En el principio fue el rave

 

Sirat (Oliver Laxe 2025) nos mete de entrada en un rave pero de esos alternativos, rudos, llenos de siconautas con ambiente nómada, clandestino. De esos en el viejo espíritu de Goa Gil.

De hecho para las escenas del rave del principio los creadores de Sirat hicieron un rave de verdad, que convocara un tipo específico de raver, de esos que suelen volverse "travellers", los que viven en el camino viajando de un rave a otro. De hecho la clase de gente que creo los raves originalmente, como explico en la entrada de Goa Gil.

No recuerdo otra película ambientada en ese mundillo.

Entonces un título al arranque de la película que explica que en la cultura árabe Sirat es un puente entre el infierno y el paraíso, tan delgado como un cabello o como el filo de una espada, hace pensar en la sicodelia, en los buenos y los malos viajes.

Y vemos a Luis, un español que junto a su hijo menor busca a una hija perdida en este rave en Marruecos, repartiendo volantes con la foto de la hija entre la tribu de los que creen en el trance.

Parece una gran idea, adentrarnos en el continente africano y en ese mundo en donde, como es de esperarse entre quienes viven en el viaje terrenal y de conciencia, la gente suele perderse. Ir con Luis, un tipo normal y su hijo Esteban a buscar a la hija descarriada entre quienes se dedican a buscar el paraíso pero también suelen pasar alguna temporada en el infierno de un mal viaje.

Sólo que esa historia no nos la acaban de contar. Sirat acaba siendo una mala película de guerra. Nunca llegamos al puente entre el paraíso y el infierno. Sólo llegamos a opciones más simples entre la vida y la muerte. Y de la hija perdida ni quien se acuerde.

Me parece un desperdicio. Ni hubieran hecho rave. Y el personaje más interesante, con quien es más fácil conectar emocionalmente que es Esteban, el niño en un viaje fantástico con estos freaks primitivos modernos, es el primero en morir.

¿Y para qué conseguir a estos personajes, Jade, Josh, Bigui, Tonin y Stef, que no son actores sino auténticos travellers interpretándose a si mismos, con sus nombres de verdad, para acabar haciendo una especie de Zona de Miedo wannabe?

Alguien me dijo que Sirat refleja lo que pasó cuando el ataque de Hamas a Israel que incluyó un rave. De hecho parece que fue lo más visto de dicho ataque, lo del rave. Además Israel es uno de los países más aficionados al trance y al rave y muchos DJ´s de esta escena son israelíes. Y los quieren cancelar, circulan largas listas de DJ´s israelíes con supuestos vínculos con organizaciones sionistas.

Puede ser. De cualquier modo, que mal viaje.

El mar intravenoso

En Romería (2025) el personaje principal es Marina, que está basado en la propia directora de la película, quien en el 2004 viaja a la costa gallega donde está la familia paterna, con la que ella ha estado fuera de contacto. Debe ir por unos papeles para solicitar una beca para estudiar cine. Pero todo depende de los abuelos, que aunque no tienen tanto tiempo en pantalla son realmente los que sufren una transformación, los que tienen una anagnorisis, los que cambian en el relato. Esto porque tienen que aceptar que tienen una nieta de su hijo Alfonso, que fue adicto a la heroína y que murió de sida, igual que la madre de Marina.

Todas esas, verdades muy difíciles de reconocer para una pareja conservadora. Marina y los abuelos se ven por primera vez en el mar, ellos en un pequeño barco y ella en otro, en una romería, una especie de pequeña peregrinación , como el día de San Judas o algo así, pero en el mar, para recordar a los que han muerto en sus aguas.

El tema del mar recorre la película de principio a fin y la adicción de los padres de Marina se presenta como algo tan inevitable como las mareas. Lo dice Iago, uno de los hermanos de Alfonso, o Fon, que le explica a la sobrina que los abuelos ven el asunto como algo que Fon decidió pero que en realidad no fue así. Y que el "caballo", la heroína, simplemente arrasa.

Hay momentos en la película en los que el mar y la droga se entrelazan sutilmente. Fon, que también llegó a traficar caballo la sacaba del mar, de unas como trampas para cangrejos. Cuando la madre de Marina describe momentos de éxtasis con la droga usa metáforas marinas y vemos delfines y corales bajo las aguas.

Los padres de Marina cruzaron el Atlántico en su barco y llegaron hasta el Perú donde la meta final era un lugar en la selva para tomar ayahuasca, el famoso alucinógeno del amazonas.

Finalmente en una escena onírica, la madre y Marina se despiden de Fon que se va en su barco para no volver del mar intravenoso.

El océano, sin límite, profundo y peligroso como símbolo del éxtasis de la droga, o del éxtasis a secas. Y una romería para reconocer a los ahogados en las profundidades que no discrimine entre diferentes mares.

Una película de gran belleza y carga emocional.

La aspiradora del amor

Un fantasma para servirte (Ratchapoom Boonbunchachoke 2025) la cinta ganadora de la semana de la crítica de Cannes este año, explota el viejo tema de los fantasmas en las máquinas, como en Christine, la película que adapta una historia de Stephen King. Sólo que en este caso con propósitos de comedia. Y políticos. E incluye escenas subidas de tono de relaciones sexuales entre aspiradoras y humanos así como las más tradicionales de hombre con hombre y fantasma gay con hombre y no estoy seguro si también entre fantasmas hombres, ustedes disculpen pero yo ya estaba hecho bolas. Si usted siente que nadie lo comprende imagínese la mujer que vemos aquí cuyos familiares no la dejan en paz porque tiene dos hijos y uno está casado con un australiano y el otro con una aspiradora.

Y sin embargo esta película tiene un mensaje político de fondo, con cosas que seguramente nos eluden a quienes desconocemos los entresijos de la política tailandesa, pero que tiene que ver con una masacre que ocurrió en el 2010. Hay un personaje que se supone es un importante funcionario del gobierno que recluta una fantasma para meterse a los sueños de la gente, detectar fantasmas metidos en esos sueños y luego con unos aparatos como de dentista pero del cerebro, sacarles, no las muelas, sino los recuerdos que atraen a los fantasmas de esos masacrados en el 2010 para que así, sin fantasmas que estén jodiendo, el recuerdo de esa masacre desaparezca.

Por cierto esta película usa ese estilo rígido, semilento, que es como poner un punto después de cada cosa que pasa. Así de que el personaje dice algo, punto, mueve la cabeza, punto, hace una expresión con la cara, punto, dice la siguiente cosa, punto. En este caso el estilo combina bien con el tono de comedia pues hace que los personajes se vean muy tranquilos y serenos hablando de lo más normal con algún enser doméstico, pero a mi me intriga como o porque este estilo se puso de moda. Es como cuando los platos dejaron de ser redondos y se pusieron cuadrados sin ninguna explicación.

Sin salida

El mil usos (Roberto G. Rivera 1981, guión Ricardo Garibay) Es un lugar común en la narrativa de los que llegan a la Ciudad de México que acaban en la cárcel. Según cuenta el escritor Alvaro Enrigue, estaba leyendo novelas mexicanas de principios del siglo XX y en todas, sin excepción, los que llegaban acababa en la cárcel. Claro eso ya no aplica para nómadas digitales o turistas ocasionales sino para los que llegan huyendo de la miseria encandilados por las luces de la ciudad.

El mil usos, cuyo verdadero nombre es Tránsito, llega de un pueblo de Tlaxcala a la gran ciudad y pasa una temporada en el reclusur, una cárcel al sur de la ciudad. Y cuando lo sueltan no se quiere ir, prefiere la cárcel a la calle.

La película tiene al menos algunas tomas reales del reclusorio sur, lo que hace pensar que hubo colaboración con las autoridades y seguramente no sólo de la cárcel sino de la ciudad pues la película parece una deliberada pieza de propaganda para que los campesinos no vengan a la capital. El tema musical de la película dice "Ya no vengan para acá, quédense mejor allá, el distrito federal no es, no es lugar para llegar."

Esa cooperación explicaría porque en  El Mil usos el reclusur parece un club deportivo, con celdas espaciosas, poca gente y todo muy limpio y funcional. Sin problemas de ningún tipo. La única autoridad que aparece es un juez, que libera al mil usos y es un tipazo. Deja que Tránsito se quede con el uniforme del reclusorio porque no tiene ropa y se echa un discurso no sólo al mil usos sino a todos los campesinos en el que les dice que se queden en su tierra pues en la ciudad sólo les espera  "hambre, servidumbre y la cárcel."

Y aunque una cárcel tan bonita y confortable sería una tentación para muchos, no deja de ser revelador que un personaje prefiera la cárcel a que lo echen a las calles de la Ciudad de México. Es algo que no resulta inverosímil: Yo una vez escuché a una persona que vivía en la calle y que había estado en la cárcel que prefería la cárcel.

Pero ¿qué es lo atroz de la vida en la ciudad para Tránsito?

Vemos que al principio no tiene ni para comer, lo hacen trabajar y luego no le pagan lo acordado. Des pués consigue algunos trabajos más serios como de barrendero o en unos baños en donde hace de "limpiamugrosos" según dice el mismo. Además debe tener relaciones sexuales con la dueña de los baños, cosa que a él no le gusta pues al parecer las fantasías sexuales de dicha mujer implican golpearlo.

Al final, en una pulquería, escucha a unos tipos hablar de sus experiencias trabajando en el gabacho y se interesa pero otro tipo interviene y le dice que él ya estuvo tres veces en Estados Unidos y que son puras humillaciones.

