La mujer hachiko

Millenium Actress (Satoshi Kon 2001)  es un clásico de animación japonesa que narra una historia de forma muy original. Se supone que un documentalista y su asistente van a entrevistar a una vieja actriz ya retirada, Chiyoko, y nos van contando su historia como si este par, el entrevistador Genya y el asistente viajaran en el tiempo . Pero no sólo eso sino que además la historia de Chiyoko se cuenta a través de sus películas que suceden en diferentes épocas de la historia de Japón. En estas películas Chiyoko no deja nunca de ser un personaje que busca a un tipo del que se enamoró. Siempre la actriz Eiko, y una vieja bruja, son sus enemigas, y Genya, que la está entrevistando en el presente, y que también la conoció en el pasado, en los estudios de cine en los años cincuentas, también representa diferentes personajes en las películas, que siempre ayudan a Chiyoko.

Sin embargo a pesar de la original y compleja forma de narrarla, la historia en sí es muy simple. En resumidas cuentas Chiyoko conoce a un pintor en los años treintas, pasan apenas un rato juntos, tocan sus dedos en señal de pacto y no se vuelven a ver nunca. Pero ella pasa toda su vida enamorada de su recuerdo. Sin poder amar a nadie más. Así que la historia, a pesar de algunos buenos giros narrativos, se siente muy exagerada. Así como que Chiyoko nace, pasa un rato con este pintor, parece que son sólo unos minutos, lo busca toda la vida y muere. Nunca nos explican porque ella ama tanto a este tipo, es puro drama por amor al drama, un pinche azote sin razón de ser.

En un momento dado Chiyoko inclusive olvida la imagen de su amado y luego nos enteramos que él murió no mucho después de conocerla a ella. Es un amor tan irreal que hace pensar en las fans que aman a los ídolos del pop. Satoshi Kon es también el director de Perfect Blue, un clásico sobre una estrella pop y una chava obsesionada con ella. Y esta película es la siguiente de Kon en donde según dijo, quiso hacer otra historia similar a Perfect Blue. Y estos amores por personajes más bien irreales pueden tener consecuencias, en el caso de Chiyoko se supone que pasa sus últimas décadas sola acompañada tan solo por sus plantas y libros. Y eso que se casó y Genya siempre estuvo enamorado de ella aunque Chiyoko ni siquiera se dio cuenta de su existencia.

La vieja bruja que aparece varias veces con una máquina de hilar, como las mujeres de la mitología griega que tejían el destino de los humanos, dice que odia a Chiyoko pero también la ama de forma infinita. Y la hace tomar un brebaje que la condena al enamoramiento eterno. ¿Porqué? Quizá por la misma razón por la que la actriz Eiko, la rival de Chiyoko, la odia: Por su juventud. Eiko dice en algún momento que el amor platónico de Chiyoko la mantiene joven.

Pero Chiyoko se hace vieja.

La bruja puede ser una imagen materna, le da el brebaje del amor eterno con engaños, dizque para ayudarla. De cualquier modo esos brebajes platónicos se interponen a los amores terrenales. Y en Corea, la tierra del K-Pop, las jóvenes tienen más posibilidades de no tener hijos que de tener.

   

 

El extraterrestre quiere su ensure, o sea su cocol

El Día de la Revelación (Spielberg 2026) 

En esta cinta Spielberg vuelve al tema del mesianismo extraterrestre. E.T. es claramente, inclusive parece que deliberadamente, una figura mesiánica, un Dios que llega del espacio. Acá escribí de eso. ¿Y encuentros cercanos del tercer tipo? No sé, no me acuerdo, la vi la última vez hace mucho.

En su más reciente película, el director de Tiburón, retoma la relación entre extraterrestres y guerra nuclear. Una relación tan común que en este blog tengo una etiqueta sobre los mesías posnucleares.

A diferencia de E.T. sin embargo, que es como un niño de otro planeta, acá el extraterrestre que se presenta al final ante la humanidad parece anciano, llega en silla de ruedas y se ve muy frágil.

Y hay otras cosas de la película que no se sienten nada frescas, como los lugarzasos comunes sobre alienígenas, como lo de los círculos en campos de cultivo y la supuesta nave extraterrestre accidentada en Roswell, Nuevo México.

Como suele suceder con las películas del tío Steven, El Día de la Revelación, tiene sus momentos de sentimentalismo barato, siempre nos quiere hacer llorar, pero a diferencia de historias sencillas pero efectivas como E.T.  en este caso la trama se siente innecesariamente rebuscada. Además de que parece buscar por un lado una gran sofisticación modernista, vemos mucha tecnología y escuchamos jerga y términos técnicos, pero por otro lado el personaje de Margaret tiene lo que parecen poderes mágicos de cuento de hadas. Y además hay monjas, animales mágicos, reflexiones sobre frases del libro del génesis, discusiones sobre ética y así diferentes elementos que no se mezclan nada bien. 

Por ejemplo: Los extraterrestres son buenos pero tienen una tecnología que permite a una persona apoderarse del cuerpo de otra a distancia ¿Y cómo se defiende uno de los personajes de esta posesión?  Pues aferrándose a un crucifijo como si la tecnología de los extraterrestres de la paz y el amor fuera demoniaca.

Y se debate si el reconocimiento de que hay alienígenas es compatible con la religión o si es ético dar a conocer su existencia o no. Como si al tío Spielberg le constara que hay alienígenas de diferentes planetas y galaxias encerrados contra su voluntad en el área 51 y el gran debate de la humanidad fuera la cuestión de los derechos humanos de estas creaturas no humanas. Desafortunadamente creo que hay otros temas más urgentes sobre todo considerando que a la mayoría no nos consta el sufrir de estos seres.

Parece una película de la época de la guerra fría. Se supone que está a punto de estallar una guerra nuclear por culpa de Corea del Norte y entonces llegan los extraterrestres, y la pareja de humanos a los que ellos previamente han dado sorprendentes poderes, para ayudar a nuestra salvación.

Hay otro detalle que hace pensar en historias con personajes mesiánicos como Terminator, que tienen referencias al holocausto judío, en este caso las escenas de los extraterrestres accidentados en Roswell parecen escenas de campos de concentración, con los cuerpos de los cabezones no humanos en los huesos que les causan conmoción y conmiseración a la gente.

Pero en el cine moderno los mesías ya no son así, hay que ver por ejemplo Midnight Special que trata de un mesías más contemporáneo, y nos preocupamos más por el calentamiento global que por las armas nucleares. Aquí se habla de la crisis de los misiles cubanos, algo que a la mayoría no nos tocó vivir.

En resumen una historia que se siente vieja, ya vista, y por más que le revuelvan la trama y le agreguen animales digitales hechos con tecnología de punta, vieja se queda.     

  

¿Eres tú IA?

Dos películas que me hacen pensar que en el fondo su tema es la inteligencia artificial son Midnight Special (Jeff Nichols 2016) y Backrooms (Kane Parsons 2026). En Midnight Special tenemos la llegada de un mesías, el niño-dios Alton que nace en una comunidad religiosa y tiene extraños poderes. Como una luz que sale de sus ojos y le da una sensación de paz a la gente.

Otra cosa que hace que se le adore como divinidad es su poder sobre la tecnología. Alton es como un aparato que detecta todas las transmisiones, sabe por donde vienen los drones y hasta puede derribar satélites. Además puede cambiar lo que sale en una cámara que lo graba. Poderes de nuevo tipo sin duda.

Esta película salió en el 2016, el mismo año en que una inteligencia artificial, se llamaba AlphaGo casi estoy seguro, se coronó como máxima campeona en el juego japonés go, lo que fue considerado un gran hito.

Normalmente los personajes mesiánicos en el cine venían del futuro o eran extraterrestres. Como E.T. por ejemplo. Pero Alton no es extraterrestre, dice que viene de un mundo que está por encima de este, como en otra dimensión. Este otro mundo se hace visible al final de la película y lo que vemos son simplemente estructuras arquitectónicas futuristas que aparecen sobre la tierra. O sea pura tecnología. Alton puede vulnerar la seguridad de cualquier aparato o sistema, como se supone que puede hacerlo la IA Mythos. Y también puede generar sorprendentes imágenes falsas. Y la gente en la vida real como en la película quiere creer en algo o en alguien.

Por otro lado Backrooms  tiene un mensaje más bien explícito acerca de que la zona neofantasmal que presenta (Los nuevos castillos embrujados durante un tiempo fueron fábricas, muelles y bodegas abandonadas, lo industrial decadente, y ahora son grandes espacios comerciales o de oficinas vacíos ) representan el encierro. Este espacio es una extensión sin fin de la tienda / trabajo en donde Clark, uno de los protagonistas, se siente atrapado. Y Mary la otra protagonista vivía atrapada sin poder ver a través de las ventana porque su mamá, que estaba loca, la tenía encerrada y aislada.

Pero ciertos detalles apuntan a un misterio más profundo. Escuchamos en la película que el encierro que no nos deja vivir es por hábitos o costumbres que tenemos que son las rutas neuronales de menor resistencia.  Preguntarle a una ia que hacer es definitivamente un camino neuronal de menor resistencia. Y la entrada a este laberinto en donde Clark y luego Mary caen (Por cierto están en San José California, en el Silicon Valley) es a través de paredes digitales. Y es un espacio sin fin, como el contenido generado por las IAs. Una homogeneidad que se despliega sin límites llena de cosas sin sentido ni contexto, así como a las ias les podemos pedir un texto estilo Borges sobre el futbol, sin importar que a Borges no le interesaba en lo más mínimo el futbol. Y los personajes que aparecen en los backrooms no tienen sentimientos, ni entrañas, están hechos de una especie de espuma, son falsos con las típicas caras de lo digital que sale mal, son caras de glitch. En la última toma vemos la marca de los primeros personajes hechos con ia, les sobran dedos. No podría ser más claro, los backrooms representan lo digital. ¿Y qué monstruo acecha ahí? Una versión disfrazada y deformada del mismo que se mete ahí, un Clark monstruoso que se como al Clark de la vida real.

