Santa Muerte. La propia productora del documental lo dijo en la sesión de preguntas y respuestas tras la función de prensa. Que no querían hacer un documental antropológico. Se nota. Que querían hacer algo más personal, más visceral. Pues lo lograron.

Así que la Santa Muerte no sólo ya entró a morena, también a la UNAM vía su festival de cine. Es un altar... perdón documental que tardó años en hacerse y contó para su realización con la ayuda de numerosas fundaciones nacionales y extranjeras, incluyendo una fundación árabe que aparece como coproductora.

Independientemente de lo que cada quien opine o piense de la Santa Muerte yo me pregunto ¿En dónde está aquí el lado crítico?

Yo no lo veo, pero encuentro otra evidencia para alimentar mis sospechas de que atrás de quienes ponen lo crítico por delante en temas artísticos siempre se esconde un aspecto arcaico.

Como ya dije fui a algunas de las películas de la sección Ahora México del FICUNAM pero a otras no pude ir. Y antes de una función, de las que sí fui, la comisión federal de electricidad avisó antes de empezar que iban a cortar la luz así que la función se suspendió. En otro par de ocasiones no pude llegar por las manifestaciones de la CNTE. Lo que me recordó la sesión de preguntas después de "Río de Sapos". Una reportera preguntó cuál había sido la experiencia sobrenatural más impactante durante su producción. Asumiendo que al hacer un documental sobre la Santa Muerte habrá sucesos sobrenaturales difíciles de explicar. La productora dijo que varios pero destacó que cuando intentaban hacer una toma con un dron que debía volar hasta parase enfrente de la imagen cadavérica siempre fallaba algo. Hasta que decidieron pedirle permiso a la Santa Muerte y entonces sí, la toma salió a la primera. Pero que como esas muchas cosas hasta en la postproducción donde ni el quicktime funcionaba si no se le pedía permiso antes a la "niña blanca".  

Entonces lo entendí: No pude ver bien las pelis del FICUNAM porque antes no le pedí permiso a los antiguos espíritus de la crítica posmoderna.

Es obvio.

Entrele al narco y solucione los problemas de infertilidad e infidelidad de su matrimonio

Es bien sabido que los hombres con aspecto de que acaban de salir del reclusorio, o que van que vuelan para allá, tienen mucho éxito con las mujeres. Pero lo que Brawl on Cell Block 99 (2017 dir y guión Craig Zahler) nos presenta va más allá: La historia va de un matrimonio a punto de dejar de serlo. Ella (Jennifer Carpenter) le ha estado poniendo el cuerno y además no han podido tener hijos.

Entonces él (Vince Vaughn ) anuncia que le va a entrar al narco ¡Y pum! Lo siguiente que sabemos es que ya dejaron su casita y viven ahora en una casota y esperan una bebé, la "koalita".

Bradley el marido es ahora un súper amoroso futuro padre que ni siquiera deja que la koala, la mamá de la koalita, corte una ensalada con un cuchillo porque no se vaya a cortar.

Pero las cosas se van a complicar, como de costumbre, y Bradley acabará peleando, con los puños, por su koalita.

Es una historia que mantiene el interés y la tensión de principio a fin, con buenos diálogos. Además tiene algo de tono crudo pero realista atractivo. Pero sólo algo y no hasta el final. Ya para cuando Bradley cae en una cárcel de máxima seguridad y el director de esta carcel (Don Johnson) sale a recibirlo a la calle la cosa ya es totalmente fantasiosa.

Tanto así como cuando al final la koala se pone el celular en la barriga para que Bradley hable con la koalita.

Sí, son muy divertidas las películas de madrazos cuando están bien hechas.

Pero detesto el mensaje de que todo lo hacen por amor, casi siempre, a una niña. Parece que ni siquiera dan permisos para poner a un niño en vez de a una niña.

Me recuerdan a los políticos que dicen que roban por amor a su familia. 

Los he oído.

No, los políticos corruptos no son así por amor y no hay narcos que en el fondo sean caballeros medievales, que dizque no se meten con los "civiles" y que son de lo más honorables.

Los malandros no van a ser brutales con unos pero dulces contigo.

Ah, y otro tip: Antes de comprarle una nueva casa a una esposa infiel habría que pensar si así se salvará el matrimonio o si sólo se está poniendo mejor la escenografía para los encuentros con los amantes.

Héroes pornográficos contra los ancestros asesinos

Pearl (Dirección Ti West, guión Ti West y Mia Goth) es una precuela de X (Dir. y guión Ti West) y son dos películas que presentan una historia conjunta de guerra generacional sin tratarse de generaciones específicas. En Pearl, la protagonista (Mia Goth ) que da nombre a la película es una joven mujer cuyo esposo Howard (Alistair Sewell) se fue a la primera guerra mundial dejándola sola en la guerra contra su madre (Tandi Wright) y el bulto de su padre (Matthew Sunderland), que está completamente paralizado.

En X el conflicto es por un lado entre Pearl (Mia Goth otra vez ) y Howard (Ahora interpretado por Sthepen Ure) que quien sabe qué generación serán. Se supone que Howard fue a la primera y a la segunda guerra mundial. Los que pelearon en la segunda guerra mundial son llamados la generación G.I. o también la "greatest generation" aunque como Howard estuvo también en la primer guerra mundial supongo que es de una generación anterior.

Pero el pleito ahora es con unos boomers, y su jefe. Aquí Mia Goth interpreta a la Pearl anciana y también a Maxine, una joven con muchas semejanzas con la joven Pearl. Y aquí la vieja Pearl es la villana. Una villana muy peculiar. Y el pleito generacional es a muerte. Muerte estilo slasher clásico: Jovenes llegan al bosque, tienen sexo y aparecen, son dos en este caso, unos psicópatas asesinos.

Y el bosque es el tenebroso territorio rural de los fanáticos de los teleevangelistas.

Entonces la precuela nos cuenta que le pasó a Pearl, que pasó de ser una joven soñadora a ser una asesina. Una asesina amargada además.

El esposo por cierto no es importante más que como una especie de instrumento de ella.

La historia de Pearl presenta al menos dos niveles, en el externo Pearl odiaba su vida trabajando en la granja familiar bajo el yugo de su madre puritana e inflexible y cuidando a su padre - bulto.

Nos enteramos que su primer plan para escapar era casarse con Howard, que venía de una familia con mejor posición económica. Pero en vez de que él se la llevara a su mundo, Howard lo que quería era irse a vivir al de ella, es decir trabajar en una granja. Y después se fue a la guerra aunque lo pudo haber evitado.

El segundo plan era que el proyeccionista de cine del pueblo se la llevara a Europa. Cosa que tampoco sucede.

Generalmente aquí es donde se pone alerta de spoilers pero como se trata de una precuela no tiene mucho caso: Después de ver X sabemos que el plan de Pearl de ser una bailarina tampoco va a funcionar.

Y hay también una historia interna, sicológica, de Pearl.

Por un lado ella se siente especial, una estrella, que merece más de la vida y que quiere ser vista.

Por otro lado odia que la vean, está acomplejada y la envidia la corroe.

Este lado obscuro está representado por cierto regalo que le dan que se acaba pudriendo, por sus padres, especialmente después de muertos, y por su gusto por "alimentar al caimán".