Creo que ese es el meollo del asunto. Trabajos había pero Tránsito no dejaba de ser humillado. Al final se regresa al pueblo pero se había ido porque de plano ahí sólo lo esperaba la miseria. Pero al menos ahí era alguien y nadie lo humillaba.

Pornografía del estambre

Sueños (sexo y amor) (Dag Johan Haugerud 2024) es una muy bien hecha película noruega, en el sentido de que es una historia con mucha sutileza, muy literaria, en la que se puso mucha atención en el guion y no sólo fue cumplir los puntos de algún manual para guionistas de cine principiantes.

Es una comedia ¿pero cuál es el tema? ¿el amor y el sexo? Aunque eso dice entre paréntesis el nombre de la película y a primera vista puede parecer una comedia romántica creo que no lo es realmente.

En Sueños (sexo y amor) la protagonista Johanne que si no me equivoco tiene catorce años, escribe la historia de su relación con su maestra Johanna y le da esta historia a leer a su abuela que a la vez se la da a su hija, mamá de Johanne.

Ellas se preguntan si lo que escribió Johanne es real. Están de acuerdo en que está muy bien escrito. Y la abuela es poeta. Pero ni siquiera porque Johanne les dice que es real dejan de dudar.

Y yo como espectador me pregunto lo mismo que la mamá y la abuela ¿Esta es una historia de amor ó sólo finge amor?

Creo que lo segundo.

Primero está el tema del amor por las historias de amor. Johanne dice que todo empezó cuando leyó una historia de amor entre una chica y un hombre mucho mayor. Y el punto culminante es cuando este hombre le pone a ella una bufanda. De estambre seguramente.

Y entonces Johanne se enamora de una de sus maestras. Mujer, mayor y negra.

Entonces hay como un lado transgresor. Y la mamá y la abuela no dejan de comentar lo sexualmente explícito que es el relato de Johanne.

Sólo que luego nos enteramos que por sexualmente explícito se refieren a sus descripciones de la piel de Johanna rozando su sweater de estambre. En esta película hay estambre, bufandas y sweateres por todos lados, a Johanna le gusta tejer y le enseña a Johanne.

En realidad nunca pasa nada sexual entre las dos.

Entonces creo que hay dos cosas en que la historia es engañosa: Aparte de decir que la descripción de la piel rozando el estambre es algo sexualmente explícito está la cuestión del lesbianismo que sólo se menciona una vez.

Al principio ni la mamá ni la abuela ni Johanne dicen nada de que se enamoró de una mujer. Así como que en Noruega son tan open mind que ni lo notan.

Sólo la mamá, que en un principio se preguntaba si debía demandar a la maestra por abusar de su hija pasa rápidamente a animar a su hija publicar su historia para volverse "una escritora queer". Y la hija pregunta que a poco ya es queer. Y eso es todo. Se pretende que el lesbianismo no es tema. Hasta que algo pasa al final.

Entonces muy liberales pero quieren demandar por todo. A pesar de que la hija explica que ella se enamoró primero y que ella fue a buscar a la maestra a su departamento y a fin de cuentas no pasó nada, sólo tejían y tomaban té. Y el colmo es que ya al final, para publicar el libro la mamá va con Johanna. Y entonces Johanna es la que dice que Johanne fue la que abusó de ella porque sentir esas cosas sobre la piel y el estambre es un abuso. Un total absurdo en que ya hasta los pensamientos son un abuso.

Y en otro tema Johanne se pone de lado de la abuela que es religiosa contra la mamá que no lo es y cuando pasa por un barrio musulmán de Oslo dice que le encanta que ahí la gente se una alrededor de un Dios. Como pensando en burkas de estambre.

¿Entonces es una historia conservadora o liberal? ¿Transgresora o ñoña?

Yo digo que ñoña - conservadora con tendencia a poner demandas. Pues es en un contexto en que el lesbianismo ya está muy normalizado. Aunque no tanto como se pretende. Porque en realidad lo de Johanne y Johanna no es amor. Johanne no sufre cuando la relación, es decir sus visitas a Johanna para aprender a tejer, acaban. Dice que sí pero no se ve que sufra. Y Johanna menos. De hecho cuando la mamá va a hablar con ella ¿y a quién se le ocurre mandar a la mamá a hablar con la examada? Eso no suena liberal sino más bien falso. Ahí no hubo amor, más bien una buena escritora. Y Johanna dice que ella no notó que Johanne estuviera enamorada de ella, que quizá sólo al final notó algo y que por eso la mandó a volar.

Después Johanne va con un sicólogo que por todo lo que le pasó. El sicólogo con toda razón a mi parecer pregunta ¿Pues qué te pasó? Te enamoraste, cosa que le pasa a todos, luego publicaste un libro y ya.

Sólo que para ese momento se supone que Johanne ya tiene un novio. Y en la última escena vemos que el novio, único personaje masculino de la película, le vale madres. Ella se encuentra a una mujer que había conocido por Johanna y salen chispas entre ellas y se van juntas y del novio que la estaba esperando, literalmente la estaba esperando en la calle, ni quien se acuerde.

¿Entonces tenía un novio que no le importaba en lo más mínimo y ese no era un tema para tratar con el sicólogo? Quizá andaba con él intentando que le gustaran los hombres o algo así.

El mensaje sin embargo es claro. Ese final es lesbianismo militante. Y está bien, pero que no finjan que no, que no se hagan las que ni cuenta se dan de la homosexualidad y el lesbianismo. Que el lesbianismo ñoño-conservador salga del closet de los sweateres de estambre.

Aunque pensándolo bien si sólo va a salir para poner demandas está bien que se quede ahí.

Por cierto en  la última película noruega de la que escribí también está el tema de demandas absurdas. Parece que andan aburridos por allá.

Atrocidad iraní

Ella y su hijo (Saeed Roustayi 25) es verdaderamente terrible y no porque la película esté mal hecha o carezca de interés sino porque creo no haber visto nunca una película con un mensaje tan misógino y machista.

Para explicar porque la veo así necesito contar la película, cosa que generalmente trato de no hacer pero no veo otro modo.

La historia se trata de Mahnaz, una viuda iraní que tiene un hijo, Aliyar, de 14 años y una hija menor Neda. Vive con ellos, con su madre y su hermana menor Mehri.

Mahnaz trabaja como enfermera en un hospital donde conoce a Hamid y se hacen novios.

Poco antes de la boda, en una reunión en la que las familias de ambos se estaban conociendo, Hamid ve a Mehri, la hermana menor, cancela la boda y dice abiertamente que ya vio que le gusta más Mehri y prefiere casarse con ella.

Y apenas Mahnaz se entera de esto cuando la llaman del hospital porque su hijo Aliyar, que se había quedado junto con su hermana Neda en casa del abuelo, el padre del esposo fallecido, se cayó de una ventana. Aliyar muere. Los suegros dicen que se suicidó por el nuevo matrimonio de su mamá. En realidad saltó de la ventana porque el abuelo le estaba dando cinturonazos y amenazaron a Neda, la hermana que vio todo, para que no diga nada.

Luego a Mehri, la hermana de Mahnaz, se le hace buena idea ir a buscar a Hamid, el tipo que repudió a su hermana, comprometerse con él y luego embarazarse y casarse con él. Y da a luz un hijo al que le pone Aliyar, cosa que Mahnaz le había pedido que no hiciera.

La madre de Mahnaz y Mehri desde un principio se pone a favor de esta última.

Hamid además, con la ayuda del suegro, y Mahnaz ya ha descubierto como murió realmente su hijo y que los abuelos amenazaron a Neda para no decir nada, intentan quitarle a Neda.

Así que en la última escena cuando Mahnaz toma al hijo de Mehri y Hamid, hay tensión y como no, uno esperaría que tirara al bebé por la ventana y que les prendiera fuego a la hermana, a la mamá y a Hamid por todo lo que le han hecho. Pero no, Mahnaz se derrite de amor por el bebé y Hamid la mira complacido como pensando "Vaya, después de todo Mahnaz no es tan mala". Es inaudito el mensaje de que una mujer debe aguantar absolutamente todo. 

Ah pero la película no sólo se presenta en la Muestra Internacional de la Cineteca de México, también estuvo en Cannes, que porque denuncia la situación de las mujeres. Perdón pero la trama no es una denuncia es un mensaje atroz.

Guía del perro sonriente a la 78 Muestra Internacional de la Cineteca

 I.- El caos como método

Nouvelle Vague (Richard Linklater 2025). Es el final de los cincuentas en París y entre los cinéfilos se habla de Bonjour Tristesse, la adaptación del director Otto Preminger de la novela de Francoise Sagan estelarizada por Jean Seberg y de Los 400 golpes, la película de Francois Truffaut que recién se estaba estrenando. Truffaut era el más reciente crítico de cine de la revista Cahiers du Cinemá en dirigir una película, como ya lo habían hecho Claude Chabrol, Jacques Rivette y Eric Rohmer. Vemos por cierto la redacción de esta famosa revista en la que los críticos escriben en sus máquinas compartiendo una gran mesa.

De todo el grupo sólo falta un crítico suizo de nombre Jean Luc Godard en dirigir un largo, pero un productor que es parte de la camarilla, Georges de Beauregard, a quien apodan Beau Beau, está dispuesto a apoyarlo.

Cuando hablan de lo que van a necesitar Godard dice que para hacer una película sólo se necesita una pistola y una chica. Pero cuando le enseña a Beau Beau a la chica que quiere, una foto de Jean Sebert en la portada de los Cahiers, el productor le dice que ella es un imposible.

Pero consiguen a Jean Sebert.