¿Y cómo salir de ahí? De esos caminos neuronales de menor resistencia no se puede salir porque no se quiere salir. Como le pasa a Clark una vez que se acostumbra a los backrooms. Ni siquiera sabremos cuando estemos fuera de ahí, afuera es sólo otra parte del lugar, hecha por los mismos creadores de todo lo demás.   

La sabiduría de los brutos

Rumble Fish /La ley de la calle (Coppola papá 83), nos presenta a un héroe, "El  Chico de la Motocicleta", en un escenario urbano de pandillas muy parecido al del video de Beat it de Michael Jackson. Son más o menos de la misma época. Y Coppola le pidió a un coreógrafo de ballet que coreografiara la primer pelea de la historia, la de Rusty James y Biff Wilcox. Aunque se trata de una coreografía más realista que la de Beat it, también es una coreografía. El chico de la moto sin embargo no parece pandillero, de hecho el personaje, interpretado por Mickey Rourke, está basado visualmente en el escritor existencialista Albert Camus. Además de que Coppola le pidió a Rourke leer libros de Camus. Y una biografía de Napoleón, aunque yo no le veo lo napoleónico al de la moto. Quien  más que pandillero es como un pistolero retirado, que ya dejó atrás esa etapa y dice que las peleas de pandillas le dan güeva. Ahora le gusta leer y ver peces en sus peceras. Según su papá el problema del de la moto, que según vemos es un wey bueno para todo, es que podría hacer cualquier cosa que quisiera, pero no encuentra absolutamente nada que quiera hacer. Hasta que decide salvar a su hermano. Pero el plan para salvarlo implica sacrificar su propia vida. O quizá el plan era morirse pero de paso salvar a su hermano.  

Es una historia existencialista por este personaje que no le encuentra sentido a la existencia. Pero encuentra la forma de morir poéticamente liberando a unos peces, y a su hermano, al mar. Quizá el problema es que el de la moto es demasiado listo. En cambio todos dicen que su hermano Rusty James, es tonto. Y los peces claro, no son precisamente académicos.

Un poco de odio también podría haberlo salvado. Si hubiera odiado al policía que lo odiaba, y se hubiera negado a darle el gusto de chingárselo. Eso es algo que Rusty James entendería aunque él no era listo con las palabras, como le dijo su novia Patty, aunque era listo de otro modo según ella.

Tal vez eso fue, el de la moto tenía demasiadas palabras. Y era el mismo caso del papá, un abogado borrachín que vivía de la beneficencia pero que conocía grandes palabras que Rusty James no entendía. Y lo mismo Cassandra, enamorada del de la moto y que leía los mismos libros que él. Pero que había caído en la heroína, y que por eso mismo se iba a morir como lo veía claramente Rusty a pesar de no ser listo.

Rusty no veía razón para salir de su pecera, la parte de Oklahoma City donde merodeaba, su hermano logra sacarlo ahí. Pero él estaba atrapado en otra pecera que ni siquiera podía ver, quizá por eso de ser de palabras.   

Ratas en el laberinto

Brazil (Terry Gilliam 85) parece que transcurre en el mundo de George Orwell, hay un gigantesco ministerio de información que viene siendo como el gran hermano de 1984 (No el año, sino 1984 la novela de George Orwell) y hay posters con mensajes orwellianos ( No sospeche de sus amigos, delátelos) por todos lados. Pero en realidad el tema de la película tiene más que ver con La Guía del Viajero Intergaláctico, pues en esa película como en Brazil, la burocracia es un tema central.

Me llama la atención que el mundo de Brazil está lleno de tubos y tuberías, hasta los logotipos de las instituciones tienen tubos. De hecho la película empieza con unas televisiones en un aparador en donde vemos un anuncio de tubos. Las teles y el aparador explotan gracias a un bombazo terrorista y aquí los terroristas son los buenos.

No hay que estirar mucho la imaginación para darse cuenta que los tubos representan la burocracia. En México cuando las cosas se complican  decimos que se ponen de cuadritos. Acá se ponen de tubitos. Igual que en la serie Adolescencia, a cuyo análisis le puse El adolescente en la tubería.

Y también hay lo que me parece es todo un género cinematográfico al que le puse Recuerdos fantasmagóricos al final de la historia, en donde los ductos, específicamente los del aire acondicionado, juegan un papel importante  pues los personajes escapan a través de ellos de mundos irreales.

En Brazil la realidad también es tapada y negada pero todavía no al grado de haber mundos virtuales falsos como sucede en el cine de los noventas. Aquí los oficinistas hacen como que trabajan, los bisteces son de espuma, el terrorismo es minimizado, los paisajes devastados no pueden verse por tantos anuncios felices y los torturadores/represores/opresores se ponen máscaras de bebés, se visten de santa clós, cantan villancicos y hablan con sonrisas perfectas de sus perfectas familias.      

El mal sin embargo va más allá de los personajes específicos. No hay un gran villano, el mal es el sistema burocrático mismo que obliga a las víctimas a pagar los costos de su propia tortura. La trama de la película arranca cuando por culpa de una mosca un documento sale con una letra cambiada, así que un hombre morirá torturado por eso y a una mujer, Jill, la quieren desaparecer por tratar de ayudar al injustamente acusado. Pero claro, se considera que el sistema es bueno. En Brazil el bien y el mal se confunden y no se puede distinguir bien entre ellos, así un enemigo que se le presenta a Sam Lowry el protagonista, es un robot samurai y cuando Sam lo vence y le quita la cara mecánica resulta que tiene su cara, se ve a si mismo.Y Jill, de quien Sam está enamorado lo ve como a un cerdo fascista... porque él justo acaba de entrar a trabajar a la oficina de los cerdos fascistas. Aunque lo hizo para ayudarla.

Aquí además las mamás y los bebés son malos, empezando por la mamá de Sam que lo quiere casar con una mujer que a él no le interesa, y quiere que haga una carrera que él no quiere hacer, la mujer es totalmente falsa y como ha de ser de mala que el burócrata más malo y poderoso está enamorada de ella, la mamá de Sam representa al corazón podrido del sistema. En la alucinación final del hijo una mujer se le presenta alternativamente como Jill y su mamá. Voltea y es Jill, vuelve a voltear y es su madre. Y los bebés son mounstritos como fetos muertosvivientes esporas del sistema. Se usan máscaras de bebé para sacar información con torturas.  Que es el nombre del juego, el poder se trata de la información, lo dice el mismo viceministro de información y el espacio de las torturas podría acondicionarse fácilmente como un panopticón foucaultiano, la tecnología que señala Foucault fue diseñada para sacar la verdad de la gente, y también para que el poder meta su verdad en las conciencias. 

Así que Sam se acaba yendo al cielo, es decir a una casita en el campo con Jill. Pero gracias a que enloquece. Como el adolescente de Adolescencia, sólo que a este su locura de tipo homicida lo lleva a la cárcel.

En fin, que los laberintos burocráticos, tanta falsedad, confusión y posverdad nos acabarían volviendo locos tarde o temprano, estábamos advertidos.

Y de nada sirve volar las tuberías, hasta Tuttle, un terrorista/superhéroe/técnico de aires acondicionados desaparece bajo una montaña de documentos oficiales.

El paganismo oculto

Dragonslayer (Matthew Robbins 1981) nos presenta un mundo de fantasía "medieval" decadente: Hay un dragón tan viejo que el rey del reino que ese dragón asolaba suponía que le tocaría verlo morir de viejo. Y eso que él no era nada joven.

¿Será coincidencia que desaparecen los dragones justo en el momento en que hay un predicador cristiano en la aldea? Uno de los aldeanos se hace la pregunta: Que si la muerte del dragón del lugar, de nombre y apellido en latín, y la presencia de este cristiano tienen una relación.

Que es una pregunta absurda siendo que la misma gente del pueblo había atestiguado como Galen, el joven hechicero, había logrado con sus conjuros que unas rocas dejaran enterrado al dragón, dragona en realidad, en su cueva.

Era en realidad una dragona madre que se alimentaba de vírgenes humanas, lo que suena muy pertinente pues las vírgenes suelen desaparecer para convertirse en madres. Además, como ya he comentado en otros posts, los dragones según la sicología jungiana son representaciones de la madre.

En esta película la dragona no había tenido oportunidad de zamparse a Valerian, la heroína que será abrazada por el fuego del amor, con Galen, y no por el fuego de las fauces lanzallamas de la dragona pues su padre la hacía hacerse pasar por varón. Un truco seguramente usado por padres celosos de la vida real. Valerian no sólo sabe usar el truco de la falsa masculinidad para no acabar siendo proteína en el cuerpo de la dragona, también le hace un escudo a Galen para protegerse del fuego dragonil. Es quien mejor conoce a la monstrua. Y al rey, que es un tipo completamente falso. Al final este reyezuelo se proclama vencedor sobre la dragona, cuando en realidad Galen, Valeria y Ulrich el maestro hechicero de Galen fueron quienes acabaron con ella. No es de extrañar pues para entonces lo único bueno que tenía este monarca, su hija, que si nos vamos a la interpretación jungiana representaría su alma, había muerto.

Y no solo el rey se cuelga méritos ajenos. También el predicador cristiano. Así que mueren la dragona y  el viejo hechicero, el joven Galen renuncia a la magia y a su amuleto, que es un símbolo de identidad. Lo que queda sobre el paisaje celta, la película se rodó en escenarios de Escocia y Gales, es una religión y una autoridad falsas.

Pero no todo está perdido, al parecer los deseos de Galen se hacen realidad como si sus poderes siguieran ahí aunque ocultos. El y Valerian, quien mejor conoce los secretos del reino, se van de ahí pero no desaparecen.

Curiosamente esta película tan elemental y derivativa, hay paralelismos muy sospechosos entre Ulrich y Obi Wan Kenobi, comparte el mensaje de que paganismo mata cristianismo con una película del archiculto Ingmar Bergman, El Manantial de la Doncella.

