Vainilla desabrida

Un Hombre por Semana (Dir. Marco Polo Constandse y Ana de la Reguera Guion Adriana Pelusi, Itzel Lara 2026) Mónica busca "ganar" en el divorcio, su ex ya lleva varias parejas desde que se separaron así que Mónica empieza a usar una app de citas. Aunque este argumento y el nombre de la película suenan picarescos, en realidad no es tan picaresca. Y es que Mónica, azuzada por sus amigas que se reúnen a tomar té, como indica el lugarzaso común, dice que si el hombre que busca fuera un sabor sería vainilla.

Quien sabe si los creadores de la película sepan que en inglés decirle a alguien que es sabor vainilla es como decirle aburrid@, mojigat@, ñoñ@. Por ejemplo a Rachel en Friends en un capítulo le dicen vainilla y se ofende mucho.

Como ya se imaginarán frente a Mónica empiezan a desfilar hombres como en casting, con interrupciones para el té con las amigas que funcionan como tiempos fuera. El humor es efectivo, tiene buenos dialogos y Un Hombre por Semana resulta divertida. Al final después de ciertas peripecias Mónica acaba escogiendo a un contador, que quería ser contador desde chiquito y que en la primer cita se zampa una lechugota pues es un contador vegano. El tipo no tiene casi plática pero no tiene red flags y tiene un pito "bonito" así que parece un buen accesorio para la casa. Mónica se decide a buscar pareja un día que se cae en el baño y no hay quien le ayude a pararse y, mientras no salgan robots a un precio accesible que sepan abrir frascos y ayudarle a una mujer a parase si se resbala en el baño, seguirán habiendo comedias de este tipo dirigidas a mujeres que se identifican con la protagonista. Las que no quieren un príncipe azul sino contadores ya con todas las vacunas, desparasitados y bien entrenados para estar en la casa. Porque además cualquiera sirve para "ganar el divorcio".

Nomás hay que buscarle bien ahí entre el botadero de americanistas, músicos a los que les pagan con chelas, swingers, los que realmente lo que quieren es gente que le entre a su multinivel y los sugarbabys en busca de una sugarmommy. Pero no pierdan la fe amigas, rebuscándole entre las fotos de pitos debe estar un contador insípido como lechuga que combine con la decoración de sus casas.

Malditismo condechi

Sobriedad me estás matando (Dir Raúl Campos, guión Campos, Octavio Hinojosa, Félix de Valdivia 2025) es una película que parece más comedia en el trailer y la publicidad de lo que es en realidad. Sí tiene comedia y humor pero es un comedidrama y con drama pesado. En particular la relación entre Raffi el protagonista, y su mamá, es como la peor relación madre - hijo que yo recuerde de la ficción. Se llevan muy, muy mal.

Realmente ya con eso - unos padres que parecen pelearse por ser ellos los que querían abortar a Raffi, la mamá le dice que ella lo quería abortar y el papá que no, que era él - pues ya es más que suficiente para que la vida de Raffi sea un desastre, y la supuesta razón por la que Raffi se volvió drogadicto no sólo sale sobrando sino que es absurda. O sea nos dicen que Raffi se volvió drogadicto por culpa de un accidente. Y Raffi sí podría sentirse culpable, pues por querer dejar a su novia se desató la cadena de acontecimientos que llevaron al accidente. Pero no, Raffi odia a la novia muerta y le echa la culpa de todo a ella. ¿Y entonces cómo o porqué él se habría vuelto drogadicto por eso? Es absurdo, y la propia película me da la razón pues lo que hace recaer a Raffi en la heroína es algo que pasa con la mamá, nada que ver con la exnovia muerta.

O sea que entonces la vida de Raffi iba muy bien, fuera del pequeño detalle de que sus padres lo odiaban, hasta que un día a los 23 años choca en el periférico. ¡Y púm, se vuelve drogadicto!

Nótese que Raffi tiene la típica personalidad del niño consentido, del niño malcriado. ¿Pero quien demonios consentía a Raffi? una mamá así no deja que nadie consienta a quien le "destryó la vida", y si le heredan un reloj que "vale una fortuna" primero lo tira antes que dárselo a ese hijo.

Me parece que en realidad Raffi y su mamá no se llevaban tan mal como nos quieren hacer creer. Nótese que ella es pintora y él quería ser fotógrafo. Ahí hay como un interés común en las artes visuales. y sobre todo, lo que acaba delatando que Raffi y su mamá no se odiaban es que al final ella le dice que no es especial, y apenas un poco más adelante el Raffi ya anda tirando rollo de exadicto y dice que la clave fue darse cuenta que no es especial. Nomás le falta darle las gracias a su má.

Yo sé que en la Ciudad de México, entre los fresas, la "gente bien", hay adictos a la heroína. Y se me hace buena idea, me gusta que hayan hecho una historia con un personaje así. Una historia del México del siglo XXI. Pero... les falta barrio. Casi no se toca el tema de la drogadicción en si mismo, toda la jerga y la realidad de ese mundillo.

Se siente con lo de las drogas y los malos padres una cosa como de maldad wannabe. Y la música se me hizo horrible, eso del junkie cantando la de Napoleón de "abre tus brazos a la vida" está de un cringe insoportable.

Y entonces el junkie que cantaba a Napoleón, y que quería ser papá aunque fuera de las criaturas que su crush de la prepa tuvo con otros, vive además con ángeles, como su cuate Trino que es un santo, cualquier otro lo hubiera echado de su casa y además en un mundo laboral bien chido donde se puede mentir sin tanto problema para conseguir chamba. aquí Sobriedad me estás matando saca el lado de la comedia y de la comedia romántica inclusive. El otro extremo.

Con razón no les sale la maldad. A la película le pasa lo mismo que a Raffi cuando está en su terapia de grupo y le llega su turno de decir la neta y en vez de eso hace una broma.

Y luego regresa a rehab y ahora se hecha su rollo de "soy bien sabio porque estoy dejando las adicciones. ¿Pero como tomarlo en serio si ya vimos que es un adicto a las drogas duras sólo que está atrapado en una comedia boba?

Así no se puede.

Cocineros en el submarino

La Cocina (Dirección y guion Alonso Ruizpalacios 2024 basada en The Kitchen de Arnold Wesker) 

Alguien del equipo de La Cocina me contó que la instrucción del director fue que el sonido de la película debía ser como el sonido del interior de un submarino. Creo que en realidad la película toda es como la historia de los operadores de una máquina, como un submarino con sus marinos y oficiales. Y el final feliz es cuando el submarino parece hundirse pero uno de sus instrumentos da señales de vida y todos respiran aliviados: El motor sigue funcionando, no morirán.

Pero no es un submarino en la guerra. Es una máquina que muchos conocemos de nuestros trabajos, una de tantas máquinas de la economía, con los escritorios, los pasillos, las estaciones de trabajo en la línea de producción, los clientes. Y la omnipresente presión, los conflictos que estallan como ollas express y la camaradería que de repente se asoma a la hora del descanso. Así como los sueños de escapar de ahí a una playa desierta. Y están los amores de la chamba y la insensibilidad del sistema al que no le importa si alguien necesita dinero para hacerse un aborto. O si ya abortó. Hay que trabajar y achicar el agua que inunda la cocina. Como dice el chef, a él no le importa en lo más mínimo lo que le pase al personal. Hasta que todo truena y entonces hasta el dueño baja al cuarto de máquinas y se pregunta que demonios pasa y parece implorar al cielo por una respuesta.

La historia se sitúa en Nueva York, en un restaurante en Times Square y por lo tanto en una cocina en la que conviven múltiples idiomas y nacionalidades. Al principio una joven cocinera de Huauchinango Puebla llega a pedir trabajo armada con su experiencia en un Sanborns.

Sin embargo a pesar de lo específico de la ubicación del restaurante es una historia universal cuyo tema principal es el trabajo, pues el restaurante podría estar en un lugar donde todos hablaran el mismo idioma pero con que unos fueran aficionados a un equipo de futbol y otros a otro las divisiones estarían igualmente presentes.

Me queda claro que esta película a pesar de todos sus diálogos en inglés y francés y de ser una historia ubicada en Nueva York, basada además en la obra de un dramaturgo inglés, habría sido una mejor propuesta de México para los Goyas y los Oscares. A fin de cuentas si se considera una película mexicana pues es mexicana y ya.