Esta historia sicológica de Pearl es realmente la central y no lo externo pues como le dice el proyeccionista de cine "pasando la puerta hay un camino que lleva a Nueva York."

En X la joven soñadora que quiere que la vean pero odia que la vean es Maxine. Sólo que su sueño no es bailar (según la mamá de Pearl "con putas de la ciudad") y que la vean en salas de cine. Maxine quiere ser una estrella porno y que la gente vea sus películas en las videocaseteras que están empezando a salir.

En los años setentas Pearl aparte de haberse vuelto anciana se la pasa viendo teleevangelistas lo cual no evita que mate ni ha detenido su bisexualidad, tema que parece claramente puesto para decir que no sólo a los jovenes les da por esas cosas. Pero que no aparece en la precuela.

Lo que si parece quedar explicado en la precuela es la razón por la que a ella no le gustan las rubias.

Pero para eso mejor vean las películas.

A mí me gustó más X, me gustó mucho de hecho, Pearl menos pero es buena de todos modos y si ven X van a querer ver Pearl. Y habrá que ver MaXXXine, que se estrena el 5 de Julio para saber que sucede con esta aspirante a estrella porno. Ti West sin duda es un cineasta con el don para contar historias. Y además al parecer también puede hacerlas película en tiempo récord.

Son producciones de A24 especialistas en encontrar nuevo talento y parece que Ti West, junto con Mia Goth, han pegado con tubo con estas peliculas.

Espejismos en el desierto

El Mirador (Dirección Diego Hernández, Guión Diego Hernández y Melissa Castañeda 2024) película que compite en la sección Ahora México del FICUNAM 2024 podría ser descrita como una docuficción dentro de una docuficción... que al final además rompe la cuarta pared.

Es una ficción con actores que se representan a si mismos haciendo una película de docuficción. Ficción que envuelve una ficción en donde hay un documental en el que se buscan testigos de la violencia en Tijuana. Especialmente testigos de la balacera en "la cúpula". Una balacera histórico alrededor de una construcción en forma de cúpula.

Y es una "love letter" a Tijuana. La frase la dice un personaje que producirá una docuficción sobre esa ciudad. Considerando la fluidez entre realidad y ficción que hay aquí como con un muro fronterizo poco sólido dividiéndolas, pues eso de la "love letter" parece quedar muy bien como descripción de las intenciones reales.

Sólo que la Tijuana de El Mirador parece a primera vista intercambiable con muchos lugares, la realidad que presenta no es muy diferente de la de otras partes de México y seguramente también de fuera del país.

Empezando por los personajes: Un empleado de call center y una chofer de Uber. Que quieren ser actores.

Pues no son perfiles particulares de Tijuana y la violencia tampoco lo es.

Lo que resulta más particular lo revela otra ficción dentro de la ficción: En un ejercicio de improvisación los personajes deben interpretar una pequeña historia que suceda en el desierto, en una maquiladora y en Hollywood.

Esos sí que son temas de la frontera: El desierto, las maquiladoras y el sueño americano.

Y nos habla de los personajes que están en el desierto, trabajan en un call center, que es como una maquiladora moderna y el agua que buscan es vivir en un edificio con alberca como el productor de la película dentro de la película o el oro de las inversiones de la educación para invertir en criptomonedas que se obtiene haciendo que otros inviertan en esa educación en criptomonedas. O la fama y la fortuna en la actuación.

Y las cosas parecen ir bien pero hay hoyitos inquietantes como el hoyo en la ventana del baño de una casa cerca de la cúpula. Una adolescente que era niña cuando fue la famosa balacera se da cuenta que es un hoyo de bala. Pero su familia dice que el hoyo lo hizo una piedra. Historia que ella sabe que es absurda. O el hoyo en el carter del coche de la chofer de Uber por donde se le sale el aceite. O como la llamada que hace el empleado del call center a una persona acerca de una deuda y le dicen que no saben de que está hablando y cuando quiere hablar con su jefe acerca de eso resulta que no hay nadie.

Hoyos en la realidad del desierto. Pero los balazos son muy reales. El agua en cambio siempre puede ser un espejismo en el juego de espejos de El Mirador.

Mounstruosidad mata bonitez horrífica

Según yo, la interpretación de Eraserhead como sueño puede ser la siguiente: Los mounstritos y el mounstrito bebé que son como gusanos o espermatozoides pero con cara de animal sin piel son productos de la cabeza de eraserhead. El primero aparece saliendo de su boca. Queda la duda de si tuvo sexo con la mujer con la que procreó al hijo mounstrito. Porque más bien salió de su boca. Sus órganos son los pollos "hechos por el hombre". De hecho el mounstrito necesita vendas para amarrar sus órganos, es un mounstrito artificial. ¿Y qué monstruos salen de la cabeza? Los pensamientos. Las cabezas en esta película son explosivas, desbordadas, como el pelo de eraserhead, como la cabeza del mounstrito. Frente a los entes que salen de la cabeza está la mujer del radiador, que los aplasta. Ella es el cielo, una luz cegadora. "En el cielo no hay problemas" canta ella. Pero también es deforme. Es como si los monstruos de la cabeza reprensentaran las pastillas roja y ella la pastilla azul de The Matrix. Por feos que sean los gusanos sin piel, la mujer del radiador que se presenta como escape, parece una trampa, una salida a un camino sin retorno.

El demonio extraterrestre y la mujer prohibida

Battlefield Earth (2000) Campo de Batalla: La Tierra /Batalla Final: Tierra. Dir. Roger Christian, Guión: David Shapiro y Corey Mandell basada en la novela de L.Ron Hubbard, es una película ganadora de una buena cantidad de premios, como peor película. De hecho es considerada uno de los grandes fracasos de la historia del cine, y es que es una gran producción que cuenta mal una mala historia. Además es una típica película de los ochentas, con salvajes a la Conan, postapocalíptica a la Mad Max, y también con salvajes que viven entre rejas entre las ruinas de viejas ciudades estilo Escape de Nueva York. Y con un elegido para luchar contra un enemigo con superioridad tecnológica a la Terminator. Pero sin llegarle ni a los talones a ninguno de esos clásicos. De hecho la novela original de Ron Hubbard, el señor dianética, se publicó en el 82 y la película salió hasta el 2000.

El colmo es que se anunció que la película sería "como Star Wars, sólo que mejor" y es evidente que imita a la guerra de las galaxias. Desde la música, la batalla para destruir a la estrella de la muerte, la destrucción completa de un planeta, tema que también sale en películas como Oppenheimer o Plan 9 del espacio exterior, de las que escribí aquí.

Sólo que en lo de destruir un planeta completo esta historia se sitúa en el lado opuesto de star wars pues ahí los malos los planetas de los buenos y aquí es al revés. Y lo van a hacer quemando la atmósfera con un arma nuclear, posibilidad que se explica en Oppenheimer.

Otra cosa en común con star wars es que ahí, el padre, ( que por cierto vader es padre en holandés, no es necesario estirar mucho la liga para interpretar a Darth Vader como un padre negro) le corta la mano a su hijo Luke y aquí Terl (John Travolta) se la corta a su asistente y aprendiz, el negro (Forest Withaker) Ker.