Se podría argumentar que lo del hechicero Ulrich y su discípulo Galen no es precisamente religión pagana sino más bien alquimia y brujería. Pero la magia en general es sólo religión desplazada por otra religión oficial. Así como el dios Azteca Huitzilopochtli se convierte en un diablo cuando llega el cristianismo a México. Y todo el tema de la película es el del cambio de una época a otra, la cristiana.

Sí, a Valerian su padre le regala un crucifijo para su protección, así como antes le dijo que pretendiera ser un hombre. Y así también la película misma se protege de las ordas cristianas. 

Sepultar a los muertos

El Diablo en el Camino de Carlos Armella es una película centrada en la atmósfera (que recuerda a Macario, Rulfo etc.) y en la culpa de un ex soldado que mató cristeros, y hasta a una madre cristera, siendo él católico. Como ha de haber sido el caso de tantos en la guerra cristera, y hoy en día muchos que también sentirán que los demonios los acosan después de cometer alguna salvajada o masacre. Quizá los veremos como a Juan, el soldado arrepentido, pagando alguna manda en un intento de salvar su alma.

Aunque la de Juan no es una manda tradicional, no le juró a la virgen o a algún santo. Aquí los que cuentan son los muertos. A ellos es a los que hay que cumplirles. La película presenta una especie de catolicismo pelón. Sin curas ni monjitas, sin vírgenes ni santos, ni iglesias siquiera. Apenas unas cruces y unos rezos. Lo que vemos se parece más a un culto pagano a los muertos Y en donde un ser maligno, que puede aparecerse como un perro negro o un caminante, o como un viento repentino, se enseñorea sobre la tierra.

Vemos un México rural que es el paisaje de la culpa y el miedo, en donde los demonios guardan tesoros malhabidos en robos sangrientos. Como la tierra del crimen organizado antes del crimen organizado. Caminos decorados con cuerpos que cuelgan amarrados de los árboles. Donde sólo las muertas y muertos inocentes ofrecen protección. Una especie de canción de Caifanes hecha película. Almas recorriendo el país donde los fallecidos no saben que lo están, hechos polvareda y resonando como imagen de nuestro presente. Juan ayuda a su hijo muerto a llegar con su madre muerta como si fuera un desaparecido de esos que el poder no quiere ver. Como la gente del tren que no quiere saber nada del cadáver que carga Juan. Sólo que él debe enterrar a su muerto así deba atravesar el infierno. 

 

De trampa en trampa

La Biblia de Neón (Terence Davis 1995) es una película muy fallida que vi por estar basada en el libro del mismo nombre de John Kennedy Toole, autor de una de mis novelas favoritas, La Conjura de los Necios. Sin duda parte de la culpa de esta somnífera historia es del director, quien al parecer aceptaba que le había quedado muy mal y dijo que todo era su culpa. Le dio un ritmo muy lento y la atascó de música de los cuarentas, que no resulta muy divertida que digamos. Seguramente hay música de la época que puede resultar interesante hoy en día pero no está en La Biblia de Neón, que es casi un musical aunque no comedia musical pues es un drama.

Se trata de la historia de un niño en los cuarentas que vive en un pueblo del sur americano y lo vemos como hasta la adolescencia. El mensaje es que pueblos como el de Georgia donde vive David son una prisión: Su padre golpea a su madre y a él lo lleva a ver como queman negros los del kukuxklan. A pesar de eso su mamá se vuelve loca cuando al papá lo matan en la segunda guerra mundial. Una tía que era cantante, como cantante de cabarets digamos, llega a vivir con la familia y David y ella se vuelven muy unidos. Y claro la tía es rechazada por la gente de este pueblo dominado por los predicadores, de ahí el título de la historia. En ese lugar dice David, en la escuela les pedían que pensaran por si mismos pero en la realidad el que no pensara lo mismo que todos los demás era rechazado tajantemente.

Al final David sale del pueblo y toma un tren decidido a irse al lugar más lejano posible sin importar cual. Es inevitable pensar que muy probablemente llegue a una ciudad. De los cuarentas. Un escenario de cine negro, de las historias de personajes que llegan del campo a ciudades que son una trampa.

También el final feliz de Ignatius J. Reilly, el protagonista de La Conjura de los Necios, es que se va, huyendo, a Nueva York.

Y es también inevitable pensar que John Kennedy Toole se suicidó sin encontrar otra salida.

Las últimas palabras de David, ya a bordo del tren que lo lleva al lugar más lejano que su dinero puede pagar es que a la mejor, algún día, se reencuentra con su tía, que se había ido poco antes para retomar su carrera. Eso es una mala señal. David parece ir derechito a la telaraña de una mujer fatal. Por no mencionar que lo busca la ley.

Quizá lo que debería haber hecho es aceptar a la mujer, por el contexto probablemente otra viuda como su madre que perdió al marido en la guerra, que se le ofrecía. Así por lo menos no llegaría tan menso e inexperto a donde sea que vaya a llegar.

Y la película no sería tan aburrida.

Que de hecho pensándolo bien puede ser considerada un film noir, sólo que lo que vemos no es un personaje que llega a la ciudad sino que la ciudad va por él a través de la tía y sus historias. David le pedía que le contara de cuando había estado en alguna, como en Biloxi, que no será tan grande pero debía serlo comparada con el pueblo de David que estaba en un valle del cual él nunca había salido. Y la tía le decía que ella lo que amaba eran los escenarios con sus luces y demás. Dada la oscuridad medieval de su pueblo no es de extrañar que David busque las luces citadinas.    

Siguiendo la teoría de que una persona, o un personaje, consigue lo que realmente busca, podemos concluir que David quería irse y ya. Supuestamente su tía le iba a mandar boletos para que se fuera a Nashville con ella. Quizá David no le creía, o no quería esperar, o no quería ir con su tía pero también con la nueva pareja de ella. Así que comete un crimen absurdo que lo obliga a irse de inmediato. Pero va como mosco huyendo de los neones de las iglesias a los neones de los matamoscos eléctricos de las ciudades. Si en cambio se hubiera vuelto amante de esa buena mujer que se lo quería coger al menos no iría tan deslumbrado. 

 

La locura del loquero

Tim Pope es conocido por sus videos musicales, es el videoasta de cabecera de The Cure y ha trabajado con muchos otros grupos y solistas, como David Bowie nomás por poner un ejemplo. Tiene 170 créditos como director y casi todos son videos musicales o grabaciones de conciertos, sólo tiene un largometraje, la secuela de El Cuervo, o sea El Cuervo: Ciudad de Ángeles, y algunos cortometrajes. Pero también fue guionista de una película del 73, Don´t Look in the Basement, dirigida por S.F. Brownrigg, una especie de slasher ambientado en un manicomio experimental. En donde los doctores se diferencian de los pacientes porque pueden hacer lobotomías. Y aquí todos los locos, médicos o pacientes, le entran a la matachina.

En este drama psiquiátrico, anterior a Atrapado sin Salida, los que se salvan aprenden a no confiar en alguien sólo por tener el título de doctor. Y los doctores como otros personajes de la historia; el soldado que necesita enemigos, el juez que está como una cabra, la madre que no soporta que alguien más toque a su bebé, son considerados generalmente buenos elementos de la sociedad a los que se les debe creer, quien sabe porque.

Significativamente sólo la joven enfermera dispuesta a mezclarse con los locos y un negro con la mente de un niño de 8 años sobreviven a esta clínica/ microcosmos de la sociedad, apartada del resto del mundo como tejido cerebral separado por el bisturí de algún neurocirujano lobotomizador. El fundador de la clínica la había establecido después de chingarse a un paciente en una lobotomía, la nueva jefa no quiere que nadie entre o salga del lugar para que no ser desenmascarada. Está dispuesta a cortar lenguas o cuellos si es necesario. Es como el Dr. Lecter, se ve normal, representa a la razón y queda la duda de si estos personajes son sólo impostores o como diría Michel Foucault, lo que pasa es que la razón y la gente razonable no son lo que parece.  

 

Nostalgia del PRI

México 86 (Gabriel Ripstein 2026) empieza con la pedrada al PRI de rigor, en 1986 nos informan, México estaba en crisis económica y la gente odiaba al gobierno. Sin embargo lo que viene después se puede leer como una alabanza al PRI. Martín De La Torre, un funcionario de la Femexfut se entera de que el más famoso "soldado del PRI" quiere que el Mundial del 86 se haga en México, así que decide acusar a su jefe, el presidente de la Femexfut de no apoyar la idea del tigre Azcárraga, el famoso soldado del PRI, dueño de Televisa y según nos cuentan, quien ponía y quitaba a los dirigentes del futbol mexicano.

Justo después de que Martín De La Torre habla con Azcárraga ofreciéndole lealtad antes que nada y ya ungido como nuevo presidente de la federación mexicana de futbol, entra a las oficinas de esta diciendo que él no quiere trabajadores sino soldados. Y hay otro detalle que revela la súbita conversión de este personaje en un tigre Azcárraga minime, vicario. Lo primero que hace como nuevo presidente de la Femexfut es felicitar a una mujer por traer bien puesto su gafete y quitarle el suyo al presidente saliente.

Emilio Azcárraga, el tigre, era conocido por estar obsesionado por el tema de los gafetes. Un par de historias que circulaban en Televisa eran que una vez él mismo quiso entrar una vez a Televisa sin gafete y un guardia le impidió el paso. El tigre le reclamó que si no sabía quien era él y le explico que era el dueño de la empresa. El guardia contestó que sus órdenes eran que nadie entraba sin gafete y no podía pasar.  Y entonces Azcárraga lo que hizo fue darle un ascenso al guardia. Otra historia cuenta que una vez vio a un trabajador que traía el gafete colgado del cinturón y le reclamó ¿Para eso te pago tanto dinero, para que traigas el gafete en los güevos? Entonces este tipo se apretó la garganta y contestó "No, los güevos los traigo acá" y Azcárraga le regaló su reloj por hacerlo reír.

