La Princesa Mononoke y la lepra extranjera

¿De dónde salió Lady Eboshi, la mujer que amenaza con matar todo, incluyendo a los dioses en "La Princesa Mononoke"? Como fabrica fusiles en un lugar en donde no había armas de fuego y ese lugar es Japón huele a extranjera. Los europeos fueron los primeros en llevar armas de fuego a Japón, casi estoy seguro que eran portugueses. Después de eso los japoneses prohibieron las armas de fuego, y a los extranjeros, durante siglos. Además Lady Eboshi lidera a un grupo de mujeres orgullosas de no obedecer a ningún hombre. Y eso no es como muy japonés tradicional por decir lo menos.

Además parece que lady Eboshi trae con ella la lepra. los tipos que tiene fabricando los fusiles son leprosos y las balas vienen infectadas con algo, se supone que es una maldición, pero por lo menos hay una escena donde dicen que es una infección. Y eso que hace la maldición de comerse la carne y los huesos se parece mucho a la lepra también.

Pero se supone que Lady Eboshi y su gente son unos ecocidas mata-árboles  y mata-dioses, no tienen nada contra los japoneses o contra la gente en general. Pero ¿No podrían representar los animales a la gente? Los animales de ese bosque en particular son inteligentes, los lobos sobre todo. Además su color blanco los hace simbólicamente los mejores para representar la lucha contra extranjeros infecciosos. Además en su lucha los ayudan dos humanos pero son dos humanos que han sido transformados: San, la "Princesa Mononoke" fue adoptada por los lobos  y detesta tanto a los humanos, que se niega a vivir entre ellos ni para estar con su amado Ashitaka. Ashitaka también lucha del lado de los animales y también sufrió una transformación, cuando el "Dios Venado" lo cura y le salva la vida después de haber recibido un balazo. Simbólicamente estar al borde de la muerte y ser salvado es como nacer de nuevo o transformarse. Si lo salva el Dios del bosque y de todos los animales es como volverse parte de ellos. Y en el momento de la curación aparecen mariposas. Es demasiada coincidencia, como expliqué en el Viaje de Chihiro, las mariposas son símbolos de transformación.

Son entonces animales, y humanos transformados simbólicamente en animales, quienes luchan contra Lady Eboshi y sus apestosos seguidores humanos (¿extranjeros?). Lo de que estos humanos apestan se dice y se repite. De hecho Eboshi y los suyos usan el mal olor como estrategia de guerra. ¿Y que es lo que quieren Eboshi, sus prostitutas, leprosos y demás seguidores ? Matar a los dioses del lugar, y si hay algo que representa una cultura son sus dioses. Lady Eboshi dice que sin sus dioses los animales del bosque serán tan tontos como todos los demás animales. Y todo esto sucede en Japón, en donde hasta la fecha la gente evita a los extranjeros al grado de no sentarse junto a ellos en el metro. Extranjeros que dicen que huelen mal.

El viaje de Chihiro al país de la bulimia

Voy a partir de la teoría que dice que la bulimia, la enfermedad que le da sobre todo a mujeres jóvenes que dejan de comer llegando incluso a matarse de hambre, es provocada por un rechazo a crecer y a la sexualidad, que surge de un deseo de no dejar de ser niñas y por un rechazo a los cambios corporales de la pubertad.

Entonces... tenemos que la pequeña Chihiro, que se supone tiene 10 años y, todos le dicen que es muy pequeña y flaquita, está triste porque está dejando atrás su vida anterior. Le enseñan su nueva escuela y dice que le gustaba la de antes. Las flores que le dieron de despedida, símbolo por lo tanto de su vida anterior se están marchitando y esto la alarma pero su mamá le dice que sólo hay que ponerlas en agua. El agua es muy importante en toda la historia y me parece que su papel es de símbolo de purificación y limpieza. Por lo tanto si las flores son el símbolo de su vida anterior, la purificación es vista como el camino de regreso. Y las flores vienen con una tarjeta con el nombre de Chihiro. Ambas cosas, la tarjeta y su nombre, van a funcionar como clave de su identidad anterior.