Y este es apenas uno de los temas "edípicos" de la película pues aquí el Luke Skywalker se llama Johnny Goodboy (Barry Pepper) que se le rebela al anciano líder de su tribu. Y Terl es castigado por meterse con la hija de un poderoso político, lo que hace que también se rebele y para eso primero debe quitar el poder a su decrépito y corrupto jefe directo.

Pero para acabar con sus superiores necesita la ayuda de los de abajo. Aquí el personaje principal no es el Luke Skywalker región 4 Johnny Goodboy. Esta es la historia de Terl. Por algo es el personaje que interpreta Travolta que fue uno de los productores de la película y su principal impulsor. Y claro está, Terl es la cara que acapara los posters y toda la publicidad de la película.

A nivel historia Johnny Goodboy y los rebeldes no habrían podido hacer nada si no fuera porque Terl decidió educar a Johnny para sus propios fines.

En realidad la historia es la de Terl, descendiente de un ilustre linaje según sus propias palabras, que fue educado para "conquistar galaxias" y que por meterse con la hija de un poderoso político es castigado con un puestucho secundario del que no lo piensan mover. 

Para arreglar su situación Terl planea robarse una gran cantidad de oro pero para eso necesita al "animal humano" Johnny y hace algo que está prohibidísimo: Pone a Johnny en una máquina que mete conocimiento directamente en su cabeza. Curiosamente un famoso libro medieval, el Ars Notoria, prometía hacer lo mismo: Meter conocimiento directamente en la cabeza de la gente, en el Ars Notoria venían los rituales que había que hacer para conseguir el "conocimiento total" y sobre todo las imágenes que había que ver para que el conocimiento fluyera mágicamente, como la luz que se mete a la cabeza de Johnny desde la máquina de los psychlos. Uno de los que atacaron al Ars Notoria fue el famosísimo Santo Tomás de Aquino, el santo patrono de los intelectuales católicos y doctor de la Universidad de París. Y no parece una simple coincidencia.  En el siglo XIII la Universidad de París empezaba a destacar y sus egresados progresaban económicamente y por eso seguramente el Ars Notoria se volvió popular entre la gente que no podía ir a la Universidad.  Que era inaccesible, absolutamente incosteable para la mayoria. Y aquí en esta historia el aristócrata Terl no para de hablar de la Academia, en donde sacó muy buenas notas y donde fue el mejor tirador y explica que por lo tanto es injusto que no lo asciedan de puesto. Inclusive ya al final sin saber que Johnny ahora tiene el poder le dice que su cabeza acabará colgada en un muro de la academia.

Pero es que claro, una máquina que mete conocimientos automáticamente en la cabeza no puede ser buena para los egresados de las academias. Pero el necio Terl no hizo caso y acabó mal, prisionero de los que aprendieron sin graduarse. Y de su subalterno negro, al que decía estar entrenando.

Al principio de la historia a Johnny le explican que una estatua es nada menos que un Dios que se enamoró de una humana. Lo cual estaba prohibido así que lo convirtieron en estatua por desobedecer. Terl acabó sin un brazo y preso y su desgracia también fue por meterse con una mujer prohibida, aunque él no era Dios, sino demonio, al menos según los humanos.

Acaba siendo muy paradójico una historia tan edípica de parte de Ron Hubbard, enemigo de la siquiatría, tanto así que aquí a los "demonios" les puso "psychlos."

El señor Heineken no tiene con quien echarse unas frías

El Caso Heineken ( 2015 Dir. Daniel Alfredson, guión William Brookfield basado en la novela de Peter R. de Vries)  es lo que se llama una "heist movie", el género de las películas de atracos. En este caso se trata de un secuestro. Aunque para tener dinero para hacer el secuestro del magnate de la cerveza Heineken como dios manda primero tuvieron que asaltar un banco. No querían parecer una banda pequeña, querían que la policía creyera que eran de la mafia o de la organización terrorista alemana Baader - Meinhof que porque con ellos no se meten.

La película busca despertar en el espectador la simpatía por los audaces criminales. Los polis casi ni aparecen. Y los secuestradores no son tan malos, tienen familia, de hecho la historia empieza con tomas del bebé de uno de ellos (Como es bien sabido los solteros somos considerados desechables). Además primero intentaron hacer negocios lícitos, sólo que había una crisis económica, eran socios de una empresa que quebró y no tenían acceso a crédito porque unos paracaidistas, okupas, squatters, tenían invadido el edificio de su propiedad que podían dejar como garantía. Después de que tras intentar desalojar a golpes a los invasores, fueron ellos los que quedaron detenidos, decidieron irse por el camino del mal. 

Pero no lastimaron a nadie. Al señor Heineken (Anthony Hopkins) le daban de comer lo que les pedía, le llevaban libros para que no se aburriera y hasta le ponían música de su agrado. Además de que planearon muy bien su golpe.Y encima de todo eran amigos. ¿Cómo no los va uno a querer? El señor Heineken inclusive le dice al líder de la banda, Cor (Jim Sturgess) , que le envidia eso, que tiene buenos amigos, que porque en la vida no se puede tener mucho dinero y muchos amigos, como si el hombre detrás de la cerveza Heineken no tuviera con quien echarse unas chelas.

En la vida real, cuatro años después de que salió esta película, Willeem Holleeder, el personaje que interpreta Sam Worthington fue senteciado por mandar asesinar a Cor, que era su cuñado, (SPOILER adelante) de echo se supone que a ellos dos los agarran porque Cor le llama a su esposa embarazada, la hermana de Willeem. Algo que él le había advertido que no hiciera. Según se dice al final de la película la policía nunca logró encontrar todo el dinero del rescate que fue el mayor de la historia hasta ese momento. Pero quizá Cor debió hacer caso al señor Heineken y mejor escoger tener amigos.

El pájaro petirojo del amor y el escarabajo de la locura

La historia de terciopelo azul ( Dirección y Guión David Lynch 1986) es de contrastes y símbolos muy nítidos. Claramente definidos. Como las cercas bien pintadas de Lumberton. Y sus flores de colores firmes.

La manguera que se atora es como el sistema cardiovascular del que riega que está a punto de descomponerse y dejar de funcionar.

Y tan claro como los detalles es la historia, que en el fondo se trata del contrate entre el amor, simbolizado por los pájaros, la propia Sandy Williams el personaje de Laura Dern nos lo dice al contarnos su sueño de los pájaros; con los escarabajos.

¿Pero que significan estos insectos? Podría ser la violencia pero no creo, esa más bien está representada por el fuego. Que se prende cuando Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan ) golpea a Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Y en otros momentos de violencia.

Los escarabajos aparecen primero cuando el padre de Jeffrey cae al pasto tras lo que parece un accidente cardiovascular, y son como una revelación. Vemos lo que había estado velado bajo el pasto, las flores y las bardas blancas. Y son apenas el anuncio de lo que está escondido detrás de esa América de bomberos sonrientes y canciones melosas como el terciopelo azul.

Jeffrey jugará al detective, o más bien, al fumigador de plagas. El "bug boy" encargado de los insectos y buscando en los rincones de la cocina va a encontrar violencia, corrupción, pero sobre todo locura.

Justo en el departamento de la cantante de la inocente, melosa y nostálgica Blue Velvet.