Lo primero que vemos de la filmación de Sin Aliento, A Bout de Souffle, es que a Godard lo hubieran expulsado de una escuela de cine pues de entrada rompe con la primera y máxima regla de dichas escuelas "Jamás por ningún motivo filmarás sin tener antes un guión".

Afortunadamente Godard no tiene que presentar una carpeta por quintuplicado a ningún comité. Mucho menos cambiar sus planes porque los productores siguen un algoritmo que les dijo que ahora el público quiere otra cosa. O tallerear sus guiones una y otra vez con supuestos expertos.

Pero que Godard no usó guion para Sin Aliento ya lo sabía, lo que me sorprendió fue su forma de trabajo: Casi no repetía tomas y hasta podía desentenderse de la continuidad y el eje de visión. Se tomaba las cosas con calma, de hecho en esta recreación de Linklater parece que la mayor parte del tiempo de filmación lo pasaban en los cafés de París. De ahí se iban a filmar y parece que no tardaban mucho en regresar a algún café.

Se tomaban días libres y muchas medias jornadas de trabajo, que a veces según Beau Beau consistían en sólo dos horas de filmación. A él por supuesto eso no le gustaba, incluso hay una escena en la que tras encontrar a Godard jugando con una maquinita de pinball se pelean y ruedan por el piso de un café. Por algo dice Linklater que la Nouvelle Vague ha sido lo más parecido al punk que ha habido en el cine.

Al final sin embargo Godard y Beau Beau siguen siendo igual de amigos y Sin Aliento no sólo fue un éxito de crítica y de taquilla. Es considerada la película que inaugura el llamado cine alternativo. Y es interesante ver un director que no es el típico energúmeno, un tirano por necesidad que exige a su equipo extenuantes jornadas de trabajo, siempre estresado y de mal humor, sino que está tranquilo y ni siquiera deja de leer y escribir nomás porque está filmando.

Eso sí, si conseguir a Jean Sebert parecía imposible, conseguir a una actriz que le haga justicia... eso sí no se pudo.

Si les gusta Sin Aliento o películas en blanco y negro con buen jazz, con personajes que no dejan de citar citas citables propias o de otros artistas o escritores no se pueden perder Nouvelle Vague.

II.- Un micrófono para Mengele

La desaparición de Josef Mengele (Kirill Serebrennikov 2024) Es una especie de biopic del criminal de guerra Josef Mengele, centrada principalmente en sus largos años como prófugo de la justicia en sudamérica, pero también con algo del tiempo en que ejerció como "El Angel de la Muerte" en el campo de concentración de Auschwitz.

Es interesante todo lo que revela sobre la tolerancia con el nazismo en la Alemania de la posguerra y en sudamérica. Hace poco escribí aquí de ese tema con motivo de un documental que salió sobre el dictador paraguayo Alfredo Stroessner. 

En esta película, que por cierto es una curiosa coproducción Francia- Alemania-Uruguay-México y es dirigida por un ruso, esta denuncia con la tolerancia del nazismo está más centrada en la propia Alemania de la posguerra y en Argentina.

Pero claro la denuncia es principalmente el personaje de Mengele mismo, un tipo que usó humanos como conejillos de indias para sus experimentos y que obliga a su hijo adulto a cortarse el pelo porque está muy largo o que dice que oir que hablen alemán mal pronunciado le da dolor de cabeza. Ni él ni su millonaria familia reconocen haber hecho nada mal y están convencidos de haber actuado por una causa superior. Y aquí veo un peligro: Que esta película que se presenta como una denuncia contra un genocida sea vista por algunos como lo contrario. Porque es como prestarle un micrófono a un vociferante nazi y no se puede asumir, sobre todo en estos tiempos, que todo mundo sabe que lo que dice está mal.  No faltará el que piense ¡Caray, qué tipazo era Mengele!

Sí, al final vemos que se casa con una brasileña que no parece nada aria y hasta acaba teniendo un cuñado negro. Y la boda parece una ceremonia típica de la cultura afroamericana. Pero eso no evitará que haya gente que piense que este nazi tenía razón. 

La miel envenenada

Le Assaggiatrici ó Las Catadoras de Hitler (Silvio Soldini 2025) está basada primeramente en el relato de una mujer que en el 2012, a los 95 años de edad, y poco antes de morir, confesó que durante la segunda guerra mundial se dedicó a probar la comida de Hitler antes que él, para comprobar que no estuviera envenenada.

No es la primera vez que escucho de un dictador que hace eso, Fidel Castro era otro que hacía probar su comida antes a otros, según alguna versión.

Y no era sólo una mujer, eran siete que formaban el equipo de catadoras en el búnker de Hitler conocido como "La guarida del lobo".

Es una película entretenida centrada en el personaje de una mujer rebelde que, gracias a esa rebeldía sobrevive. Y no es porque se negara a comer. Eso no era opción. A ellas las escogieron por vivir en el pueblo más cercano al búnker y un día llegaron soldados por ellas para llevarlas a su nuevo trabajo sin preguntarles su opinión. Al principio regresaban a sus casas cada día pero después del atentado contra Hitler quedaron internadas.

Al principio parece un buen trabajo, la comida ya escaseaba y a ellas les pagaban sólo por comer. Las atendía el chef de Hitler que les platicaba intimidades del Fuhrer, como que Hitler era vegetariano porque una vez fue a un matadero y ver a los hombres con botas chapoteando entre la sangre le pareció insoportable. De ser cierto eso, entonces lo que pasó fue que se vio a si mismo en el espejo del matadero y como dice el dicho "lo que te choca te checa".

Los maridos de las mujeres estaban en el frente, o eran jóvenes viudas ya, y estaba la que no podía conseguir novio porque todos los hombres del pueblo en edad de ser sus novios se habían ido a la guerra.

Sólo estaban los oficiales nazis.

Rosa, la protagonista, se hace amante del teniente que está al mando de los soldados a cargo de ellas, un tal Ziegler, que es casado y se ven en el granero en casa de los suegros de ella, con quienes vive. Aunque su marido está "perdido en combate", es decir muerto casi con toda seguridad.

Es muy interesante el modo en que se da este romance prohibido, en tiempos en que hasta un aborto se castiga con pena de muerte. Y Ziegler es un tipo de miedo. Luego en la intimidad resulta ser más simpático, hasta imita a Blondi, el perro de Hitler, pero cuando le cuenta a Rosa las atrocidades que ha cometido le repugna y se pelean. Ella le dice que él sólo obedece y lo deja.

Al final de la guerra Hitler ha abandonado el búnker, los soviéticos están a punto de llegar y sólo Ziegler puede salvarla ¿lo hará?

Es una historia de esas en donde nada es lo que parece. Al principio todo el mundo ahí está seguro que Alemania ganará la guerra. Hay sorpresas esperando.

Las rocas también lloran

Acabé muy decepcionado con La Máquina, la película de Benny Safdie que ahora trabajó sin su hermano Josh.

Esperaba algo mejor de uno de los directores de Uncut Gems, una película que he visto nombrar entre las mejores películas de lo que va del siglo, y creo que con justa razón. Entonces una película de uno de los hermanos Safdie, con Emily Blunt y además sobre un luchador de artes marciales mixtas prometía bastante. Esperaba volver a sentir esa sensación que me dejó Uncut Gems de haber visto una obra maestra, un peliculón. O al menos como la también muy buena Heaven Knows What.

Pero no. Aunque La Máquina logra captar la atención, es interesante y uno está esperando ver que pasa, al final decepciona porque no hay una buena historia. Lo que cuentan se puede resumir como "Erase una vez un luchador invencible pero al final por discutir mucho con su novia perdió un torneo muy importante."

Y no exagero, en la última pelea que vemos de Mark Kerr (Dwayne Johnson) lo están pateando en el piso y a alguien se le hizo buena idea mezclar imágenes de sus problemas con Dawn (Emily Blunt), para explicar porque Kerr no se movía, no hacía nada.

La última escena de la película en la que vemos al verdadero Mark Kerr, de compras en el súper y luego cargando las bolsas para subirlas a su camioneta e irse es patética ¿Eso qué?

Mientras lo vemos peleando y preparándose para las peleas y demás, como si tuviéramos un full backstage pass para torneos de artes marciales mixtas, la cosa es interesante. Y parece que la pelea final será entre Kerr y su mejor amigo Coleman. Y además está la adicción de Kerr a los opioides y otras cosas para el dolor.

Pero lo de la relación con Dawn... una típica pareja que se pelea por puras estupideces, por todo y por nada, desde un principio me hizo ducar que la película fuera a sacar algo bueno de ahí.

De hecho la historia de Coleman, un luchador ya en su segundo aire, a quien ya lo ven como próximo al retiro, pero que acaba ganando el torneo Pride del 2000, parece más interesante que la de Kerr.

Pero eso sí, así como en Uncut Gems Adam Sandler demostró que no sólo puede hacer pélículas muy populares, pero la mayoría muy malitas, sino que también puede hacer un gran papel, en La Máquina Dwayne Johnson me parece que hace una muy buena actuación. De luchador brutal que suele darle rodillazos en la cara a sus rivales pero que tiene un lado sensible y además con un estilo amable casi como de Christoph Waltz en Django desencadenado. Sí, la roca también llora.

Total que me parece otro caso en que un director, que suele trabajar con su hermano, dirige una película en solitario y la cosa no sale bien. Estoy pensando en la infumable Honey Don´t de Ethan Coen, sin su hermano mayor Joel. Ni porque la protagonista es Margaret Qualley la película se salva.

Ah y la música de La Máquina es malísima.