Luego vienen todos los símbolos de transformación posibles y con una carga más bien negativa: Una vuelta equivocada en el camino, atravesar un edificio abandonado y lúgubre, también un poco más adelante hay un puente y un tren. Hay también muchos sapos/ranas. Los sapos y ranas se supone que son, al igual que las mariposas, símbolos de transformación. Las mariposas porque antes eran orugas; y ranas y sapos eran renacuajos. Aunque no son tan bonitos como las mariposas. Y aparecen con una carga negativa en la historia: Primero hay piedras talladas como sapos o ranas y están en un lugar abandonado medio tenebroso.

Sirven de hecho como símbolo del lugar y primero casi chocan Chihiro y familia con una de estas piedras y luego hay un personaje sapo que descubre a Chihiro cuando ella trata de cruzar el puente sin ser vista. No son la rana Gustavo precisamente, son más bien malos. Más adelante hay muchos personajes sapos que son de lo más avariciosos.

Y la avaricia es un tema muy importante en la historia. De hecho la explicación oficial de Ghibli dice que los padres de Chihiro se convierten en cerdos por avariciosos. Pero estaban comiendo, es una avaricia que se parece mucho a la gula, el pecado de comer demasiado. En realidad la avaricia y la gula tienen lo suficiente en común, como para que a nivel simbólico sean lo mismo. Por algo a los avariciosos, sobre todo si son prósperos capitalistas, se les suele representar como cerdos sin que hasta la fecha se sepa de algún cerdo que junte dinero.

Y Chihiro llega al país de la avaricia y la gula: La mandamás es una mujer con pinta de madrota, de madrota avariciosa claro, que amenaza a Chihiro con ponerla a hacer el trabajo más asqueroso y difícil que hay ahí. Por la forma en que lo dice parece que ese trabajo sería de juguete sexual de los obesos clientes de su congal o balneario. Estos clientes se supone que son dioses o espíritus pero por su peso parecen luchadores de sumo. Todos son gordos, al igual que el hijo de la jefa/ madam, que es un bebé gordo y gigante que traga como rata hambrienta, y que luego se convierte en rata de hecho. (Las ratas y demás roedores también simbolizan gula/avaricia). Además parece tener la costumbre de que cuando se quiere divertir con una chica esta no puede negarse.

Hay otros tres personajes clave: Una sombra que dicen que es un "sin cara", un "dios/espíritu apestoso" que resulta ser el espíritu de un río. Espíritu de un río sucio pero que logra limpiarse. Y un chico que se convierte en dragón pero que al final resulta ser también el espíritu de un río.

Según la psicología jungiana todas las personas tenemos una especie de sombra psicológica que aparece en nuestros sueños de diferentes formas y también aparece en todo tipo de mitos e historias. La sombra representa nuestro lado negativo, y como el "sin cara" es literalmente una sombra, creo que podríamos considerarlo representante de La Sombra sicológica, sólo que esta Sombra tiene una peculiaridad: Es una sombra muy buena... excepto cuando come. Esta sombra tienta a los demás con oro y todos los avariciosos caen, excepto Chihiro que ni come ni le interesa el oro aunque sea regalado.

La sombra después de comerse un par de sapos y a una persona se convierte en un monstruo y sólo se cura hasta que vomita. El espíritu del río también necesita expulsar todo lo que trae dentro y así deja de apestar. Y en ese lugar tan sólo oler a humano es apestar y para dejar de apestar hay que dejar de comer comida humana.

Lo mismo sucede con Haku, el chico/dragón/espíritu de río, que se enferma por comerse el sello de una bruja que es... un sapo. Pero también vomita y se cura.

Haku al igual que Chihiro viene de fuera de ese mundo pero no puede regresar porque ha olvidado su nombre, es decir su identidad anterior. Para que eso no le suceda a Chihiro, Haku le da la tarjeta con su nombre que venía con sus flores. Expulsar lo que uno trae dentro, vomitar, purificarse con agua y no cambiar ni dejar de ser lo que uno era es lo que se recomienda aquí para salvarse. Aunque también aparece lo contrario: Volverse transparente con peligro de dejar de existir por no comer. La sombra de hecho también es muy transparente, muy buena y todo pero siempre y cuando no coma.

