Novio que sabe cocinar y limpiar, de oferta en Target

 

En Career Opportunities el padre de Jim Dodge, quiere que él trabaje y se independice pero al parecer Jim tiene un plan muy diferente, conseguir una mujer rica que lo mantenga. El nunca dice tener semejante plan pero se liga a la chica rica del pueblo y el tipo parece tener todas las buenas cualidades de una esposa tradicional ama de casa y ninguna aptitud para el trabajo. Al contrario de su padre quien mete pollo frito directamente en un bote de crema de cacahuate y parece que no sabe ni usar los cubiertos, Jim puede preparar un buen pollo envinado bajo en calorías porque "cuida su figura". No sus calorías o su alimentación o su salud sino su "figura". Su presentación es excelente, tanto así que llega a pedir un puesto de limpiador y lo confunden con un ejecutivo que están esperando. Y sabe aparentar sofisticación hablando de modo amanerado de ir a un lugar que tiene la mejor pasta, o de sashimi, o de moda o de como condimentar el pollo. Entre otras cosas claro. 

Y se encuentra a su dama vestido con un velo de novia. Ella deberá hacer todo lo que tradicionalmente le toca al hombre: convencerlo de irse lejos con ella, proponerle sexo, aunque él propondrá primero un baile romántico y no ir tan de prisa. Ella quiere independencia, él vivir en la casa paterna. Y ella será la heroína con el plan para librarse de unos asaltantes. En una escena, para esconderse de dichos asaltantes ella se esconde bajo una banca y le propone que él se ponga encima de ella pero acaba él abajo de ella.

¿Entonces puro cambio de roles tradicionales? No sólo eso, la historia está como proactivamente en contra del trabajo. Empieza con la noticia de que a un empleado lo mataron en un asalto a una tienda, después durante la comida en casa de Jim comentan acerca de una persona que tuvo un accidente trabajando y que por lo tanto quedará para toda la vida con la lengua de fuera. A la hermana de Jim que trabaja en un banco y le reclama a él por no poder mantener un trabajo la arreglan como para que parezca lo más fea posible. De hecho en un guión de la película (aunque variado) se la presenta como en camino a ser una solterona. Y a pesar de que ella sí trabaja, sigue viviendo con sus papás, como le dice Jim, como para que se vea que trabajar no sirve de mucho.

Y el papá de Josie, la chica rica, se opone a que una fábrica de autos japoneses se instale en el pueblo a pesar de que le dicen que traerá empleos, a lo que él responde que él no necesita un empleo. 

Josie inclusive le dice a Jim que su trabajo de afanador no es el principio de nada sino el fin.

Además se presenta al papá de Jim como si fuera un villano por querer que su hijo trabaje y se independice. No sólo lo ponen como un palurdo que no sabe ni comer, sino que se arrepiente de lo que ha hecho, como si llevar a su hijo mayor a una tienda Target por un empleo fuera condenarlo a morir asesinado. Al final acaba juzgado igual que el papá de Josie que amenaza con ponerle a ella la golpiza de su vida.

Se nota que en esta película el guionista John Hughes trató de recrear la fórmula de su clásica The Breakfast Club, metiendo a un grupo de jóvenes encerrados en algún lugar a hablar de sus vidas, en este caso en vez de una escuela en una tienda. Pero la cosa no salió bien, Career Opportunities fracasó comercialmente y como no se respetó el guión de Hughes este trató que lo quitaran de los créditos. A lo que los productores se negaron.

Hace poco leí que The Breakfast Club es considerada un clásico de la generación x y curiosamente Career Opportunities viene siendo como el polo opuesto de lo que representa la generación x. En una escena inclusive Josie se acuerda que bailó con Jim en un baile de la escuela y que él olía a cierto desodorante. Jim parece avergonzado y dice que el que olía a ese desodorante era otro. En una película de 1991, cuando el impacto de Smells Like Teen Spirit (Un desodorante para adolescentes) cimbraba al mundo y el grunge, un movimiento hecho por bandas surgidas de pequeños pueblos reivindicaba a la juventud de esos lugares mientras que aquí el héroe, Jim, es un pueblerino que finge una vida sofisticada, exactamente lo contrario del "come as you are" que pide la icónica canción de Nirvana. Y al final se supone que Jim acaba viviendo la gran vida en Hollywood, gracias al dinero de Josie claro está.

Gasolina y masacres

Al analizar La Masacre de Texas (Tobe Hooper 74) la relación entre los mataderos de ganado y la matanza de humanos es bastante obvia, el propio Tobe Hooper dijo que la película es sobre la carne, y al parecer él se volvió vegano o vegetariano después de la filmación. También Guillermo Del Toro dice que dejó la carne un tiempo después de verla.

Pero lo más interesante siempre es lo que está oculto y los creadores de esta película de culto lo sabían, así que la historia comienza con señales de que algo será revelado: El sol en el cénit con un sonido de mal presagio que hace pensar en un desierto de donde ya no hay escapatoria, la chica que lee de un libro de "astrología americana", cosa que no existe, pero que como explicaré a continuación resulta de lo más acertado si en vez de la palabra astrología, pensamos que se trata del horóscopo de América en ese momento. En las primeras tomas vemos lo que no debería verse: cadáveres sacados de la tumba, que han sido puestos al sol, después de ser captados con película polaroid. Y también están las tomas de acercamientos al sol, que parece un infierno rojo, otra vez lo que no puede verse normalmente, pero que puede ser contemplado en película.

Así que cinco amigos quieren ver como está un abuelo muerto, si sigue en la tumba o lo sacaron a tomar el sol. Al final la última sobreviviente vaya que verá un abuelo muerto.

El radio que hace de narrador coincide con los horóscopos que se van leyendo. O quizá es al revés pues como dice la chica que lee uno de estos horóscopos: "Los eventos del mundo no ayudan a sentirse mejor".

Así, después de la principal noticia del día que es la profanación del cementerio, según dice la voz de las noticias, las siguientes notas parecen narrar la llegada del apocalípsis: Depósitos de gasolina siguen ardiendo en una refinería, un "holocausto" que puede verse a 60 millas de distancia, una epidemia ha estallado en San Francisco, y en Houston la locura parece contagiarse, un hombre se lanzó por la ventana cuando falló la transmisión por televisión de un evento deportivo y un segundo hombre iba a lanzarse por la misma ventana cuando la policía lo detuvo. En Indiana, en el caso de un triple homicidio a un hombre le cortaron los genitales etc.

Algo huele mal: el rastro, pero debe haber algo más pues según un borracho en el cementerio, en ese lugar pasan cosas que todos saben pero de las que nadie quiere hablar. Como los policías que lo único que "saben" es que las pistas indican que lo del cementerio es culpa de gente de fuera, al parecer de una banda de ladrones de California según dicen en el radio después. Pero lo que se revelará queda mucho más cerca, de los policías y de Sally y Franklin, los hermanos que descubrirán cosas sobre sus antiguos vecinos. A los que quizá nunca les vieron nada raro. De hecho Franklin y uno de los hermanos Sawyer tienen mucho en común, este hermano del famoso leatherface, del que nunca se sabe su nombre, comparte con Franklin el interés por el rastro y las navajas, el carácter infantil y hasta alguien le dice a Franklin que esta más loco que este hermano Sawyer, pues Franklin fantasea con cortarse con su propia navaja como lo hizo el Sawyer. 

Los dos problemas de "movilidad" digamos: Franklin usa una silla de ruedas y en la primer aparición del grupo de amigos bajan a Franklin de la van para que orine en una lata, pero como el terreno está en declive Franklin se va para bajo. El hermano de leatherface por su parte entra en escena pidiendo aventón, no tiene como regresar a su casa y camina bajo un sol abrasador.

Aunque explícitamente la película tiene como mensaje que "Meat is murder" y los vecinos pueden ser monstruos, como el entonces famoso Ed Gein, inspiración para esta película, para Psicosis y para El Silencio de los Inocentes. De hecho le pusieron como guiño Ed Guinn a un personaje secundario, el negro que conduce un camión al final.  

Los problemas empiezan porque la van ya casi no tiene gasolina y corren el riesgo de quedarse varados. Los cinco amigos. Y toda América y otros países en la vida real. Al principio de esta película se da la fecha exacta en que se supone que sucede la historia: Agosto 18 de 1973. Menos de dos meses después de esa fecha y cuando apenas habían pasado unas semanas de la filmación estalló la guerra del Yom Kippur entre Israel y un grupo de países árabes. Y Arabia Saudita y otros países en represalia contra los que apoyaban a Israel hicieron un embargo petrolero, o sea disminuyeron la producción de petróleo, se negaron a venderles a Estados Unidos y otros países, subieron los precios y provocaron lo que fue hasta ese momento la mayor crisis económica desde la segunda guerra mundial.

El problema fue tan grande que se racionó el uso de gasolina, se impusieron límites de velocidad y hasta de luz, al grado de que en el estado de Oregon ese año se prohibieron los adornos navideños con luces. En Holanda de plano se prohibió usar autos algunos días, la NASCAR canceló carreras y hasta se dice que esa crisis provocó que las automotrices americanas, que fabricaban los coches más traga gasolina, empezaran a perder terreno frente a los japoneses y los alemanes. El comienzo de su larga caída. Aunque claro que lo peor fueron cosas como el desempleo y la inflación.

Entonces los cinco amigos llegan a una gasolinera, con un anuncio que dice "We Slaughther" que es como "nosotros matamos" o "nosotros masacramos" y... no hay gasolina. Curiosamente esta gasolinera tiene un gran anuncio de la petrolera Gulf. Y el problema que estaba a punto de estallar, antes de que la película se estrenara, fue porque dejó de fluir el petróleo del golfo Pérsico. Otro golfo, pero un golfo a fin de cuentas. A pesar de que corrían el riesgo de quedarse sin gasolina los amigos deciden seguirse rumbo a la vieja casa de la familia de Franklin y Sally.