Basta del cine mexicano que sólo se ve el ombligo. Estaría bueno que nuestro cine aprendiera algo de Estela, la chica del Sanborns de Puebla que llega a un restaurante de Nueva York. Como tantos mexicanos de la vida real que quieren más mundo y no quedarse en temas locales.

Sin salida

El mil usos (Roberto G. Rivera 1981, guión Ricardo Garibay) Es un lugar común en la narrativa de los que llegan a la Ciudad de México que acaban en la cárcel. Según cuenta el escritor Alvaro Enrigue, estaba leyendo novelas mexicanas de principios del siglo XX y en todas, sin excepción, los que llegaban acababa en la cárcel. Claro eso ya no aplica para nómadas digitales o turistas ocasionales sino para los que llegan huyendo de la miseria encandilados por las luces de la ciudad.

El mil usos, cuyo verdadero nombre es Tránsito, llega de un pueblo de Tlaxcala a la gran ciudad y pasa una temporada en el reclusur, una cárcel al sur de la ciudad. Y cuando lo sueltan no se quiere ir, prefiere la cárcel a la calle.

La película tiene al menos algunas tomas reales del reclusorio sur, lo que hace pensar que hubo colaboración con las autoridades y seguramente no sólo de la cárcel sino de la ciudad pues la película parece una deliberada pieza de propaganda para que los campesinos no vengan a la capital. El tema musical de la película dice "Ya no vengan para acá, quédense mejor allá, el distrito federal no es, no es lugar para llegar."

Esa cooperación explicaría porque en  El Mil usos el reclusur parece un club deportivo, con celdas espaciosas, poca gente y todo muy limpio y funcional. Sin problemas de ningún tipo. La única autoridad que aparece es un juez, que libera al mil usos y es un tipazo. Deja que Tránsito se quede con el uniforme del reclusorio porque no tiene ropa y se echa un discurso no sólo al mil usos sino a todos los campesinos en el que les dice que se queden en su tierra pues en la ciudad sólo les espera  "hambre, servidumbre y la cárcel."

Y aunque una cárcel tan bonita y confortable sería una tentación para muchos, no deja de ser revelador que un personaje prefiera la cárcel a que lo echen a las calles de la Ciudad de México. Es algo que no resulta inverosímil: Yo una vez escuché a una persona que vivía en la calle y que había estado en la cárcel que prefería la cárcel.

Pero ¿qué es lo atroz de la vida en la ciudad para Tránsito?

Vemos que al principio no tiene ni para comer, lo hacen trabajar y luego no le pagan lo acordado. Des pués consigue algunos trabajos más serios como de barrendero o en unos baños en donde hace de "limpiamugrosos" según dice el mismo. Además debe tener relaciones sexuales con la dueña de los baños, cosa que a él no le gusta pues al parecer las fantasías sexuales de dicha mujer implican golpearlo.

Al final, en una pulquería, escucha a unos tipos hablar de sus experiencias trabajando en el gabacho y se interesa pero otro tipo interviene y le dice que él ya estuvo tres veces en Estados Unidos y que son puras humillaciones.

Creo que ese es el meollo del asunto. Trabajos había pero Tránsito no dejaba de ser humillado. Al final se regresa al pueblo pero se había ido porque de plano ahí sólo lo esperaba la miseria. Pero al menos ahí era alguien y nadie lo humillaba.

Rashomon en la vecindad

 

Con una estructura tipo Pulp Fiction de historias engarzadas, El Callejón de los Milagros (Jorge Fons 95) presenta a partir de un juego de dominó en una mesa de cantina, diferentes personjes e historias anudadas como después lo hará Amores Perros y como lo hizo en 1950 el director japonés Akira Kurosawa en Rashomon. Aunque en ese caso las historias no son exactamente iguales pues los narradores mienten y no se sabe quién dice la verdad. De cualquier modo a esa estrategia narrativa se le conoce como "Efecto Rashomon".

Entonces en El Callejón de los Milagros empezamos con Rutilio, dueño de una decadente cantina en el centro de la Ciudad de México y a quien ya no le gusta coger con su esposa y prefiere a los jovencitos. Cuando su hijo, Chava, se madrea al Jimmy, el amante del papá, es cuando realmente arranca la historia central de la película que es la relación entre Alma y Abel. Tan es así que la homosexualidad de Rutilio, cuya esposa califica en un principio como una tragedia, deja de importar. La esposa sigue con Rutilio como si nada, igual que sus amigos; el Jimmy desaparece y no volvemos a saber de las pasiones homoeróticas del cantinero. Lo que ya está muy exagerado es que el hijo que estaba tan en contra de la homosexualidad del padre y que tiene que irse a Estados Unidos huyendo de la furia del papá, y también porque no sabe que pasó con el Jimmy, si lo dejó vivo o muerto, pues le pone a su hijo Rutilio, y regresa tan campante al final a ver al papá como si nada hubiera pasado.

Pero bueno, eso era el pretexto para que veamos que Abel, el enamorado de Almita es tan fiel, noble y buen amigo, que interrumpe la pachequiza que se está poniendo con ella, que por fin le está haciendo caso, parece que ahora sí se le va a hacer a Abel después de tanto tiempo, cuando llega Chava, le dice que se vaya con él al gabacho y Abel se va.

¿Entonces no la amaba?

Sí pero Chava le hizo ver una cosa: Para andar con ella "en serio" necesitaba más dinero.

Porque Alma es como una mercancía en aparador. De hecho por andar viendo los aparadores de joyas del negocio de Don Fidel acaba siendo comprada. En una situación de cazadora cazada don Fidel le regala unos aretes "de Pakistán" y va con la Chata, la mamá de Alma, a pedirle que le de a su hija como esposa.

Aquí la película deja ver su origen, una historia del egipcio Naguib Mahfouz, pues algo así quizá podría suceder en El Cairo en los años cuarentas, en donde se sitúa la historia original. Los matrimonios forzados, incluso de niñas, son algo que sucede en comunidades marginadas de México, pero ya parece que una chilanga de los noventas se va a casar con un viejo sólo porque su mamá se lo ordena. Eso y el detalle de que las joyas que regala Don Fidel son de Pakistán le dan un aire oriental a la historia.

Alma quiere perder la virginidad y para eso Abel resulta demasiado ñoño, lo que a Alma no le gusta. Además ella, y su mamá, quieren dinero. Parece que a Alma le conmueve el enamoramiento de Abel pero no es que ella lo ame. Al menos no tanto como para llevarle la contraria a la mamá cuando le dice con quien casarse.

Don Fidel se muere antes de la boda y entonces llega el fresa del mal Jose Luis que un día ve a Alma parada en la calle con su amiga Maru y se la acaba llevando.

No podía ser un fresa del bien porque si un wey del barrio está enamorado de una mujer, el fresa sólo puede quererla como prostituta. Llamémosle el "Efecto Peña Nieto" el Presidente que según la imaginación popular sacó a su esposa de un catálogo de prostitutas. Se nota que demasiados weyes caritas y con varo le han bajado la vieja a tantos mexicanos que el inconsiente nacional prefiere suponerlos malvados a todos. Y quiere vengarse aunque sea a través de interpósitas personas.

Y no habrá milagro que cambie el destino de Alma y Abel porque en este callejón de los milagros lo único milagroso es el dinero: Abel realmente nunca tuvo una oportunidad, pues no había sistema de apartado para Alma, a la solterona Susanita el dinero la lleva al amor. Ella misma lo dice: gracias a que le prestó dinero a Chava, este estuvo dispuesto a hacerle "el favor" y eso, dice ella, le abrió la puerta del amor. Aunque ese fue sólo un primer pago, luego tuvo que darle más a Güicho que se casó con ella. La relación de Rutilio con el Jimmy parece la típica de sugar daddy con chavito sin lana y además, cuando Alma desaparece hasta la mamá parece tomarlo con calma, no como si hubiera perdido a una hija, más bien como si le hubieran robado una cosa. Una que el pobretón de Abel le estaba "mosqueando". Eso dice la mamá, la Chata, que Abel era como una mosca sobrevolando el producto a la venta.

Maru la amiga de Alma, y después Chava, saben donde está ella y no le dicen a la mamá. Como si la Chata no pareciera tan angustiada como para decirle donde está su hija. O como si no tuviera caso pues como ella ya no iba a poder ofrecer a Alma a algún viejo billetudo pues ya ni importancia tenía.

Es muy notorio este desinterés, tanto así que Abel al enterarse de la desaparición de su prometida pregunta porque no la están buscando, porque están todos tan tranquilos.