El monstruo sin amor

El Frankenstein de Guillermo del Toro se centra en las relaciones padre - hijo o padre - creatura. Y eso me recuerda a otro clásico de la ciencia ficción, Blade Runner. Ahí vemos que el creador limita los años de vida de sus replicantes, que es el conflicto central, y en este Frankenstein los verdaderos problemas empiezan cuando Víctor, como le dice el monstruo, tiene una especie de depresión post parto después de dar a luz a su creaturo.

La relación entre él y el monstruo recuerda la suya con su padre sólo que él sí aprendía y el monstruo no. Quien sabe que habría pasado si Víctor hubiera "manchado" el apellido del padre. Después vemos que el monstruo sí aprende pero sólo lo que le interesa.

Creo que la frase que mejor define la trama es cuando al final el monstruo le dice a Víctor: "La misma marea que me creo ahora te destruye." Frase que también funciona para Harlander, que, al menos en esta película, es realmente un cocreador del monstruo. El también luchó para crearlo, no hubiera sido posible sin él y al final, cuando quiso evitar su creación pagó con su vida.

Víctor estuvo necio en hacer su monstruito. Sólo para acabar encadenándolo, golpeándolo, intentar matarlo y no darle una compañera porque no se fuera a reproducir.

Y así como en Blade Runner un replicante le acaba sacando los ojos a su creador, como los cuervos del famoso dicho sobre criar cuervos, el monstruo acaba matando a Víctor. Pero la cosa no es tan sencilla como en el dicho sobre los cuervos. En este caso la moraleja más bien dice que quien crie cuervos, replicantes o seres ensamblados de diferentes cuerpos debe dejarlos salir, vivir y reproducirse o la misma energía creadora se volverá contra él.

El problema de Víctor no parece ser haber creado vida sino querer destruirla y todo porque el hijo no aprende palabras. Pero vemos más adelante que Elizabeth, amante de los insectos, y por lo tanto desprejuiciada, logra que aprenda una nueva palabra. Después un ciego incapaz de ver la fea apariencia del monstruo no sólo puede hacer que aprenda palabras sino convertirlo en un voraz lector.

Elizabeth juega el papel de conciencia de Víctor y le advierte, con otras palabras, que el camino del infierno está hecho de buenas intenciones. O supuestas buenas intenciones. Y vemos que al doctor que dice estar a favor de la vida y contra la muerte, en realidad la muerte de los otros le es indiferente. Como cuando con los condenados a la horca actúa con la frialdad del que busca refacciones para el coche. Y se lleva los cuerpos de los caídos en la guerra sin pensar en los que buscarán esos cuerpos con desesperación.

Porque a Víctor no lo motiva ninguna buena intención, sólo su ego. De hecho en las novelas de Mary Shelley sobre Frankenstein, que en realidad son tres versiones con cambios importantes entre ellas, de 1818, 1923 y 1831, Víctor es una pésima, mala, terrible persona.

Al final vemos que hay alguien que logra aprender en cabeza ajena. El capitán del barco que desiste en su intento de llegar al polo norte para así no arriesgar a su tripulación. Quizá no quiere acabar como Víctor Frankenstein. O como la creatura que vaga por el desierto helado en la más absoluta soledad.

Las mutaciones del mal

 

Fuhrer Ex (Winfried Bonengel 2002) es una película alemana basada en la autobiografía de un exneonazi de la vida real que nos presenta a Heiko y Tommy, dos amigos que vivían en la Alemania comunista en el 86. En ese tiempo y lugar, según nos enteramos, no ir a trabajar se castigaba con cárcel. Así que para tener unos días de vacaciones Heiko y Tommy se lastiman, se hacen cosas que parecen muy, pero muy dolorosas para que les den justificantes médicos y quedar libres por lo menos unos días del trabajo. Aunque ellos lo que quieren es irse a Australia, en donde puede hacerse lo que sea según dice Tommy.

No sabemos exactamente que edad tiene el par de amigos. Ya trabajan pero Heiko aún es virgen. Hasta que conoce a Beate. Pero son mayores de edad porque a Tommy lo mandan a la cárcel, no a la correccional, por quemar una bandera. De ahí regresa violento y nazificado y se coge a Beate. Heiko los ve y llora desconsolado. 

Heiko en cuestiones de raza es de lo más alivianado, puede escuchar a su madre coger con un negro toda la noche y saludar amablemente al negro a la mañana siguiente. Esto es importante por lo que viene después.

A pesar de que Tommy se cogió a su novia, y en un momento dado Heiko cree que se dió a su mamá también, siguen siendo amigos y son atrapados intentando cruzar la frontera, para irse a Australia, y acaban en la cárcel.

Aquí viene una primera revelación y es que cualquiera pensaría que Tommy es un mal amigo, y Beate una mala novia. Pero en la cárcel vemos que Tommy sí es un buen amigo que se arriesga por Heiko. Y Beate sí quiere a Heiko, lo extraña y lo va a visitar. Lo de la infidelidad de Tommy y Beate frente a la realidad de la cárcel se ve como una cosa sin importancia.

Heiko acaba juntándose con los nazis, a los que detestaba. Vemos que no tenía opción, ya lo habían violado, lo habían metido a un calabozo donde se estaba volviendo loco y necesitaba un grupo de apoyo. Tommy escapa de prisión.

Y entonces viene otro cambio, que nos hace ver al violento neonazi Tommy como un corderito. Resulta que tras la caída del muro de Berlín, Heiko sale de prisión pero como un neonazi realmente duro, muy ideologizado y violento. Ahora junto a él Tommy parece un pacifista. Heiko a vuelto a ver a Beate y quiere que los tres salgan juntos a divertirse pero Beate ahora rechaza a Heiko por nazi.

La parte más dura de Heiko se rebela cuando en un ataque de su grupo de neonazis a unos como anarquistas punks, una niña, que era su vecina, y de Tommy, acaba muerta. Heiko ni se inmuta, dice que ella se lo merece por juntarse con esa gente.

Después, el líder neonazi, Friedhelm, le ordena a Heiko matar a Tommy. Resulta que en la cárcel, Tommy, para ayudar a Heiko, aceptó ser unformante de la Stasi, el servicio de seguridad de la Alemania comunista. Y debía decirles todo sobre Friedhelm. Tras el fin de la Alemania oriental, la comunista, todos los archivos de la Stasi salieron a la luz y Friedhelm se entera de la traición de Tommy.

Al final Heiko no se atreve a jalar el gatillo pero otros neonazis matan a Tommy y Heiko ahora llora desconsolado con el cadaver de su amigo entre sus brazos.

En la última toma vemos a Heiko caminando ya despojado de su apariencia neonazi y se que nuevamente para él los buenos y los malos han cambiado. Como antes cambió con respecto a Beate y Tommy, o hacia el violento asesino con quien compartió celda, que resultó ser un buen tipo de quien se hizo amigo. O con el preso que primero lo salvó de una violación sólo para violarlo él mismo después.

Tal vez ahora sí llegará a Australia.

Rashomon en la vecindad

 

Con una estructura tipo Pulp Fiction de historias engarzadas, El Callejón de los Milagros (Jorge Fons 95) presenta a partir de un juego de dominó en una mesa de cantina, diferentes personjes e historias anudadas como después lo hará Amores Perros y como lo hizo en 1950 el director japonés Akira Kurosawa en Rashomon. Aunque en ese caso las historias no son exactamente iguales pues los narradores mienten y no se sabe quién dice la verdad. De cualquier modo a esa estrategia narrativa se le conoce como "Efecto Rashomon".

Entonces en El Callejón de los Milagros empezamos con Rutilio, dueño de una decadente cantina en el centro de la Ciudad de México y a quien ya no le gusta coger con su esposa y prefiere a los jovencitos. Cuando su hijo, Chava, se madrea al Jimmy, el amante del papá, es cuando realmente arranca la historia central de la película que es la relación entre Alma y Abel. Tan es así que la homosexualidad de Rutilio, cuya esposa califica en un principio como una tragedia, deja de importar. La esposa sigue con Rutilio como si nada, igual que sus amigos; el Jimmy desaparece y no volvemos a saber de las pasiones homoeróticas del cantinero. Lo que ya está muy exagerado es que el hijo que estaba tan en contra de la homosexualidad del padre y que tiene que irse a Estados Unidos huyendo de la furia del papá, y también porque no sabe que pasó con el Jimmy, si lo dejó vivo o muerto, pues le pone a su hijo Rutilio, y regresa tan campante al final a ver al papá como si nada hubiera pasado.

Pero bueno, eso era el pretexto para que veamos que Abel, el enamorado de Almita es tan fiel, noble y buen amigo, que interrumpe la pachequiza que se está poniendo con ella, que por fin le está haciendo caso, parece que ahora sí se le va a hacer a Abel después de tanto tiempo, cuando llega Chava, le dice que se vaya con él al gabacho y Abel se va.

¿Entonces no la amaba?

Sí pero Chava le hizo ver una cosa: Para andar con ella "en serio" necesitaba más dinero.

Porque Alma es como una mercancía en aparador. De hecho por andar viendo los aparadores de joyas del negocio de Don Fidel acaba siendo comprada. En una situación de cazadora cazada don Fidel le regala unos aretes "de Pakistán" y va con la Chata, la mamá de Alma, a pedirle que le de a su hija como esposa.

Aquí la película deja ver su origen, una historia del egipcio Naguib Mahfouz, pues algo así quizá podría suceder en El Cairo en los años cuarentas, en donde se sitúa la historia original. Los matrimonios forzados, incluso de niñas, son algo que sucede en comunidades marginadas de México, pero ya parece que una chilanga de los noventas se va a casar con un viejo sólo porque su mamá se lo ordena. Eso y el detalle de que las joyas que regala Don Fidel son de Pakistán le dan un aire oriental a la historia.