Martín "el tigre" De La Torre no sólo toma de Azcárraga el gusto por los soldados y la correcta portación de gafetes. Le aprende además a este Azcárraga de ficción la idea de hacer como que ya ganaste para ganar. El "fake it till you make it" como se le dice en inglés. Azcárraga le dice que debe parecer que ya ganó la sede del Mundial para ganarla y así le hace De La Torre.

Hay otras cosas que hacen de este un personaje muy priista, aunque no específicamente de Azcárraga sino en general de lo que se considera característico del PRI: La corrupción, manipular elecciones, los discursos nacionalistas y hasta el uso de acarreados.

Antes de seguir conviene aclarar que sé que decir que el PRI es igual a Azcárraga es un despropósito. El PRI tiene muchas facetas, inclusive muchas épocas y muchos personajes representativos. Y Azcárraga ni siquiera era un político, sino un empresario que seguramente como todos estaba interesado principalmente en sus negocios y que muy probablemente dijo eso de que era un soldado del PRI para quedar bien con el gobierno. Y que los de Televisa como la mayoría de los grandes empresarios del país lo que quieren es buenas relaciones con el gobierno sea del partido que sea.

Pero en esta película eso de que el protagonista le diga a Azcárraga que sabe que es un soldado del PRI así tan rápido y de ahí vaya a decirle a su gente que no quiere trabajadores sino soldados es significativo.

Por otro lado la corrupción, manipulación de votaciones y uso de acarreados están ahora a todo lo que dan con morena así que no hay como estar "nostálgico" por eso. Pero hay una exaltación del mundial del 86 en esta historia al grado de decir que cuando la selección de México quedó descalificada el ambiente fue de fiesta. Perdón pero la eliminación por penales fue una tragedia, un trauma nacional. Y ya cuando uno cambia cosas del pasado es porque anda nostálgico.

Además hay otro mito en la película relacionado con Televisa y el PRI. A Martín De La Torre, Azcárraga le ofrece ponerle una esposa, lo que se supone que Televisa hizo por Enrique Peña Nieto.

Aquí sale a relucir nuevamente un tema que aparece muy a menudo en el cine que es el rechazo a los solteros. A De La Torre le dicen que para conseguir la sede del mundial debe ir a la FIFA con su esposa para que vean que es gente decente.

De La Torre no acepta esposa postiza ni porque el tigre le ofrece a ¡Lucía Méndez nada menos! y, después de algunos problemas con su amante, regresa con ella. Ese es el final feliz de hecho, como diciendo que lo que sí fue demasiado fue que Peña Nieto se casara con una actriz de Televisa nomás por ser Presidente.

Es extraño que la gente crea que Televisa tenía un CATALOGO IMPRESO de actrices y conductoras que podía ofrecer para matrimonio pero que hasta el momento parece que nadie ha notado que la actual Presidenta, convenientemente divorciada de un político que salió en televisión nacional en plena corrupción, se haya casado después con un excompañero de banca con quien, según esto, se reconectó por facebook, y al que ni siquiera invita a ver la inauguración del mundial. 

Por último yo digo que a esta película siguiendo la tradición de películas como Cinco Nacos en Las Vegas y no sé cuántos nacos en no sé donde, mejor le hubieran puesto "Un naco suelto en la FIFA".

La voluntad de las armas

Gun Crazy (Joseph H. Lewis 1950) es otro clásico del film noir, el cine negro, con todos sus elementos; el destino de Bart, el protagonista, está sellado desde el principio y hay una mujer fatal que lo incita al crimen. Tal vez si algo falta es el contexto urbano de la ciudad como trampa, laberinto inescapable. Aunque aparecen Las Vegas y San Francisco, las ciudades son más bien puntos de paso. Sin embargo, y para mi este es un punto clave, Laurie, la mujer que será la perdición de Bart, es de Londres, hasta le dicen "La consentida de Londres". Hay entonces una mujer fatal que viene de una gran ciudad y yo creo que esto es la clave del noir: el corazón frío de la ciudad y (algunas) mujeres ambiciosas y sin escrúpulos que ahí habitan.

También vemos aquí el típico escape a la naturaleza sólo que ya demasiado tarde, otra característica del film noir.

Pero en Gun Crazy hay algo, antes de Laurie, que sella el destino de Bart. De hecho ellas son las que unen a la pareja; las armas.

Bart ama las armas desde niño. La ficción está llena de historias de armas con voluntad propia. Hay por ejemplo katanas japonesas, las espadas de los samurais, que se supone son más letales y peligrosas pues las hizo Muramasa, un fabricante de espadas legendario que era muy violento. No por ser mejores o más filosas sino porque tener el espíritu de su creador.

En Gun Crazy las armas llevan a Bart, con ayuda de Laurie, al crimen aunque no por un tema de magia sino con una lógica de encadenamiento de causas y efectos.

Bart no quería matar, ni animales, mucho menos gente. Pero tenía tan buena puntería que fue entrenador de tiro en el ejército. Y Laurie que vivía haciendo gala de su buen tino en un show de feria, le vio potencial. Ella tampoco quería matar, pero no quería era matar más gente.

También hay otra posible lectura de la trama: El fatídico final de Bart y Laurie es en el mismo lugar en una montaña a donde Bart y sus amigos habían ido de campamento una vez. Ahí vieron un puma y Bart no le quiso disparar. Según la hermana de Bart, que lo mantenía pues eran huérfanos, su hermano se había aficionado a las armas porque ella no tenía dinero para comprarle las cosas que los demás niños tenían. Pero su hermanito tenía muy buena puntería así que las armas, que en un principio eran de diábolos eran algo con lo que Bart podía sentir que era el mejor.

Así que quizá si él hubiera matado ese puma, por el que había una recompensa, hubiera tenido dinero para dirigir su vida a otro lado. Pues de hecho después, por robar una pistola, lo meten a un reformatorio. Aquí aplica un famoso dicho de lo aficionados a las armas: "Nunca saques tu arma si no estás dispuesto a disparar". 

La doña que soñaba ser cabaretera y fría Diosa

La Diosa Arrodillada (Gavaldón 47) nos presenta a La Doña actuando una película con un pésimo guión. Acreditado al director Roberto Gavaldón, José Revueltas y otros tres escritores - aunque a decir de Revueltas todavía le metió mano otro después - decía que él no quería ni acordarse de la película, que había sido un desastre.

Y ¿para qué meter a La Diosa Arrodillada en un ciclo de la Cineteca Nacional dedicado al Cine Negro? si la historia es claramente una muestra muy tardía, y mala, de un romanticismo rancio y decimonónico, no tiene los elementos urbanos del género negro y apenas un poco de historia policiaca, y bastante fallida.

La Doña aquí no sale de femme fatal, pues su personaje Raquel, si amaba al personaje de Arturo de Córdoba, Antonio Ituarte. Más bien tiene un toque de Julieta, la de Romeo, por la muerte, por veneno y por equivocación, del amado. Además de repente habla, como otros personajes, en verso

De hecho en La Diosa Arrodillada vemos elementos de todo aquello con lo que rompe la novela negra. Empezando por los personajes aristocráticos, Antonio se supone que es un industrial pero en realidad tiene todas las características del aristócrata con todo y mayordomo quien, como en las historias de Sherlock Holmes, resulta un personaje clave para la resolución del "crimen" en la trama. Lo típico antes de la novela negra pues. Es una película como tantas otras que refleja una sociedad mexicana que no supera el fracaso de Maximiliano y Carlota y así tenemos a este mayordomo que ama a su ama. Pero como eunuco claro. Y también hay celebraciones de aniversario con todos los hombres de smoking escuchando atentamente a una dama tocar el piano.

Se nota que le quieren dar un toque moderno, hay varias escenas en aeropuertos y la película empieza con tomas de un avión. Pero también le quieren dar un toque popular y por eso Raquel tiene unas escenas en el obligatorio cabaret, aquel que se mete en la trama de las películas mexicanas aunque no venga al caso. Ya ven como es el cabaret mexicano, pregúntenles en La Casa del Poeta. Puras contradicciones en un drama completamente inverosímil. En un principio Raquel y Antonio dicen que por amor no dirán nada de sus oscuros pasados. ¿Pero saben cuál es el oscuro pasado de ella? Ser modelo para un escultor... ay por favor. Y luego Antonio la quiere matar de tanto que la ama. Mala y no es cine negro, ¿para qué darle al público de la cineteca gato por liebre? 

El crítico Carlos Bonfil insinúa en su libro sobre la obra de Roberto Gavaldón que en esta película la que tomó el control fue La Doña. Suena creíble ¿a quién se le podría ocurrir este personaje de Raquel, rica pero cabaretera con final shakespereano, mala mujer pero santa?  

La ciudad y sus rubias fatales

Ya no hacen delincuentes así. En Dillinger (Max Nosseck 1945) considerada un clásico del cine negro, los delincuentes, enfocados principalmente al asalto bancario, están siempre impecablemente vestidos. Dillinger siempre está de saco y corbata y nunca se le ve un pelo fuera de lugar. Seguramente por eso la guapa rubia que vendía boletos de cine y a la que asaltó cayó rendida a sus pies a pesar de haberla amenazado con un arma. 

Bueno, aparentemente. Porque ni el astuto Dillinger ni ningún otro de los delincuentes acaban ganando. Al final ella es la que ríe al último. La mujer fatal es la única que se beneficia del crimen. Los hombres acaban muertos o en la cárcel. De hecho la historia de Dillinger podría contarse en tres actos. En el primero nace en un pequeño pueblo y, según nos cuenta su papá, él esperaba que su hijo se casara con una chica del pueblo, una buena chica, y que consiguiera un trabajo como todos los demás. Pero este plan de la chica buena del pueblo no se materializa y el hijo se va a vivir a una ciudad, como suele suceder en el cine y la novela negra, que es un género urbano, tanto así que luego aunque los personajes traten de huir los tentáculos de la ciudad siempre los alcanzan. La idea de Dillinger era volverse un hombre de negocios. Habla de acciones de la bolsa y de ventas en corto. Y seguramente todos los delincuentes tan bien vestidos como él ahora se dedican al crimen de cuello blanco. De cualquier modo una primer rubia se interpone en su camino y, tras un asalto para satisfacerle un capricho a esta mujer, cae en la cárcel.