Me parece que El Callejón de los Milagros es en el fondo una historia anacrónica aunque traiga ropajes nuevos, como vieja que quiere engañar vistiéndose a la moda. Lo de moda es por supuesto el efecto Rashoman que Quentin Tarantino acababa de poner de moda cuando salió por primera vez El Callejón de los Milaros. También la tolerancia en el callejón con la homosexualidad de Rutilo. La primera reacción del hijo y la esposa es muy negativa pero luego se les pasa. Además un policía comenta que su esposa le fue infiel con desinterés como de swinger. Y se fuma mariguana, algo todavía con aire liberador en los noventas.

Pero tenemos una protagonista que parece no tener capacidad de decisión, hace lo que le dicen. Nadie estudia, Alma y Maru como que deberían ir a la prepa o algo así pero su educación no es tema. Y aunque el centro de la Ciudad de México es un lugar que parece atrapado en el pasado ni ahí ni en otra zona de la ciudad se podría encontrar en los años noventas un burdel como el del proxeneta Jose Luis, como de principios del siglo pasado. Los burdeles con pianista han de haber desaparecido con Agustín Lara décadas antes.

Agreguésele la música y la dirección de arte tan apolilladas. En México si estamos atrasados, pero tampoco tanto.

 

Mirada de demonio

 El Fantasma del Convento (Fernando De Fuentes 1934) es una película con un título engañoso pues no se trata de un fantasma esctrictamente hablando. En todo caso es un convento fantasmal y de cualquier modo la historia es más de momias y del demonio (le dicen "el mal") que de fantasmas.

Aunque podrían haber guardado la sorpresa para el final, desde un principio la película misma hace el spoiler de que todo va a suceder en un convento abandonado en donde no vive nadie. Por eso y varias otras pistas muy claras sabemos que los monjes de ahí están muertos. El final está más que cantado, pero supongo que tuvieron que elegir entre crear una atmósfera, que esa sí está muy bien lograda; es una atmósfera como de... convento de monjes muertos... y si pareciera convento de vivos para luego dar la sorpresa pues no sería lo mismo.

Pero el meollo de la trama es el sexo, que los monjes apenas y se atreven a mencionar, pero no hay que culparlos: Uno de los monjes sucumbió a la tentación de la carne, antes de meterse de monje, de hecho se enclaustró con estos monjes "del silencio" para expiar su pecado. Pero a pesar de su conducta ejemplar se lo llevó el demonio y los monjes llevan siglos, sí, siglos, rezando por él pero satanás no lo suelta.

Aparte de que todos los monjes están muertos hay otra cosa que queda muy clara en esta historia: El demonio es una mujer, joven y atractiva. Lo sabemos pues exactamente lo mismo que le pasó a Fray Rodrigo, el monje cuya alma se llevó el demonio, está a punto de sucederle a Alfonso, uno de los tres que llegaron al convento, además de él, Eduardo y Cristina, un matrimonio. Eduardo y Alfonso son mejores amigos pero Cristina y Alfonso se desean mutuamente.

Y Cristina se le está ofreciendo descaradamente a Alfonso. Por suerte para él la luz de la mañana regresa todo a la normalidad, a tiempo para salvarlo.

Alfonso en la tenebrosa noche le dijo a su amigo Eduardo que su esposa estaba rara, como endemoniada. Y Cristina ya al día siguiente dice que en la noche se sintió rara. Pero es demasiado tarde, ya nos dimos cuenta que El Fantasma del Convento quiere convencernos de que las mujeres son demonios.

¿El cine tiene alma?

Al final de la conferencia de prensa en donde se presentó el más reciente libro del abecedario del cine mexicano de Jorge Ayala Blanco, el veterano crítico cinematográfico dijo que le agradecía al público no haber hecho una pregunta. Esta pregunta maldita era ¿El cine mexicano actual deriva de Amores Perros? E insistió: De verdad estaba aterrorizado de que se lo preguntaran. De cualquier modo respondió la pregunta que nadie hizo en ese momento pero que seguramente se ha hecho en otros. ¡Por supuesto que no! exclamó el bigotudo profesor de la ENAC, antes CUEC, la escuela de cine de la UNAM. De hecho lo que el cine mexicano ha hecho es alejarse de Amores Perros, abundó.

En esta presentación de "La Sapiencia del Cine Mexicano" el crítico estuvo acompañado por el director Joaquín del Paso cuya película El hoyo en la cerca presta una de sus imágenes a la portada del libro y, según explicó Ayala, todas las portadas de sus libros tienen un significado, pues son de las películas que mejor representan el periodo que abarca cada libro.

En el presidium también estuvo Armando Casas, Presidente saliente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, la AMACC, quien comentó que, a pesar de que él ve todas las películas que mandan a la AMACC para tratar de concursar por los Arieles, le sorprendió la cantidad de películas, desde largos hasta cortometrajes, de las que escribe Jorge Ayala en este libro. Muchas de ellas muy difíciles de encontrar y ver.

Más adelante Jorge Ayala explicó que ve todas las películas mexicanas de la cartelera comercial y todas las que se pueden ver en la cineteca nacional y además ve muchas películas mexicanas que, en efecto, son muy difíciles de encontrar. Algunas, por ejemplo, las ve porque alguien le manda un link, y que sí, como había dicho Armando Casas antes, sus libros también cumplen una función de rescate y preservación pues muchas de las películas de las que escribe están condenadas a desaparecer.

Todo mundo exaltó la variedad de las películas de las que Ayala Blanco  se ocupa en este y en sus demás libros, porque no sólo ve muchas películas mexicanas, él mismo se ha calificado como "bodrionauta", sino que además usa una definición muy amplia de cine mexicano gracias a la cual en este último libro pueden entrar películas como Pinocho de Guilermo Del Toro, Bardo de González Iñárritu o Sundown de Michel Franco y compartir espacio con Mirreyes contra Godínez 2, o Radical, producida y actuada por Eugenio Derbez (Que dice Ayala que está buena) y producciones modestísimas que ni distribución tuvieron.

Este tema de la variedad quedó engarzado con un tema favorito de este famoso cinéfilo: La crítica a otros críticos. Como quienes según dijo, no van a ver una película nomás porque sale Derbez. O que en alguna muestra dicen: "Hoy toca día libre porque toca la película Georgiana".

Ahí me sentí aludido pues en una muestra reciente cuando tocaba la película georgiana, y no del estado americano de Georgia, sino de la República de Georgia, un país vecino de Rusia, de por ahí donde también están Azerbaiján y Armenia, y de donde se presentaba un documental sobre el operador de un teleférico, yo, temiendo despertar a ronquidos a mis colegas críticos y críticas, provocando así su odio, decidí mejor abstenerme.

Luego vino otro ataque en que me quedó el saco: Según Ayala muchos críticos, o la mayoría, no recuerdo bien pero algo así como todos menos él, se dedican a hacer glosas interminables del guión pero parece que no ven la película. Que curioso: El año pasado yo le platiqué a Ayala que yo en mis críticas me fijo mucho en la historia, en la trama de las películas, y por lo tanto en el guión. Que yo sepa, la mayoría no hace eso. ¡Glosas interminables sobre el guión? ¡Pamplinas!

No todo fueron diferencias. Alguien le preguntó si considera que las películas tienen alma y respondió que sí, que las películas tienen un discurso racional y un discurso afectivo, y que él en sus textos rescata sus "almitas". Eso me gustó y a final de cuentas como soy un alma buena y generosa hice como que no sentí los dardos envenenados y sólo intervine para señalar que recientemente, buscando "La Condición del Cine Mexicano", libro que está agotado, noté que ese libro junto con las primeras letras del abecedario Ayalablanquesco ya no están disponibles en las principales bibliotecas públicas pues se los robaron seguramente. Así que como también estaba en el presidium una persona de publicaciones de la ENAC, que hoy en día es la editorial con el mayor catálogo de libros de cine en español, y que desde hace años son la editorial de Ayala, dije que deben pedirle a las bibliotecas que compren más libros de este bodrionauta molesto pero genial.

 

Tlatelolco slasher

Rojo Amanecer ( Jorge Fons 1990) termina con una escena casi de horror, a un paso del gore. Nomás le falta un cucillo cebollero o una hacha para ser un slasher. Un nuevo sacrificio humano en Tlatelolco, como dijo Octavio Paz, a quien la matanza del 2 de Octubre le pareció una nueva versión versión de los sacrificios humanos prehispánicos.