Alma quiere perder la virginidad y para eso Abel resulta demasiado ñoño, lo que a Alma no le gusta. Además ella, y su mamá, quieren dinero. Parece que a Alma le conmueve el enamoramiento de Abel pero no es que ella lo ame. Al menos no tanto como para llevarle la contraria a la mamá cuando le dice con quien casarse.

Don Fidel se muere antes de la boda y entonces llega el fresa del mal Jose Luis que un día ve a Alma parada en la calle con su amiga Maru y se la acaba llevando.

No podía ser un fresa del bien porque si un wey del barrio está enamorado de una mujer, el fresa sólo puede quererla como prostituta. Llamémosle el "Efecto Peña Nieto" el Presidente que según la imaginación popular sacó a su esposa de un catálogo de prostitutas. Se nota que demasiados weyes caritas y con varo le han bajado la vieja a tantos mexicanos que el inconsiente nacional prefiere suponerlos malvados a todos. Y quiere vengarse aunque sea a través de interpósitas personas.

Y no habrá milagro que cambie el destino de Alma y Abel porque en este callejón de los milagros lo único milagroso es el dinero: Abel realmente nunca tuvo una oportunidad, pues no había sistema de apartado para Alma, a la solterona Susanita el dinero la lleva al amor. Ella misma lo dice: gracias a que le prestó dinero a Chava, este estuvo dispuesto a hacerle "el favor" y eso, dice ella, le abrió la puerta del amor. Aunque ese fue sólo un primer pago, luego tuvo que darle más a Güicho que se casó con ella. La relación de Rutilio con el Jimmy parece la típica de sugar daddy con chavito sin lana y además, cuando Alma desaparece hasta la mamá parece tomarlo con calma, no como si hubiera perdido a una hija, más bien como si le hubieran robado una cosa. Una que el pobretón de Abel le estaba "mosqueando". Eso dice la mamá, la Chata, que Abel era como una mosca sobrevolando el producto a la venta.

Maru la amiga de Alma, y después Chava, saben donde está ella y no le dicen a la mamá. Como si la Chata no pareciera tan angustiada como para decirle donde está su hija. O como si no tuviera caso pues como ella ya no iba a poder ofrecer a Alma a algún viejo billetudo pues ya ni importancia tenía.

Es muy notorio este desinterés, tanto así que Abel al enterarse de la desaparición de su prometida pregunta porque no la están buscando, porque están todos tan tranquilos.

Me parece que El Callejón de los Milagros es en el fondo una historia anacrónica aunque traiga ropajes nuevos, como vieja que quiere engañar vistiéndose a la moda. Lo de moda es por supuesto el efecto Rashoman que Quentin Tarantino acababa de poner de moda cuando salió por primera vez El Callejón de los Milaros. También la tolerancia en el callejón con la homosexualidad de Rutilo. La primera reacción del hijo y la esposa es muy negativa pero luego se les pasa. Además un policía comenta que su esposa le fue infiel con desinterés como de swinger. Y se fuma mariguana, algo todavía con aire liberador en los noventas.

Pero tenemos una protagonista que parece no tener capacidad de decisión, hace lo que le dicen. Nadie estudia, Alma y Maru como que deberían ir a la prepa o algo así pero su educación no es tema. Y aunque el centro de la Ciudad de México es un lugar que parece atrapado en el pasado ni ahí ni en otra zona de la ciudad se podría encontrar en los años noventas un burdel como el del proxeneta Jose Luis, como de principios del siglo pasado. Los burdeles con pianista han de haber desaparecido con Agustín Lara décadas antes.

Agreguésele la música y la dirección de arte tan apolilladas. En México si estamos atrasados, pero tampoco tanto.

 

Respeto y crimen

Sangre por Sangre (Taylor Hackford 93) es un clásico del cine chicano que prsenta la historia de tres jóvenes chicanos emparentados entre ellos. Paco y Cruz son de la pandilla de los vatos locos y el primo milkweed quiere ser vato loco también. Pero milkweed es hijo de mexicana y americano y salió de piel blanca (fluorescente dice su primo Paco) y es rubio de ojo azul. Entonces para ser de la pandilla debe atacar a los de la pandilla de los tres puntos. Porque los tres puntos grafitearon una pared de los vatos locos lo que es una falta de respeto.

Al final de cuentas la violencia desencadenada por dicha falta de respeto termina con un muerto, Cruz con una lesión en la espalda cuyos dolores lo llevan a la heroína, Paco debe meterse a los marines, cosa que no quería, para evitar la prisión y milkweed acaba en la cárcel de San Quintín. Ah pero los vatos locos lo acaban aceptando.

Sólo que ya en la cárcel Miklo, que es el verdadero nombre de milkweed, entra a un grupo criminal más pesado, "la onda", en donde le enseñan que lo único que importa en la vida es el respeto y que hay que estar dispuesto a morir por él.

Sangre por Sangre como que quiere presentarse como la historia de los encuentros y desencuentros entre Paco, Cruz y Miklo a lo largo de los años pero en realidad este último es el personaje principal, los otros dos tienen un protagonismo mucho menor.

También la película quiere vendernos la hermandad de los vatos locos, cuyo lema es "vatos locos forever" y la unidad de la familia latina pero lo que vemos no es muy familiar. Por un lado los personajes hablan mucho de la familia pero apenas al arranque de la historia Miklo se pelea a golpes con su papá y no sabemos que pasa con su mamá desde que entra a San Quintín, pasa ahí nueve años y sale sólo para regresar muy poco después.

¿Y la hermandad? Al final nos enteramos que al líder de la onda lo mandó matar otro de la onda, en realidad se matan, se roban, se traicionan y se hacen de todo entre ellos.

Ah pero los vatos locos se pelean pero se reconcilian, después de años Cruz y Paco se vuelven a hablar y Cruz convence a Paco de perdonar a Miklo, que ya perdonó a Paco que le dio dos balazos que le costaron una pierna. Así que es de suponerse que Paco aceptará la oferta de cooperar con Miklo, que ahora es el líder de la onda y entro al negocio de las drogas. Y como Paco acabó de detective de Los Angeles dice Miklo que pueden apoyarse mucho uno a otro.

No pos sí, esas sí son amistades.

En realidad la película cuenta la historia de como milkweed pasó de no ser aceptado en una pandilla callejera de chicanos a ser el líder de una pandilla carcelaria chicana, que está lista para entrar en grande al negocio de las drogas.

Lo de la hermandad, la raza y la familia es puro rollo que sueltan los personajes. Pero sorprende como se pretende que el final feliz de Miklo es que su compañero de celda, el "magic", le jure fidelidad como líder de la onda. Estando en una celda en donde ni siquiera pueden estirar los brazos de lo angosta que es. Y de donde Miklo difícilmente va a salir pues cuando le dieron la libertad condicional no soportó un trabajo y unas condiciones que sólo iban a durar tres meses. Ah pero no lo respetaban así que intentó un asalto.

En sangre por sangre la vida y la libertad nada valen lo único es el enfermizo respeto.

Mirada de demonio

 El Fantasma del Convento (Fernando De Fuentes 1934) es una película con un título engañoso pues no se trata de un fantasma esctrictamente hablando. En todo caso es un convento fantasmal y de cualquier modo la historia es más de momias y del demonio (le dicen "el mal") que de fantasmas.

Aunque podrían haber guardado la sorpresa para el final, desde un principio la película misma hace el spoiler de que todo va a suceder en un convento abandonado en donde no vive nadie. Por eso y varias otras pistas muy claras sabemos que los monjes de ahí están muertos. El final está más que cantado, pero supongo que tuvieron que elegir entre crear una atmósfera, que esa sí está muy bien lograda; es una atmósfera como de... convento de monjes muertos... y si pareciera convento de vivos para luego dar la sorpresa pues no sería lo mismo.

Pero el meollo de la trama es el sexo, que los monjes apenas y se atreven a mencionar, pero no hay que culparlos: Uno de los monjes sucumbió a la tentación de la carne, antes de meterse de monje, de hecho se enclaustró con estos monjes "del silencio" para expiar su pecado. Pero a pesar de su conducta ejemplar se lo llevó el demonio y los monjes llevan siglos, sí, siglos, rezando por él pero satanás no lo suelta.

Aparte de que todos los monjes están muertos hay otra cosa que queda muy clara en esta historia: El demonio es una mujer, joven y atractiva. Lo sabemos pues exactamente lo mismo que le pasó a Fray Rodrigo, el monje cuya alma se llevó el demonio, está a punto de sucederle a Alfonso, uno de los tres que llegaron al convento, además de él, Eduardo y Cristina, un matrimonio. Eduardo y Alfonso son mejores amigos pero Cristina y Alfonso se desean mutuamente.

Y Cristina se le está ofreciendo descaradamente a Alfonso. Por suerte para él la luz de la mañana regresa todo a la normalidad, a tiempo para salvarlo.

Alfonso en la tenebrosa noche le dijo a su amigo Eduardo que su esposa estaba rara, como endemoniada. Y Cristina ya al día siguiente dice que en la noche se sintió rara. Pero es demasiado tarde, ya nos dimos cuenta que El Fantasma del Convento quiere convencernos de que las mujeres son demonios.