Ya cuando sale de la Universidad del Crimen conoce a otra rubia que será su perdición: Una amante de las joyas, le pone el cuerno con otro miembro de su banda de asaltantes y acaba por entregar a Dillinger. Ella es en realidad la estrella de la historia que pasa de ser boletera a ser la beneficiaria de la jugosa recompensa que se ofrece por el famoso asaltante.

El genero negro tal como aparece en este clásico es el género de las rubias ambiciosas al principio y fin. Aunque ellas no participen en ningún atraco. De hecho en casos como este su poder es precisamente que no necesitan participar directamente para beneficiarse. Los hombres en cambio nunca tuvieron realmente una oportunidad, su caída siempre fue tan sólo una cuestión de tiempo. En el género negro su destino, como en las antiguas tragedias griegas, ya estaba escrito. Y en el colmo de la ironía Dillinger muere con tan sólo siete dólares y veinte centavos en el bolsillo. Todo fue por nada. 

La piel digital

Shell (Max Minghella 2024) es muy parecida a La Substancia. Las dos películas son sobre mujeres, ambas celebridades en decadencia, que toman tratamientos para la eterna juventud que las acaban deformando. La principal diferencia es que Shell, la compañía de donde toma el nombre la película,  y que produce la cura milagrosa, es dirigida por Zoe, una influencer que la maneja como un culto. Como suelen ser los influencers, los de la manósfera por ejemplo, o los influencers de la belleza masculina etc.

Esta compañía toma su fórmula antienvejecimiento de langostas, ajolotes y otros animales y es tan un culto que los iniciados acostumbran hacer cenas y comerse la piel de Zoe cada que va mudando a una nueva piel, pues la cambian como las serpientes. Sólo que estas cenas nunca son la última como aquella famosa cena pues el paraíso que Zoe ofrece es terrenal.

Claro, hasta que todo sale terriblemente mal y entonces Zoe, ante la amenaza de que la verdad salga a la luz, lo que afectaría la cotización en bolsa y el valor de la marca de su compañía, trata de evitar que Samantha Lake, la protagonista, que había sido admitida en su inner circle; así le dicen ahora a los apóstoles, el inner circle, se salga del culto y suelte la sopa.

Y claro, acusa a Samantha de quererla traicionar, y violar su contrato de confidencialidad, aunque ella no es como Judas, no sólo porque en aquellos tiempos aún no existían los contratos de confidencialidad, sino porque sólo quería alertar a la gente; y que la llevaran a un hospital.

La maleta de trucos de la película para crear tensión está bastante gastada y ni hablar de la sensación de deja vu que nos deja a los que vimos La Substancia, que sin duda es mejor. Hay otra semejanza con la película de Coraline Fargeat, un cosa como de complejo de Elektra, ya saben conflicto madre - hija, más o menos como el complejo de Edipo pero entre mujeres. Aquí hay un personaje, Chloe, que le gana un papel en una película a Samantha, que es actriz. Samantha fue niñera de Chloe y después de lo de la película la odia. Pero Chloe también es clienta de Shell y acaba convertida en monstruo.  Es como si Samantha fuera con una bruja, pues Zoe se ve mucho, pero mucho más joven de la edad que dice tener, como las brujas, y que esta bruja convirtiera a la joven rival en un monstruo e hiciera que le dieran el papel a Samantha. Lo que de hecho hace.

Esta complicidad llega a su punto más cercano cuando ambas confiesan que no usan sus verdaderos nombres y Zoe dice: Las dos pretendemos ser lo que no somos.

Shell funciona como una fábula de la humanidad en la era digital y de las posiblemente letales consecuencias de andar diosificando gente que vemos en la pantalla. Su rollo contra la vanidad sale sobrando. Es de hecho más interesante todo el tema de la piel y los caparazones. Se supone que la terapia de Shell es una cosa genética pero, lo que vemos es un proceso en que la persona se mete en una cámara y llega la magia digital. Podría argumentarse que lo que sucede es que lo digital se puede ver en el cine y lo genético no es tan fotogénico digamos. Pero se supone que en la compañía hay un científico. Y es un viejito que se ve débil y enfermo, un personaje que apenas aparece. No, aquí el poder no es la genética sino la influencer con piel que no envejece. La piel es todo un tema, Samantha tiene un problema en la piel en un principio, una psoriasis. Esto se trata de la piel y la imagen. Es como las viejas películas de highschool donde invariablemente él o la protagonista era un o una nerd hasta que va a hacerse un cambio de look. Sólo que aquí la transformación se ve como algo digital y consiste en meterse a una cámara transparente y salir como una nueva persona. Los gadgets sirven como caparazón, podemos filtrar la información que nos llega, pedir cosas para no salir de la casa y hasta hacer home office para no salir a trabajar, entre otras cosas. Un caparazón que protege pero también aísla de lo y los que tenemos cerca. Y nos puede transformar y no necesariamente para bien.   

Quijotes con Bukowski en el morral

Un Poeta (Simón Mesa Soto 2025) nos presenta al estereotipo del nuevo (bueno, ni tan nuevo) poeta latinoamericano, un borrachín que ofrece libros de Bukowski al que se acusa de acosar menores. ¿Cómo lo sé? Lo he oído por ahí. De una organizadora de eventos de poesía, y sé que la sola mención del viejo cochino (como se le dice de cariño a Bukowski) es una red flag para algunos editores, tan sólo de oírlo les dan ganas de agarrar sus bebidas y salir corriendo.

La poesía antes era diferente... empieza a decir otro poeta de la película en tono de lamentación. No Oscar Restrepo, el protagonista, un tal Efraín que no acaba la frase y seguramente no se refiere a la influencia de Chinaski ( Otro modo de decirle al viejo cochino) pues junto a la puerta del salón donde da clases de poesía está la cara de Bukowski en un póster. Eso no ha de ser lo que le parece mal de la poesía de ahora, tal vez lo que pasa es que antes a los poetas no les pasaban cosas como las que le van a pasar al poeta Restrepo. Un poeta de triste figura que es un fracaso total. Nacido en el 68, le pide dinero a su mamá y a su hija, que se avergüenza de él. Pero su redención viene en camino a través de una alumna, la escribeversos quinceañera Yurlady. Aunque ella no quiere aprender de poesía ni ser poeta, su tirada más bien es poner un salón de uñas.

Restrepo sin embargo se pone necio en hacer de ella una poeta y por poco lo pierde todo acusado de abuso. Injustamente pues su único pecado es tratar de guiar a la adolescente al infierno poético. Al final Yurlady lo encaminará al final feliz aunque por terribles caminos.

Poeta tendrá un remake americano y ya hay un póster con Bill Murray como Restrepo. No será fácil pues Ubemair Ríos el actor que interpreta al poeta está excelente en el papel. La película ganó en la sección Un Certain Regard en el festival de Cannes. Es una pinche joya, una película políticamente incorrecta que cuestiona convenciones que alguna vez fueron liberadoras y se han vuelto una losa. 

Un tema central en la película es que Restrepo quiere ayudar a Yurlady como si la poesía sirviera para salir adelante. Cuando él mismo es el mejor ejemplo de que la poesía puede ser una especie de vicio que requiere ya mismo que se formen grupos de poetas anónimos. Pero lo que le dicen a Yurlady que debe hacer para ser poeta: Fijarse en lo que le interesa al público y a los mecenas europeos es exactamente lo que Restrepo nunca ha querido hacer. Al ver lo que le sucede después se entiende que no le guste lo que piden el público y los patrocinadores de Europa.

Son dos caminos y esta película resuelve el conflicto entre ambos pues gana premios y llama la atención sin venderse a las causas de moda y volverse panfletaria.

 

La mirada salvaje

Holocausto Caníbal (Ruggero Deodato 1980) va a reestrenarse. No sólo viene la versión corregida y aumentada en bluray y 4k sino que se ha anunciado su regreso a salas de cine.

Esto es muy sorprendente pues cualquiera que recuerde la película sabe que esta es de lo más políticamente incorrecta. Deodato de hecho fue detenido por la policía después del estreno. Y es una película que dice de si misma que es inexhibible pues se trata de unos supuestos documentalistas que hacen un documental sobre caníbales del amazonas pero acaban siendo comidos. La película que filmaron logra ser rescatada y se supone que los ejecutivos que la ven mandan destruirla. Pero lo que se supone mandan destruir es lo que los espectadores vemos. Es de hecho considerada la segunda película de lo que ahora es el género del found footage. La primera es The Connection del 61 dirigida por una mujer, Shirley Clark, y también de tema morboso por cierto.

Es una de esas películas, como Pretty Baby, que parece que no podrían hacerse hoy en día.

El mensaje de la historia es simple y explícito: Todos somos salvajes. Rodada en la amazonia colombiana y en Nueva York la historia nos dice que si agarramos a cualquier neoyorkino y lo ponemos en la selva, en las condiciones adecuadas, no tardará en competir en salvajismo con cualquier caníbal. Y lo interesante es que la prueba que se ofrece de esto es la película misma, que explota nuestro morbo que se siente como un resabio salvaje.

Y claro también porque el personaje del profesor humanista que va en busca de los documentalistas sólo puede entrar a la selva gracias a los brutos y crueles, militares; y al guía ídem.

Los documentalistas son como unos influencers que viajaron en el tiempo a 1980 y prefieren morir antes que dejar de filmar. Como les ha sucedido a tantos en la vida real con el celular. Quieren el morbo, queremos el morbo, porque en el fondo seguimos siendo salvajes luchando por sobrevivir; sólo hemos cambiado de jungla y la civilización es apenas un delgado barniz.

Un dato curioso es que Deodato empezó como asistente de Roberto Rossellini, gran figura del neorrealismo italiano. Lo que lleva a pensar que ese bien portado y bonito realismo acaba llegando a este holocausto caníbal.