Curiosamente para ese momento ya vimos dos casos de sujetos que quedan bocarriba como tortugas o cucarachas volteadas sin poder moverse, Franklin y el borracho del cementerio, y también un armadillo muerto sobre su caparazón en la carretera. Ese tema de morir en la carretera volverá a aparecer. De hecho hay otro armadillo, o quizá el mismo, en la mesa de los Sawyer pues el hermano de leatherface junta animales muertos en la carretera y los mete en un costal, como el costal que usa el papá para meter a Sally como si fuera otro pedazo de carne que aparece en el camino. Además está el atropellamiento del hermano sin nombre como en un acto de justicia poética: "El que come carne de la carretera muere en la carretera".

A Franklin al llegar a la vieja casa lo dejan sólo y él no puede moverse con su silla de ruedas por el lugar, lo que provoca que haga un berrinche infantiloide. Al hermano Sawyer no le acabaron de dar aventón a su casa tampoco.

Y entonces Kirk y Pam, buscando un lugar para nadar, descubren que en la casa de los Sawyer hay un generador que funciona con gasolina y deciden ir a pedir gasolina. En realidad todos los que mueren es por eso, por los que fueron primero por gasolina. 

Y claro, el de la gasolinera era el papá de la familia de caníbales. Quién por cierto tras encostalar a Sally y a punto de llevársela en su camioneta, se regresa a apagar las luces de su gasolinera. Y dice: "El costo de la electricidad puede llevar a un negocio a la quiebra".

A Franklin alguien le dice: "Si nos quedamos sin gasolina nos vas a tener que jalar a todos". O sea un texano loco que no puede moverse sin ruedas solucionará el problema ¿Qué podría salir mal?

Lo que recuerda que unos años después una familia de petroleros texanos, Los Bush, llegaron a la Casa Blanca. Como a todos los petroleros la crisis petrolera de 73 - 74 debió ayudarles. Y esta familia ha sido la única que ha estado cinco veces en el palco de honor en una inaguración presidencial en Estados Unidos. Durante los dos periodos de Ronald Reagan cuando Bush papá fue vicepresidente y luego cuando llegó a la presidencia, durante la cuál se lanzó a la "Guerra del Golfo Pérsico", en la que ardieron pozos petroleros que esos si estuvieron nivel holocausto y no como los incendios que se oyen en el radio en esta película. Y luego llegó el también texano Bush hijo, que lanzó la guerra contra Irak acusándolo de tener armas de destrucción masiva lo que fue falso. Esa sí que fue una carnicería y no lo de los Sawyer. Y todavía otro Bush, Jeb, era el favorito para ser el candidato republicano en las elecciones de 2016, sólo que ganó el orate de Trump. Quien ha dicho que el problema de la guerra contra Irak fue que al final no se quedaron con el petróleo.

Por cierto sobre la guerra de Bush hijo no dejen de leer mi texto sobre Monsters Inc.

Cuando la de recursos humanos es esclava del maligno

Kill List (Ben Wheatley 2011) es una extraña mezcla entre drama familiar y folk horror con una pizca de thriller. Al arranque parece que vamos a ver el drama de un matrimonio que se divorcia o algo así. Jay (Neil Maskell) y su esposa Shel (MyAnna Buring) discuten por dinero y por pendejadas. Que si él tomó de las costillas sin cortar en vez de las ya cortadas o que si ella en lugar de poner comida en algún platón de la vajilla la puso en un pyrex que parece para hacer química.

En general todo es conflicto y acrimonia. No sólo Jay y Shel se la pasan a gritos y golpes (de ella a él). También Jay y su amigo y socio Gal (Michael Smiley). O Jay y los comensales de un restaurante. O con los que no pueden decir por favor o gracias. De hecho lo que sorprende es que la pareja siga siéndolo y que Jay y Gal sigan siendo amigos y trabajando juntos. Por un lado llama la atención tanta rudeza pero también que a pesar de ella las cosas sean "normales". ¿Será una cosa inglesa acaso?

Así que Jay y Gal son un par de asesinos a sueldo, pero son muy típicos clasemedieros. ¿Será eso posible? Bill Burroughs, quién además de escritor fue un ladrón profesional escribió en algún lado que en México no había ladrones de clase media; como en Estados Unidos.

Entonces todo era felicidad. No hacían más que pelearse. Pero después se reconciliaban. Y Jay y Gal mataban gente y así. Pero entonces Gal lleva a cenar a su nueva novia, que trabajaba en el departamento de recursos humanos de alguna empresa. Por supuesto la acusan de correr a la gente para no desaprovechar la oportunidad de crear una situación muy incómoda. Todo normal.

Pero ella es de una secta como salida de Wicker Man.

Esa secta organizará una pelea a muerte, no les digo entre quienes, y tiene su toque conspirativo: En México cuando pensamos en ritos antiguos pensamos en indios, en campesinos, en lo popular. Pero en Inglaterra ritos antiguos también significa monarquía, universidades, Hogwarts, clase alta. Uno de estos tipos les dice a Jay y Gal que ellos no son más que engranes en la maquinaria.

Sin embargo esta secta de apariencia tan primitiva, antigua, hace pensar en el inconsciente, algo más oculto y poderoso que cualesquiera conspiradores. Que puede mover los hilos detrás de cualquier departamento de recursos humanos por más racional y moderno que quiera parecer. Y que por supuesto puede dedicarse a dividir a la gente. Apenas en el útimo post sobre Lifeforce escribí de ello, en específico de conflictos entre hombres y mujeres.

 

La anima que vino del espacio

Lifeforce (Tobe Hooper 85) . Según C.G. Jung la anima es la figura femenina que los hombres llevamos en el inconsciente. Y el animus es la multitud de figuras masculinas; hordas, ejércitos, múltiples siempre pero iguales como soldados chinos, en la psique femenina. En Lifeforce una mujer vampiro (Mathilda May) llegada del espacio le dice a uno de los astronautas que la descubrieron, quien dice sentirse enamorado de un modo avasallador e insoportable, que ella fue hecha tomando de modelo el ideal femenino de su mente. Es su anima pues, y lo que se interpone entre ellos no es el exnovio o la exnovia sino que la mujer vampiro viene en una nave espacial que parece un gigantesco fagocito que se coloca junto a la tierra como si esta fuera una célula para chuparse toda la energía vital de la gente en Londres. Sí, esta es una película muy británica.

Esa energía es traspasada a los vampiros de la nave.

Aunque anima y animus son figuras positivas, de hecho según Jung son dioses (y los extraterrestres son los nuevos dioses), pueden parecernos demonios. Así, el animus puede atacar, siempre en bola, a las mujeres en sus sueños. Y al ánima se le puede ver como un demonio, ¿o vampiro? que succiona la vida.

Aquí como en Manhunter aparece también la figura del vampiro que contagia a través de la mente, y del siquiatra vampiro. Es una película de ciencia ficción con transbordadores espaciales muy ochentas, con vampiros a los que sólo se puede matar clavándolos como carne en brocheta pero también es una historia de zombis pues los humanos contagiados que no pueden chupar energía a otros quedan como zombis y para efectos prácticos al final la historia es un apocalipsis zombi.

Los primeros efectos de los infectados son alteraciones en la memoria y como dice uno de ellos ya no sabe quién es. Y el punto desde donde la vampira envía la vida robada a la nave nodriza es la catedral de san pablo, símbolo de la historia inglesa. Historia e identidad, cosas que como la anima o el animus pueden verse positiva o negativamente.

De cualquier modo, más allá de cualquier interpretación es una película chafilla/serie b/gusto culposo y es una Alien wannabe. De Golan-Globus para acabar pronto. 

Y la vampira espacial desconoce absolutamente el uso de ropa.

Al final el astronauta seducido le clava una estaca a su anima. Lo cuál es terrible, un hombre no debe perder a su anima. Ni por todos los zombis de Londres. 

 

En la bola más vale soldadera que esposa

La Cucaracha (Isnael Rodríguez 1959) caminaba de hombre a hombre. también le decían "la rodadora", por lo mismo, por rodar de uno a otro. Era una soldadera y estaba con los villistas. ¿Porqué? Porque no tenía ni veinte pesos. Cuando quiere comprar un rebozo y le dicen que cuesta veinte pesos contesta que si los tuviera no andaría en la bola.

Ella es el genio militar de la historia. Mientras que el coronel Zeta hecha discursos a la tropa, la cucaracha sabe que eso no sirve de nada y le dice al coronel que los juanes* sólo necesitan mezcal para matar.

A la hora del combate, la tropa, que incluye hasta niños que Zeta sacó de la escuela por la fuerza, no quiere pelear. Se sienten en desventaja y piensan que el coronel está loco. Unos planean rendirse y hasta matar a Zeta. Entonces la cucaracha reparte alcohol, marigüana y mujeres y la tropa se anima y gana la batalla.

Otro diálogo entre la cucaracha y otra soldadera revela esta visión cruda de la verdadera razón de la lucha. Dice la cucaracha que "aquí el que no mata se muere" y la otra soldadera remata: "o no come, que es peor."

Frente a esta visión tan etílica/alimenticia que tienen las soldaderas sobre la revolución mexicana está la visión religiosa de Zeta. Según él, la revolución se trata de morirse. Lo repite a lo largo de la película. ¿Y para qué? para que cuand se mueran ya todos los que se necesiten morir, los que queden regresen a trabajar la tierra para que no haya tierras ociosas. Puede concluirse, según lo que dice el coronel, que la revolución es un gran sacrificio humano en contra de las tierras sin cultivar.

Parece una idea sacada de algún culto o rito agrícola,

Pero también según Zeta la revolución da la oportunidad de demostrar que se es hombre o muy hombre o más hombre que otros. Aquí no hay retos a muerte, se reta a ver quién es más hombre. Aunque entonces hombría resulta ser lo mismo que puntería. O suerte.

Pero también las mujeres, como la cucaracha e Isabel, su rival, se agreden diciendo que son más mujer que la otra.

El género aquí no es sólo cuestión de matar, también cuentan la ropa y las funciones. cuando la cucaracha está vestida de militardice que no es mujer, que es un soldado. Y cuando va a lavar ropa al río le dicen las otras que ya es mujer otra vez.

Y sin embargo este cambio de la cucaracha que pasa de ser mujer a soldado y de regreso, que pasó a ser parte del mito de María Félix, no es lo principal de la historia.