Al final no se resuelve este conflicto entre comer y volverse un monstruo o no comer y volverse transparente hasta dejar de existir. Al parecer Chihiro se enamora de Haku... y si tuviera un novio y todo eso dejaría de ser niña y sería como una prueba superada según la teoría de la bulimia antes mencionada...  pero se separan y ni siquiera prometen volver a verse. Haku tan sólo dice algo así como "Ya nos toparemos de nuevo, bye". A fin de cuentas en realidad él sólo es el espíritu de un río limpio y puro. Y ella regresa a ser lo que era, su última prueba es que es capaz de identificar a sus papás. De regreso con papá y mamá, a ser una niña flaquita que aprendió que las cosas se arreglan vomitando.

Se supone que sí hay un cambio, que era una niña tímida y miedosa que deja eso atrás para volverse valiente. Pero ese es sólo el mensaje consciente. El inconsciente en cambio no sabe mentir.

Hasta el título de la película en inglés, "Spirited Away" puede interpretarse como muerte por derrota de la carne. Puede traducirse como "Llevada por el espíritu o los espíritus", pero también como "Se la cargó el espíritu". Y mucho espíritu y nada de carne puede ser dañino para la salud.

El payaso sólo quiere un poco de atención

Joker se quiere presentar como una película que critica a los ricos y al sistema, pero esta crítica en realidad es muy superficial. Los bullys a los que mata en el metro podrían no ser ricos sino de cualquier otro grupo impopular y no cambiaría gran cosa la trama. El papá es rico y malo pero la mala de verdad resulta ser la mamá. Que cerraran el servicio de la doctora con la que iba y le dejaran de dar medicinas tampoco lo afecta pues al final él decide dejar de tomar las medicinas. El tema de la enfermedad mental tampoco es tan importante: Para ser un loco es bastante equilibrado: Es un tipo que trabaja, con una clara vocación, es buen hijo y lo más que hace, por lo menos al principio, es que se ríe demasiado. El verdadero tema de Joker es la necesidad de atención. Esa es la esencia del personaje y de la historia. El drama de Arthur es que se siente invisible, nadie le hace caso, nadie lo ama. Y el colmo es que cuando lo sacan en televisión es para decirle que no es gracioso. Quiere ser visto pero sólo como él quiere ser visto. Le reprocha a la sociedad que decida que es gracioso y que no, como si eso fuera tan malo, porque él quiere ser quien decida eso y al que no se someta le va a dar un balazo.

Y de cualquier modo ¿cómo verlo si está disfrazado? ¿La sonrisa es real o es un disfraz? ¿Está triste o contento? La paradoja de disfrazarse para llamar la atención es que con un disfraz nadie nos ve. Y si los invisibles son un problema social ¿De quién es la culpa? ¿La atención es un derecho humano? ¿Hay que hacer la revolución para que se reparta la fama? ¿Se debería poder poner una demanda si nadie nos pela? ¿Y quién va a tener qué poner atención? ¿Tú? ¿Yo? Yo no, yo paso.

The Courier: El magnate y la repartidora

Al contrario de como aparece en todos los posters, con traje de cuero negro, en la película The Courier (La Mensajera) el personaje de Gary Oldman se viste con un estilo muy diferente: Batas de seda, suetercitos y camisas formales. Y eso que casi todo el tiempo está en su domicilio, un elegante apartamento en un edificio muy alto y antiguo con vista al central park. Se supone que es un peligroso criminal de los bajos fondos de Nueva York pero... si no nos lo dijeran lo único lógico sería suponer que es un millonariazo que hizo su fortuna en Wall Street o algo así. De hecho hay una escena en el que su hija dice que su padre construyo todo eso, y está en el edificio con vista al central park, de la nada. Lo típico que a los empresarios les gusta que se diga: que construyeron un imperio de la nada. Y los policias que se supone lo vigilan en su arresto domiciliario más bien parecen sus mayordomos, ridículamente serviles. Como si en vez de ser un criminal de los "slums", los barrios bajos, que se supone que es lo que es, fuera un magnate de los bienes raíces estilo Donald Trump, que además al igual que Trump, confía en su hija más que nadie. O como el célebre Jeffrey Epstein, amigo de Trump que fue a dar a la cárcel porque eso sí, este wey, de los bajos o de los altos fondos, es un criminal, de eso no queda duda pues la película se trata de que este tipo tiene comprada a la interpol y la policía en Londres, para que maten al único testigo de un crimen que puede llevarlo a la cárcel.