 

Una actriz maquiavélica

La película polaca Pérdida de Equilibrio, Utrata równowagi (Bojanowski 2025) nos presenta a una actriz, Maja (la guapísima Nel Kaczmareck), quien quiere actuar de Lady Macbeth, la ambiciosa esposa de Lord Macbeth en la famosa tragedia Shakespeareana. Según vemos en esta película, Lady Macbeth es una especie de Maquiavelo sólo que en femenino, ella incita a su esposo a matar al rey de Escocia para hacerse con el trono. Y una frase que escuchamos repetidamente es cuando, con lenguaje shakespeareano, la esposa le dice a Macbeth que no sea ingenuo, que no va a alcanzar lo que quiere nomás siendo muy bueno.

Se supone que Maja estudia actuación pero está a punto de abandonar su plan de ser una actriz profesional. Ella y sus compañeros de la escuela de teatro iban a presentar Antígona, una tragedia griega en la que, como en todas las tragedias griegas, el destino ya está escrito. Y Maja piensa que su destino no es ser actriz.

Entonces entra en escena Jacek, un nuevo profesor que le dice a Maja que su destino está en sus manos y lo primero que hace es cambiar la obra que van a presentar y en vez de Antígona será Macbeth. Aunque Macbeth también es una tragedia, su nombre completo es "La Tragedia de Macbeth".

El caso es que Maja resulta demasiado buena alumna pero de quien aprende es de Lady Macbeth, y ese papel será suyo sin importar lo que tenga que hacer.

La moraleja de Pérdida de Equilibrio parece un mensaje de superación personal sólo que a través del mal. Algo así como: Amiguitos, amiguitas y amiguites, no duden en luchar por sus sueños, no importa a quien tengan que matar o romperle las piernas. Pero es un mensaje que el público no aceptaría alegremente sino fuera porque Jacek, que al principio parece un buen tipo se revela como un intrigante y manipulador y al final Maja le da su merecido y eso parece justo.

Lo interesante aquí es que lo que acaba determinando donde está el bien y el mal es la obra, es decir, como público sentimos que Maja es quien debe interpretar a Lady Macbeth porque es a quien mejor le sale. Seguramente me dirán que no, que lo que pasa es que nos identificamos con ella, que ha luchado por ese papel y sentimos que se lo merece y que no es  porque a ella le salga mejor Lady Macbeth.

Pero yo pienso que si viéramos que Maja no puede hacer el papel y a otra le saliera mejor, el drama no funcionaría. Jacek parecería haber hecho lo justo al cambiarla y a Maja la veríamos como una villana intrigosa. El final no funcionaría pues quedaría la sensación de que faltaría que alguien la pusiera en su lugar.

La moraleja realmente es que el (buen) fin, en este caso la obra, justifica los medios.  Y este director, que en imdb está con un nombre y en la guía del festival de cine europeo con otro, alegre y despreocupadamente aplica la misma regla y le corrige la plana a Shakespeare, pues en la película nos dicen que el final de Lady Macbeth queda abierto pues es dueña de su destino. Perdón pero ella se suicida, eso no me parece un final abierto. Vaya director "empoderado". Parece como si no hubiera obras tan famosas como Macbeth que hablen de personajes dueños de sus destinos. Punto para las tragedias. Y el destino.

Los héroes improbables

En 1968, en Agosto para ser exacto, los ejércitos de cinco países, Alemania del este, Polonia, Hungría, Bulgaria y la Unión Soviética, invadieron Checoslovaquia. Todo porque un nuevo gobierno checoslovaco estaba dando demasiadas libertades a su población a juicio del Kremlin.

Según lo que vemos en Ondas (Jirí Mádl 2024), la resistencia a la invasión no vino de los militares sino de la población. Y la película se centra en lo que sucedió en la radio checoslovaca, el más importante medio de comunicación del país según nos informan. Que inclusive logró seguir transmitiendo clandestinamente gracias a Tomás, el principal protagonista de la película, que trabajaba como técnico en la estación.

Como en toda buena película de la guerra fría en Ondas hay agentes secretos de sombrero y gabardina, espías, traiciones y romance. Aunque de esto último sólo un poco.

Y así como ante el golpe soviético a la llamada "Primavera de Praga" la resistencia en vez de venir de los militares vino de los civiles, Tomás, el héroe de la película no era un tipo con ganas de ser héroe, de hecho había servido de informante de los servicios de seguridad acerca de lo que sucedía en la estación. Pero no era un traidor sino uno de esos héroes improbables que sólo salen a relucir a la hora de la verdad. Y como se demuestra en las historias de espías, a veces no conocemos realmente a la gente, ni a la más cercana. O quizá especialmente a la más cercana, como sugiere la última escena de Ondas.

La falsa rebeldía

Peacock (Bernhard Wenger 2025) es una divertida comedia que sin embargo tiene un tema profundo. Este tema se sintetiza en una cosa que la mujer de Matthias, el protagonista, le dice: No pareces real.

El trabaja en una de esas agencias que rentan gente que se hace pasar por lo que el cliente quiera: Una pareja, un familiar, lo que sea. Como en Familia en Renta, en donde el personaje de Brendan Fraser consigue trabajo en una agencia de esas en Japón.

Entonces Matthias se la pasa haciéndose pasar por otra persona y parece que él va desapareciendo. Ya ni los perros lo pelan, como que ya no tiene opiniones personales y ni siquiera se defiende cuando lo acusan de algo que no hizo.

Una clienta llega a la agencia, una señora que necesita que actúe como su esposo y discuta con ella, para que la señora, que dice que no sabe discutir, se entrene y pueda discutir y llevarle la contraria al marido. Luego la pareja se separa y Matthias se siente culpable y pasan varias cosas pero al final la pareja se reconcilia. Y todo eso puede leerse como mensaje a Matthias de que se defienda que no pasa nada.

¿Pero ese mensaje será el adecuado? ¿No sería mejor un mensaje de defiéndete sin importar que pase?

Hay otra cosa que se puede interpretar como un mensaje para Matthias, y más contundente. Matthias renta un perro, un perro que por lo tanto tiene el mismo trabajo de él. Además el perro parece que también se llama Matthias, aunque eso resulta una confusión pues el perro en realidad se llama  Aaron. Y Aaron acaba muerto, ahogado. Definitivamente eso parece una señal.

Matthias se acaba rebelando, en una comida en un hotel, donde debe hacer de hijo de un señor mamón, Matthias va al spa del lugar, en donde dan de esos baños de lodo y regresa desnudo y embadurnado de lodo al salón con su cliente que está celebrando su cumpleaños sesenta, y que lo había mandado a cambiarse una camisa que se había ensuciado con una pequeña mancha. 

Aquí es donde el análisis se pone interesante: La gente en el banquete acaba pensando que se trata de un performance artístico y le aplaude. No es el único performance que aparece en la película, ni el único ejemplo de supuesto arte vanguardista.

De hecho al principio de la película Matthias está en un concierto, haciéndose pasar por otro, y es un concierto de música vanguardista. Matthias que va preparado dice que la música le recordó a un compositor. Entonces aparece Ina, a quien el concierto le recuerda al mismo compositor. Y esta Ina representa el vacío, de hecho Matthias sospecha que también trabaja haciéndose pasar por otra persona como él.

Cuando Matthias le cuenta de sus problemas a un amigo este le recomienda una especie de centro de terapias new age, de mística barata. Ahí se vuelve a encontrar a Ina, quien es una puerta a ninguna parte.

Y por asociación con ella y también por méritos propios, los gurús new age y los artistas vanguardistas representan el mismo vacío. En otra escena Matthias va a un concierto en donde el show es que un tipo se cubre el cuerpo con pintura y corre a estamparse en lienzos. Algo que también sucede en Art School Confidential por cierto. Y este performance de plano hace que Matthias se enferme. Y hay otra situación en la película en la que un tipo que se dice actor resulta ser un asaltante.

¿Entonces que tan positivo es que al final la gente crea que está haciendo un performance? ¿Es una verdadera rebelión o es hacer otro personaje?

Lo de andar desnudos o verse extravagantes también lo hacían en el retiro new age. Y lo del lodo es de una de esas terapias alternativas.

Al igual que el perro Aaron, Matthias salta al agua pero en vez de ahogarse él logra salir y se va desnudo pero... ¿quién es él en realidad?

El amor no es un perro infernal, es una DJ drogadicta

The Drama (Kristoffer Borgli 2026) tiene un guión extraordinario, escrito por el mismo Borgli quién encontró una situación perfecta, una pareja enamorada y a punto de casarse, para introducir al mismísimo mal, ni más ni menos.

Ante un trasfondo de amor ¿qué se hace cuando el mal aparece tan oportuno como un puñetazo traicionero? ¿Se cancela la boda? Sólo que si la gente cambia y ya no es mala entonces se puede perder el amor estúpida e inutilmente. Así como a la DJ de la boda a la que los novios vieron metiéndose heroína. O algo que parecía heroína. Y que la corren cuando ya estaba todo listo para la fiesta. ¿Pero sí era heroína? ¿Y ellos están libres de pecado? ¿Beneficia a alguien correrla de la boda?

Ese asunto huele a santurronería. Pero casarse con alguien con una historia como la de Emma ¿no es irresponsable? ¿Se trata de un problema personal o es un problema social? Y más allá de eso, el mal ¿es algo que las personas hacen y pueden dejar de hacer o es lo que hace la gente mala, que siempre lo será?

The Drama tiene una respuesta. Aunque también algunos pretextos: Es que Emma quedó muy afectada porque de niña vio un accidente fatal, es que por mudarse no tenía amigas, es que la buleaban. Intentos de justificación que no aportan nada al drama. Para la historia funciona mejor la maldad desnuda y la duda como callejón sin salida ¿Si la belleza está en el ojo del que observa no podrá estar el mal en la cabeza del que juzga? ¿Hay un demonio en el juicio de todo santo? 

¿O no? 