Lo principal es la lucha con Isabel (Dolores del Río) por el coronel Zeta. Frente a la "rodadora" la esposa que se convierte en viuda devota. Que acusa a la cucaracha de ser lo peor, lo más bajo, mientras que para esta Isabel es sólo una hipócrita mosca muerta que no sirve ni para animar a algún juan.

Al final, la cucaracha acaba siendo una madre devota que usa rebozo e Isabel se vuelve soldadera. Pero la cucaracha acaba teniendo un hijo de Zeta, que se muere. O sea que acaba siendo la "ganadora". 

Sólo que Zeta, representante de el "ideal revolucionario" y de la "hombría" es un hipócrita, que por lo que se ve alegremente le daría las nalgas a Francisco Villa. Esto por supuesto no es lo explícito de la historia o del personaje. Se supone que es "tan hombre" que Isabel dice que es el único hombre ahí, que está lleno de hombres. A pesar de que por su culpa mataron a su marido. A pesar de que ella le rogó por él.

Pero Zeta deja a la cucaracha porque por su culpa tuvo que matar al anterior amante de esta. El, que mandó sacar a los niños de la escuela para llevárselos a los balazos. Que estaba friegue y friegue con que había que morirse por la revolución. Un o de sus soldados le dijo a una madre que su hijo ya estaba en edad de morirse.

Ah pero que matar por la revolución estaba bien, pero por una mujer no. En otra escena manda sacar a todas las mujeres del cuartel sin razón.

Yo digo que era puto.

* En la revolución mexicana los que peleaban en ella decían que andaban en "la bola".

* En la revolución les decían juanes a los soldados.

Soltería y maldad

Manhunter (Michael Mann 1986) fue la primera adaptación de una novela de Thomas Harris, el de El Silencio de los Inocentes, pero está basada en Red Dragon, su primer novela de Hannibal Lecter, del 81. De la cual hay otra adaptación, Red Dragon del 2002.

El doctor Lecter en esta ocasión no muerde pero aún así tiene el superpoder del contagio. Igual que en las primeras historias sobre vampiros Lecter puede contagiar su oscuro mundo interior y se lo contagia a Will Graham, el "profiler" del FBI, que acaba en un hospital siquiatrico y con las peores ideas imaginables. Según le dice el mismo a su hijo.

Pero según Lecter Will ya era así desde antes. Le dice que es igual que los asesinos seriales que caza y que por eso puede entender sus motivaciones y su modo de pensar.

De hecho así como que sin querer queriendo como diría el chapulín colorado, Will Graham hace que Francis Dolarhyde, el asesino serial que está buscando mate a un periodista que el detesta.

Hasta Lecter, que aquí al igual que en el Silencio de los Inocentes entra en la historia como una especie de consultor, felicita a Will por su macabro plan.

Que se supone que no fue un plan sino un desafortunado error.

¿Entonces Lecter sólo había despertado por un tiempo al pequeño sicópata que Will llevaba adentro? ¡Será eso y no un "contagio"? Tal vez, pero hay otra cosa que puede considerarse un contagio: Dolarhyde admira a Lecter. Así se toca, aunque sea tangencialmente, el tema de los admiradores e imitadores de criminales famosos. Como Manson.

Y por cierto, otro rasgo común entre Will Graham y Hannibal Lecter, aunque no el Lecter de Manhunter sino el de El Silencio de los Inocentes, es el interés de ambos en los sueños de los otros, a los que ven como la clave de su comportamiento.

De cualquier modo en Manhunt la diferencia entre el bien y el mal. O entre ser sólo un asesino potencial cazador de sicópatas ya desatados, o ser el asesino de familias bonitas... es tener una bonita familia.

La esposa y el hijo de Willl Graham ocupan un gran espacio en la historia y lo que lo motiva a perseguir a Francias Dolarhyde son las fotos de las familias víctimas de este. Que según nos enteramos después, Dolarhyde también se motiva, pero para matar, con las mismas fotos. Las que ve en el laboratorio fotográfico donde trabaja que funciona como un instagram de los 80´s.

Y el problema de este asesino según acaba descubriendo Will, es que fue un niño sin amor y sólo busca ser aceptado de una torcida manera. Pero seguro sería una persona de bien si tuviera una bonita esposa y algún hijo o hija bonito/a como Will. Pero Francis es sólo un soltero y somos sospechosos.

El confesionario Sony Video8 Handycam Pro CCD-V90

Sexo, mentiras y video ó Sexo, mentiras y cintas de video (Steven Soderbergh 1989) fue la película que puso al festival de Sundance en el mapa. Este festival de cine llevaba años existiendo, sin público ni trascendencia y perdiendo dinero. Inclusive estuvo a punto de cerrar. Hasta que llegó esta película, ganó el festival, fue todo un fenómeno y Sundance finalmente despegó y se volvió el festival del cine americano independiente por definición.

Entonces Sexo, mentiras y video se puede considerar una película histórica por lo de Sundance, y en general por el impulso que dio al cine independiente pero también por otra cosa: Por estar vinculada a un momento específico del despliege masivo de la tecnología: Cuando las cámaras de video se volvieron omnipresentes.

Hoy en día el tema, en realidad desde hace ya mucho tiempo, es que la tecnología registra todo, o casi, todo lo que hacemos. En los ochentas eso estaba en un estado muy incipiente, al menos comparado con lo que sucede ahora. Y sin embargo en esta película ya está el tema del video como testigo de lo que hacemos y se establece una relación entre la confesión religiosa, la terapia sicológica y la tecnología.

Graham (James Spader) atendía gente en la iglesia y Ann (Andie MacDowell) va a una terapia que parece sicoanálisis. La relación entre el rito de la confesión y el sicoanálisis fue algo que estudió el filósofo Michel Foucault que dijo que había, digamos que un parentesco, entre ambas prácticas.

Ahora Graham se dedica a confesar mujeres enfrente de una cámara de video pero como si fuera un padrecito a dejado el sexo.

Cuando Ann comparece frente a su cámara, cambia los papeles y empieza a cuestionar a Graham, quien confiesa que era un mentiroso y por eso perdió a la mujer que amaba y esa fue la razón por la que dejó el sexo.

Aquí hay un viejo tema hollywoodense: La confesión como solución a los problemas. Cuando se confiesan las cosas se acaba la historia.

Y entonces resulta que esta película emblemática del cine independiente acaba en un final de lo más típicamente hollywoodense. Sólo que con un giro, el elemento del video.

Al final todo se acaba sabiendo gracias al poder del video. Inclusive John (Peter Gallagher), el marido de Ann le cuenta a Graham que se había cogido a su novia Elizabeth.

Y ya que se sabe la verdad de todos, el final de la historia dicta las sentencias: Graham y Ann, curados de sus problemas sexuales gracias a la confesión, se aman mutuamente. John, que engañaba a Ann con su hermana, aparte de lo de la novia de Graham, pierde a Ann y además parece que va a perder su trabajo. Y luego viene algo que me parece muy injusto, a Cynthia (Laura San Giacomo), no le pasa nada. O sea ella cogía con el cuñado y no sólo no le toca castigo sino que además vemos a Ann que llega a reconciliarse con ella. ¿Porqué al adúltero le toca castigo y a la adúltera no?

Cynthia responde esa pregunta cuando le dice a John que él juró serle fiel a Ann y ella no. ¿Entonces hermanos y hermanas deben jurarse en la iglesia que no se van a hacer chingaderas entre ellos/ellas? Creo que más bien lo que sucede es que un rompimiento entre Ann y su hermana sería triste y opacaría el final feliz así que resulta más fácil echarle la culpa de todo al hombre. Al fin es un hombre ¿para qué están los hombres?

Un punto importante es que el pecado de John y Graham no fue infidelidad sino mentir.

Graham lo dice, el pecado que debió expiar con años de abstinencia sexual fue mentir.. Y Ann se lo dice a John: Le dolería más la mentira que la infidelidad. Graham también dice que el problema de John es que es un mentiroso. Suena raro pero poner la mentira por arriba de la infidelidad embona perfectamente con el hábito hollywodense de hacer de la confesión la solución de todo.

Para acabar algo sobre la moda: Al ver a John con corbata de moño o corbata con "amibas", o los enormes moños en el pelo de Ann nos damos cuenta que lejos van quedando los ochentas. pero el colmo es cuando John dice que Graham parece salido de una funeraria del mundo del arte sólo porque usa una camisa negra. Sólo le faltó decirle gótico.

Pero esa camisa me parece es para relacionar más a Graham con un sacerdote. Además de que atendía gente en la iglesia, no tiene sexo, se dedica a confesar gente, no trabaja y es muy austero por lo que no tiene teléfono y apenas tiene muebles, Graham está casi toda la película con esa camisa negra. El casi es porque la historia empieza con Graham que va hacia la ciudad y se mete a un baño en la carretera a cambiarse de camisa. A ponerse la negra, como un sacerdote poniéndose los hábitos apresuradamente pues tiene que ir a confesar a unos amigos.

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de Cine de la cineteca - 5

Anora, la aventurera que vendió muy caro su amor pero le rebotó el cheque

Anora (Sean Baker 2024) es de esas películas que están al nivel de su hype, que uno espera que sea muy buena y no decepciona.

Un guión impecable, actuaciones sobresalientes y un director que definitivamente tiene el don.

El argumento es como una telenovela contemporánea, pero exactamente al revés. En vez de que la chica inocente acabe con el rico, la teibolera casada con el hijo del oligarca ruso... pero para que les cuento, mejor véanla.

[3 emoticones de perros sonrientes]

La venganza del pensamiento positivo

Memoria de un Caracol (Adam Elliot 2024) al comienzo es como el sueño húmedo de un dark. Una chica desadaptada, Grace, una familia de freaks, todo es oscuro pero divertido, deprimente pero feliz. Puro personaje excéntrico. En un momento dado la niña protagonista y su hermano quedan huérfanos y mandan a cada uno a vivir con una familia adoptiva diferente en diferentes ciudades.

A Grace le toca una pareja de swingers nudistas. Lo que está bien. Pero esta pareja se la pasa jodiéndola con que piense positivamente y ella odia eso.

Después la historia toma un mal camino y al final, después de que Grace supera un problema de obesidad que no era por su culpa sino de un marido del que se divorcia (sic) acaba deprimida pero su única amiga después de morir le deja una lata con dinero y frases choteadas y entonces Grace logra superar su adicción y arregla su vida de volada.