Esa combinación de violencia y suavidad que acostumbra Nicolas Winding Refn ya estaba en terciopelo azul. En la cantante exquisita a la que le gusta que le peguen, en el matón Jack Booth (Dennis Hopper) que llora con las canciones románticas y llama cartas de amor a los balazos. Y en ese personaje bizarro, pero genial, Ben, el "elegante", el "suave" Ben (Dean Stocwell en una actuación tan breve como inolvidable), que parece un opiómano no sólo imperturbable sino tieso como momia pero que no por eso deja de sorrajarle un puñetazo a Jeffrey.

La locura sin embargo me parece es aquí la madre de todos los escarabajos, la violencia y la corrupción parecen secundarias a su lado.

Ella es la que se esconde detrás de los terciopelos rojos que se agitan inquietantes, la que aparece en la sala rojiza de Dorothy.

La locura representada por Jack Booth y Dorothy Vallens es el gran escarabajo que se comerá al final el pájaro del amor pero no porque sea su contrario. Más bien es su comida, como la tierra para los pastos de los jardines de Lumberton. O de América. O del mundo.

El demonio que rezaba el rosario

Hellboy (2004) podría ser considerada una película católica. Empieza con un personaje al pie de un cristo crucificado empuñando un rosario frente a las fuerzas del mal y al final ese mismo rosario salvará a Hellboy de ser vencido por las fuerzas infernales.

Además contra los demonios también se usan reliquias que están en balas - relicarios que incluyen agua bendita. 

Y para empezar, lo de poner demonios a trabajar para alguien, o para uno, era algo común en la iglesia católica. Bueno, claro, no hacer eso, sino decir que hacían eso. A los religiosos que ofrecían esos trabajos de magia negra, los historiadores ahora les llaman necromancers clericales. Aunque no sólo en el catolicismo hubo esa costumbre, al parecer lo de esclavizar y obligar demonios a servirle a la gente viene del judaísmo y en general del antiguo medio oriente. Lo de los demonios que se incuban como larvas o gusanos también es algo de lo que ya se hablaba en la edad media, eso viene en De Operatione Daemonum, un libro sobre demonios del siglo XI de un tal Michael Sellus, texto que parece haber influído en el Necronomicón de Lovecraft.

En lo que respecta a las reliquias; rendir culto, y esperar milagros, de los huesos de cristo o de algún santo o de cualquier cosa que fue de ellos, o con la que estuvieron en contacto, como lo de la lanza con la que se hirió a cristo en la cruz es, claro está, una especie de fetichismo que también sale a relucir en esta película cuando en el museo de reproducciones resulta que había una escultura que no era una reproducción, era original, y en esa precisamente, venía un demonio escondido.

Aprovechando el viaje se mitifica a Hitler, que no pudo estar en una sociedad ocultista de aristócratas pues no era un aristócrata. Y luego eso de que murió hasta los años cincuentas...

Al final toda la película queda enmarcada en un tema como de superación personal, la historia del demonio que se convierte en hombre. Pero lo que se es no se puede cambiar. Es una cuestión de lógica. Si lo que se es deja de ser pues es que no era. Por eso los transexuales dicen que el género no es real y los que hablan de la autoestima y la autosuperación dicen que uno es lo que cree que es o sea que tampoco creen en un verdadero ser. La filosofía posmoderna niega también la existencia del ser.

Pero Hellboy se supone que sí es un demonio ¿cómo qué se convierte en hombre?

Que no mamen.

La virtud del que nunca pasa la pelota

La Sociedad de la Nieve comienza con una escena de un juego de rugby en donde a un jugador por más que le gritan que pase el balón sigue corriendo y hace perder el juego a su equipo. Al final, este jugador personalista, Roberto, junto con otro, Nando, serán la última esperanza del equipo, los Old Christians, que jugarán por su vida frente a la cordillera de los andes.

El héroe de la película sin embargo es Nando pues además de que él y Roberto son los que tienen mejores piernas y por eso son los que salen en busca de ayuda, Nando es el que logra ver la salida.

Como el jugador que ve por donde hacer la anotación.

Mientras otros se sacrifican por el equipo: 

"Muchachos me voy a morir, pueden comerme si tienen hambre, no hay pex. Comed de mi carne y bebed de mi sangre que no hay fijón."

Hay un tema religioso que recorre la película, un tema que empieza por lo que NO sucede en la película, que es que ninguno de los Old Christians recurre a la religión enmedio de su predicamento. Ni siquiera Numa, a quien tienen que sacar de misa para que se una al grupo en el viaje. Y que así pasa de oir de las tentaciones de Jesús en el desierto con arena, calor infernal y demonio, al desierto helado donde lo tentará el canibalismo. Algo que no está prohibido en los evangelios. Al revés, eso de comerse a Cristo suena como a un resabio de esa antigua práctica.

Entonces nadie reza. Al contrario, alguien dice que ya no cree en "ese" Dios. En otro diálogo otro sobreviviente le pide a los mayores que no hablen de fe frente a los de menor edad como si eso fuera fatal.

Es una película que se la pasa tratando de dar un mensaje trascendente. Se entiende esa tentación tratándose de una historia que funciona como una especie de experiencia cercana a la muerte. Y para quienes daban por muertos a los perdidos, como una resurrección.

Pero eso de que el sentido de la vida somos nosotros los que estuvimos en la montaña luchando por la vida no tiene sentido. En cambio, si en lugar de buscar mensajes sobre la trascendencia y el más allá, vemos lo que dice la experiencia de ese equipo de rugby sobre la sobrevivencia en el más acá, entonces la moraleja es clara: Que esos jugadores mamones y engreidos que nunca pasan el balón, que fallan una y otra vez, pero que son los que hacen las anotaciones, que esos son los indispensables.

¿Pero quién es uno para juzgar?

Good Boy es una película danesa de 2022 que trata un tema de lo más bizarro, extraño y sorprendente, y sin embargo real. Pues incluye un personaje transespecie. O al menos así parece en un principio. Los transespecie son personas que han decidido que se identifican como animales ¿Y quién es uno para decirles que no son un perro, gato, pájaro, o lo qué sea que ellos dicen ser?  

Una chica hace una cita en tinder con un tipo que vive sólo con su perro, Frank, un humano disfrazado como perro que actúa como tal; ella primero se friquea, se saca de onda y no piensa volver a ver al tipo. Pero se trata de un multimillonario y su roomie le dice que no ande de juzgona, por tratarse de un multimillonario, claro. Le enseña videos de los sadomasoquistas que juegan a ser perros, que no es lo mismo que los transespecie, y ella decide darle otra oportunidad.

Sólo que... el dueño del perro puede estar igual o más loco que su perro Frank.

Renovación por medio del fuego

Muy buen video este de High on Fire para el tema Burning Down, que se apega bastante a la letra de la canción: Se trata de un pueblo degenerado que se alimenta de ratas y los desechos de otros. Un grupo de encapuchados van y hacen un ritual que despierta a un dragón que los quemará a todos, particularmente a un viejo de cuya boca (sus palabras, palabras viejas) sale una plaga de insectos.