Sangre y Tierra

Los Niños del Maíz (Fritz Kiersch 84) un clásico del folk horror nos presenta una deidad que surge como por debajo de la iglesia protestante. En el pueblo de Gatlin, Nebraska, la iglesia (protestante) anuncia un sermón acerca del Maíz y Dios. Gatlin es una isla en un mar de maíz y hasta hay una pareja de navegantes cuyo automóvil encallará en Gatlin. No serán devorados por sirenas pero los niños del lugar los querrán crucificar por fuereños. 

Tal y como está escrito en los mandamientos del horror, a la pareja, Vicky y Burt, les advierten en una gasolinería decrépita que no se paren en Gatlin, que ahí no les gusta la gente de fuera, pero, como también es de ley, el hombre, Burt, no hace caso.

Hay otra señal interesante: Al igual que en Masacre en Texas, desde antes de llegar a la gasolinería/portal del infierno, los viajantes de la carretera vienen oyendo señales ominosas por el radio. En este caso no pueden sintonizar otra cosa que no sean predicadores fanáticos. A la lista de gente que se irá al infierno según el predicador: homosexuales, fornicadores y usuarios de droga, Burt y Vicky burlonamente le agregan a los graduados de la Universidad y a los que ven la televisión pública, es decir la televisión educativa. Dando a entender quienes no escuchan a esos predicadores. Y por cierto otra similitud con Masacre en Texas es el tema de la gasolina. En Gatlin todos los adultos son asesinados, excepto el de la gasolinería, al menos al principio. 

Si en la mitología americana la carretera es el lugar de búsqueda o perdición espiritual, la peregrinación para encontrarse a uno mismo o el camino al infierno, la radio era antes del internet lo que avisaba lo que venía adelante.

En Gatlin está el predicador de un ente relacionado con el maíz. Pero también con el cristianismo, del que toma las crucifixiones y la iglesia del lugar. Además del estilo bíblico del predicador que era un predicador cristiano. Como sabemos en México, los dioses del maíz no son nada nuevo. Este ente es una típica deidad de sociedades agrícolas, de las que dicen "¿Quieres ayuda con tu cosecha? pues sacrifícame unos humanos." Y viene de la tierra es "El que camina detrás del surco". Como si los fieles de Gatlin de tanto rezar por las lluvias (De la sequía sólo queda el anuncio del sermón sobre Dios y el maíz pero en el cuento original de Stephen King se habla más al respecto) hubieran despertado una deidad primitiva. 

Pero lo que me resulta más interesante del ente "Que camina detrás del surco" es que es un Dios de sangre y tierra. Dice uno de los líderes de la secta que es un Dios de sangre y sacrificios, y pide sacrificios pero además no acepta a los de afuera, como Burt y Vicky, lo que lleva a pensar en otro significado de sangre, significado que suele ir unido a la tierra. Los principios "sangre y tierra" en inglés se refieren a posturas políticas extremistas, como el nazismo, que enfatizan lo que en México llamaríamos la raza y el territorio (o tierra).

Y no hay duda de que "el que camina detrás del surco" está relacionado con la tierra, de hecho se le ve como tierra que se levanta y se mueve, además su maizal es sagrado y la tierra donde hacen las crucifixiones igual.

Todo esto hace pensar en el radicalismo que hay actualmente en Estados Unidos. En especial el de derecha. Un radicalismo racista, sectario, uno de cuyos líderes más populares, Charlie Kirk, dijo una vez que si era por el derecho "sagrado" (¡Sagrado, no mamar!) a tener armas podía aceptarse que hubieran víctimas inocentes, que eran como sacrificios por este sagrado derecho.

¿Y cómo empezó a difundirse este radicalismo político encarnado ahora en el trumpismo? Claro, siempre ha existido, ¿pero como fue que creció tanto que acabó cooptando al partido republicano? Según leí en algún lado fue por la radio digital en los noventas que empezó a crecer. Y como es bien sabido las comunidades más trumpistas son las rurales y las de fundamentalistas cristianos.

Cuando hasta los personajes lloran de lo mala que es la película

Abracadabra (Pablo Berger 2017) es una muy fallida película aunque no empieza tan mal. Al principio parece una típica comedia de cambio de cuerpos. La conocida fórmula en donde un hombre y una mujer, o un joven y un viejo o lo que sea, intercambian cuerpos. En este caso el marido ideal se mete al cuerpo de un marido típico a quien lo único que le importa es el Real Madrid, un macho genérico intercambiable que apenas les hace caso a la esposa y a la hija, es un grosero etc. Pero todo en tono de comedia y la cosa no pinta tan mal. Después a este Pedro Picapiedra se le mete el espíritu de un marido acomedido, gran bailarín que no deja de halagar a la mujer y ayuda a la hija con la tarea.

Pero el nuevo marido no sabe hacer el trabajo del anterior, desconcierta a la mujer y la hija y de cualquier modo tener un marido poseído por otro puede ser complicado así que es de suponerse que por eso la esposa quiere que regrese el esposo madridista.

Y aquí es donde la película pierde el hilo, la trama y hasta el humor: Para regresar las cosas como estaban se necesita hacer una especie de ritual y entre otras cosas para ello es necesaria una prenda íntima del marido ideal. Para ello Carmen, la esposa y su primo aprendiz de hipnotista van al departamento donde vívía este tipo. Departamento que está desocupado y en venta. Así que primer absurdo, un departamento en venta que lleva más de treinta años desocupado pero lleno de las cosas, incluyendo hasta comida en los platos en la mesa, de los anteriores inquilinos.

Y el vendedor del departamento les cuenta que este marido ideal en realidad fue un asesino que le cortó la cabeza a su mamá. Y desde ahí la película ya no quiere ser una comedia sino una película de horror, que nunca da miedo a pesar de no tener pies ni cabeza. El acabose es cuando el marido, en su versión picapiedra/madridista, poseído, a ratos, por el marido mandilón pero que en realidad es un sicópata... ¡se vuelve loco! Y empieza a ver un chimpancé.

A mi me encanta el absurdo pero Abracadabra no es un absurdo que parezca original o interesante, es simplemente un guión muy malo. Se nota que el director que también es el guionista ya no sabía que hacer y simplemente se puso a escribir idioteces.

Que bueno que para su siguiente película "Mi amigo robot" se basó en la historia de otra persona.

Con decirles que al final, Carmen, Carlos el marido y el mandilón sicópata tienen un enfrentamiento... ¡en la matrix! Sí en el espacio blanco que Berger le piratea a los Wachowskis. Para cuando, en la última toma, Carmen se va llorado en medio de la lluvia es inevitable pensar que debe de ser por haber tenido que salir en una película tan mala. 

Las croquetas del mañana

 

Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer 73) es una película en la que sorprendentemente se habla del efecto invernadero, lo que provoca el calentamiento global, y eso que fue estrenada hace más de cincuenta años. En esta historia se supone que es el año 2022 y que entre el calentamiento global y científicos que envenenaron el planeta, no hay comida, la sociedad está colapsando, los aparatos se descomponen y ya no hay como arreglarlos y lo único que sobra es gente que pulula como insectos sobre un cadáver putrefacto.

En este nada bonito escenario distópico los muertos son comida y las mujeres muebles que se incluyen con los bienes raíces. Las viejas imágenes dela naturaleza hacen llorar a la gente y no hay ningún lugar mejor a donde ir, a donde escapar. Esa imposibilidad mata el amor entre Shril y el policía Thorn, la pareja protagónica pues él no podría llevar a vivir a Shril a un lugar tan bueno como el departamento en donde ella está de mueble. Ni siquiera conseguirle la comida que acostumbra, o los cigarros o el agua caliente.

En realidad el problema es entre los de arriba y los de abajo. No sólo para el amor, los de arriba, políticos y empresarios coludidos entre ellos, ocultan la verdad y mantienen a todos engañados comiéndose unos a otros sin esperanza de encontrar una salida.

Al final los gritos de Thorn representan la verdad. Desafortunadamente hoy en día, en tiempos de la posverdad sabemos que las evidencias ya no convencen y de los gritos de Thorn, de su verdad  sólo queda el horror.

Lolitas

Historia de Eva (Mimmo Cattarinich 78) por su tema es una película pariente de Pretty Baby y de la Lolita de Nabokov. Al igual que Pretty Baby es del 78 y parece imposible que se hiciera una película así hoy en día. Y también es una historia de época situada en la época de la primera guerra mundial. En este caso el protagonista, Paul, regresa lesionado de la guerra, no puede caminar bien y tiene que usar un bastón. Pero se supone que se está recuperando, él sin embargo está muy deprimido al grado de querer suicidarse.

Lo que lo saca del hoyo, ya se iba a tirar desde un peñascoes Eva, una niña, sobrina adoptada por la pareja que tiene de sirvientes en su casa.

Paul se enamora y anda con esta niña a todos lados como si fuera su novia sin que le importen los tíos o la demás gente, a quienes no parece importarle la diferencia de edad de la pareja. como si fuera de lo más normal ver una niña de pareja de un hombre treintón.

Inclusive Paul escribe la historia de su relación con Eva y la publica.

Lo único que le falta a la relación es sexo. Paul desea a Eva pero nunca pasa nada entre ellos. La historia nos hace creer que Paul se limita por una cuestión de moral. Pero ya casi al final que Paul quedó incapacitado para el sexo en la guerra.

Y acaba cachando a Eva a punto de ser desvirgada por un gitano, con quien Paul, celoso, le había dicho que no se juntara que porque los gitanos son vagos. Aunque Paul no parece conocer el trabajo ni de lejos. así que al final no era moral sino impotencia.

Este mensaje final es muy explícito, tanto así que en la última escena, cuando Paul muy románticamente se suicida, junto a su cuerpo queda un libro abierto con una frase acerca de la imposibilidad de contener el deseo.