Paradójicamente, lo que más le insistió su amiga Pinky era que viviera para adelante y no para atrás y el final feliz es que Grace y su hermano Gilbert, que no estaba muerto estaba de parranda, se reúnen y vuelven a ponerse a leer juntos, que es lo que más les gustaba hacer antes. Antes de separase y de saber que había que vivir hacía adelante y no regresar a lo de antes.

Al final la película engañosamente hace pensar que ella estudio animación, se puso a hacer películas y que esta es una especie de biografía. Lo cual es falso.

Lástima

[Emoticón de perrito triste] 

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de Cine de la cineteca - 4

Misericordia (Alain Guiraudie 2024) está buena; divertida y profunda a la vez, es una mezcla de thriller con comedia de enredos, algo que parece difícil de combinar pero que sale bien. Quizá yo le cambiaría el título, porque aunque se puede decir que el tema de la misericordia está presente... más bien es la tolerancia lo que permea la historia. Con los otros y con uno mismo, pero sin sermones, más bien con humor y una dosis de intriga. De esas por las que salió el dicho de "Pueblo chico infierno grande", un pueblito donde todos le ponen con todos. Del mismo realizador de "El extraño del lago".

El peso de los sueños (Les Blanc 1982) Nuevo lanzamiento de este documental clásico, ahora restaurado. Creo que junto con el documental de la realización de Apocalipsis Now, este, que trata de la épica locura de Werner Herzog al hacer Fitzcarraldo en medio del amazonas, y subir un barco por una colina para pasarlo de un río a otro, son los dos documentales sobre películas más famosos que hay. Ambos sobre hacer películas en la selva. En Fitzcarraldo las cosas que pasaron son inauditas: Se acusó a la producción de querer exterminar una tribu de indios y querer usar su grasa corporal para cocinar, hubo muertos, gente herida a flechazos por tribus hostiles, el primer campamento de la producción fue quemado... pero mejor veánla porque como dice Herzog al final para él las películas que hace son como sueños colectivos y sin ellos somos como vacas pastando.

[Emoticón de dos perros sonrientes]

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de Cine de la cineteca - 3

"Sensacional de rucos en decadencia" Así podrían haberle puesto a la función de prensa de este Martes 5  donde se presentaron las películas de Victor Erice y Leos Carax. Terribles las dos, la de Erice, director cuya más famosa película "La Colmena" es como de principios de los 80´s, presenta una indigesta sobredosis de nostalgia de unas tres horas en la que el público se supone debe interesarse por lo que le pasó a un actor ficticio que desapareció y luego lo encuentran pero sin memoria. Pero es como si un extraño pierde su cartera: A nadie le importa. Las actuaciones son malísimas. Y es un constante escuchar que si el pasado y el pasado, un pasado de unos personajes que no acaban de conectar emocionalmente, tanto así que cuando ya cerca del final empieza el dueño de un viejo cine a hacer memorias de lo más profundo de mi salió un "O no, no otra vez".

Aburridísima, pesada y exageradamente larga. Sí, si, se trata de la memoria como identidad y el cine como memoria, un viejo tema tratado de forma más interesante por muchos otros.

Por su parte Leo Carax es un director que parece estar al final de un proceso de pérdida de sus capacidad narrativa. Siempre tuvo algo de videoclipero pero en esta última entrega ya sólo presenta imágenes sueltas con frases que, es de suponer, trata que sean impactantes, poéticas, reveladoras o algo así pero no lo logra. Es ver una foto de David Bowie con un pedazo de canción del mismo Bowie seguido de imágenes de viejas películas de Carax y palabras que ni a frases llegan y eso es todo. Al menos Carax hizo de este bodrio algo más bien corto.

Dos directores que parecen abonados perpetuos a todas las muestras de la cineteca. Ya parece manda.

[Emoticón de dos perros orinando]

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de cine de la cineteca - 2

Podría pensarse que los premios que ha recibido La Semilla del Fruto Sagrado (Mohammad Rasoulof 2024) que incluyen cinco premios en el pasado festival de Cannes, así como premios en los festivales de Chicago, San Sebastián y Sydney entre otros, se deben a la historia de la película y su director que se ha enfrentado varias veces al regimén iraní. Esta película en particular provocó que se le condenara a ocho años de cárcel, latigazos y la confiscación de sus propiedades, pero Rasoulof alcanzó a escapar a escondidas de Irán. 

Sin embargo La Semilla del Fruto Sagrado es una película en la que uno no pierde nunca el interés a pesar de sus casi tres horas de duración, es un muy buen thriller. Que además se filmó a escondidas.

La historia presenta el otro lado de una dictadura: Iman y su esposa están felices porque a él lo han promovido en su trabajo, el represor sistema judicial de Irán. Eso significará más dinero, una casa más grande, lo que parece que es lo que más le importa a ella. Y que él debe firmar, sin leer, documentos para condenar a gente a muerte.

Ellos creen que están ayudando a sus hijas, aunque su libertad de por sí restringida por ser mujeres iraníes, será todavía menor por el nuevo puesto del papá. Y el conflicto entre el régiman y sus enemigos puede ser que esté en la propia familia. Llama la atención escuchar el mismo lenguaje de todos los fanáticos políticos en boca de Iman: "Es que trabajan para los enemigos",  "Es que algo habrán hecho", "Es que es una conspiración". El lenguaje de los que quieren darle más poder al poder, como diría Molotov, es el mismo en todos lados. En el fondo trumpistas, cuatroteístas o los revolucionarios teocráticos iraníes son muy parecidos. Pero lo que pasa en la familia de Iman no es descabellado, basta ver la relación de Fidel Castro con algunos de sus hijos. O la de Mao Tse Tung. O las purgas de Stalin a miembros del partido comunista, los mandaba matar por cientos, igual que el camarada Mao. Aún así seguirá habiendo quienes creen que el poder despótico está de su lado. Y de su familia. Aunque tengan familiares muy cercanos, como las hijas de Iman, con otros datos.

Y sin embargo el mayor mérito de la película no es un mensaje político, es como ya dije un thriller. Y bueno.

Finalmente me llama la atención que la ruina de Iman comenzó en su pueblo natal, disfrazada de buena suerte. Pero este pueblo es en realidad alguna muy antigua localidad deshabitada y en ruinas, excepto por la mezquita a donde Iman llega al arranque de la cinta a agradecer a Alá por su ascenso. Al final vemos ahí fotos de Iman de niño haciendo alguna seña de sumisión al Ayatollah Khomeini, en un lugar lleno de viejos megáfonos que es de suponer se usaron en los tiempos de la revolución islámica. Los mismos megáfonos ahora serán su perdición. Y las ruinas de su pueblo natal le servirán de celdas para encerrar a su familia. Como si el origen de todo el mal radicara en esas ruinas de las que sólo la mezquita queda en pie, lejos de la más moderna Teherán, que antes de la revolución era más moderna aún, inclusive cosmopolita. Es el pasado en ruinas y su religión lo que amenaza con devorar a las hijas de esa familia.

[Emoticón de dos perros sonrientes]  

Esto es noir (Como diría Jarvis Cocker)

 A Sangre Fría (Richard Brooks 1967) está basada en la novela de Truman Capote del mismo nombre, novela considerada la obra maestra fundadora del género del True Crime.

Novela pero no de ficción sino novela/reportaje sobre el asesinato de una familia de Kansas.

La película para empezar es una joya de estilo, el cine negro en todo su esplendor. Fotografiada por Conrad Hall, considerado uno de los más influyentes cinefotógrafos de la historia y musicalizada nada menos que por Quincy Jones. Sí el que acabaría siendo súperfamoso productor de ente otros Michael Jackson. Ahí nomás. Acá el señor Jones musicaliza casi todo con jazz. Como debe ser.

Y antes de entrar a la trama... hay una miniserie de los noventas basada en el mismo libro y con el mismo nombre. Pero no le llega ni a los talones a la película del 67.

En resumen se puede decir que la película presenta toda la historia del asesinato de la familia Clutter y el posterior ahorcamiento de los criminales como un tremendo y terrible accidente.

Como si el tren y el camión que al arranque de la película se ven avanzando en la noche rumbo a Kansas se estrellaran uno contra otro. Lo que no sucede, pero en el camión iba Perry (Robert Blake) el exconvicto mitad cherokee, veterano de Korea, adicto a las aspirinas, con las piernas cosidas con gruesas cicatrices de heridas que le impiden caminar bien y que sueña con ver su nombre en alguna marquesina de Las Vegas y ganarse la vida cantando y tocando la guitarra. Pero se topará con Dick (Scott Wilson) con quien estuvo encarcelado y que tiene un plan para robar la caja fuerte que, según le dijeron, había en la granja de los Clutter.

Aquí la psiquiatría hace el papel de juez de última instancia. Una sociedad siquiatrica de Kansas, a la que se le agradece en los créditos iniciales, había publicado unos meses antes del asesinato de los Clutter que los homicidios sin aparente explicación, como el caso Clutter pues al final Perry y Dick sólo se llevaron 40 dólares y un radio, eran cometidos por gente con el perfil exacto de Perrry.

Y Perry  fue quien se escabechó a los Clutter en un arranque de locura. Porque estaba loco.

Pero el plan del robo fue de Dick, y según una explicación oficial de algún experto de la policía, ninguno de los dos habría cometidpo el crimen sólo. Fue la combinación de ambos lo que resultó mortífero.

Así que según estas explicaciones uno acabaría ejecutado por loco y el otro por juntarse con él. Y por no hacerle caso, pues Perry quería quedarse en México buscando el tesoro de Hernán Cortés y Dick insistió en regresar a Estados Unidos donde los iban a atrapar.

También se presenta otro punto de vista a través del policía a cargo de la investigación cuando le dice a un periodista que los periódicos siempre empiezan por pedir que se despida a los policías por no encontrar alos responsables y cuando los agarran los acusan de brutalidad y acan descubriendo que los criminales estaban locos.