Aunque la película tiene por momentos un tono didáctico como de típico profe que no fue al mitin porque sus papás lo encerraron en el baño o porque ya de camino se chingó la rodilla, no se puede negar que Rojo Amanecer crea tensión, tiene ritmo y crea una atmósfera. Es una buena película. Y con excelentes actuaciones.

El tema central de la película es la lucha entre generaciones. Lo político es como algo que sólo se le agrega al conflicto entre jóvenes y viejos. Conste que sólo estoy hablando de la película.

Por eso la figura del abuelo es tan importante en la historia. El es el representante del régimen posrevolucionario, es decir del PRI. Es un militar retirado veterano de la revolución. El papá en cambio fue un opositor, seguidor del general Juan Andreu Almazán según le dice a sus hijos. Pero que Almazán se vendió.

Los hijos dicen que la generación del papá fracaso pero que a ellos no les tiene porque ir igual. En realidad no es lo mismo fracasar que ser traicionado, pero de cualquier modo no creo que lo del general Almazán fuera un asunto tan generacional como lo del 68 porque ese movimiento es parte de la llamada rebelión juvenil de los sesentas, un fenómeno mundial sin precedentes hasta entonces. Lo interesante es que los hijos mismos lo dicen: El asunto es generacional.

El abuelo también lo dice en uno de los primeros dialogos de la película: "Antes los jóvenes eran diferentes".

Como bien dice la mamá, algunas de las peticiones eran absurdas. Pretextos para el movimiento.

Así como encontrarles un póster del che guevara y un manifiesto comunista a los estudiantes es un pretexto para reprimirlos: El largo del pelo de los hombres es un tema más discutido que la lucha de clases. De hecho el "pueblo" que dice uno de los hijos no los va a dejar solos, los dejó solos.

Y es así que en Tlatelolco, donde poco antes de la llegada de los españoles se sacrificaron niños para que lloviera se sacrificaron jóvenes que habían irritado a los mayores.

Pero ese niño, único sobreviviente de la familia, que sale corriendo entre los soldados, simboliza una generación que no venció a la anterior. los de antes murieron de muerte natural, por decirlo de algún modo. Y los nuevos una vez en el poder están demostrando ser peor que los anteriores. pero me limito a lo que se ve en la película: Esa escena del niño corriendo mientras pasan soldados para hacer el contraste. Ahora, los militares tienen más poder. Y los niños, que no votan, están peor que nunca.

A final de cuentas el sacrificio sólo sirvió de pretexto para el poder. 

La niña sin amor

 

Perfume de Violetas (Maryse Sistach 2001) es como una presentación del lado femenino de esa canción del tri "Niño sin amor".

A Jessica, una adolescente chilanga que está en secundaria sus papás ya la quieren poner a trabajar pidiendo dinero en alguna esquina para que de dinero en la casa como su hermanastro. A quien además ella debe tenerle las camisas limpias. Y él también quiere tenis nuevos así que por una corta deja que el chofer del microbús donde trabaja viole a Jessica repetidamente.

¿Es extraño entonces qué ella robe o que tenga problemas en la escuela?

La historia empieza con Jessica y Miriam haciéndose amigas, Miriam aún virgen, aún no le baja, y al menos no tiene que aguantar un hermanastro y al ruco de la mamá. Y las violaciones. Así que para la mamá de Miriam, Jessica es una mala influencia y trata de alejar a su hija de su nueva amiguita.

Viven en una colonia popular de la Ciudad de México, de estética abigarrada, una especie de laberinto en donde un microbús predador, con el hermanastro y el chofer violador abordo acecha en cada esquina.

Y el problema de fondo, como dice el subtítulo de la película es que "nadie te escucha". No si eres como Jessica, a quien en vez de ayudarla la gente la tacha de puta. Supongo que porque nadie la quiere y sería una molestia tener que defenderla. Así que volteándole los papeles diciendo que la culpa es de ella por puta pues se evitan molestias.

Sólo que esta vez cuando la mamá de Miriam le dice a su hija que Jessica es una puta, olvidando cualquier sororidad, y amistad, y después cuando Miriam le dice en un baño a su amiga puta, siguiendo el guion materno,  habrá un costo que pagar pues como boomerang la ofensa regresará con violencia.

La chaviza y la momiza

Ahora que se estrena una película mexicana "Autos, mota y rocanrol" ubicada en el famoso festival de Avándaro de 1971 que era un festival de "Rock y Ruedas" pues supuestamente iba a ser una carrera de coches y festival de rock, pero acabó siendo sólo festival de rock pues al llegar mucha más gente de la esperada la cosa se puso caótica y se suspendió la carrera.

Mecánica Nacional (Luis Alcoriza 1972) se estrenó apenas un año después del festival de Avándaro y hay también una carrera, la "Carrera de Costa a Costa Acapulco - México - Veracruz" y casi todo sucede en un campamento donde la gente espera la llegada de los coches a la meta. Aunque no están en Veracruz ni en ninguna costa.

Tiene mucho espíritu 60´s, 70´s, la fiesta, pues toda la película no es más que una gran fiesta incluyendo los preparativos y el regreso de la fiesta, tiene mucho de hippie. Pero no sólo de eso pues en ese entonces en México la gente no se dividía en chairos y antichairos sino entre la chaviza y la momiza, los jóvenes y los viejos y en Mecánica Nacional la fiesta es entre todos.

Como principal representante de la momiza está la abuela, Doña Lolita (Sara García) que literalmente acaba como momia. Se muere de tanto comer y sacan su cadaver en un coche, sentado en el asiento del copiloto, toda arreglada, llena de crucifijos y estampitas de santos, con una corona en la cabeza y hasta maquillada. Acaba saliendo escoltada por policías mientras suena el son de la negra.

Creo que se puede decir que la fiesta funciona como una despedida de los valores de la momiza. Que no es sólo la abuela, quien significativamente en su primer escena critica a una vecina a la que dice le salió panza de tanto ir al cine con el novio.

Eufemio (Manolo Fábregas), el hijo de la abuela, que funciona como protagonista de la historia aunque esta es muy coral, con múltiples personajes y multiestelar pues además de Sara García y Manolo Fábregas están Lucha Villa, Ernesto Gómez Cruz, Patricio Castillo (Que es difícil de creer pero alguna vez fue joven) y Hector Suárez nada menos, entre muchos otros.

Bueno pues Eufemio tiene un taller mecánico llamado Mecánica Nacional, con un aviso a la entrada de que sólo atiende clientes muy machos. El es un buscapleitos, aunque lo vemos ponerse muy gallito sólo en bola y además le quiere poner el cuerno a la esposa. Pero cuando descubre que ella es probablemente la que se lo puso a él, y además cacha a una de sus hijas poniéndole con el novio, se le viene el mundo abajo. Dice que la hija lo ha deshonrado y se pone violento.

Esta hija por cierto no quería dárselas al novio, que la acusaba de defender los valores de la momiza. Que más que valores aparecen como una doble moral.

Y aparte del machismo otro engrane de la mecánica nacional parece ser la transa. Eufemio acepta que se transa a los clientes de su taller y otros personajes también hacen diferentes tipos de transas, inclusive alguien explica que así todos quedan parejos pues se desquitan de las transas que les hacen cuando se tranzan a otro.

Pero toda esta crítica viene dentro de una gran pachanga, muy divertida, y donde hasta la muerte es parte de la fiesta. El director Alcoriza aunque español, o quizá gracias a eso, logra que uno como espectador diga ¿cómo le hicieron para sacar mexicanos tan mexicanos? Porque es un desmadre mexicano a más no poder, justamente considerado clásico del cine nacional. Y por cierto, hasta la carrera de coches les queda muy bien. 

 

Rudo y maricón

El Complot Mongol (Antonio Eceiza 1977) fue la primer adaptación de la novela súper éxito del mismo nombre de Rafael Bernal, considerada la mejor novela negra mexicana. Hay otra versión más reciente del director Sebastián Del Amo, pero esto es sobre la versión del 77 del director vasco Eceiza.

Y lo primero que se nota cuando uno conoce la novela y ve esta película es que extrañamente, a la versión fílmica no llegaron los brillantes diálogos de la novela, en particular esa voz interior del pistolero Filiberto García (Pedro Armendáriz Jr.) que no deja de decirle "pinche" a todo y hablar de muertos. ¡Pinches muertos!, es la frase de batalla de Filiberto, un tipo agudo y simpático a pesar de sus defectos, un personaje que se expresa a través de su diálogo interior y con los demás personajes, y que desaparece la voz interior y es de pocas palabras con los demás 

En general los diálogos de la película son sumamente parcos, parece como si los actores estuvieran cobrando por palabra y los productores de la cinta no quisieran gastarse el dinero, que se nota era poco, en palabras de más. Esta película parece un punto medio entre los grandes diálogos del cine mexicano anterior y el más contemporáneo cine minimalista mexicano con su mutismo extremo.