El poeta comunista que privatizó el tiempo y llegó al cielo

Underground (Kusturica 95) una comedia que acaba trágicamente, aunque cierra con el retorno de la comedia pero ya en el más allá, presenta como el pecado original que provoca el cambio de comedia a tragedia, a la traición. Marko es un pícaro ladrón mezcla de galán con sombrero de gángster, corbata y pistola que es como un hermano Marx de la desaparecida Yugoslavia, simpático como los hermanos Marx (y hasta con un toque de Mauricio Garcés según yo) pero comunista como otro Marx, Karl Marx.

Aunque Marko es un comunista de acción, de robar trenes para conseguir armas para el movimiento, no un comunista de teoría, aunque le da por la poesía.

Entonces todo era risa, sin importar la guerra y la ocupación nazi, hasta que Marko, de forma por demás capitalista, traiciona a sus camaradas, incluyendo a su hermano y a Blacky, su mejor amigo, poniéndolos a trabajar con engaños, en unos sótanos de los que no pueden salir y donde hasta el tiempo es manipulado por Marko.

El se queda con las utilidades, o como diría Marx, con la plusvalía del trabajo de sus explotados camaradas. Y además se casa con Natalia, que abajo en los sótanos está casada con Blacky.

¿Y qué pierden los engañados? El costo de vivir en la oscuridad no sale a relucir sino hasta después, cuando por fin vuelven a ver el sol y el hermano de Marko se ahorca y Blacky pierde a su hijo, mientras que los engañadores Marko y Natalia arden en el fuego.

Creo que la historia de Yugoslavia realmente es sólo el contexto histórico del drama en esta película en vez de que el drama sea una metáfora de la historia de Yugoslavia como se ha dicho. Aunque el final, con el banquete en un pedazo de tierra a la orilla del río que se separa y se va flotando como isla, obviamente puede leerse como un mensaje de resignación ante un país que se ha dividido. Además la traición de Marko es a sus camaradas yugoslavos, en la lucha contra los nazis. Pero la bajeza del bigotudo poeta también es contra uno de los bandos en la guerra civil. Esa es la última que comete y que le cuesta la vida. Es decir, aquí el mal es la traición en general, a los camaradas que incluyen al hermano y también a la esposa, pues Blacky deja a la suya por Natalia, que ni lo quiere, y en el final feliz regresa con la esposa y Natalia ya ni le importa. El comunismo también es sólo parte del contexto.

Es una moraleja sencilla pero en una gran película, una gran producción en todos sentidos, considerada, con toda justicia, un clásico.  

El bosque de las muñecas

Dolly, de Rod Blackhurst 2025, es una película independiente, e independiente de bajo presupuesto, que sin embargo consiguió buena distribución y salir en cines.

Al igual que en las anteriores dos películas de terror de las que escribí (The Hole in the Ground  y Undertone) en Dolly sale a relucir el tema de la madre. En este caso se trata de una mujer, Dolly, obsesionada con tener bebés. Y pobre de quien no quiera jugar al bebé con ella porque la cosa se pone gore.

Es un caso de querer ser mamá pero sin interesarse por los hijos. Como querer jugar a las muñecas y darles de comer, ponerles su chupón y cambiarles su pañal. Pero también querer romperlas y arrancarles las partes. ¿Habrá mamás así? Seguro que sí como también gente como otro personaje de la película, la mujer que quiere un anillo de compromiso. Pero sólo el anillo, aunque estaba dispuesta a casarse con tal de tener uno.

Dolly por cierto vive en un bosque que ha decorado con muñecas. Lo que recuerda la isla de las muñecas, una pequeña isla en las afueras de la ciudad de México habitada por un tipo que se ha dedicado a llenarla de muñecas para que lo protejan de los espíritus. De lo más creepy.  Tim Burton grabó ahí el último video de Lady Gaga y yo me pregunto si Dolly se habrá inspirado en la isla de las muñecas.

Definitivamente de las tres películas de terror que vi Dolly es la mejor. Y si alguien se pregunta que fue de Sean William Scott por acá anda en esta película que me gustó mucho. 

  

Archivos digitales y terror

Undertone, la nueva entrega de terror de A24 explora posibilidades del miedo al abrir archivos, en este caso de audio. Y mezcla esto con un demonio, o mejor dicho una demonia, que aunque tiene un nombre distinto, se parece mucho a Lilith, el antiquísimo demonio femenino que aparece por primera vez en la antigüa mesopotamia y que se dedicaba, o dedica, a matar recién nacidos. Los niños en ese entonces no morían por la llamada muerte de cuna, se los llevaba Lilith. 

Y de algún modo extraño, Lilith ahora es famosa como personaje de la historia bíblica, por ser supuestamente una mujer anterior a Eva. Se que suena extraño y no me sé los detalles. El caso es que parece que Lilith después de meterse quien sabe como en el cuento bíblico de la humanidad ahora viaja en archivos de audio. O al menos la demonia que nos presenta Undertone debe ser familiar de Lilith pues se parece mucho.

Undertone se agarra de este monstruo femenino para explotar, además del temor a abrir archivos malditos y a la muerte, la culpabilidad relacionada al aborto y ya encarrerada también retoma un tema del exorcista, igual que la anterior película de la que escribí, The Hole in the Ground, sólo que en este caso se trata de culpabilidad por la muerte de la madre, todo con un trasfondo muy católico como podrán comprobar quienes vean Undertone.

Un tema muy interesante que también se explora en esta película es la teoría de que en las más famosas canciones tradicionales infantiles se esconden terribles mensajes a los niños.

Creo que esta película, como nos tiene acostumbrados A24 tiene buen nivel de realización pero en este caso es demasiado pastiche, una ensalada de diferentes temas ya muy conocidos. Y eso de sentir culpa por no rezar aves marías no va conmigo. Así que le pongo tache.

Monstruos en el espejo

Antes de volverse famoso con Evil Dead Rise, Lee Cronin debutó con The Hole in the Ground,  hecha en su natal Irlanda y basada en un mito del folklore irlandés, los changelings. Pero para no hacer el spoiler no explicaré que son los changelings. Es una buena película, que es como una historia de posesión, pero no es posesión, sólo parece. En el centro está la relación entre un niño y su mamá que recuerda un poco al exorcista, con muchas diferencias pero hay una escena en donde el niño, que se llama Chris, si se pone como Regan, la niña del exorcista. El análisis de esta película sale casi sobrando de tan obvio: La mamá de Chris ve el rostro de quien le ha cambiado a su hijo. Eso y el tema de los espejos deja todo muy claro.

A ver como le va a Cronin con su tercer entrega, su versión de la momia "Lee Cronin´s The Mummy" o  como le pusieron acá La Posesión de la Momia

Escape de Neza

Nadie es inocente (Sarah Minter 1987) es considerado por algunos un documental o un drama documental y eso me parece un halago pues aunque tiene algunas tomas no montadas es obvio que casi todo está dramatizado y hay una historia, aunque minúscula. Eso sí, no hay actores en Nadie es inocente, todo mundo se interpreta a si mismo, algo que no era nuevo pero definitivamente no estaba de moda en los 80s.

Entonces la película nos sumerge en el mundo y la vida de los Mierdas Punk, una banda de chavos banda, valga la redundancia, pues en la ciudad de México a los chavos que empezaron a agruparse en bandas juveniles en los ochentas se les llamó chavos banda. La banda más famosa fue la de los Sex Panchitos. Y no es casualidad que las bandas tengan sex y punk en sus nombres pues como vemos en esta película, que no dura ni una hora por lo que si no me equivoco es un mediometraje, la ideología y religión de estas bandas es el punk. Kara, el protagonista, dice en una escena que deben ser más anarquistas y verse más fachas. Verse y ser más punks pues.

El punk encontró entonces terreno fértil en Ciudad Nezahualcóyotl, una gigantesca urbanización (Creo que es considerada la tercer ciudad con más población hispanohablante del mundo) pegada a la ciudad de México que se formó con migrantes pobres que llegaron del campo.

Entonces los Mierdas Punk conocen a los Sex Pistols, a los Exploited, y parece que hasta a Public Image Limited, y se ponen camisetas con la bandera británica y también usan jerga española, Kara dice encanar para explicar que la policía los mete a la cárcel.

Pero me queda claro que si a cualquiera de los ídolos punks de los mierdas los llevan a donde viven ellos, se mueren. Las escenas más crudas de la película son en los basureros por la zona del bordo de Xochiaca. A donde va a parar buena parte de la basura de la ciudad de México y su área conurbada, extensiones sin fin de basura. Y ahí vemos a los mierdas buscando ropa para verse más fachas. Uno encuentra un saco y dice "Miren, como el Johnny Rotten".

Sin duda, aún sin ser un documental propiamente, esta película tiene un gran valor como documento de una contracultura . Así sea una ficción. Y creo que sobre todo por capturar el habla, el lenguaje de los mierdas. Mucha gente habla como ellos y no es un lenguaje que suela aparecer en el cine.

Los mierdas aparecen como chavos muy reflexivos, tranquilos, simpáticos y confundidos. No van a ninguna parte. No hay futuro, esa también se la saben. Kara sin embargo quiere escapar y un día se va a la estación de tren a comprar un boleto que lo aleje de su vida.

El piensa constantemente en la muerte, lo que me recuerda que según Don Juan, el mítico brujo mexicano de los libros de Carlos Castaneda hay que tener presente a la muerte todo el tiempo. Pero también pienso que Kara parece que podría ser en el futuro un seguidor de la Santa Muerte. Un culto que en los ochentas ha de haber sido muy pequeño y poco conocido aún.

Kara huye de la muerte, de la confusión y la droga que lo confunde aún más, el cemento en su caso. También de la rutina y del hostigamiento de la tira, la policía.

Al final llega a uno de esos pueblos mexicanos que parecen habitados por puras viejas fantasmales. ¿Logrará Kara escapar del no futuro? Apenas llegando se ve qué es lo que Kara tiene en contra pues llega preguntando si ahí hay chavos banda y en donde podría comprar droga. Pero bueno, al menos ahí no hay policía según le dicen.

La respuesta seguramente está en la secuela de esta película ,"Nadie es inocente 20 años después", también dirigida por Sarah Minter. 