El caso es que unos matan por 40 dólares y acaban ejecutados por un verdugo que cobra 300 dólares por cada condenado que ahorca mientras alguien lee la biblia. De la que seguramente también le habrán enseñado algo a Perry las monjas con las que vivió en un orfanatorio y que odiaba tanto que, por lo que cuenta, fueron las primeras en volverlo loco.

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de Cine de la cineteca - 1

Simón de la Montaña (Federico Luis 2024) es una producción Argentina - Uruguaya - Chilena rodada en la Patagonia en algún lugar junto a la cordillera de los Andes y se llevó el premio de la semana de la crítica en el más reciente festival de Cannes. Es la historia de Simón, personaje que tiene algún tipo de retraso o algo así y que también parece que acaba de hacer un grupo de amigos y amigas todos también con retraso. O como se diga.

Y el grupo de amigos se deschonga como estudiantes de pinta de la escuela o que se robaron el coche del papá. Cosa que de hecho sucede. Y hacen todo lo que no deben hacer. Es una historia con un primer amor, pequeñas pero peligrosas aventuras, conflicto, drama familiar y humor.

Conmovedora y a la vez impresionante por la calidad de las actuaciones que supongo es por lo que se ganó el premio en Cannes.

[Emoticón de un perro sonriente]

Un Viaje en Primavera (Chun Xing 2023) Se trata de un chinito y una chinita casados y ella se cae y se pega y se muere y el chinito se pone muy triste y llora mucho.

No perder el tiempo con esta.

[Emoticón de un perro orinando]

Cancelando el sexo

En Intensamente 2 (Kelsey Mann 2024) hay un gran secreto escondido en la mente de Riley, la protagonista treceañera. Es un mounstruo grande y peludo con colmillos prominentes y es tan fuerte que puede liberar a todas las viejas emociones de Riley. 

Ese oscuro secreto es... que ella una vez le hizo un hoyo a la alfombra. Hasta Riley queda sorprendida de la ñoñez del asunto y dice que ella se imaginaba otra cosa.

Pero si hay un elefante en la sala. O más bien un pinche mamut en la película del que nadie habla.

Intensamente 2 debe ser una de las películas de ficción con más pretensiones didácticas que yo haya visto. Tiene un tonito como de material audiovisual para primero de secundaria.

Y su tema, se supone, es la pubertad, que se enciende como una alarma roja en el tablero de control adentro de la mente de Riley. Y vemos los cambios que eso implica. Excepto cualquier cosa que tenga que ver con sexo. O sea que no se ve nada realmente.

No debería extrañar esto viniendo de Disney que siempre ha negado al sexo y hasta la procreación. De los creadores del eterno protagonista huérfano, los campeones del modelo familiar tio - sobrinos y el noviazgo eterno Mickey - Minnie, llega la pubertad asexual, sin romance o siquiera atracción física por alguien del sexo opuesto. O del mismo sexo.

Y hay una explicación implícita del porque de esta asexualización: Porque el sexo es feo en el mundo de Disney.

Al llegar la pubertad llegan nuevas emociones a la cabeza de Riley. Sólo a la cabeza ¿eh? nada de cambios por otras partes.

Y las nuevas emociones son todas feas: Lideradas por ansiedad aparecen también envidia, vergüenza e indiferencia. Como se sabe lo que llega en la pubertad son hormonas sexuales y esas no están representadas pero en su lugar podemos ver las feas emociones que nos dice esta película llegan en ese momento. Inclusive sus monitos son feos, la ansiedad es flaca, dientona, hocicona etc. La vergüenza es obesa, la envidia enana. sólo la indiferencia se salva. pero esta es francesa y sarcástica. y el sarcasmo es feo, feo, feo. Requetefeo. Feisísísísísímo.

Los monitos anteriores, aún la furia, el desagrado y la tristeza eran monitos bonitos.

Hay inclusive una escena en donde la alegría dice que quizá en la pubertad ya no se sienta tanta alegría y se pone a llorar.

¿Pero y entonces de que se trata la pubertad asexual?

Es un simple cambio, como cualquier cambio escolar, como si se tratara de entrar a una nueva escuela o a un nuevo año. En este caso se trata de entrar al equipo de hockey de la escuela. Algo que puede pasar a cualquier edad, también podría ser un nuevo trabajo.

¿Y cuál es la importancia de que Riley entre al equipo? pues que se le pegue algo de caspa de ganadora o si no, no tendrá amigas, fracasará en la vida y acabará sola, alimentando a las ardillas del parque. esto es absurdo claro está y hasta un personaje lo dice. Pero sólo como algo que la corrección política obliga a decir pues sin el mito de la caspa de ganador toda la trama perdería el chiste. riley inclusive traiciona a sus viejas amigas en su lucha por la caspa de ganadora. Pero sus amigas la perdonan. Para que se vea que lo que importa es la caspa.

Ah y los nervios que normalmente una puberta tendría frente al que le gusta, Riley los tiene con la líder del equipo de hockey. pero se trata de una admiración meramente deportiva ¿Eh? que nadie piense cochinadas.

Una cosa positiva que le veo a la historia es que se desacredita el mito del pensamiento positivo según el cual si yo tengo fe puedo decirle al volcán Popocatépetl que se mueva y se ponga por Toluca. Y el Popocatépetl se movería de inmediato.

Entonces al principio se supone que Riley sólo debe creer que puede entrar al equipo para hacerlo. y entonces cualquier pensamiento negativo es desechado. Al final los recuerdos e ideas desechadas regresan como en tsunami y se reconoce que los pensamientos y recuerdos negativos son tan parte de Riley como los positivos. Y hasta el secreto más oscuro es revelado. lo de la alfombra.

Ah pero ¿cambios corporales, menstruación, que a Riley le guste alguien? 

De eso nada que esto es Disney.

La horrible humanidad

Rashomon (Akira Kurosawa 1950) es la historia pionera de las películas que narran una cosa desde distintos puntos de vista, a la pulp fiction, pero además con narradores en quienes no se puede confiar pues pueden estar diciendo la verdad o no.

Hasta los fantasmas, como un samurai muerto que habla a través de una médium de la tradición japonesa, mienten.

Sólo hay dos personajes que no mienten. Ninguno de los dos vieron nada y por lo tanto no podrían mentir aunque quisieran: Un monje, budista o shintoinsta, quien sabe. Y un cínico. El sacerdote está desolado porque no se puede confiar en nadie y todos mienten y el cínico está con la actitud de que eso siempre ha sido así y siempre lo será, y dice que no le importa si le cuentan la verdad siempre y cuando le cuenten algo interesante.

Los dos sin embargo acaban por ver la verdad ¿La verdad de qué? Primero, de lo que pasó entre un samurai, su esposa, un ladrón y un leñador. 

Se sabe que el ladrón y a la mujer cogieron enfrente del marido samurai que estaba amarrado y que este acabó muerto. Pero fuera de eso todos cuentan una versión diferente de las cosas en las que quien la cuenta sale mejor parado.

A primera vista el cínico es quien descubre la verdad pues se da cuenta que lo que cuenta el leñador - Ya la segunda vez, tras aceptar que no sólo encontró el cuerpo del samurai, sino que llegó antes y alcanzó a ver lo que pasó - es la verdad, pero además el cínico deduce correctamente que el leñador se robó la daga enjoyada de la dama, aunque después el muy hipócrita estaba llorando por la maldad de la gente.

El monje también establece una "verdad".

La película empieza con este monje y el leñador lamentándose por la horrible humanidad bajo un monumento en ruinas, la Puerta de Rashomon, una antigüa puerta monumental. 

Hay una fuerte tormenta y una atmósfera de devastación, el monje dice que las guerras, desastres naturales, hambrunas y los bandidos no son tan malos como no poder confiar en nadie.

Al final se encuentran un bebé entre las ruinas. El cínico se roba unas cosas que había junto al bebé. El monje toma a la criatura en sus brazos y el leñador le pide que se lo de. Dice que aunque tiene seis hijos va a cuidar de ese bebé también. Y el monje se lo da y es un final felíz tipo el sol saliendo tras la tormenta.

El leñador ha demostrado ser mentiroso, ladrón e hipocrita pero el monje se alegra de que se lleve al bebé, dice que ha recuperado su fe en la humanidad así que el leñador no puede ser del todo malo.

La fe en el juicio de este monje es como las columnas de la puerta de Rashomon aún en pie. Lo único que no se cayó y desde donde se puede empezar de nuevo. 

Los dos corazones de Metrópolis

Metrópolis (Fritz Lang 1927) junto con Nosferatu, parece que son las dos películas mudas más famosas en la actualidad. La historia que escribieron Fritz Lang y su entonces esposa Thea von Harbou presenta, digamos que a simple vista, un tema de obreros contra patrones, de lucha de clases, pero visto a través de las teorías de Rudolf Steiner; un ocultista, escritor, crítico literario, clarividente y como mil cosas más, creador de la llamada antroposofía, de las escuelas Waldorf que parecen estar de moda, de productos que se venden en las tiendas de Whole Foods y otras cosas. Fue muy influyente entre grandes artistas del modernismo como los pintores Kandinsky, Mondrian y Hilma af Klint, también en el compositor Arnold Schoenberg y en el movimiento Bauhaus en general - Y Fritz Lang dijo de Metropolis y sus tres siguientes películas que tenían "decoración Bauhaus completamente desarrollada" - Otro director influido por Steiner fue nada menos que Andrei Tarkovsky.

Steiner decía que las manos y el cerebro no deben actuar sin la internediación del corazón. Y entonces el problema en Metrópolis es que el creador de la ciudad Joh Fredersen no se habla con las manos, es decir los obreros (así se les dice explícitamente), pero el hijo de Joh, Freder, llegará como mesías a hacer de corazón y logrará que su padre y el líder de los obreros se den la mano.

Steiner estaba en contra de las revoluciones violentas y entonces los obreros de Metropolis cuando intentan tomar el poder y destruyen la maquinaria de la ciudad provocan una inundación y por poco ahogan a sus propios hijos. Joh también casi pierde a Freder.

Pero ese final donde Freder hace que el líder de los obreros y su padre se den la mano es muy ingenuo.