Así que mientras este sujeto oye música clásica en discos de acetato, lo detuvieron en misa por cierto, una mensajera/ repartidora lucha por salvar al testigo con el que las circunstancias la juntaron. Por suerte para el testigo ella resulta ser una exmilitar desertora de la guerra de Siria. Como es desertora ha eliminado su antigua identidad para que no la agarren, así que no tiene ninguna documento oficial de identidad, nadie sabe su verdadero nombre, no tiene pasado etc. Lo que haría muy difícil que trabajara de repartidora en cualquier negocio formal, en realidad como que sólo podría trabajar en algo medio clandestino. Repartiendo drogas por ejemplo. Y el millonario debajo de su parche pirata tiene un rostro deformado, un ojo vacío que contrasta con toda la elegancia a su alrededor. Cuando se quita el parche es como si viéramos el verdadero rostro del poder económico, que claro, tiene a la policía a su servicio. Quienes se enfrentan a los dealers por cierto. 

The Operative: La espía sin figura paterna (Spoilers!!)

Una película de espionaje basada en una novela escrita por un ex agente del Mossad, el servicio secreto israelí. Es buena pero falla al final y pienso que se debe a que no solucionan el conflicto central de la protagonista, interpretada por Diane Kruger, la mujer reclutada por los israelís para infiltrarse en Irán.

En general, el género del espionaje se presta para tratar el tema de la identidad y en esta película en particular la verdadera identidad de la protagonista, que usa diferentes nombres e historias desde antes de volverse espía, es central. El Mossad la recluta precisamente por eso, como es una mujer que ha vivido en diferentes países, es adoptada, y parece no tener raíces en ningún lado, resulta ideal para inventarle una personalidad que le sirva como cubierta para operar en Irán. Tampoco tiene un lazo muy fuerte con Israel pero dice que en ningún lugar de los que ha vivido se ha sentido tan en casa como en Israel. Además es judía por parte de alguno de sus padres. "Está a la deriva", dice quien la contrata y será su jefe.

Luego pasan muchas cosas incluyendo que se enamora del iraní a quién debería de utilizar en el plan para evitar que Irán tenga su bomba nuclear. Un clásico del género del espionaje, pero al final el tipo por el que arriesga la vida es su jefe. Y no es que ahí también hubiera un romance, se trata más bien de una figura paternal. Que por cierto descubre que ella nunca fue adoptada como le dijo. Lo que sucedía es que odiaba a su papá con quién se quedó sola tras la muerte de la madre. Pero esto resulta totalmente anticlimático porque lo único que nos dice de su padre, aparte de que lo odiaba, es que era muy esctricto. Y su jefe pues es un hijodesuchi que se dedica al espionaje, negocio donde no caben los sentimientos y de hecho nunca se desarrolla bien la relación entre ellos en la película, que es más bien como una relación entre militares de diferente rango. "Esto es una guerra" le dice él a ella en algún momento. Al final parece que "Mi padre ha muerto" la frase clave de ella para ser rescatada se seguirá repitiendo con una figura paterna como esa. De hecho la película empieza con el jefe que contesta su celular y sólo escucha "Mi padre ha muerto... de nuevo." Creo que también en una escena se usa la clave pero al revés " Tu padre ha muerto", para que ella huya. Si en cambio, ella se hubiera quedado con el iraní Farhad, el conflicto interno se hubiera superado y podría haber un mejor final.

Pero claro... es una historia israelí y ese final no podía ser.

Ad Astra: Un mandilón en Neptuno

En esta película la aventura espacial es sólo una metáfora de la relación con el padre (y como esto afecta en la relación de pareja) del protagonista. Las pruebas a las que se somete el astronauta son evaluaciones psicológicas que más bien parecen confesiones en un grupo de autoayuda. En ningún momento se ve que esté realmente interesado en el espacio o en los extraterrestres, como su padre. Como tantas otras películas se usa al espacio para transmitir una sensación de soledad. Todo con una iluminación mortecina, dialogos parcos, caras tristes. Sonidos como de electrocardiograma sin pulso como soundtrack. Es una fórmula bien conocida.