Hijos del cuarto obscuro

Swung (2010) es una película escocesa que presenta a la promiscuidad como algo peligroso pero curativo. Se trata de una pareja en problemas, él se quedó sin trabajo, ella trabaja en una revista que si no saca artículos que vendan más va a cerrar. Pero principalmente el problema es que a él no se le para. Ni con viagra. Como él está desquehacerado un día se pone a ver páginas de swingers y a ella se le ocurre hacer un reportaje sobre el tema. Así que la pareja mete los pies a la alberca swinger a ver como está el agua. Primero les toca una pareja sin mucho dinero que acaba cogiendo en la cocina enfrente de ellos, que le sacan, pero a él se le para. Luego les toca una pareja con casa grande y bonita ( Me parece significativo que entre más dinero tiene la pareja más se atreven) y ya llegan más lejos. Pero él al final no se anima y ella se va de regreso con él.

Después conocen a una como gurú swinger/ de la promiscuidad, una mujer que ha sido de todo y sin medida como diría el príncipe de la canción, que organiza unas parchangas que harían sonrojar a los romanos, con cuarto oscuro donde nada se ve y todo se vale. De hecho la organizadora quedó embarazada en un cuarto así alguna vez y dió a su hijo en adopción. Pues esta mujer quiensabe como logra, así como dándoles terapia, que ellos puedan coger. Ella se embaraza, el matrimonio podría salvarse pero van como en resbaladilla al cuarto maldito donde podrían perderlo todo ¿qué pasara? ¿lograrán tomar sólo la dosis necesaria de la cura o se ahogarán?

Notó aquí igual que en la película Swingers, que la cosa es que a ella no se la cojan, al menos así parece que funciona el peligroso juego en el columpio swinger del cine. Pero según Swung, el "ambiente swinger" es más potente hasta que el viagra. Y puede salvar revistas.

Blackened

Hay tantas formas de relacionar la primer película de Candyman con el sexo entre mujeres blancas y hombres negros que es evidentemente algo que Clive Barker, quien la escribió y dirigió, hizo deliberadamente.

Y no sólo se trata del sexo en sí, al final Helen se sacrifica y salva a un niño negro.

Además del sexo y sus consecuencias, los niños, hay una venganza contra el esposo blanco e infiel.

Junto a las cosas más obvias, como lo del pasado de Candyman y su amada blanca, y la mirada de Helen cuando está frente a él, está el nombre mismo, Candyman. cualquier guía para interpretar sueños dice que dulces y postres están relacionados con el sexo.

Además el candyman le dice a Helen que le va a doler pero le va a gustar y otras cosas por el estilo.

Desde un principio el marido de Helen como que no veía con buenos ojos que ella estuviera investigando la leyenda urbana de ese negro. Le habían pedido que no hablara de él en sus clases pero el esposo no cooperaba. Otra señal de animosidad entre Helen y los hombres blancos es cuando le dice al amigo del marido que lo van a enterrar.

Y por supuesto ella tiene una amiga negra con la que escribe la tesis, que es como un libro, que dicen que los libros se parecen un poco a los hijos.

Helen además hace que el negro Candyman mate al siquiatra blanco.

Y su departamento es exactamente igual, construido por los mismos, que el del Candyman. Y este está conectado al también idéntico departamento de la mujer negra y el bebé que acabará salvando.

Al final, como dándole la razón al dicho de que "Once you go bleck you never go back" vemos a Helen que parece vivir feliz en ultratumba con su negro, por los siglos de los siglos.

De cuando la lógica acaba desangrada y sin vida, acribillada con argumentos absurdos

Para mi, a Anatomía de una Caída le faltó que en la última escena la mamá sacara de algún lado un piolet (aprovechando la escenografía alpina) manchado con los restos de sangre de su marido.

Después de que al niño le dijeron que debía decidir en que iba a creer y que él dijo a la corte que como no había modo de saber que había pasado había que pensar en porque había pasado....

Y como no se puede decidir en que creer...

Ni se puede concluir que la esposa mató al marido sólo porque estaban peleados...

O que el marido se suicidó porque lo había intentado antes o, peor aún, porque no acababa de remodelar su chalet...

Además de que si los escritores ignorados por los editores se suicidaran así de fácil, escribir sería la ocupación más peligrosa del mundo.

Un simple cambio al final habría arreglado todo pero se prefirió la manipulación del niño ciego que ve la verdad con los ojos de su corazón puro como el agua Evian de los alpes franceses y así salva a su madre.

Matando de paso a la lógica que acaba como el padre muerto en la nieve.

No digo que la mamá se escabechó al gaznápiro padre sino que, si no hay pruebas para saber que pasó, lo razonable sería no dejar al niño ciego que acaba de perder al padre sin mamá también.

Se debería dejar ahí el asunto porque por más motivos que alguien pueda tener para matar o para suicidarse eso no quiere decir que haya matado o se haya suicidado.

Entonces si de todos modos se insistió en continuar un juicio ya sin sentido habría al final una especie de justicia poética haciendo ver que se equivocaron.

Además de que dramáticamente funcionaría mucho mejor ese final.

Lástima.

Solitarios del mal

El Buen Vecino (2022) es de un tipo de películas policiacas muy populares en Europa, hechas para la televisión generalmente, emparentadas con series como la de Inspector Morse. O las historias de Conan Doyle y Agatha Christie.

En El Buen Vecino la historia se desarrolla en Riga, la capital de la república de Letonia y voy a generalizar aquí pero creo que a cualquier mexicano una película como esta nos da la sensación de que sucede en un lugar utópico y perfecto. Todo es bonito ahí y sucede algo increíble, difícil de creer: La policía investiga los crímenes, aunque se trate sólo de una persona atropellada.

Parece un mundo ideal sólo que hay una cosa perturbadora y es ver lo que según esta historia hace que una persona pueda ser considerada anormal y sospechosa.

Resulta que hay un personaje que como su mamá era azafata y no tenía hermanos o hermanas, ni papá por lo visto, pasaba mucho tiempo solo de niño.

¡Y púm! que por estar solo tanto tiempo que se vuelve asesino.

Como que juzgar a los solitarios, y por lo tanto a los inadaptados, de ese modo refleja una mentalidad paranóica, cerrada y poco tolerante.

Es un guión que resulta demasiado genérico. La historia en vez de narrar algo parece que está exponiendo una fórmula. Empezando por el atropellamiento.

Resulta que dos tipos van en su coche por un camino solitario y por cambiarle a la música que vienen oyendo se distraen y matan a una bella mujer letona.

La escena resulta totalmente inconvincente, así de: toma del radio/aparato de sonido del coche, corte a mujer muerta. Ni sangre le pusieron.

Y los asesinatos ya deliberados ni eso, ni siquiera se ven.

El sexo igual, se ven dos cabezas con los cuerpos bajo las cobijas. Suponiendo que películas como estas aunque se exhiban en cines estén planeadas para la televisión abierta, y por lo tanto deban limitarse en cuanto a escenas fuertes, aún así podrían poner un atropellamiento creíble, por ejemplo, o pensar en algún accidente mortal más interesante, con tantas posibilidades que hay para eso. Y no salir con que el asesino se volvió así porque su mamá azafata lo dejaba solo de chiquito.

Quizá a los guionistas les convendría irse un rato solos, aunque se vean sospechosos, a pensar mejor la historia.  