Es más interesante el extraño tema religioso de la película: En una escena la maquinaria subterranea de Metrópolis se revela como el sanguinario Dios Moloch, a quien se creía que se sacrificaban niños arrojándolos a las llamas. Hoy en día más bien se cree que Moloch es el nombre de un tipo de sacrificio de niños, no un Dios sino cuando se les sacrificaba en el fuego. Y parece que hay una relación entre las palabras Moloch y la antigua palabra hebrea que designaba al infierno.

Si les interesa el tema chequen este video del doctor Justin Sledge sobre Moloch y otros sacrificios  rituales de niños en la antigüedad. Nomás que está en inglés.

Entonces los obreros de Metropolis viven en la parte subterranea de metropolis y son sacrificados a Moloch. Su aspecto es como de presos y van caminando sin levantar nunca la cabeza. Además Moloch aparece atrás de una nube de gases, no es de extrañar que se diga que parece una premonición del holocausto. Que además holocausto significa sacrificio, que es extraño pues el intento de exterminio de los judíos y otros humanos considerados inferiores no fue un sacrificio sino eso, un intento de exterminio.

Mientras tanto los ricos viven hasta arriba de metropolís y tienen unos "jardines eternos". Se trata claramente del cielo y el infierno.

Entonces aparece María. Lo de aparecer es casi literal, en alguna parte se dice que es como una aparición. y se aparece en las catacumbas de metropolís, la parte más profunda de la ciudad donde los obreros se reúnen para escucharla, así como los antiguos cristianos se reunían en catacumbas. Me parece que presentar a María como la religión cristiana debío ser deliberado pues según Steiner en la sociedad la cabeza, corazón y manos eran el liderazgo económico - político, la religión y los trabajadores. así que María se presenta en las catacumbas rodeada de cruces y anuncia la llegada de un mesías que será el corazón entre ricos y pobres.

Pero todo sería muy fácil y no tendría chiste sin un enemigo. Y para eso está el científico loco Rotwang. Creo sin embargo que antes que científico loco Rotwang representa lo diferente. Para empezar su casa está en la avenida principal de metrópolis y es la única casa ahí, todos los demás edificios son rascacielos en esa avenida según nos dicen. Y está marcada con una enorme estrella a la que nomás le falta una punta para decir que Rotwang es judío. Lo diferente queda además estigmatizado con las referencias a la torre de Babel, donde según el mito los hombres empezaron a hablar diferentes idiomas y la torre desde donde se oprime los obreros de metropolís es "La Nueva Babel". Encima a la robot creada por Rotwang se le dice "La Puta de Babilonia" que llegó para confundir y crear caos, conflicto y guerra como se dice de la puta de babilonia en el libro del apocalipsis. Basta con ver a Rotwang entre los ricos de metropolis, todos bien peinados menos él, con su melena como de Einstein despeinado y sus ojeras de panda blackmetalero. Y era el mejor científico de metropolis, como Einstein y otros tantos científicos judíos que salieron huyendo de los nazis. 

Y al final Rotwang trata de matar a María en la catedral de metropolis, como subrayando que es un infiltrado en territorio cristiano. Su problema era que amaba a la misma mujer que Joh Fredersen, pero este se la ganó y concibió con ella al mesías, a Freder, y no puede haber dos corazones pues el perdedor, sin mesías, se volverá vengativo.

Finalmente dos cosas: Joseph Goebbels el secretario de propaganda de Hitler le ofreció a Fritz Lang ser director de los estudios de cine UFA, los más importantes de Alemania. Lang dijo que nó y salió huyendo del país, pero su esposa la coguionsta de metropolis se volvió nazi y la pareja se divorcio.

Y por último, Rudolf Steiner tenía la teoría de que hubo dos jesuses, no uno, dos cristos, quizá hay una relación con esta película, pero no lo sé.

La impotencia del comisario político

Citizen X ó Ciudadano X (Chris Gerolmo 1995) es la historia de la búsqueda de Andrei Chikatilo, un asesino serial de la Unión Soviética, quien tuvo el record de asesinatos para un asesino serial con 53.

Pero en realidad es más bien la historia de la lucha contra la burocracia comunista, de Viktor Burakov, el detective a cargo de la investigación, que en realidad era un perito forense, y su jefe, el coronel Fetisov en contra del comité del cuál dependían, en donde el más alto rango lo ostentaba un comisario de ideología.

Apenas lo habían puesto a cargo de la investigación y ya Burakov se había dado cuenta que se trataba de un asesino serial que engatusaba a sus víctimas en las estaciones de tren. Pero el comisario de ideología le dice que eso es imposible porque los asesinos seriales sólo existen en occidente producto de su decadencia moral y le niega todo lo que pide: más personal, alertar a la población y consultar al FBI entre otras cosas. Y es que hacer cualquiera de esas cosas sería aceptar que había un problema.

Los asesinatos empiezan en 1982 y el caso no se resuelve hasta 1990 tras la caída del comunismo, cuando le dan a Burakov lo que pidió desde un principio.

Pero ya habían detenido a Chikatilo años atrás. Sólo que era del partido comunista y entonces su muestra de sangre no correspondió con las muestras encontradas en las víctimas. Tras la caída del comunismo las muestras ya correspondieron.

Mientras tanto los del comité ordenaron investigar y detener a los homosexuales. Un grupo de gitanos también les gustó como chivos expiatorio.

Lo que más me llamó la atención es que al final se supone que Chikatilo mataba por un problema de impotencia sexual.Un siquiatra había hecho un perfil acertado del posible asesino años atrás. Lo llamó ciudadano x y dijo, entre otras cosas, que no tenía porque ser homosexual, que probablemte sería casado. Y estaba casado. Y que tenía un problema de impotencia.

Al final este siquiatra hace confesar al asesino, lo que los funcionarios soviéticos no podían.

Pero es curioso como este asesino sufría impotencia pero que tal su potencia para matar, que tal la potencia de su frustración. A él le daba terror lo que hacía, a sus víctimas les sacaba los ojos pues había oído que la cara del asesino se queda en los ojos. Eso muestra el miedo que sentía y que sin embargo no le impedía seguir matando. Frente a su impotencia sexual estaba la potencia de su impulso asesino. Y ese estaba en su cabeza pues debía planear los asesinatos.

Igual de fuerte era la inflexibilidad en la cabeza del comisario político con su ideología impotente para dar resultados. Pero brutal hacia afuera y como Chikatilo, aterrorizado de que su realidad fuera descubierta.

De hecho, después del primer arresto del asesino el comisario trata de cerrar la investigación pero el coronel Fetisov le dice que si lo hace le dará a su esposa todas las fotografías y pruebas que tiene de sus amantes homosexuales.

El asaltante que dejaba tarjeta de presentación

Antes que el diablo sepa que has muerto (Sidney Lumet 2007) parece hecha para que Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y en menor medida Marisa Tomei y Albert Finney se luzcan. Y lo hacen. Los personajes de Hoffman y Hawke, los hermanos Dany y Hank Hanson respectivamente, atraviesan por todas las emociones, van de una situación extrema a otra. Inclusive una escena en particular, cuando Andy y su papá tienen una agria discusión parece como metida a fuerza para que Hoffman demuestre que bien puede llorar, pues en realidad la escena no viene al caso.

Entonces la película tiene buenas actuaciones pero el guión no es tan bueno. Uno termina, al menos yo, con la sensación de haber visto pasar un huracán de emociones desencadenadas por muerte, traición, deseperación, y lo que quieran agregarle... de hecho en un momento dado Dany Hanson se acuesta en posición fetal agobiado por lo que le sucede, pero sin que todo eso se justifique bien con una historia.

Como que quisieron hacer una tragedia griega en esteroides, y en lugar de que edipo mate a su padre accidentalmente, los Hanson hacen que su mamá sea asesinada sin quererlo. Pero el chiste de una tragedia griega es que los personajes se enfrentan a los dioses o al cruel destino. Cuando lo que les pasa es por idiotas la cosa no funciona.

Todo empieza porque Dany ha robado dinero en su trabajo y para salir de problemas planea un asalto. Pero se supone que él es un exitoso ejecutivo en una compañía de Nueva York y según dice el mismo, le ha ido muy bien profesionalmente y maneja mucho dinero. ¿Para qué o porqué iba a hacer un robo que además se descubre fácilmente? Se supone que le hacen una auditoría y lo descubren muy rápido.

Entonces desde ahí como que empiezan mal las cosas, cuando la motivación del personaje principal parece absurda. De hecho Dany dice que empezó trabajando en la joyería de sus padres pero que ahora se dedica a grandes negocios y ha dejado sus humildes comienzos muy atrás. ¿Pero entonces cómo es que planea asaltar la joyería familiar para salir de problemas de dinero?

Y hay otro sinsentido mayúsculo que le quita toda verosimilitud a la historia. Dany planea venderle las joyas a un tipo que se dedica a la compra de joyería robada, pero es un viejo conocido de su papá. Este tipo de hecho dice que su papá empezó en una joyería de "abajo" como si trabajaran en el mismo edificio o en la misma manzana.

Entonces el papá de Andy lo va a ver y le pregunta si sabe algo del asalto a su joyería y este wey le dice la verdad, que sí, que su hijo lo fue a ver para saber si estaba interesado en unas joyas que se iba a robar ¡y le enseña la tarjeta de presentación que le dejó!

Por más buenas que sean las actuaciones no hay como salvar una trama tan absurda.

Moneando con las vestiduras del Mercedes

Perdidos en América (Albert Brooks 1985) es una road movie mucho más famosa de lo que imaginaba. A mí la película se me quedó grabada pero pensé que era una de esas cosas que uno ve en la tele y nadie más sabe de ella. Y no, Perdidos en América tiene 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, está en listas de las mejores comedias de todos los tiempos y se ganó un premio al mejor guión de la asociación de críticos de cine de Estados Unidos. Además está en la colección de Criterion.

Es una comedia - drama basada supuestamente en el caso de la vida real de una pareja de yuppies de clase media, aburridos de sus vidas, que lo dejan todo y se lanzan a la carretera en una casa rodante a encontrarse a si mismos y vivir la vida como "easy riders". Eso lo repiten varias veces, que su guía es la película Easy Rider.

Toda la historia está llena de referencias a otras películas. Empieza con la cámara recorriendo la casa de la pareja, los Howard, mientras de fondo se oye a Larry King entrevistando a un crítico de cine.