Además de la soledad estilo Odisea Espacial 2001, tiene un toque del "El corazón de las tinieblas", y por lo tanto de "Apocalipsis Now", con el tema del tipo que por estar tan sólo en medio de la nada se vuelve loco y se vuelve un peligro. También tomaron de Alien la historia del pasajero terrorífico en una nave espacial. pero como lo único que realmente le interesa a esta película es el tema del padre, resulta que el mono asesino que aparece brevemente sólo sirve para recordarle al protagonista su propia furia. Y la de su padre claro, que afecta su relación de pareja, que es lo único que importa...  hay unos rayos que pueden destruir el planeta y etcétera etcétera pero eso es lo de menos.

Finalmente, así como Remi y Heidi y otros famosos niños abandonados el protagonista finalmente llega con su padre, que por cierto no estaba loco, sólo había tenido problemas técnicos, pero sigue de necio buscando vida extraterrestre. Lo importante es que le dice a su hijo que está orgulloso de él y ya así el papá se puede morir y el hijo regresar con su esposa pues lo único que quería era que su papá le dijera que estaba orgulloso de él. Ni a él ni a la película les importó nunca el espacio y en un monólogo final dice mientras regresa a poner los pies en la tierra que lo único que importa es lo que está cerca y los que están cerca, es decir la esposa. El problema es que una película de aventuras en el espacio cuya moraleja es que el espacio y buscar extraterrestres es estúpido pues lo único importante es estar en casita con la domadora no puede ser más que una película mala y aburrida.

Divorcio en la Roma

En el debate acerca del personaje de Yalitzia Aparicio en Roma: Que si es positivo darle un protagónico a una mujer indígena, o que si no lo es porque el personaje es una sirvienta, o que si precisamente que una sirvienta sea protagónica es positivo; paso desapercibido cuál es la función, dramáticamente hablando, del personaje. Y para eso primero hay que definir de que se trata la historia, y creo que la respuesta puede resultar sorpresiva después de tanto escuchar que se trata del personaje de Aparicio o de la recreación de época. En realidad lo que estructura la historia es el divorcio de los padres. Porque eso es lo que cambia a la familia o en la familia. Lo diferente entre el principio y el final.

Creo que estuvo a punto de ser diferente y de ser realmente acerca de esta mujer, Cleo. Si en la escena en la que el niño se estaba ahogando en el mar hubiéramos visto a Cleo no sólo meterse al mar y gritarle, sino nadar y agarrar al niño, salvarlo, la historia hubiera sido suya. Pero el rescate se queda corto y queda la duda de si lo salvó o si sólo lo agarró ya que el niño logró acercarse. O si las olas lo regresaron. Si hubiéramos visto a Cleo nadar y salvarlo de la muerte, la escena más representativa de la película podría ser una de Cleo con el niño en brazos saliendo del mar. Y no donde está toda la familia abrazándose en la arena. Un rescate así podría ser el final de la película. Y entonces sí sería la historia de Cleo. Aunque ese final podría sentirse forzado. Otra opción sería si Cleo no hubiera perdido a su hijo/a,  lo que hubiera llevado la historia por otro camino.

Pero lo que tenemos es una historia en donde el padre, que como señal de machismo tiene un coche tan grande que apenas cabe en su cochera, engaña a la mujer; que es super torpe para manejar, y entonces se divorcian. Pero al final la mamá va manejando tranquilamente llevando a sus hijos y a Cleo por una bonita carretera como diciendo que al final todo estará bien. Que ya pasó lo peor. Ella es ahora la jefa de familia y tiene la invaluable ayuda de Cleo. Como ha de suceder en tantos casos en que una mujer se divorcia y se apoya en otra mujer, que puede ser la nana o sirvienta. Que tendrá entonces vínculos más fuertes con los hijos.

La película no se trata de Cleo, no es su historia, como señalaron correctamente los críticos de Roma. Pero el personaje no es sólo una sirvienta porque la historia apunta a un cambio en su función.

¡Ya siéntese abuelo!