La brutal suavidad

En "Sólo Dios Perdona" (Nicolas Winding Refn 2013) este director nos presenta nuevamente súbitos contrastes entre delicadeza y violencia brutal. En esta ocasión el campeón de este juego es el personaje Chang, un tailandés que elimina a los hermanos Julian y Billy, dos violentos criminales americanos. Y a su madre.

La suave sensibilidad está en las canciones que canta Chang. En la silenciosa contemplación de Julian a la prostituta Mai. Que cuando es interrumpida por un par de ruidosos borrachos sacan su lado violento.

Pero sobre todo el juego en este laberinto oriental se trata de silencio e inmovilidad.

Es fácil adivinar cuando Chang y Julian pelean que el primero ganará pues no mueve un músculo, no pestañea siquiera mientras que Julian camina en círculos y mueve los brazos.

Chang es inmóvil, brutal y justo y a los demás, así sean hiperviolentos criminales gringos no les queda más que morir o pedirle que los corrija por favor.

Una admiración como la del Coronel Kurtz de Apocalipsis Now cuando habla de los vietnamitas que prefieren cortarle un brazo a una niña, donde un americano le ha inyectado una vacuna, que tener algo del enemigo en ellos.

Sólo que entregarse a lo que Chang representa, la férrea disciplina por fuera y la suavidad por dentro puede ser exactamente lo que no necesitan, tomar más de lo mismo que los está matando. Veamos: La familia está en problemas: el hijo que según la madre es pésimo para pelear mató al papá a golpes. El hermano mayor quería a una prostituta de catorce años y luego mató a otra. Eso no es sano. Julian pidió a Mai que se hiciera pasar por su novia ¿porqué? Y se puso a gritar como histérico desequilibrado porque ella le dijo que no le gustó un vestido que le consiguió. Y ni hablar de la forma como la mamá habla de la verga de Billy, suena como a taboo.

Podría ser que la violencia por fuera sea una compensación o síntoma de los problemas por dentro. Quizá lo que necesitaría Julian no es ser más rígido sino moverse más, no quedarse sin brazos.  

Comer es asesinar

Midori Ko es una animación japonesa muy peculiar. Hecha durante años por una sola persona, Keita Kurosaka, con dibujos que cambian radicalmente de estilo, se trata de una niña que no quería comer carne por su amor a los animales. Y le pide a las estrellas que la lleven a vivir al país de los vegetales.

Un mundo que resulta ser lúgubre, tétrico, monstruoso. La niña vive en una pensión y al lado hacen fertilizante así que apesta a caca y esta luego se desborda.

Y los vegetales ahí son muy extraños, con formas caprichosas y uno de ellos con cara humana llega con la niña que adopta como hijo a este como chayote o calabaza humanoide.

Pero todos se lo quieren comer y ella sufre mucho.

Al final un sapo gigante lo devora pero logran sacárselo de la panza. Entonces el vegetal crece y madura, hasta le salen órganos reproductivos. Necesitaba que se lo comieran.

Sólo que entonces su sabor se vuelve irresistible. La niña - mamá primero trata de quitarle de encima a los que se lo comen a mordidas. Pero cuando lo prueba tampoco puede resistirse y quiere comérselo pero ella sola.

Un reportero de pacotilla

Diario de un Skin (España 2005) es una película que está supuestamente basada en la supuesta investigación de un supuesto reportero infiltrado entre un grupo de neonazis españoles.

El verdadero nombre del supuesto reportero no nos lo dicen, aduciendo claro está, que por su seguridad. Sin embargo a juzgar por esta película, y sólo por esta película, porque también hay un libro escrito supuestamente a partir de esta supuesta investigación, pues la verdad es que la historia parece falsa.

Esto debido a que la película no es mas que una serie de lugares comunes. Pero de lo más comunes: El reportero (Chamba intercambiable con policía para estos menesteres) que se infiltra entre los malos para vengar al amigo sin el apoyo de nadie, es más en contra de todos. Incluyendo al jefe obvio, y no podía faltar su mujer que lo va a dejar porque no soporta la tensión. Ella le pide que deje eso pero él no hace caso.

Caray, para salir con esas cosas el reportero mejor hubiera consultado algún tutorial sobre "Como escribir guiones policiacos sin romperse la cabeza".

Eso sí, su información sobre los grupos neonazis es sorprendente como cuando alguien le dice al superreportero infiltrado que esos adoran a Adolfo Hitler. ¡Ostras, que eso no me lo creo! ¡Joder!

No hay nada que no se pueda saber en cinco minutos viendo algún video de youtube sobre neonazis.

Quizá lo único es que aquí los racistas están involucrados en el negocio de tráfico de migrantes adolescentes para explotación sexual.

Que pensándolo un poco no sería tan sorprendente. Los criminales no suelen decirle que no a un negocio por sus firmes principios.

En eso Diario de un Skin sigue la línea de Historia Americana X acusando a los racistas de ni siquiera ser congruentes con su racismo.

Y por cierto estos neonazis ni siquiera se ven tan blancos, como que algunos traen el pantone de piel un poco subido de tono para andar de racistas. El guardia del edificio de Matín Solano, su gran líder, me pareció un negro de primera impresión.

Y el final es.... decir que es absurdo es poco. A nuestro héroe lo han descubierto. lo van a matar y en el último segundo, en el "nick of time" llega la policía a salvarlo. Sólo que apenas acabábamos de ver que la policía no iba a ir porque el jefe estaba en complicidad con el jefe de los neonazis.

Eso ni en los tutoriales para hacer guiones sin romperse el coco es aceptable.

El ego matemático

En UFO (2018) los aliens, que como todos sabemos son los nuevos dioses, dejan un mensaje en el aeropuerto de Cincinnati (Y del norte de Kentucky).

Un joven genio de las matemáticas usa su habilidad con los números para desenmascarar el intento de encubrimiento oficial del incidente y después, con ayuda de su maestra, interpretada por la veterana de asuntos alienígenas Gillian Anderson, descifrar el mensaje.

Este mensaje se presenta como un equivalente del que se lanzó en los 70´s en una sonda espacial. Que fue diseñado por Carl Sagan y Frank Drake, por si algún extraterrestre se lo topa y que, en parte era matemático.

Es un guión que parece hecho por un, o una, matemática, pues presenta su dominio como la inteligencia misma. Es una película llena de matemáticas de principio a fin.

Además de que se supone es la forma de comunicarse con los aliens/dioses.

Siendo así las cosas no extraña que tanto a Derek el genio matemático y el encargado del gobierno para temas extraterrestres, que si no es matemático por lo menos parece científico de algún tipo, la gente les importe un comino.

En una escena una amiga le dice a Derek que parece que lo único que le importa es lo del maldito mensaje. Claro, ella es de esas cosas que a él no le importan.

Y él dice que sí, que así es, que no le importa nada más.

Por su parte el tipo del gobierno es todo déspota.

Cómo lo iban a evitar, o cómo van a estar pensando los obsesionados con los números primos en nosotros los que apenas sabemos poco más que contar si ellos son la inteligencia misma y manejan el lenguaje de los Dioses?

Vine a Comala porque me dijeron que acá me podían curar de la virginidad

El Rincón de las Vírgenes (México 1972) es una película que tiene por escenario a la rúlfica Comala y no sólo por ser una historia basada en un par de cuentos de Juan Rulfo sino por su director Alberto Isaac, que aunque nació en Coyoacán pasó gran parte de su vida en Comala y se consideraba Comaliteca. Cuatro de sus películas tienen a esa mítica población como escenario.