Y un momento muy importante es cuando David Howard le dice a Linda, su esposa, quien después de perder todos los ahorros que tenían argumenta que para encontrarse a uno mismo hay que vivir sin tomar en cuenta el dinero, que los personajes de Easy Rider vendían cocaína.

Perdidos en América es como una respuesta, una crítica, a la cultura bohemia de los sesentas, como un yuppie de los ochentas, de la época de la chica material y el neoliberalismo, diciéndole a un hippie idealista, de amor y paz: "¡Sí, pero tú vendías cocaína!".

Sin embargo los Howard, yuppies sin vicios, tienen otras dependencias. Para su viaje compran una casa rodante que consume tanta gasolina que no pueden ir muy lejos después de que Linda pierde casi todo el dinero. Los coches son otro tema omnipresente, a David que es publicista le dicen que va a trabajar en la cuenta de Ford y un tipo le hace una canción a Ford con la música de New York, New York. En su viaje por América parece que ponen a propósito muchas refinerías de fondo y Howard, que quería comprarse un Mercedes antes de que, por no recibir un ascenso que esperaba decidiera dejarlo todo, acaba aspirando como perro el aroma de las vestiduras del Mercedes de un tipo que le pregunta una dirección.

La historia presenta la supuesta búsqueda de si mismos que emprende la pareja como una rabieta, un berrinche de David porque no le dan su ascenso. Tal vez ellos no aman su trabajo pero aman gastar dinero y tras demostrarse a si mismos que no era simple cobardía lo que les impedía salirse del sistema vuelven al redil.

Un mensaje muy materialista, pero en una cosa tienen razón: Ningún dealer tiene porque ser ejemplo de espiritualidad. Así sea un easy rider.

 

Ciudad monstruo

En La Guerra de los Mapaches (Isao Takahata 1994) los mapaches de los alrededores de Tokio acostumbrados a vivir en un mundo rural de sembradíos, bosques, templos, y casas rústicas de campesinos, se enfrentan al crecimiento de esa ciudad, que al menos en esta historia pasa de ser la víctima de los kaijus: Godzilla, Mothra, Rohan, Godzuki y demás creaturas de la radiación y las explosiones nucleares para convertirse ella misma en la mala de la película.

Los mapaches tienen un superpoder, pueden transformarse en lo que quieran. Bueno no todos los mapaches, unos no.

Usan ese poder para provocar algunos accidentes pero piensan que eso no va a parar a los humanos así que se concentran en espantarlos transformándose en toda clase de cosas de espanto del folklore japonés. También los mapaches machos pueden inflar sus testículos hasta formar grandes bolsas voladoras en las que se elevan para atacar. Y siempre se les ven sus huevos pero nunca sus pitos.

Tokio sin embargo es una ciudad dura. Como dice un mapache maestro de la transformación que habían mandado traer de muy lejos, Tokio era realmente mala pues de donde él venía la gente habría salido huyendo con mucho menos.

En el fondo es una derrota de la vieja religión, los viejos mitos, hay hasta una escena donde el mismísimo Buda se sorprende del megadesarrollo urbano que destruye el hábitat mapache.

Y hay un tema relacionado, la madurez. Al final para sobrevivir los mapaches deben transformarse en humanos y así vemos a uno que anda en el metro cargando un portafolio y se pregunta como los humanos pueden soportar eso. Los mapaches se supone que son muy alegres y despreocupados, como niños.

Todo acaba cuando este mapache-humano se encuentra a unos mapaches-mapaches cantando y bailando y deja su forma de humano trajeado y se les une.

Quizá perdieron por ser mapaches sin pitos lidereados por ancianos, el mero mero es un monje de más de cien años y los maestros que mandan llamar incluyen un mapache de 999 años, otro que se muere de viejo en plena batalla y otro ya se había muerto desde la posguerra de la segunda guerra mundial. Andaban atrasados de noticias estos amigos y muy necesitados de un relevo generacional. Una líder muy importante es una abuela mapache que no los deja reproducirse ¿A quién se le ocurre no reproducirse en medio de una guerra? Lo de no tener pito resulta harto significativo. 

El triste final se suaviza con una última escena donde los mapaches cantan una canción que dice que siempre alguien se acordará de ti en el lugar de donde vienes. O sea no en la malvada y moderna Tokio donde te toca ser adulto, donde nadie te conoce y nadie cree en los viejos cuentos.

 

Camino de perdición

Factotum (Bent Hamer 2005) basada en la novela del mismo nombre de Bukowski, es una historia protagonizada por Hank Chinaski, el alter ego de Bukowski, que parece una fiel descripción de un periodo de la vida del viejo indecente que por alguna razón gustaba de llamarse a si mismo Chinaski cuando escribía sobre sí mismo.

Factotum en inglés es lo que en México llamaríamos un mil usos, que trabaja de todo. Así que vemos a Chinaski repartiendo bolsas de hielo, trabajando en una enfrascadora de pepinillos y limpiando una estatua entre otras cosas. Vemos como va perdiendo cada trabajo porque prefiere beber, o porque ha tenido una buena racha en el hipódromo.

También pierde a sus mujeres y acaba perdiendo donde vivir.

En su camino de piedra rodante va mandando cosas que escribe a editoriales que nunca le contestan. Hasta que le llega una al lugar donde vivía y que ya no pudo pagar.

Tampoco le dan trabajo ahora por no tener un lugar fijo de residencia y en una agencia de trabajos temporales lo corren por beber en la sala de espera.

En la última escena Chinaski va por la calle, es de día y se mete a un lugar que anuncia mujeres bailando en el tubo. De fondo, se escuchan palabras de Bukowski que recomiendan ir hasta el final pase lo que pase: Hasta quedar completamente solo. Ese es el premio nos dice: Quedarse solo, todo lo demás son sólo pruebas.

¿El final de qué? Del camino de la perdición es de suponerse. Que será algo diferente para cada quién.

Dice él que así estará uno solo con los dioses. Y vemos a Chinaski solo, con su cerveza, no hay nadie más. Sólo él y una mujer desnuda que se contorsiona lentamente alrededor del tubo frente a el.

La experiencia sin embargo, según lo que nos dice el viejo indecente, no es como la de cualquiera que va a un table dance pues ese antro y esa mujer sólo se encuentran al final del camino de la perdición.

No es lo mismo. 

Poesía y asesinatos

 

The Little Girl Who Lives Down the Lane, llamada La muchacha del sendero en España y La niña del caserón solitario en México de Nicholas Gessner 1976 es una obra maestra, creo que viene siendo la verdadera contraparte fílmica de la pared de Pink Floyd. Mucho más que la película esa de The Wall.

Se trata de una niña de trece años, Rynn (Jodie Foster) que vive sola. No va a la escuela, nadie le dice que hacer, le gusta la poesía y está aprendiendo hebreo por su cuenta.

Su padre ya muerto, un poeta, preparó todo y la educó para que no cayera en las garras del sistema.

Sólo que la libertad no es fácil y menos para una niña de trece años, así que debe eliminar a los que se entrometen.

Empezando por una mujer poderosa que es del consejo de la escuela a la que Rynn debería ir y que es también mamá del abusador de menores del pueblo.

Rynn no puede sola pero se consigue un novio cómplice, un tipo que a causa de una cojera no puede jugar futból americano, que es lo más importante en el pueblo, y que es como no poder ir a la verdadera escuela digo yo. Y entonces se dedica a hacer shows de magia.

Juntos deberán usar todos los trucos contra ese sistema cuyo rostro es un abusador sexual.

Pero no es que el mal sea la pedofilia pues hasta la madre de Rynn es parte de ese mal. Y la escuela. Es todo lo que se opone a la libertad de Rynn, que es buena, no es una asesina insensible, es sólo que tiene que matar a los que tiene que matar.

Fuera roomies

 

Frances Ha (Noah Baumbach 2012) nos presenta una especie de épica del poder pagar una renta sin la ayuda de roomies o de una pareja. La historia comienza poniendo los asuntos inmobiliarios por arriba de la amistad y la amistad por arriba del amor.

A Frances (Greta Gerwig) su novio le pide que se vaya a vivir con él, pero Frances se rehúsa a dejar a su roomie y mejor amiga Sophie con quien vive, según ellas mismas, como un par de lesbianas sólo que sin sexo. Esa decisión hace que termine la relación de Frances con su novio, pero a eso no se le da importancia, es sólo para demostrar la fuerza de la amistad de las dos amigas. Esta no es una historia romántica.

Poco después Sophie le comunica a Frances que encontró un departamento justo en la calle que más le gusta y que se va a mudar. Como es una zona más cara de la ciudad ella no se puede ir con Sophie.

La amistad se enfría, Frances se va a vivir con un par de weyes y luego acaba en un dormitorio universitario. Tiene problemas económicos. Ella es una bailarina de 27 años y trabaja en una compañía de danza en donde le dicen que puede seguir trabajando, pero de secretaria o coreógrafa, ya no de bailarina. 

Lo que, claro, nos recuerda que Greta Gerwig va a pasar a ser la directora de Barbie, un juguete, y el personaje pasa de bailarina a coreógrafa, haciendo coreografias para niños, y la actriz a directora, que es entre otras cosas como coreografiar actores. 

Frances se rehúsa en un principio pero acaba aceptando, se reconcilia con su amiga y al final, gracias a que ha aceptado sus nuevas funciones y al ritmo de la davidbowiesca "modern love", pone su nombre en el timbre de su  nuevo departamento.

Y así, la alegría de tener un timbre a su nombre mata la importancia de la amistad, lo que sabemos es que Sophie estará viviendo en Tokyo con su novio, que es director de investigación de mercados asiáticos en Goldman Sachs, y también de sus sueños de ser bailarina, y ya ni hablar de su novio del que ya ni quien se acuerde.

Dudo que ese amor por los bienes inmuebles haya sido lo que Bowie tenía en mente al componer modern love.

El que se mueve pierde

En Stranger than Paradise (Jim Jarmusch 1984) una chica, Eva (Eszter Balint), llega de Hungría a Nueva York y debe quedarse unos días con un primo mamón, Willie, que vive en un muy pequeño departamento.