El efecto dominó y la lucha de clases

Los Goonies (Richard Donner 85) son un grupo de amigos como entre adolescentes - preadolescentes y dos de ellos son unos hermanos que están a punto de perder su casa y tener que irse a vivir a quiensabe donde. Los demás también tendrán que irse, aunque sea más adelante, porque en donde viven van a construir un club de golf. Lo que está raro porque vemos que la zona es una colina escarpada nada plana.

El caso es que detrás del club de golf están algunos ricos del pueblo, representados por Troy, un junior con chaqueta de equipo colegial como sus amigos. Y Troy tiene un convertible y es medio bully. Aunque claro, quitarles sus casas a las personas es ser muy bully y eso hace el papá de Troy animado por su hijo.

Y ya hay un club de golf en el pueblo. En una parte del viaje de los goonies por túneles subterraneos pasan por donde están las tuberías de este club y la lucha de clases toma forma de accidentes que les suceden a los burgueses con agua y con los escusados. Un pobre fresita que hace del dos acaba arriba de una fuente de excremento gritando ¡Papi!

Aunque la película no se toma tan en serio la lucha de clases como para evitar la práctica del "product placement" con anuncios en la historia de cosas como las Domino´s Pizza.

Pero el chiste de la película no está en la revancha contra el clasismo sino en disfrutar de la camaradería de chicos y chicas con romance y besos adolescentes incluidos mientras viven aventuras enlazadas como en un efecto dominó. O como se les dice en Estados Unidos unidas en una "máquina de Rude Goldberg", por un caricaturista que dibujaba ese tipo de cosas en donde una bola de billar golpea un palo que golpea a una gallina que pone un huevo que cae en un sartén que al moverse jala una palanca etc. De hecho para abrir la puerta de la casa de los hermanos a punto de quedarse sin casa hay un mecanismo de Rude Goldberg.

Y lo que hacen los goonies para conseguir dinero y poder mandar a chingar a su madre a Troy y su papá es buscar un tesoro pirata. Un pirata que, como ellos, hizo un sistema de Rube Goldberg pero para que nadie llegara a su barco y su tesoro escondidos en una cueva, y que además al final el mismo sistema libera al barco para que salga nuevamente al mar.

Lo que resulta excesivamente empalagoso. O sea esa última escena del barco pirata navegando con la intención de sacarle la lagrima al respetable público es demasiado. Y es obvio que el barco representa una infancia pasada, porque a nadie le hace llorar un barco así nomás porque sí. Entonces al final todo se remata con un tono nostálgico, cosa que a mi no me gusta. Y no sólo eso, el personaje de Chunk le dice a su nuevo amigo Sloth, una especie de mounstrito, que lo ama desaforadamente y lo va a cuidar toda la vida. Eso también está demasiado empalagoso. En realidad todo el final es muy malo. Resulta que habían tenido que dejar el oro para salvar la vida pero al final la nueva chacha mexicana de la familia, Rosalita, que apenas había llegado a trabajar por primera vez la mañana anterior, descubre que traía una bolsa con diamantes del barco y, en vez de quedárselos como haría cualquier persona normal, decide dárselos a la familia que acaba de conocer para que no pierdan su casa.

Creo que el problema es que aunque los goonies resulta divertida, es como irse a una feria y subirse a los juegos. Sí, es muy divertido pero al final no es como que uno haya ganado la guerra. Y la película al final quiere hacernos llorar y dar una sensación épica y no hay modo de que eso funcione con una historia que ha mandado todo realismo a tomar por culo. Hubiera sido más congruente si al final nos hubieran hecho reir y ya.

Y de paso nos hubieran evitado los discursos de Mikey, que a su corta edad ya parece listo para motivar a su equipo de ventas de Avon. Y lo de que está encariñado con el pirata muerto y se comunica con él. Más humor y diversión y menos rollo de que cuando vayas a perder tu casa te conectes con tu niño/coach de vida interior.

 

¿El cine tiene alma?

Al final de la conferencia de prensa en donde se presentó el más reciente libro del abecedario del cine mexicano de Jorge Ayala Blanco, el veterano crítico cinematográfico dijo que le agradecía al público no haber hecho una pregunta. Esta pregunta maldita era ¿El cine mexicano actual deriva de Amores Perros? E insistió: De verdad estaba aterrorizado de que se lo preguntaran. De cualquier modo respondió la pregunta que nadie hizo en ese momento pero que seguramente se ha hecho en otros. ¡Por supuesto que no! exclamó el bigotudo profesor de la ENAC, antes CUEC, la escuela de cine de la UNAM. De hecho lo que el cine mexicano ha hecho es alejarse de Amores Perros, abundó.

En esta presentación de "La Sapiencia del Cine Mexicano" el crítico estuvo acompañado por el director Joaquín del Paso cuya película El hoyo en la cerca presta una de sus imágenes a la portada del libro y, según explicó Ayala, todas las portadas de sus libros tienen un significado, pues son de las películas que mejor representan el periodo que abarca cada libro.

En el presidium también estuvo Armando Casas, Presidente saliente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, la AMACC, quien comentó que, a pesar de que él ve todas las películas que mandan a la AMACC para tratar de concursar por los Arieles, le sorprendió la cantidad de películas, desde largos hasta cortometrajes, de las que escribe Jorge Ayala en este libro. Muchas de ellas muy difíciles de encontrar y ver.

Más adelante Jorge Ayala explicó que ve todas las películas mexicanas de la cartelera comercial y todas las que se pueden ver en la cineteca nacional y además ve muchas películas mexicanas que, en efecto, son muy difíciles de encontrar. Algunas, por ejemplo, las ve porque alguien le manda un link, y que sí, como había dicho Armando Casas antes, sus libros también cumplen una función de rescate y preservación pues muchas de las películas de las que escribe están condenadas a desaparecer.

Todo mundo exaltó la variedad de las películas de las que Ayala Blanco  se ocupa en este y en sus demás libros, porque no sólo ve muchas películas mexicanas, él mismo se ha calificado como "bodrionauta", sino que además usa una definición muy amplia de cine mexicano gracias a la cual en este último libro pueden entrar películas como Pinocho de Guilermo Del Toro, Bardo de González Iñárritu o Sundown de Michel Franco y compartir espacio con Mirreyes contra Godínez 2, o Radical, producida y actuada por Eugenio Derbez (Que dice Ayala que está buena) y producciones modestísimas que ni distribución tuvieron.

Este tema de la variedad quedó engarzado con un tema favorito de este famoso cinéfilo: La crítica a otros críticos. Como quienes según dijo, no van a ver una película nomás porque sale Derbez. O que en alguna muestra dicen: "Hoy toca día libre porque toca la película Georgiana".

Ahí me sentí aludido pues en una muestra reciente cuando tocaba la película georgiana, y no del estado americano de Georgia, sino de la República de Georgia, un país vecino de Rusia, de por ahí donde también están Azerbaiján y Armenia, y de donde se presentaba un documental sobre el operador de un teleférico, yo, temiendo despertar a ronquidos a mis colegas críticos y críticas, provocando así su odio, decidí mejor abstenerme.

Luego vino otro ataque en que me quedó el saco: Según Ayala muchos críticos, o la mayoría, no recuerdo bien pero algo así como todos menos él, se dedican a hacer glosas interminables del guión pero parece que no ven la película. Que curioso: El año pasado yo le platiqué a Ayala que yo en mis críticas me fijo mucho en la historia, en la trama de las películas, y por lo tanto en el guión. Que yo sepa, la mayoría no hace eso. ¡Glosas interminables sobre el guión? ¡Pamplinas!

No todo fueron diferencias. Alguien le preguntó si considera que las películas tienen alma y respondió que sí, que las películas tienen un discurso racional y un discurso afectivo, y que él en sus textos rescata sus "almitas". Eso me gustó y a final de cuentas como soy un alma buena y generosa hice como que no sentí los dardos envenenados y sólo intervine para señalar que recientemente, buscando "La Condición del Cine Mexicano", libro que está agotado, noté que ese libro junto con las primeras letras del abecedario Ayalablanquesco ya no están disponibles en las principales bibliotecas públicas pues se los robaron seguramente. Así que como también estaba en el presidium una persona de publicaciones de la ENAC, que hoy en día es la editorial con el mayor catálogo de libros de cine en español, y que desde hace años son la editorial de Ayala, dije que deben pedirle a las bibliotecas que compren más libros de este bodrionauta molesto pero genial.

 

Tlatelolco slasher

Rojo Amanecer ( Jorge Fons 1990) termina con una escena casi de horror, a un paso del gore. Nomás le falta un cucillo cebollero o una hacha para ser un slasher. Un nuevo sacrificio humano en Tlatelolco, como dijo Octavio Paz, a quien la matanza del 2 de Octubre le pareció una nueva versión versión de los sacrificios humanos prehispánicos.

Aunque la película tiene por momentos un tono didáctico como de típico profe que no fue al mitin porque sus papás lo encerraron en el baño o porque ya de camino se chingó la rodilla, no se puede negar que Rojo Amanecer crea tensión, tiene ritmo y crea una atmósfera. Es una buena película. Y con excelentes actuaciones.

El tema central de la película es la lucha entre generaciones. Lo político es como algo que sólo se le agrega al conflicto entre jóvenes y viejos. Conste que sólo estoy hablando de la película.

Por eso la figura del abuelo es tan importante en la historia. El es el representante del régimen posrevolucionario, es decir del PRI. Es un militar retirado veterano de la revolución. El papá en cambio fue un opositor, seguidor del general Juan Andreu Almazán según le dice a sus hijos. Pero que Almazán se vendió.