¿Y qué puede salir de la unión de estos dos talentos comalitenses?

Pues una buena comedia la verdad, que empieza con una escena en donde el Indio Fernández y Alfonso Arau retozan como springbreakers en éxtásis en una alberca llena de jóvenes mujeres jugando desbrasieradas a las camisetas mojadas.

Luego viene una peregrinación, pero no en busca de un tal Pedro Páramo sino de Lucas Lucatero (Arau) para que ayude con su testimonio a lograr la canonización de "El Santo Niño Anacleto" (Fernández). Ya con oir que el Indio Fernández encarna a un personaje que llaman "niño" y al que se considera santo se entiende que la película sólo puede ser una comedia.

Y aunque el Santo Niño es un curandero y Pedro Páramo un hacendado estos dos comalitas tienen cosas en común. Empezando por las mujeres, siempre en plural. El Santo Niño las escogía de dos en dos para dormir y de ser necesario curarlas de la virginidad, que según le dice a una es una condición indispensable para que recupere la salud.

El Santo Niño Anacleto descubre que el talento para el verbo de Lucas Lucatero, que se gana la vida como narrador de películas mudas (Oficio que increíblemente aún existe) le puede servir y se lo lleva de ayudante.

Y como es tan santo hasta le da a Lucas una mujer con la que comparte la cama. Según ella es su hija, según Anacleto no.

¿Entonces tenemos aquí un santo o un demonio?

Lucas que lo conoció tan bien dice que era el mismísimo diablo. Los personajes femeninos sin embargo tienen otros datos. 

Astérix, Obélix y pitufina

En Astérix el Galo (67) primera película para cines de los personajes Astérix y Obélix, parece que el gran peligro para los galos no son los romanos como se dice sino que se van a extinguir por falta de mujeres. La aldea de los galos es como la de los pitufos. Pero sin pitufina. Es muy raro, así de ¿y qué onda con las mujeres galas? Ni cuando bailan aparece una sola mujer. Tampoco entre los romanos, que aunque sean legionarios seguramente llevaban mujeres pues las legiones llevaban mucho personal para muchas cosas.

Otra cosa en que se parecen a los pitufos es que el personaje del druida Panoramix/Getafix es claramente una figura paterna como papá pitufo.

El mundo de Astérix y Obélix es un mundo sin conflictos reales. A los prisioneros los torturan haciéndoles cosquillas en los pies. A los romanos como premio los dejan ir al circo y se van felices como niños, no se mencionan peleas a muerte entre gladiadores o leones comiendo gente. Hasta el invasor Julio César resulta ser un tipo justo y agradecido con los galos. O sea puros hombres y las autoridades sabias y justas.

De hecho el conflicto más serio en la historia es que el jefe de los romanos quiere derrocar a Julio César. Y eso sí está mal, ¿cómo qué trama derrocar al gran líder romano?

Así que ¿cómo le hacen los pitufos para mantener la paz y el orden con una mujer en su aldea? Pues porque sólo es una supongo, así pitufina más que representar al género femenino, pues para eso se necesitarían muchas más mujeres representa un papel. Como los papeles de los pitufos filósofo y bromista. Como si ser mujer fuera una especie de ocupación o un tipo de personalidad. Ah pero pitufina es súperpitufo podría argumentarse, una mujer es súper así que no se hace menos a las mujeres. Podría ser, si fuera superpitufa, pero para ser superhéroe tuvo que hacerse pasar por hombre.

Parecen caricaturas antisexo como las de Disney y su bien conocida fórmula de no hijos y noviazgos eternos. Y vaya que funciona la fórmula. Según la wikipedia Astérix y Obélix es el segundo cómic más vendido de la historia sólo por detrás de One Piece. Y ni hablar de Disney.

El terrorista que buscaba el amor

Cowboy Bebop (2001) nos presenta un personaje atormentado porque el mundo (vive en Marte por cierto), no le parece real. Es como si se hubiera tomado la pastilla azul de la irrealidad de la matrix. Dice que es como estar en un sueño del que no se puede despertar. Es como las historias sobre Recuerdos fantasmagóricos al final de la historia, sólo que en este caso no es el fin de la historia. Y hay algo que ocupa el lugar del recuerdo fantasmagórico, unas mariposas que pueden ser un sueño o venir de la realidad.

Vincent perdió su memoria y su alma estando en el ejército que lo declaró muerto, ya sin alma se volvió un terrorista que piensa cargarse a todo mundo.

El no lo sabe pero una mujer que amó cuya presencia le quita la sensación de irrealidad, está también vacunada contra el arma de nanobots con la que piensa matar a todos. Quedarían sólo ellos.

Su alma se la robó el ejército. Borró su memoria, lo dió por muerto, lo llevó a pelear en una supuesta guerra que en realidad fue sólo un montaje. Sólo querían probar nuevas armas. Ese gobierno marciano en cuyo ejército estuvo Vincent parece tan hueco como él, parece una fachada. El fabricante de armas biológicas nanológicas en cambio tiene toda la pinta de ser el verdadero poder, hasta tiene su propia cárcel. En cuanto a la ley y el orden el gobierno marciano tampoco sirve para nada así que hay millones de cazadores de recompensas, como los vaqueros de la nave Bebop. Ellos sí enfrentan a los criminales y hasta su perro es mejor para dar con los malos que los policías. El problema es que al parecer los malos eran de los buenos y se cambiaron de bando.

Ese tema de que el gobierno no sirve sólo los privados porque además los del gobierno deben seguir las reglas y cuidar los derechos humanos y esas cosas. pero sobre todo que se ponga que para agarrar terroristas basta con ir a un barrio árabe a preguntarle a cualquiera pintan a esta película como derechista.

Sólo que hay una niña, o niñe, que es un genio y se llama Edward.

Y tampoco es que sólo los que se ponen al servicio del gobierno, pierdan su alma. Spike, el vaquero, que es como se les dice a los cazarecompensas, dice que Vincent es como su alma gemela y en la escena inicial de la película casi se carga a una viejita.

Spike odia las sopas instantáneas con las que se alimentan todos los Bebop, incluído el perro, porque no tienen carne. Ese es un tema recurrente en la historia: el diablo no se ve porque es como la nada, el arma biológica es invisible, algo falta en el centro, la irrealidad es insoportable.

Kathy Ireland se va de compras al underground

Rebeldes bajo la Ciudad, como le pusieron en México a Alien from LA presenta a la supermodelo Kathy Ireland en una típica historia de los ochentas sobre una nerd que necesita ir al centro comercial a comprarse ropa y cambiar de peinado para ser aceptada y tener novio. Sólo que ella se va a la ciudad perdida de la Atlántida que está bajo la tierra a eso.

Esta ciudad es también típicamente de película ochentera con atmósfera bladeruneresca, tribus urbanas; un personaje gótico, otros son como mods/new romantics/droogs salidos de Naranja Mecánica. También hay un capo del submundo que organiza peleas a muerte y apuestas. La economía de Atlantis parece una economía-casino a juzgar por la importancia de las apuestas y la lotería. Y el gobierno de la Atlántida es despótico, también típicamente.