Por otra parte es fácil imaginarse a los guionistas de la película, es decir al director Eceiza y al crítico de cine y guionista de ocasión Tomás Pérez Turrent, como a la pareja de beodos de la cinta, es decir Filiberto García y el licenciado (Ernesto Gómez Cruz) que entre copa y copa van contando la historia por medio de flashbacks. Así Eceiza y Pérez Turrent, en la famosa cantina "La Opera" de la Ciudad de México, como los personajes de la película, irían adaptando la novela basándose en flashbacks, usando muchas tomas con espejos y diálogos mínimos pero que a pesar de eso logran ser poco claros, creando un efecto de desorientación, de película borracha.

Y eso claro puede ser positivo, es un efecto interesante, pero luego parece que se pasaron de tequilas. Como por ejemplo con la balacera final, ya después de que García se echó al Licenciado Del Valle y al coronel. ¿Quiénes participan en la balacera? ¿Porqué? ¿En dónde están? ¿Qué pedo? 

La historia se trata de un gran complot, primero para asesinar al Presidente de Estados Unidos durante una visita a México y después resulta que al que querían matar era al Presidente mexicano. Hay un agente del FBI, curiosamente llamado Spielberg, y uno de la CIA. Y sin embargo la película no pasa de ser una típica historia mexicana sobre el matón del barrio. Sólo que del barrio chino de la Ciudad de México, pero es una historia de vecindades y borrachos en la cantina.

Hay dos momentos en que la película misma parece decir que no está a la altura: Uno cuando a Filiberto le dice su jefe, el coronel, que se le hace raro que en una gran intriga no haya extranjeros y Filiberto responde que los extranjeros son más organizados y no usarían a gente como "el sapo" y otro de los matones de la película para una gran intriga. La propia película diciendo que sus personajes no están a la altura.

Y otro momento en que la película parece sincerarse es cuando en la borrachera el licenciado le dice a Filiberto, que que bajo han caído. El licenciado tuvo tiempos mejores y dice que ahora está en la mierda.

Pero se supone que Filiberto es un policía y está en el caso de una gran intriga internacional, sería un momento estelar de su carrera.

Pero claro, lo que sucede es que eso no es creíble. El licenciado habla por si mismo pero además parece hablar por el cine mexicano, por el país, por Filiberto y hasta por algunos de los que participan en la película. Como Pedro Armendáriz, cuyo padre actúo en películas clásicas de la llamada época de oro, o como el cinefotógrafo de la cinta Alex Phillips Jr. hijo de Alex Phillips, que fotografió grandes películas mexicanas, incluidas historias de cine negro como "La Otra" o "La Diosa Arrodillada" dirigidas por Roberto Gavaldón.

Y a pesar de eso, la película refleja bien la realidad de un país en donde personajes como el licenciado o como Filiberto trabajan para alguien, a veces del lado de la ley y a veces del otro, como bien dice el abogado borrachín. Como pistoleros o como abogados. Por las buenas o a veces por las malas, como a Filiberto a quien tienen sometido por haber matado "sin órdenes". El licenciado vendía huelgas y Filiberto mataba campesinos. Sí, eso que dice el licenciado de que en el fondo él y Filiberto son iguales parece verdad.

En realidad ellos dos son la esencia de la historia y la intriga es lo de menos. El abogado borracho y decadente con quien tantos se pueden identificar y el macho, o matasiete, como le dice una prostituta a Filiberto. Un personaje que despojado de casi toda la gracia e ingenio que tiene en la novela queda al desnudo como un tipo que golpea mujeres, es mamón y grosero. Y parece tan macho, pero, como le dice la prostituta a la que se niega a pagarle nomás porque sí, los tipos como él, los machos matasietes son todos maricones. Y hay una cosa curiosa, se supone que él está enamorado de una china y cuando matan a la china se pone loco. Pero la china, Martita (Blanca Guerra), se la pasa ofreciéndosele y rogándole a Filiberto y él se la pasa haciéndose el difícil. Inclusive le reconoce al licenciado que se vio maricón con Martita. Y lo mismo le pasa con una gringa, que está como metida para saciar el antiyanquismo mexicano, ella se le ofrece y se encuera nomás de ver al pistolero mexicano. Y por cierto, de Spielberg, el agente del FBI, García dice que es puto y al de la CIA lo manda a chingar a su madre. Sólo se le hace con la prostituta a la que no le paga. Y le agarra una teta a otra mujer, torciéndosela, para torturarla y que suelte la sopa. Bien misógina la cosa.

Creo que sería mejor título para la película "El Complot Teporocho".       

¡Nelson Carro en éxtasis!

El veterano crítico y programador a perpetuidad de la cineteca nacional Nelson Carro estaba más contento que de costumbre al presentar las películas del 44 Foro Internacional de la Cineteca Nacional. Tanto así que un reportero le pregunto la razón de su alegría. Carro contestó que estaba especialmente contento con las películas de este Foro 44, por poco convencionales, diversas y vanguardistas. Resaltó que en las películas que se van a presentar, hay las que mezclan documental y ficción, hay estructuras narrativas novedosas, está el tema de la inteligencia artificial, el calentamiento global, el tema palestino y además está la diversidad del origen de las películas, lo mismo hay una película de Paraguay que un documental sobre los talibanes de Afghanistán. Y remató Nelson Carro diciendo que el Foro de la Cineteca desde 1980 presenta propuestas poco convencionales y vanguardistas pero que este año se vieron radicales. Y todo eso podrá es cierto, pero en la primer película que se presenta, la coproducción México - Reino Unido Itu Ninu, de la directora Itandehui Jansen, una historia de ciencia ficción realizada en Escocia pero hablada en mixteco, lo que vemos es a una pareja de trabajadores inmigrantes, del futuro, que viven en una Escocia fría, poco atractiva y distópica. Aunque en estos tiempos trumpianos la situación real de los trabajadores migrantes ya parece tan mala como de historia de ciencia ficción. Naturalmente esa pareja quiere huir de ahí, donde son vigilados todo el tiempo y deben portar una pulsera que graba todo lo que dicen y amanecen todos los días con una voz, realizada por medio de inteligencia artificial, que les dice lo que deben hacer. Pero eso de que su sueño sea sembrar maíz y frijol está tan románticamente desfasado. Cualquiera que haya hablado con un campesino sabe que ellos quieren dejar de serlo. Máxime si siembran cosas tan poco redituables como maíz o frijol. Claro, hay que salir del mundo de la hipervigilancia tecnológica pero no para morirse de hambre sembrando maíz en la mixteca. Eso no es nada vanguardista.

Mamá, mamá, perdí el dinero de la renta

No, gracias, ya no fumo (Diego Toussaint 2025) película que se presentó en la Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2025 tiene un aire como a nueva ola francesa, empezando por el jazz de fondo, y se escucha de Sartre y Simone de Beauvoir. Y eso le da un aire a viejo, parece desactualizada. 

La historia presenta una especie de bohemia francesa pero en Guadalajara con todo y un personaje de joven mujer pintora. No la principal pero su amiga. Y el tema de los cigarros y la cigarrera como si las mujeres que fuman siguieran siendo algo desafiante. Nuria, la protagonista descubre que una cigarrera que supuestamente era del abuelo en realidad era de la mamá y entonces eso simboliza que hay algo en común entre ellas que Nuria ignoraba. Sólo faltó que la cigarrera estuviera llena de Gauloises y que junto a la cigarrera le descubriera a la mamá una minifalda.

Pero una mujer cuyo obscuro secreto es que fumaba es como del tiempo de mi bisabuelita q.e.p.d.

Y ni siquiera hay un toque sexual en la película como en una buena película de la "nouvelle vague". La protagonista tiene un wey con quien al parecer tiene una relación fría e indiferente. Eso sí, vive con dos amigas lesbianas y ella tiene una historia anterior con una mujer. Pero no hay pasión ni romance realmente, la única relación importante es la de la protagonista con su mamá porque no tiene para la renta y acaba regresando a vivir con ella. ¡Uy pero la mamá fumaba!

Aunque es una historia bien contada siento que no aporta al viejo tema de los jóvenes adultos que viven con roomies y no tienen dinero y no saben que hacer de su vida. Lo único sería que la historia sucede en Guadalajara.