Los hijos dicen que la generación del papá fracaso pero que a ellos no les tiene porque ir igual. En realidad no es lo mismo fracasar que ser traicionado, pero de cualquier modo no creo que lo del general Almazán fuera un asunto tan generacional como lo del 68 porque ese movimiento es parte de la llamada rebelión juvenil de los sesentas, un fenómeno mundial sin precedentes hasta entonces. Lo interesante es que los hijos mismos lo dicen: El asunto es generacional.

El abuelo también lo dice en uno de los primeros dialogos de la película: "Antes los jóvenes eran diferentes".

Como bien dice la mamá, algunas de las peticiones eran absurdas. Pretextos para el movimiento.

Así como encontrarles un póster del che guevara y un manifiesto comunista a los estudiantes es un pretexto para reprimirlos: El largo del pelo de los hombres es un tema más discutido que la lucha de clases. De hecho el "pueblo" que dice uno de los hijos no los va a dejar solos, los dejó solos.

Y es así que en Tlatelolco, donde poco antes de la llegada de los españoles se sacrificaron niños para que lloviera se sacrificaron jóvenes que habían irritado a los mayores.

Pero ese niño, único sobreviviente de la familia, que sale corriendo entre los soldados, simboliza una generación que no venció a la anterior. los de antes murieron de muerte natural, por decirlo de algún modo. Y los nuevos una vez en el poder están demostrando ser peor que los anteriores. pero me limito a lo que se ve en la película: Esa escena del niño corriendo mientras pasan soldados para hacer el contraste. Ahora, los militares tienen más poder. Y los niños, que no votan, están peor que nunca.

A final de cuentas el sacrificio sólo sirvió de pretexto para el poder. 

Aliens del espacio interior

En El Abismo (James Cameron 1989) se pueden ver los temas característicos de James Cameron que luego vuelven a salir en películas como Titanic o Avatar. Como por ejemplo lo del amor y hundirse en el mar. En El Abismo no sólo una, sino las dos partes de la pareja protagónica Virgil "Bud" Brigman (Ed Harris) y Lins (Mary Elizabeth Mastrantonio) Se ahogan. Pero tienen más suerte que Jack en Titanic pues a Lins la reviven con un desfibrilador cardiaco (y un beso), y a Virgil lo salvan los aliens de las profundidades.

Otro tema, pero que en este caso vuelve en Avatar, es el de los militares trogloditas que quieren matar cualquier forma de vida inteligente. Para ellos antes que nada hay que matarlos.

Otro paralelismo es el personaje mismo de Lins que se parece al personaje de la Dra. Grace Augustine de Avatar. La Dra. Augustine es una científica y Lins es una mujer que diseñó una plataforma petrolera submarina. Y ambas están en contra de los militares.

En El Abismo además, la otra vida inteligente también es digital. Los seres del abismo oceánico son tan diferentes de nosotros como los extraterrestres o como las inteligencias artificiales. Básicamente son alienígenas que en lugar de venir de arriba vienen de abajo. Y parece que están en contra de la guerra nuclear. Por su culpa se hunde un submarino lleno de bombas atómicas. Hay un claro mensaje pacifista, feminista y antimilitarista pero es una buena película con una historia llena de peripecias determinadas por la técnica. Es decir, una verdadera historia de ciencia ficción

 

Música de muertos

El Carnaval de los Muertos (Herk Harvey 1962) presenta más de treinta años antes de El Sexto Sentido el caso de un muerto, o mejor dicho, una muerta, Mary Henry, que aún no sabe que lo está. Pero como en el caso del niño de El Sexto Sentido ve gente muerta. Y los vivos a veces no la ven a ella ni ella los escucha.

Es una muerte que, por un lado, se presenta contraria a la visión cristiana: Ella entra a trabajar a una iglesia como organista, pero es enfática en que a ella eso no le provoca ninguna emoción. Que lo suyo es tocar las teclas y los pedales del órgano y absolutamente nada más. Y en una escena sus visiones de los muertos le hacen tocar cierta música que hace que la despidan fulminántemente de la iglesia.

Quiensabe que música era, pero los muertos bailaban.

A Mary otra cosa que no le gusta es el contacto con la gente. No totalmente, puede charlar y sonreir pero no le gusta la cercanía. Emocional o física. Quiere que un pretendiente está con ella, pero sólo porque no quiere ver al muerto que la ronda. Y entonces por eso quiere estar con su vecino calenturiento. Pero al mismo tiempo no quiere estar con él.

No sexo, no sentimientos. Su distancia con la iglesia se presenta como no sentir nada al respecto, no como un ateísmo o algo así. Y no escuchar a los vivos, luego entonces la muerte. Que es bailar con otros muertos.

El Carnaval de los Muertos es una película de culto que quien sabe si influenció el Sexto Sentido pero George A. Romero dijo que fue la inspiración para La Noche de los Muertos Vivientes la película que detona el fenómeno zombie, y también se ha dicho que influenció a David Lynch. No tuvo éxito comercial pero se volvió de culto al pasar por televisión después de la media noche. 

Charlie K, Tyler el ejecutor y el casino de Trump

En Snake Eyes (Brian De Palma 1998) una conductora de televisión en Atlantic City habla de una gran pelea de box que está por comenzar mientras los vientos de la posverdad rugen con fuerza, tanto así que hay un huracán, y ella dice que hay un huracán pero la obligan a decir que es una tormenta tropical. 

No es de extrañar, la pelea será en una arena propiedad de un empresario de hoteles y casinos que al parecer está inspirado en Donald Trump, de hecho parte de la película está filmada en el Taj Mahal de Atlantic City, un casino que en ese entonces era de Trump. Y el huracán no es un huracán cualquiera, es el huracán Jezabel, como la revista feminista que, de broma, hizo que unas brujas le hicieran maldiciones y conjuros a Charlie Kirk dos días antes de su asesinato. Entonces este personaje basado en Trump, dueño del lugar y organizador de la pelea, llega con su amigo Charlie Kirk. Perdón Charlie Kirkland, mientras todos en la arena gritan ¡Tyler, Tyler, Tyler! pues el boxeador favorito es Tyler, "El Ejecutor", una extraña coincidencia considerando que el asesino de Charlie Kirk se llama Tyler. Y que en la película Charlie Kirkland acaba con una bala en el cuello.

El asesinato es ordenado por este empresario casinero, que se apellida Powell en la película, y estaba a cargo del almirante Dunne (Gary Sinise), un mairno supuestamente disciplinado, leal, honesto, incorruptible, y fiel a su esposa. Pero en realidad un corrupto asesino.

El héroe resulta ser el policía local de Atlantic City, el detective Rick Santoro (Nicholas Cage), un tipo corrupto, infiel, egoísta, parrandero y jugador, que sólo ve por si mismo y que es amigo de Dunne.

Al final la verdadera pelea de box no es entre el campeón de los pesos pesados Tyler y su retador mexicano José Pacífico Ruiz, pues esa pelea estaba arreglada a favor del mexicano. Pero después Dunne hace que Tyler se madreé a Rick Santoro para que diga donde está Julia, una mujer con documentos que afectan a Powell. Pero Santoro no se dobla, quizá porque antes habló con Tyler que aceptó que la pelea estaba arreglada y le contó que, tras perder su honor dejándose ganar, ya no sabía ni quien era. Como si Santoro siguiera el viejo código de la mafia italiana, podía hacer lo que fuera menos matar mujeres.

Al final, como se lo advirtió Dunne, toda su corrupción sale a relucir y pierde a la esposa y hasta a la amante.

Pero Santoro no pierde su alma y además logra lo que más quería: Salir en televisión para así meterse en la política. Sí, es corrupto, transa e infiel pero como sabemos en estos tiempos eso no es un gran problema político.  

Y además, como hemos aprendido los mexicanos, los que tienen fama de honestos, como los almirantes de la marina por ejemplo, resultan ser los peores.

La niña sin amor

 

Perfume de Violetas (Maryse Sistach 2001) es como una presentación del lado femenino de esa canción del tri "Niño sin amor".

A Jessica, una adolescente chilanga que está en secundaria sus papás ya la quieren poner a trabajar pidiendo dinero en alguna esquina para que de dinero en la casa como su hermanastro. A quien además ella debe tenerle las camisas limpias. Y él también quiere tenis nuevos así que por una corta deja que el chofer del microbús donde trabaja viole a Jessica repetidamente.

¿Es extraño entonces qué ella robe o que tenga problemas en la escuela?

La historia empieza con Jessica y Miriam haciéndose amigas, Miriam aún virgen, aún no le baja, y al menos no tiene que aguantar un hermanastro y al ruco de la mamá. Y las violaciones. Así que para la mamá de Miriam, Jessica es una mala influencia y trata de alejar a su hija de su nueva amiguita.

Viven en una colonia popular de la Ciudad de México, de estética abigarrada, una especie de laberinto en donde un microbús predador, con el hermanastro y el chofer violador abordo acecha en cada esquina.

Y el problema de fondo, como dice el subtítulo de la película es que "nadie te escucha". No si eres como Jessica, a quien en vez de ayudarla la gente la tacha de puta. Supongo que porque nadie la quiere y sería una molestia tener que defenderla. Así que volteándole los papeles diciendo que la culpa es de ella por puta pues se evitan molestias.

Sólo que esta vez cuando la mamá de Miriam le dice a su hija que Jessica es una puta, olvidando cualquier sororidad, y amistad, y después cuando Miriam le dice en un baño a su amiga puta, siguiendo el guion materno,  habrá un costo que pagar pues como boomerang la ofensa regresará con violencia.