A lo largo de esta historia parece haber una constante que es que el que se mueve pierde. 

Ella viene desde la vieja europa comunista y acaba viviendo en Cleveland con una tía, trabajando en un local de hot dogs y según dice ella misma se siente atrapada. Al final de la película está a punto de regresarse a Europa.

Su primo parece llevar una existencia minimalista en su pequeño departamento, con pocas cosas, su pequeña tele, jugando solitario, comiendo cenas preempacadas que le evitan lavar platos. No le gusta que le hablen y menos en húngaro aunque lo entiende.

 Y que nadie lo moleste. Tiene un amigo, Eddie, al que se la pasa dándole órdenes, como a su prima.

Willie y Eddie parecen vivir de jugar a las cartas en las que hacen trampa y de ir al hipódromo. 

El primo por un lado trata mal a la prima pero al mismo tiempo trata de congraciarse con ella. Le regala un vestido pero como el que se mueve pierde a ella no le gusta. En cambio a él, Eva le compra una de las cenas preempacadas que sabe que Willie come y no falla.

Un día, cuando Eva ya tiene tiempo en Cleveland, Wllie y Eddie deciden que quieren ver cosas nuevas y tomar la carretera, así que van a ver a Eva. Lo de ver cosas nuevas no sale bien, Eddie comenta que todo se ve igual, Eva los lleva a conocer el lago Erie, que como es invierno está congelado y se quedan los tres viendo un rato un fondo completamente blanco. Así que mejor se van a Florida.

Eddie quiere probar suerte con algo nuevo, tiene un presentimiento sobre las carreras de galgos y se van al galgodromo y dejan a Eva todo el día en un motel. Pierden casi todo su dinero en los galgos y para recuperarse Willie decide ir a un viejo y conocido hipódromo. Pero Eva ya domina lo de ganar dinero gracias a su intuición. Willie se mueve, parece que acaba, contra su voluntad, en un avión rumbo a Budapest. Eva en cambio regresa al motel, ya no está inquieta por irse de ahí, aunque puede hacerlo, y se sienta tranquilamente. 

Esto de quedarse quieto parece que Jarmusch lo aplica en sus películas que deja tomas muy largas que parece que nunca va a cortar.

El extraño mundo sexual de los setentas

¿Qué le han hecho a Solange? (Massimo Dallamano 1972) es un giallo, como se les dice a las películas italianas  de explotación, explotación de sexo y violencia, que fueron muy populares internacionalmente y esta película que tiene como una docena de títulos distintos, al parecer fue uno de los giallos más populares.

Para facilitar su distribución se filmó en Londres con diálogos en inglés. Y el resultado es un giallo pero mezclado con historia detectivesca a la Sherlock Holmes con todo e inspector de Scotland Yard que está siempre fumando su pipa.

Pero la explotación a la italiana está presente con un grupo de colegialas adolescentes muy guapas que están siendo asesinadas.

Y hay dos cosas que suenan muy extrañas hoy en día:

Primero, una adolescente que por abortar se vuelve loca. No digo que sea lo más fácil del mundo (Ver Juno) pero ¿cómo para volverse loca al grado de perder el habla?

La otra cosa rara es que el personaje protagónico, el maestro Rosseni, le ponía el cuerno a su esposa con una de sus alumnas. Su matrimonio iba muy mal y él le decía a la colegiala que se iba a separar. 

Y entonces resulta que la esposa se entera que la alumna aún era virgen. El esposo se la había querido coger, habían fajado, ya hasta tenía un departamento para estar con ella, pero al tipo no se le había hecho. Y cuando la esposa se entera le vuelve el amor por el esposo y vuelven a ser felices. O sea que sin penetración no hay infidelidad. Nos suena muy raro ahora pero al parecer era una idea que sí existía; cuando salió el escándalo de Bill Clinton y su becaria me acuerdo que Sergio Sarmiento escribió que según ciertos antiguos usos y costumbres si Clinton no había penetrado a Lewinsky, y meterle un puro no contaba, entonces él no había sido infiel.

Seguro que tambén había gente que pensaba, o piensa todavía, que si una mujer se volvía loca podía deberse a que había abortado.

Los setentas eran otro mundo.

Dato curioso: La música es nada menos que de Ennio Morricone.

El chip del muerto

Erase una vez una empleada que quería escapar pero estaba atrapada en un trabajo. Quería irse a un planeta independiente, quería ver el sol.

Creo que de algún modo Alien Romulus (Fede Alvarez 2024) puede leerse como una metáfora de alguien, o de un grupo, que busca su independencia y que podrían ser los propios creadores de esta película.

Como si estuvieran enviando señales de que podrían tener guiones o historias que quisieran hacer películas pero están atrapados, así como los protagonistas trabajando para la corporación Weyland - Yutani, en el negocio del cine que está interesado principalmente en viejas historias, conocidas y probadas con el público: Secuelas, remakes, adaptaciones, nostalgia.

Nótese la escena en la que Andy y Rain están desayunando: Se trata de un comedor colectivo, un comedor industrial o un "food court" y sin embargo parece que tienen su lugar personalizado con fotos y otras cosas. Algo que no se puede hacer en un comedor común. Como no se puede hacer lo que uno quiera en una historia de franquicia. Además Andy le cuenta viejos chistes que a ella le causaban gracia de niña pero ya no.

Nótese también que la anterior película de Fede Alvarez fue una nueva versión de Hansel y Gretel, de la que parece que se hacen por docena. Aquí escribí de una y aquí de otra.

El director de fotografía, el mexicano Galo Olivares, que por cierto fue mi vecino, fue camarógrafo de Roma, película en la que el director Alfonso Cuarón tuvo también el crédito de director de fotografía. Y según el rumor que corre en la industria desde entonces ese crédito debió ser de Galo.

Pero bueno... entonces Rain (Cailee Spaeny) quiere huir al planeta independiente y su ex, junto con la hermana y el primo del ex, tienen un plan para escapar pero necesitan a Andy, que es un sintético, o sea un robot, o sea como un celular del futuro que Rain ama como si fuera su hermano.

El plan es tomar equipo de una vieja nave obsoleta, como si fuera una vieja franquicia de 1979, y con eso irse al planeta independiente, pues la corporación sólo les promete la libertad pero se han dado cuenta que no se las dará nunca.

Antes claro está, deberán enfrentarse a los viejos xenomorfos y a toda su parentela.

Y esta aventura les salió bastante bien la verdad. Es una buena película de acción, con un buen guión, muy bien hecha, la dirección de arte con esa nave en la que se escapan que parece camión de basura espacial viejo y oxidado, con instrumentos como de los setentas no tiene mamá xenomorfa.

Un punto importante de la trama es que el chip de Andy no sirve para entrar al lugar donde está un combustible que necesitan y le deben poner el chip de Rook, un "sintético" apagado y con las tripas de fuera interpretado nada menos que por Ian Holm, el actor que interpretó al sintético Ash en la Alien original. Aunque Ian Holm ya murió, lo reviven con tecnología digital. Una señal de que muy pronto serán comunes no sólo los conciertos de hologramas de viejos músicos como ABBA sino también los actores "inmortales" que no dejaremos de ver y que le quitarán espacio a los vivos. Propongo que les llamemos actores xenomorfos.

Este chip del muerto hace a Andy muy peligroso y deben quitárselo, lo que también podría ser muy peligroso.

A pesar de que se le ha criticado a la película que tiene cosas que recuerdan demasiado a otras películas de la franquicia, como esa escena de Rain respirando junto a la boca de un xenomorfo que sólo da sensación de deja vu, y otras tomas en donde parece que sólo recortaron a Sigourney Weaver para pegar a Cailee Spaeny, en general la cosa salió bien y lograron usar el viejo chip de Alien y sacar una buena película de ahí.

La percepción extrasensorial no tiene la culpa

Se le ha criticado a Longlegs (Oz Perkins 2024) que le metieron demasiadas cosas, como si fuera una ensalada sin límite de toppings, crocantes y proteínas en donde además se escogieron todos los aderezos. Y aunque esto sea un modo exagerado de decir que exageraron, la verdad es que sí se pasaron un poco. Porque le metieron el libro del apocalipsis, un gato del demonio que sale sólo en una toma, unas letras de T Rex que salen al principio que quiensabe que tienen que ver con la historia, frases recurrentes como "Soy el amigo de un amigo de un amigo" o "El hombre de abajo", un algoritmo... en fin, todo lo que pudiera crear una atmósfera pero que al final acaban haciendo la historia confusa.

Abajo de todos los extras tenemos otra película estelarizada por Nicholas Cage sobre un culto maligno, como la de Willy´s Wonderland. A mi me hubiera parecido más interesante si se hubieran ido con la idea de que era un asesino tipo Charles Manson (El Anticristo de Hollywood) que hacía que otros mataran por él, así como dice uno de los personajes al principio, sin meter lo satánico, que a mí el patas de cabra me es intramuscular. Pero bueno, el caso es que en Longlegs tenemos otra historia en donde el mal se mete por medio de lo más inocente y familiar: Una monja, regalos de cumpleaños, la propia madre de uno o el sonriente payasito Longlegs (Cage, que sí, está muy bien en el papel) que recuerda algo al Joker o a Pennywise, y curiosamente al igual que en Coraline, unas muñecas que son como las niñas a las que se las regalan, así que ¿cómo desconfiar de lo que se parece a nosotros?

Con lo que si no estoy de acuerdo es que relacionen la intuición o la percepción extrasensorial con lo satánico. Es cierto que el poder maligno, como el de las sectas, los fandoms, los fanatismos políticos y de todo tipo hace que  la gente volteé a ver ciertas cosas y no otras y se niegue a ver lo evidente, como la protagonista que vivía con asesinos seriales sin darse cuenta. Pero la intuición es exactamente lo contrario, es eso que nos dice que algo no está bien aunque se vea bien, esa idea que acaba siendo cierta aunque no lo parezca al principio. Pero a fin de cuentas ¿que se puede esperar de una película donde un personaje dice que ser satánico es legal en América, como si fuera algo escandaloso e increíble? Para una mentalidad medieval que quisiera meter adoradores de satán a la cárcel, la intuición debe ser algo demoniaco también. Suena lógico.