La Sirena de Pátzcuaro

Un Cuento de Pescadores (Edgar Nito 2024) nos presenta a la miringüa, una rubia deslumbrante que como la sirena de los mitos es la perdición de los navegantes. Basada en un mito vivo de la zona del lago de Pátzcuaro, Michoacán, la miringüa, que en purépecha quiere decir olvido, se le aparece a la gente y provoca que las personas se olviden de si mismas. Lo que suele ser mortal.

El mito dice que es muy blanca ¿Cómo cadáver quizá? el caso es que en la película es rubia como monstruo escandinavo y llega a contaminar el lago con su maldad.

Esta fuereña sin embargo tiene una especie de avatar, una chava morena en la que se desdobla y con la que tiene una escena de pasión lésbica.

El lesbianismo también está presente en la historia de otras dos de las protagonistas de esta historia coral que se despliega en múltiples personajes. Demasiados según yo, lo que inclusive llega a confundir un poco. Y como además la fotografía, que es extraordinaria pero que es obscura para crear el ambiente obviamente, pero tan oscura que  hace que uno, bueno yo por lo menos, empiece con ¿Y la chava a la que le dan el machetazo cuál es? ¿Pero porqué no está vendada? ¿No es esa? ¿Pero porqué se odian esas dos? etc.

Creo que Cuento de Pescadores a pesar de haberse estrenado en el festival de Sitges especializado en fantasía y terror es más bien una película de arte que de terror en sí, pues su atractivo está en la foto, la atmósfera que es más de misterio que de terror, las actuaciones, la dirección que tiene muy buenos momentos como en la escena del "baile de los viejitos" que está genial y eso que a mi jamás me han interesado esos bailes.

Pero el terror está diluido, no hay jump scares, es más como un elemento del ambiente. Pero eso no está mal.

Realmente lo único que le critico es la historia dispersa que le quita tensión. Podrían haber profundizado en las lesbianas. Con quienes empieza la historia cuando beben botellas cuyo licor se empalma con el agua del lago. Por poner un ejemplo.

No hay trama

No nos moverán (Pierre Saint-Martin 2024) me recuerda a Mulholland Drive por dos cosas, primero porque en las dos sale un personaje llamado "El Vaquero". Y los dos se visten de vaqueros y arreglan problemas, pero principalmente esta película me hace pensar en el "Club Silencio" de esa película. Ese en donde nos advierten que no hay banda, no hay orquesta. Y vemos a una mujer que parece cantar de maravilla pero se cae y la música continúa y se cae el teatrito de la cantante.

No nos moverán tiene una fotografía maravillosa, grandes actuaciones, la protagónica Luisa Huertas está estupenda, el que interpreta al personaje de Sidarta, José Alberto Patiño también. Tiene muy buenos diálogos. Pero no hay una buena trama, no hay una buena historia y al final, como la cantante del "Club Silencio" la película se cae.

Aunque la verdad desde el principio hay algo sospechoso. ¿Porqué hacer una película sobre la masacre del dos de Octubre del 68, la masacre de Tlatelolco, en estos tiempos? Aunque cada año en la manifestación del dos de Octubre en la Ciudad de México se sigue gritando que "dos de octubre no se olvida", la verdad es que el tema no está olvidado pero ya no tiene carga emocional. Los protagonistas principales ya están todos muertos. Y la prueba de que ya a nadie le importa es que la izquierda, la que hizo del dos de octubre su bandera, llegó al poder y llegó con gente que estaba en el bando represor. Políticos como Porfirio Muñoz Ledo, Alejandro Gertz Manero y Manuel Bartlett fueron destacados Echeverristas. López Obrador, no fue un destacado echeverrista, pero entró al PRI en el gobierno de Luis Echeverría. Claudia Sheinbaum se dice "hija del 68" pero su secretario de seguridad pública y uno de sus colaboradores más cercanos Omar García Harfuch es nieto de quien fue secretario de la defensa en el 68. Quedan por ahí líderes de los estudiantes como Pablo Gómez que hace mucho es un político rico y corrupto.

Pero sobre todo, hablando de masacres y represión ha habido muchísimas desde ese entonces. ¿Y cuál es la pertinencia de hablar del 68 en estos tiempos en que madres en colectivos, o ellas solas, buscan a sus hijos desaparecidos, sin saber siquiera dónde quedaron, y en su búsqueda van descubriendo hornos crematorios mientras son atacadas por el gobierno?

Pero bueno, se le puede dar el beneficio de la duda a la película y pensar que tal vez hay un ángulo interesante, algo que no se ha dicho sobre el tema.

Hay sin embargo un anticipo del pésimo final cuando al principio de la película a Socorro, la protagonista, le tocan la puerta de su departamento y le dan los documentos con el nombre del soldado que mató a su hermano en el 68. Eso es completamente inverosímil, ya parece que va a estar registrado en la defensa el nombre del soldado específico que mató a un estudiante específico. ¿Y qué caso tendría matar a un tipo que sólo obedecía órdenes y que ya debía tener unos setenta años mínimo, pues la historia se sitúa en el 2018?

Creo que la propia película me da la razón en que la venganza de Socorro es absurda, pues no lo mata y se planta la duda de que el soldado al que le iba a dar un balazo fuera el asesino de su hermano. Además pusieron en el papel del soldado a un tipo no tan viejo pues sería grotesco poner a una persona tan grande en una situación que parece de tortura.

Hay otra venganza en la historia que es como grotesca: Socorro mata al gato que mató a la paloma que ella piensa es el espíritu de su hermano. Socorro parece que en vez de buscar justicia quiere sangre.

Entonces se puede pensar "Ah bueno, el mensaje de la película es que no hay que vengarse". ¿Pero qué es esto una película o estamos en misa?

Hay una subtrama reveladora, el hijo de Socorro no tiene trabajo y vive con su esposa argentina en el departamento de Socorro. La esposa argentina harta de la situación se regresa, embarazada, a Argentina, sin despedirse del esposo siquiera. Y lo que le dio la puntilla para tomar tal decisión parece ser que fue que Jorge, el marido, le dio a su mamá los ahorros que tenían. Que Socorro usa para su plan de venganza. O sea Socorro hasta pierde al nieto por su absurdo plan. Y me parece que los realizadores de No nos moverán, como Socorro, pierden la oportunidad de contar una buena historia por ocuparse de un tema que ya no viene al caso. Desde hace mucho. 

En la última escena Socorro se come un pan quemado. Su hermana siempre le pone pan quemado en la mesa  cosa que ella detesta pero al final se lo come. Y uno como espectador se siente como Socorro, nos han dado a comer una historia que ya es puro pan quemado.

No nos moverán se presentará en la próxima 77 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

El Dios deforme

En La Sangre Enemiga (Rogelio A. González 1971) Sara, el personaje de Meche Carreño parece que está buscando un hombre completo entre los peregrinos de mago de Oz. Le tocan en suerte un amante joven y apuesto pero impotente, un tipo sin corazón, un galán fuerte y musculoso pero con retraso mental y su esposo: Viejo, deforme y también impotente.

Con un guion coescrito por el director Rogelio A. González y Luis Spota, La Sangre Enemiga al parecer fue un éxito en taquilla lo que sorprende un poco pues es una historia bastante oscura que parece una mezcla de los Freaks de Tod Browning con Otelo, de hecho el personaje de Esteban interpretado por David Reynoso es una especie de Otelo freak y todo esto en un ambiente que recuerda a Los Olvidados. Y a Los Olvidados no les fue nada bien en taquilla. Es de sospecharse que el éxito fue por Meche Carreño y sus desnudos constantes.

La primer semejanza con Los Olvidados es el ambiente de pobreza pero hay otra conexión más profunda. Mientras que en la película de Buñuel es notoria la ausencia de figuras paternas, en La Sangre Enemiga el problema es un mundo sin hombres completos.

Y es una tragedia en el sentido de que las desgracias de Sara no parecen tener salida, como en las tragedias griegas. Además es como un destino heredado de su madre a quien ella de niña vio también debajo de una fila de hombres pasando por su cama. Otra tragedia, un choque de trenes en el que murió la mamá, deformó a Esteban que tomó a la hijastra como nueva mujer.

Por cierto, la siguiente película de Meche Carreño dirigida por el mismo Rogelio González, La Inocente, toca temas similares, hay otro caso de retraso mental pero hay una madrastra en la historia en vez de padrastro.