Acá el trailer: https://mubi.com/en/films/nadie-es-inocente/trailer

Escape al planeta artesanal, sin género y customizable

El Dr. Ryland Grace es un personaje exactamente igual a todos los personajes actuales, un tipo como Cristobal Colón al que todo mundo le dice que está loco, que lleva la contraria pero que triunfa. Aunque en este caso triunfa no porque tuviera razón. Todo empieza porque la persona encargada de salvar al mundo del cambio climático, un cambio climático diferente pero cambio climático al fin y al cabo, está buscando alguien como él. Lo que es raro, considerando que todo mundo desde mi prima hasta Elon Musk se consideran individualistas incomprendidos que rompen las reglas. Aunque claro, así todos se identifican con el personaje. Todos somos el Dr. Grace y esperamos ser descubiertos.

Entonces el mundo se va a acabar. Y eso es malo porque afectaría la economía. Se supone que el sol y todas las estrellas cercanas menos una, están muriendo. Y con ellas la tierra claro. Pero al explicar lo anterior no pueden dejar de mencionar que eso sería malo para la economía. También dicen cuantos millones de personas morirían, lo que es muy optimista, se muere el sol pero ¡habría sobrevivientes! ¿Aunque para que querrían vivir en un mundo donde los valores de las bolsas y el bitcoin y todo habrían colapsado? 

En realidad un tipo como Grace, que considera indigno andar en bicicleta porque no le alcanza para un coche es un problema, no una solución, para los problemas planetarios. Y ver el tema como un asunto económico o pensar que sólo morirán los pobres que no tengan para el clima artificial tampoco.

Pero esto es ficción y americana así que todo se soluciona poniendo científicos en un portaaviones. ¡Y pum! en un santiamén descubren que los astrófagos, los seres microscópicos que están infectando al sol son una fuente potentísima de energía, no una fuente de energía limpia sólo potentísima. ¡Es el nuevo petroleo!  Ya con eso sólo se necesita agarrar a alguien que se lance a la única estrella que no muere a causa de los astrófagos y que averigüe como le hace. El Dr. Ryland no quiere ir pero es un soltero desechable así que lo mandan aunque no quiera. 

La cosa es que la nave, impulsada por la energía de los astrófagos podrá llegar a Tau Ceti, la estrella inmune a esta infección espacial de astrófagos, pero no podrá regresar. Así que para los tripulantes es un viaje a la muerte.

Por suerte para el Dr. Grace, en su caso es como un viaje al cielo pues acaba conociendo a un extraterrestre, "Rocky", que es fiel como un perro. Tiene una pareja este extraterrestre, que Grace asume puede tener nombre de hombre, osea que en el planeta de Rocky la reproducción no es sexual o sí es pero Rocky y su pareja son gays. O Rocky es hembra pero... el tema nunca se toca, ni porque el Doc y Rocky ven juntos películas de Rocky, el boxeador.

Y en el planeta de Rocky son buenísimos haciendo cosas con las manos sin necesidad de herramientas, hasta su nave espacial parece artesanal, seguro toman puro mezcal del artesanal, artesanal del hard core artesanal y consumen puro huevo de libre pastoreo. Además en el cielo tienen una cúpula y pueden pedir el clima que quieran.  Obvio que el Dr. Grace ya no regresa a la tierra que está llena de humanos. De por si, en la tierra estaba sólo como dedo y cuando decide no regresar se entiende porque, no le gusta la humanidad.Ya encontró el planeta de los muñequitos. Cada quien su paraíso.

 

Negación

En una ciudad americana, los niños y niñas estaban siendo violados. Había decenas, quizá cientos de violadores, incontables víctimas. Muchos sabían algo, algunos sabían que no eran casos aislados, que las violaciones de niños por parte de curas católicos era un problema generalizado y fuera de control.  A los curas pederastas los cuidaba la iglesia y el obispo de Boston. Pero nadie hacía nada por los niños.

¿Porqué?

Spotlight, la película de 2015 que recrea la investigación del Boston Globe que reveló el caso tiene una respuesta: Porque se necesitaba que llegara alguien de fuera para hacer algo. Y no alguien como el abogado armenio que estaba representando a algunas víctimas, pues no era poderoso. Sino alguien con poder como el nuevo director del Globe que era judío y que ni siquiera conocía Boston. Porque la comunidad católica de Boston, la ciudad tradicionalmente más católica de Estados Unidos, por su población de origen irlandés, estaba en negación.

El Globe ya había publicado notas sobre el tema pero nunca había pensado siquiera en hacer una investigación a fondo del asunto.

El colmo es que cuando los periodistas se dan cuenta que un abogado ha ayudado a encubrir pederastas y lo amenazan para que les de nombres, este abogado les contesta que hacía años les había mandado una lista de nombres pero que ellos no hicieron nada. Y Robby, el jefe del equipo encargado ahora de la investigación se da cuenta que él había recibido la lista pero lo había olvidado. No le había dado ninguna importancia.

Spotlight es una película que en su momento no sólo refrescó la memoria acerca del tema del tema de la pederastía, y su encubrimiento, por parte de la iglesia católica, sino que escudriña el extraño fenómeno sicológico de la negación, y la negación colectiva. Y todo envuelto en un gran drama con un excelente guión y actuaciones que meten al espectador dentro de un equipo de periodistas resolviendo un caso histórico.  

La bella y la bestia de la laguna negra

Creo que en realidad La Forma del Agua no hace más que contar un cuento del tipo la bella y la bestia usando como bestia a un viejo monstruo muy conocido, el monstruo de la laguna negra. Nada nuevo pues. Otra fábula ñoña para antes de dormir de Del Toro. Envuelta en exquisita nostalgia y música de la bisabuela de los viejitos.

Claro que la película tiene obvios mensajes antiracistas, anticlasistas, antimilitaristas, antimachistas y a favor de la otredad y yo estoy de acuerdo con todo eso, sólo que no creo que los mensajes así de explícitos sirvan. Como por ejemplo en este caso en donde el racista, machista, clasista, militar e insensible es interpretado por Michael Shannon, que es un actorazo, es el mejor de la película y a muchos nos cae bien. Entonces la cosa puede ser contraproducente sobre todo si además le agregamos que el malvado Coronel Strickland, el personaje de Shannon, es un hombre de familia, imperfecto claro, no deja que su esposa hable o haga ruidos al coger y en cambio quiere hacer gemir a la empleada de limpieza. Pero es un padre y esposo al fin y al cabo y según la gente las personas con familia son buenas y los solteros no tanto. Por eso todos los políticos siempre sacan fotos y videos con su familia. Y aquí los buenos, Sally, El ilustrador Giles y hasta el espía Bob/Dimitri están completamente solos. Sally y Giles se tienen el uno al otro ¿pero qué son? ¡Vecinos! amigos nada más. A ver, si se supone que están tan solos en el mundo, se llevan tan bien y sólo se tienen el uno al otro ¿porqué no cogen? ¿Qué los buenos no pueden coger, sólo masturbarse en la tina? 

Es que están esperando a la persona correcta claro, un Dios del Amazonas nada menos, que llega como si el tipo ideal con quien ella fantaseaba se le materializara. Un monstruo-Dios, castrado como muñequito o manequí, pero que puede coger y llega a vivir a su tina. Y al final el agua que envuelve a Sally pasa de ser el agua del baño al agua del mar. Resulta entonces muy apropiado que la historia termine con un poema sobre el amor que se disuelve en todo. Para lo cual deja de tener un cuerpo, una forma, pasa a ser como el agua.  Amor platónico sin cuerpo sin sexo ñoño. Que lindo todo pero así los regaños no funcionan y los villanos acaban siendo atractivos. Como la bestia del cuento.

Nomadland y la trascendencia en Chloé Zhao

Nomadland (Chloé Zhao 2020) entrelaza el tema del pequeño pueblo que se va a pique, generalmente en la ficción se trata de pueblos que dependían de un sólo negocio y cuando el negocio cierra el pueblo se va con el. Es un tema del que escribí en Cars, y es el origen de la historia en Nomadland, en donde el pueblo de Empire, Nevada, era un pueblo minero y cuando la mina cierra el pueblo también. Así que la protagonista de la película Fern, pierde su trabajo, también pierde su comunidad y su patrimonio porque tenía una casa pero una casa en un pueblo fantasma no vale gran cosa. Además el marido de Fern muere.

Vi que algunas reseñas de la película dicen que esta se trata de la gran crisis económica de 2007 y sus secuelas pero en realidad sólo hay un personaje, una de las viejas nómadas amigas de Fern, que son nómadas de verdad  interpretándose a si mismas, que dice que en 2008 no conseguía trabajo y tocó fondo. Y ya, eso es todo lo que se dice específicamente de esa crisis económica. Pero lo de la desindustrialización y los pueblos en crisis es un viejo tema.

Entonces Fern se va a vivir a su van y se vuelve nómada forzada por las circunstancias pero ella acaba adaptándose a ese estilo de vida, tanto así que rechaza las invitaciones de su hermana y de su amigo Dave de mudarse con ellos.

Y así entra otro tema arquetípico de la mitología americana, el viaje en carretera como experiencia mística, como camino iniciático y este tema en la película está muy entrelazado con el tema de la tierra y la naturaleza como algo religioso. Inclusive hay un rito en honor de una nómada que muere, Swankie, sus amig@s echan piedras en una fogata pues ella era amante de las piedras. Y al final cuando Fern regresa a su casa vacía y sale por la puerta de atrás que da a una enorme extensión de desierto interrumpido hasta el fondo por una cadena de montañas, el simbolismo es muy claro, la carretera y la naturaleza la han sanado.

Y encontró a su tribu, los nómadas unidos por la creencia de que se volverán a ver en algún momento en el camino. Y en este punto el estilo de vida se vuelve una idea trascendente que supone que después de la muerte volverán a encontrarse en algún camino.

Es de llamar la atención que Chloé Zhao también maneja el tema de la trascendencia después de la vida en Hamnet aunque ahí esta se da a través del arte.