Al final Wanda Saknussemm, el personaje de la Ireland, tras cambiar de corte de pelo en una futurista máquina que lo hace automáticamente y de ropa en una auténtica boutique underground encuentra el amor. Faltaba más.

Sin embargo el verdadero tema de la película son los extraterrestres. Y la orfandad/ búsqueda del padre.

La madre de Wanda murió y su padre se fue por un hoyo sin fondo por andar buscando la Atlántida. Antes de eso llevaba diez años sin ver a Wanda y ella lo busca durante toda la película.

Esta orfandad sin embargo parece que busca solucionarse con extraterrestres.

Porque los fundadores de Atlantis eran extraterrestres, típicamente. Pero ahora en la Atlántida los de "arriba" son considerados aliens y el gobierno está empeñado en negar su existencia. Alguien con esta película quiere decir de forma diría que deliberada que los extraterrestres sí existen sólo que el gobierno se empeña en ocultarlo. Así como en esta Atlántida ficticia niegan que exista gente de arriba, de la superficie.

El lipsinger de peluche y su perro malo

Amor y Matemáticas (México 2022) presenta una historia que falla por dos razones: Por el final, pues se trata de una historia de amor entre dos personas casadas, y al final él le propone irse juntos, pero no se van a ningún lado y, aunque en la vida real pueda ser una buena decisión no irse con otro u otra y mandar al demonio a la pareja y los hijos, dramáticamente es como matar la historia. Los personajes se quedan igual que como empezaron, es anticlimático, es como si nos fueran a contar algo y al final no hubo historia.

La segunda razón es porque el protagonista era miembro de uno de esos grupos conocidos como boybands y por lo tanto no es creíble que sea un idealista cuyo sueño es cantar.

Porque para empezar, y eso lo dice el mismo personaje "Billy", lo que él hacía eran coros, ni era buen cantante. Y más que nada lo que hacía era fingir que cantaba, el famoso lipsinging.

Y las boybands y ese tipo de pop no es algo que alguien haga por gusto. Son sólo un negocio. Cualquier testimonio de los integrantes de esos grupos dice lo mismo. Son historias de explotación, de las fans y de los miembros de las bandas que son explotados económicamente y hasta sexualmente. Lo mismo pasa con los grupos mexicanos o americanos. O con el grupo locomía en España, hay ejemplos para aventar para arriba.

Una cosa curiosa es que el tema de los perros en esta película se puede ver como una metáfora de esta situación.

El hermano del protagonista quiere que este se meta con él a un negocio de vender perritos de peluche. A lo largo de la película se hace ver esto como una ñoñería, pero que sería el negocio "lógico" al que debería meterse Billy. Que ve a esos perritos con desprecio. Como los cantantes de boybands reales ven a su fandom.

Pero a Billy tampoco le gusta su perro real, que su esposa ama, que es un perro feo y latoso.

Cuando Billy suelta a ese perro para que se pierda, deja ir también la simpatía que uno como espectador pudiera sentir por él.

Paradojicamente, si esos perros de peluche fueran música serían pop. De ese pop que a veces se denomina sintético. Ese que "cantan" las boybands. Música de lo más genérica, derivativa, sin espacio para la individualidad.

Espectáculos hechos para un público ñoño que presentan cantantes/personajes falsos extirpados de cualquier filo o peligro, donde nada debe verse amenazante. Como la escena de sexo entre Billy y su fan. Se supone, porque no se ve nada, que se desnudan de espaldas uno a otro y ella al final acaba cogiendo con brassier.

Hay una timidez en la historia que se nota hasta en cosas como la suspicacia de la esposa de Billy ante nuevos vecinos. O que a todos les vea cara de narcos.

Y en un protagonista que no puede ni lidiar con un pequeño perro de verdad.

El demonio en el smartphone

"El Cortador de Césped" o "El Hombre en el Jardín" como le pusieron a "The Lawnmower Man" nos presenta a un tipo llamado Jobe que en algún momento dice: "Mi grito de nacimiento será el sonido de cada teléfono en el mundo sonando al mismo tiempo." 

Jobe era un simple jardinero con retraso mental pero, al menos según él, ahora es un Dios y planea descargarse en las redes, y cuando logre daunlodearse lo anunciará en todos los teléfonos.

¿Qué le pasó a Jobe? Se pusieron a experimentar con él con máquinas de realidad virtual que al mismo tiempo manipulaban sus glándulas. Y con drogas.Y en la vorágine de realidad virtual, glandulas y drogas vienen también talismanes, sínbolos mágicos con letras hebreas y toda la cosa.

Dejó de ser un tarado. Pero se les pasó la mano. Sabían que estaban poniendo en peligro a Jobe pero la compañía a cargo de los experimentos era controlada por una organización secreta con vínculos en Washington y hacía cosas para los militares. Lo de siempre pues. Cosas que se sabe que pasan.

Lo de que se pueda aumentar la inteligencia con drogas o digamos interviniendo de forma física en el cuerpo no suena descabellado. Pero que la realidad virtual sea la vía principal para aumentar la inteligencia y las capacidades humanas como dice el Dr. Angelo en esta película no suena tan lógico.

A menos que veamos los nuevos poderes de Jobe como metáforas del poder que da la tecnología.

Por ejemplo Jobe adquiere el poder del superaprendizaje y puede aprender un idioma en dos horas.

No es lo mismo pero podemos pedirle a una IA que nos diga que significa cualquier cosa en otro idioma.

O como la telepatía: Jobe puede saber lo que otros están pensando. No es lo mismo pero todos dejamos un rastro de información que grandes compañías se dedican a analizar, el gobierno chino usa IA´s para controlar a la población.... es todo un tema, se sabe. Concretamente en lo que se refiere a realidad virtual el principal objetivo de Meta, el sistema de realidad virtual, no la compañía es, o era, sacar información de la gente, como por ejemplo a través del movimiento de los ojos saber que es lo que a los usuarios realmente les interesa.

Y la telekinesis, el poder de mover cosas es algo que puede dar la tecnología digital: Podemos hacer que pase un coche o una moto a recogernos, ganar dinero, mover robots y un larguísimo etcétera.

La cosa es que  Jobe (Que cuando era tonto traía el pelo a la Robert smith pero en rubio, y se veía muy bien, y cuando se le quita lo tonto se empieza a peinar y se ve fatal ) como se dice "deja de controlarlas". a las drogas químicas y digitales y un día se pone casi nivel López Obrador, se proclama Dios y empieza a eliminar a los que abusaban de él y a eliminar al que se le oponga.

Uno de los que abusaban de él era un sacerdote católico que le pegaba y lo trataba fatal..

Al final Jobe que ya es como una inteligencia artificial que vive en el ciberespacio crucifica al Dr. Angelo que trata de interponerse en su camino.

¿Será que para una IA los humanos son como los insectos que el sacerdote aplastaba y los tontos de los que abusaba?

¿Jobe logrará su objetivo y nos llamará a nuestro teléfono?

¿O será que jobe representa a los tarados que en el fondo lo siguen siendo pero qué ahora tienen el poder?

Aquí se puede ver la película en inglés https://www.youtube.com/watch?v=7Py4Q9aeTrE