"A Scorsese no le interesa el mundo después de los setentas". Eso lo leí en algún lado hace algún tiempo y con El Irlandés esto se confirma. Esta película viene siendo como un gran helado de pura nostalgia servido en copa de esas que ahora son de nevería retro. Como los que Pacino se toma en varias escenas pues según esto, Jimmy Hoffa, el líder sindical que interpreta, se la pasaba comiendo helado. Y como suele suceder con la nostagia, todo lo idealiza, empezando por los mafiosos: Todo entre ellos es honor, respeto, tipos simpáticos, paternales, amantes de los niños, listos, sólo recurren a la violencia como último recurso. Y nos dicen que controlan el mundo, los de hasta arriba claro, los meros meros mafiosos. Si los de abajo son como ángeles, entonces los invisibles, los inombrables de hasta arriba, son el supremo poder terrenal según esto. Por encima de los mortales. Porque nos explican que después del Presidente, Jimmy Hoffa era el segundo hombre más poderoso de Estados Unidos. Pero a este y a Kennedy los mataron por meterse con la mafia. Aunque a Kennedy primero lo hicieron Presidente. En realidad el problema con Hoffa, según lo que se ve en la película, fue que le faltó al respeto a los italianos. Y lo mataron, faltaba más. Porque para la nostalgia y el orgullo no hay realidad que alcance y entonces se empieza a inventar. Para ello Scorsese encontró la historia ideal: El libro con las supuestas confesiones de un asesino de la mafia que quien sabe que tan buen asesino era, pero para imaginar si parece muy bueno. Porque este tipo de apellido Sheeran dice haber asesinado a Jimmy Hoffa...  al igual que otras 13 personas, que también han dicho que lo mataron. Según lo que han investigado los medios en Estados Unidos, no hay ninguna prueba de que Sheeran haya dicho la verdad al respecto. Tal vez por eso no ha tenido problemas con la ley. Además según Sheeran antes de matarlo trabajó como asesino para Hoffa. Y después de ver esta película cualquiera sale dando por hecho que Hoffa mataba. Sólo que nunca se le acusó de ningún asesinato. Ni legalmente ni de ningún otro modo. Tenía fama de muchas cosas pero no de asesino. Y según Sheeran mató a unos 30 por órdenes de Hoffa. Y seguro que tampoco mató a Joe Gallo en el 71 en un restaurante de Little Italy, el barrio neoyorquino de Scorsese. Y ya ni hablar del cuento de que llevó las armas para el asesinato de Kennedy y para el ataque a Bahía de Cochinos. Sólo le faltó decir que mató a Colosio por órdenes de Elvis.

Scorsese ya está como viejito que repite la misma historia mil veces, pero que para seguir llamando la atención, deforma la verdad de lo que pasó cada vez más. Y para confundir revuelve todo con detalles verídicos y precisos. Y así cada que aparece un nuevo personaje nos dice: Este es el famoso mafioso fulano de tal, asesinado en tal año y especifica cuantos balazos le dieron.

El genio narrativo sigue ahí, Scorsese sigue siendo muy bueno para contar historias, y tiene buenos momentos, pero parece que no tiene nada nuevo que contar, o no quiere. Prefiere seguir, como dicen los raperos, representando a su barrio, a sus mafiosos de la vieja escuela. Y con los mismos actores y por un lado da gusto ver a la vieja guardia pero también resulta obvio que la película necesitaba actores más jovenes, pues es más fácil para un actor joven representar a un viejo que al revés. El rejuvenecimiento de De Niro por computadora (¡y sus ojos azules!) se siente sumamente forzado. Su personaje y sobretodo el de Pesci se ven rucos desde jóvenes.

Y al final parece que al director de la película le sucede lo mismo que al personaje principal y a la película misma: Nomás no quieren acabar. Vemos a Frank Sheeran angustiado por la muerte y que no quiere que lo cremen que porque eso es demasiado "definitivo", y la película pasa de las tres horas y no sólo no acaba sino que no encuentra un buen final y hasta la cámara parece que ya se va en un último plano secuencia scorsesiano pero regresa con Frank, que pide que no cierren la puerta de su habitación. Nada de cierres o finales. Si la película no se hubiera llamado "El Irlandés" podría llamarse "El miedo a la cortinilla final".