Este padrastro y luego "esposo", las comillas son porque al final nos enteramos que no están casados cuando él le propone matrimonio, este personaje Esteban es el que revela el origen del sino trágico de Sara. Porque resulta que él sí es un buen padre, de su hijo retrasado Sergio. Y cuando descubre en pleno acto a Sara y Sergio decide no hacerle nada a su hijo pero a Sara la arroja al fuego. La figura paterna se confunde con un Dios que perdona o mata.

Ya antes, después de que Esteban mata a un amante de Sara vimos su mirada enloquecida en acercamientos a sus ojos de tono surrealista. Un tono similar a cuando Sara por fin disfruta un orgasmo entre imágenes de un halo solar.

El sexo antes de eso era sólo dolor para Sara, ella lo dice. Y que tenía miedo del placer como si supiera que después del placer la esperaban las llamas.

Entonces Esteban es una figura paterna pero que se vuelve verdugo de la hijastra. En La Inocente se presenta el otro lado de la moneda, la madrastra malvada. Y los personajes sin padre o madre acaban trágicamente en estas historias.

Pero antes de que alguien piense que Esteban cela a Sara por amor, hay una escena muy importante en la que Esteban le pregunta a su compadre o amigo, interpretado por el Indio Fernández nada menos, que si no quiere con Sara. Este primero se niega, pero acaba aceptando.

Y este compadre le acaba de conseguir un trabajo a Esteban, que no es un detalle menor.

A Alma, la amiga de Sara, su padre padrastro o algo así, un músico ciego, la golpea y parece que la viola cuando ella quiere irse con su novio. Sin duda porque desacompletaría su equipo de cirqueros ambulantes.

La ve como su propiedad. Y a Esteban lo que lo enfurece no es que Sara le ponga el cuerno, sino que coja con otros sin su permiso. Como si no fuera una cosa de él.

Por eso ella buscaba el placer aunque le provocara dolor. Era su única posibilidad de escape aunque también podía ser su perdición.

La maldad de las madrastras

¿Porqué será que en la ficción las madrastras casi siempre son malas? Las excepciones, las madrastras buenas, parece que sólo salen en la pornografía.

Supongo que la explicación es que poner madrastras malas es la forma políticamente correcta de poner malas madres.

En "La Inocente" (Rogelio A. González 1972) una película mexicana sale una madrastra muy pero muy mala. Pero muy buenota, interpretada por Lorena Velázquez nada menos. Y Meche Carreño interpreta a Constancia, una muy mala madre, aunque como es de imaginarse por el nombre de la película, ella es buena e inocente. Sólo que es retrasada. Otra idea tan arraigada como la de las madrastras malas: Que los tontos son buenos y los listos malos.

Aquí a Constancia le faltó oxígeno al nacer según dice el doctor y entonces ya puede ser mamá pero mentalmente tiene como siete años más o menos.

Claro que un problema neurológico no hace que una persona sea un niño o niña perfectamente normal sólo que con más edad. Aquí el supuesto retraso funciona como truco narrativo para presentar un personaje con un desarrollo interrumpido, una inmadurez grotesca.

Entonces la película es la historia de dos familias vecinas, por un lado un tal Juan, su padre y su malvada madrastra y al lado, una madre viuda y su hija Constancia.

Juan se la pasa en la casa de al lado, Constancia lo quiere mucho y la mamá le dice que para ella él es de la familia.

Enfatizando la relación entre las dos familias sus casas para efectos prácticos están conectadas por una escalera por la que Juan sube desde su casa a un cuarto en la parte de arriba de la casa vecina.

Un día, después de tener un problema con la madrastra, Juan sube a ese cuarto y viola a Constancia. Ella primero se ve muy afectada, pero luego parece que lo que la afectó fue que se rompió el vestido y un poco más adelante ya perdonó a Juan.

Sólo que Juan saliendo de ahí tomó un coche y se mató en la carretera. Como por la culpa de haber violado a Constancia. O como si matarse hubiese sido su plan para escapar de la madrastra. El caso es que la violación le sirve a la historia para presentar a Constancia como mamá. Que resulta pésima. Para no contarles el final sólo diré que Constancia prefiere a una muñeca que a su hija.

Y así, "la inocente" acaba siendo una especie de contraparte de su vecina: En una casa la mujer buena que físicamente puede procrear pero incapaz de ser una madre y en la casa de al lado una mujer sin hijos pero malvada. Como dos caras de la misma moneda. La ausencia de instinto materno ¿inmadurez o maldad?

Por cierto un soundtrack muy interesante, organo setentero y rock, que se conjunta perfectamente con el ritmo de la película. Y un dato curioso, Rogelio González también es el director de la mucho más famosa película El Inocente, con Silvia Pinal y Pedro Infante.

En la bola más vale soldadera que esposa

La Cucaracha (Isnael Rodríguez 1959) caminaba de hombre a hombre. También le decían "la rodadora", por lo mismo, por rodar de uno a otro. Era una soldadera y estaba con los villistas. ¿Porqué? Porque no tenía ni veinte pesos. Cuando quiere comprar un rebozo y le dicen que cuesta veinte pesos contesta que si los tuviera no andaría en la bola.

Ella es el genio militar de la historia. Mientras que el coronel Zeta hecha discursos a la tropa, la cucaracha sabe que eso no sirve de nada y le dice al coronel que los juanes* sólo necesitan mezcal para matar.

A la hora del combate, la tropa, que incluye hasta niños que Zeta sacó de la escuela por la fuerza, no quiere pelear. Se sienten en desventaja y piensan que el coronel está loco. Unos planean rendirse y hasta matar a Zeta. Entonces la cucaracha reparte alcohol, marigüana y mujeres y la tropa se anima y gana la batalla.

Otro diálogo entre la cucaracha y otra soldadera revela esta visión cruda de la verdadera razón de la lucha. Dice la cucaracha que "aquí el que no mata se muere" y la otra soldadera remata: "o no come, que es peor."

Frente a esta visión tan etílica/alimenticia que tienen las soldaderas sobre la revolución mexicana está la visión religiosa de Zeta. Según él, la revolución se trata de morirse. Lo repite a lo largo de la película. ¿Y para qué? para que cuando ya se mueran todos los que se necesiten morir, los que queden regresen a trabajar la tierra para que no haya tierras ociosas. Puede concluirse, según lo que dice el coronel, que la revolución es un gran sacrificio humano en contra de las tierras sin cultivar.

Parece una idea sacada de algún culto o rito agrícola.

Pero también según Zeta la revolución da la oportunidad de demostrar que se es hombre o muy hombre o más hombre que otros. Los retos a muerte son para a ver quién es más hombre. Aunque entonces hombría resulta ser lo mismo que puntería. O suerte.

Pero también las mujeres, como la cucaracha e Isabel, su rival, se agreden diciendo que son más mujer que la otra.

El género aquí no es sólo cuestión de matar, también cuentan la ropa y las funciones: cuando la cucaracha está vestida de militar dice que no es mujer, que es un soldado. Y cuando va a lavar ropa al río le dicen las otras que ya es mujer otra vez.

Y sin embargo este cambio de la cucaracha que pasa de ser mujer a soldado y de regreso, que pasó a ser parte del mito de María Félix, no es lo principal de la historia.

Lo principal es la lucha de la cucaracha con Isabel (Dolores del Río) por el coronel Zeta. Frente a la "rodadora" está la esposa que se convierte en viuda devota. Que acusa a la cucaracha de ser lo peor, lo más bajo, mientras que para esta Isabel es sólo una hipócrita mosca muerta que no sirve ni para animar a algún juan.

Al final, la cucaracha acaba siendo una madre devota que usa rebozo e Isabel se vuelve soldadera. Pero la cucaracha acaba teniendo un hijo de Zeta, que se muere. O sea que acaba siendo la "ganadora". 

Sólo que Zeta, representante de el "ideal revolucionario" y de la "hombría" es un hipócrita, que por lo que se ve alegremente le daría las nalgas a Francisco Villa. Esto por supuesto no es lo explícito de la historia o del personaje. Se supone que es "tan hombre" que Isabel dice que es el único hombre ahí, que está lleno de hombres. A pesar de que por su culpa mataron a su marido. A pesar de que ella le rogó por él.

Pero Zeta deja a la cucaracha porque por su culpa tuvo que matar al anterior amante de esta. El, que mandó sacar a los niños de la escuela para llevárselos a los balazos. Que estaba friegue y friegue con que había que morirse por la revolución. Uno de sus soldados le dijo a una madre que su hijo ya estaba en edad de morirse.

Ah pero que matar por la revolución estaba bien, pero por una mujer no, esos muertos lo espantan. En otra escena manda sacar a todas las mujeres del cuartel sin razón.

Yo digo que era puto.

* En la revolución mexicana los que peleaban en ella decían que andaban en "la bola".

* En la revolución les decían juanes a los soldados.

¿Olvidados por quién?

Siempre se ha interpretado a "Los Olvidados" (Luis Buñuel 1950) como una crítica social, el gobierno de Miguel Alemán la prohibió en su momento, poniéndose así el saco de gobierno culpable. Pero la verdad es que el gobierno sale muy bien representado en la película: Los policías, a quienes curiosamente les dicen gendarmes y cuicos pero no policías, encuentran a los culpables de los delitos y no se ve ninguna corrupción.

En la correccional de menores el director es un funcionario ejemplar que en realidad quiere ayudar a los muchachos y hasta le da a Pedro dinero de su propia bolsa.

No hay ningún político o funcionario malo. Y tampoco ningún empresario o villano capitalista. Lo que sí hay en la historia, aunque no se vean, son malos padres y hasta una muy mala madre.

Al "ojitos" su papá literalmente lo deja olvidado. Le dice "espérame aquí" y nunca vuelve. El jaibo no sabe quien fue su papá. Julián se la pasa sacando al suyo de la cantina. Otros niños viven con su abuelo. No hay literalmente un sólo padre y los hombres adultos que salen, y que no son del gobierno, son el ciego que añora al dictador Porfirio Díaz y que quiere que maten a todos los muchachos. Los de la feria que explotan a los niños. Y otro adulto que sale en una escena muy extraña; es el tipo que se Pedro cuando este observa un aparador y le da dinero. ¿Para qué o qué? ¿Abuso infantil acaso? Se ve que Pedro y el tipo este intercambian palabras pero es la única escena muda de la película, hay música y nada más.

En el ministerio público o juzgado tal vez, un funcionario muy serio y respetable le dice a la mamá de Pedro que a veces le dan ganas de decirles a los padres, es decir a padres y madres, que los hijos necesitan amor.

Y así llegamos a la mamá de Pedro, que no lo quiere y Pedro se lo reclama y ella contesta que porque lo iba a querer. El colmo es que mete a su  hijo a la correccional por un robo que él no cometió. Y después, cuando habla con el jaibo nos enteramos que ella sabía que el jaibo era el ladrón y no su hijo.

La pelea final entre Pedro y el jaibo viene ya cuando este último le dice a Pedro que él ya "se metió" con su mamá. Cosa que ya habíamos visto.

Así que Pedro muere asesinado por quien probablemente, al menos existe esa posibilidad, h embarazado de nuevo a su mamá. Así ella estaría intercambiando, por decirlo de alguna manera, a su hijo mayor, producto de una violación, como da a entender, por un hijo del jaibo, al que le dice que no lo quiere volver a ver. por lo que el hipotético hijo del jaibo sería otro hijo sin padre.

La mamá le dice a Pedro por ser un vago malportado pero el jaibo ya es algo mucho peor que eso, ya es todo un delincuente.

Como si se tratara de cambiar al hijo producto de una violación por otro. Aunque sea hijo de un malandro, pero como se sabe muchas así los prefieren.

El FICUNAM y su altarcito a la Santa Muerte

Según Maximiliano Cruz director artístico del FICUNAM este es un festival dedicado al cine crítico y no para películas que buscan que la gente salga a comprar la "merch" de la peli. Y que bueno que sea así porque de cualquier modo esas películas que quieren vender merch no creo que las prestarían tan fácil para el FICUNAM.

Pero la definición de cine crítico no es tan fácil. Están los que dicen que arte que no es innovativo formalmente es conformista/conservador/ prohegemónico etcetcetc (Estas etcéteras son anticonformistas) pero ya sabemos lo que sucede cuando se busca la inovación formal por sí misma. En lo personal recuerdo a una excompañera de banca que quería hacer una película toda de cabeza, o sea con el piso arriba y lo de arriba abajo - porque nadie lo había hecho -. Y en el FICUNAM ha habido mucho de eso, el director anterior Roger Kozas, el "sueños" Kozas llegó a poner cosas como una película donde se ve a gente durmiendo. Que el colmo es que eso no tiene nada de innovador, Andy Warhol hizo una película que consistía en ver durante horas a un poeta amigo suyo durmiendo.

También se puede entender al cine crítico como el cine de denuncia. Pero eso tampoco aclara las cosas del todo. Y pongo dos ejemplos, tan sólo como eso, ejemplos, de controversias, dentro de la izquierda, de lo que se puede entender como cine de denuncia. Uno es el filósofo marxista, Zizek. Ajonjolí de todos los moles críticos, que dice que la obsesion identitaria de nuestro tiempo es una parte del sistema y por lo tanto feminismos, elegebeteísmos, antigordofóbicos, antiislamofóbicos, antifobifobicos y demás están luchando a favor del sistema y no contra él. Conste eso dice él no yo. Y luego está Mark Fischer, alias K Punk; el filósofo, crítico cultural, bloguero y demás; tan de moda actualmente pero que estaba en contra de la cultura de la cancelación. Es decir contra la idea de pedir la cabeza de cualquiera que haga un comentario racista o misógino o sexista o clasista o lo que sea.

Yo en lo personal critico a los que critican mi estilo de crítica de cine que porque esta debe de ser sobre las actuaciones, la realización, el lenguaje cinematográfico y en resumidas cuentas sobre lo audiovisual y sólo lo audiovisual dejando fuera a la historia, la trama y por lo tanto al guión. Que porque eso es ponerse literario con el cine y eso es pecado mortal. Además de que es tentar, y eso lo es lo menos, a los viejos demonios sicoanalíticos y con ellos a los del yo y del ser. Que Foucault nos proteja.

De cualquier manera, aunque cuando se pone la crítica por delante de las películas a mí me da desconfianza, fui a ver algunas de las películas que compiten en la sección Ahora México del FICUNAM. Una me gustó mucho, "El Mirador", una película con una estructura narrativa original pero sin dejar de contar una historia.

Otra que me sorprendió fue "Río de Sapos", un documental que es un altarcito audiovisual a la Santa Muerte. No me sorprendió el documental en sí sino que estuviera en festival de "cine crítico".

Porque no es una visión crítica o histórica o antropológica del culto a la Santa Muerte. La propia productora del documental lo dijo en la sesión de preguntas y respuestas tras la función de prensa. Que no querían hacer un documental antropológico. Se nota. Que querían hacer algo más personal, más visceral. Pues lo lograron.

Así que la Santa Muerte no sólo ya entró a morena, también a la UNAM vía su festival de cine. Es un altar... perdón documental que tardó años en hacerse y contó para su realización con la ayuda de numerosas fundaciones nacionales y extranjeras, incluyendo una fundación árabe que aparece como coproductora.

Independientemente de lo que cada quien opine o piense de la Santa Muerte yo me pregunto ¿En dónde está aquí el lado crítico?

Yo no lo veo, pero encuentro otra evidencia para alimentar mis sospechas de que atrás de quienes ponen lo crítico por delante en temas artísticos siempre se esconde un aspecto arcaico.

Como ya dije fui a algunas de las películas de la sección Ahora México del FICUNAM pero a otras no pude ir. Y antes de una función, de las que sí fui, la comisión federal de electricidad avisó antes de empezar que iban a cortar la luz así que la función se suspendió. En otro par de ocasiones no pude llegar por las manifestaciones de la CNTE. Lo que me recordó la sesión de preguntas después de "Río de Sapos". Una reportera preguntó cuál había sido la experiencia sobrenatural más impactante durante su producción. Asumiendo que al hacer un documental sobre la Santa Muerte habrá sucesos sobrenaturales difíciles de explicar. La productora dijo que varios pero destacó que cuando intentaban hacer una toma con un dron que debía volar hasta parase enfrente de la imagen cadavérica siempre fallaba algo. Hasta que decidieron pedirle permiso a la Santa Muerte y entonces sí, la toma salió a la primera. Pero que como esas muchas cosas hasta en la postproducción donde ni el quicktime funcionaba si no se le pedía permiso antes a la "niña blanca".  

Entonces lo entendí: No pude ver bien las pelis del FICUNAM porque antes no le pedí permiso a los antiguos espíritus de la crítica posmoderna.

Es obvio.