El Godzilla en el cuarto del que nadie habla

 

Colossal es una película romántica. Pero de un romance fallido, y de hecho la película fracasó en taquilla. En algunos lados sale clasificada como película de monstruos pero no, es romántica (aunque las de romance fallido son tantas que ya deberían tener su propia clasificación). Y salen unos monstruos con un truco que dan la tentación de decir que es "original" pero los monstruos que aparecen son obviamente una imitación de Godzilla, y un Jaeger, y pues entonces no es tan original la cosa. De hecho la película fue demandada por los estudios Toho, dueños de los derechos de Godzilla, pues el director Nacho Vigalondo inclusive alardeaba de haber hecho una película de Godzilla. 

De cualquier modo Colossal no empieza tan mal, con Anne Hathaway en el papel de una alcohólica desempleada cuya lado obscuro, su sombra jungiana, su Mr Hyde es un monstruo que ataca Seúl. No pudo ser Tokyo como dicta la tradición por el conflicto legal con los estudios Toho, pero bueno...

El caso es que a ella la corta su novio Tim y la hecha de su departamento de Nueva York. por borracha y perdida, y ella regresa a su pueblo natal donde se reencuentra con Oscar un viejo enamorado y parece que todo va bien entre ellos mientras sus dobles kaiju y jaeger (jaeger el de él) azotan Seúl poniéndole emoción al asunto y entonces... ella se coge a uno de los mejores amigos de él, quien se da cuenta y se pone celoso. Y él malo es él y sólo él! Ella es buena y santa, él cruel y malvado! ¿qué pasa aquí? ¿cómo está eso?

O sea ella se lo coge, iniciativa de ella, a su gran amigo de él, el otro wey se da cuenta, se pone celoso, pero ni siquiera se habla del tema, en ningún momento se insinúa siquiera que ella hizo algo malo. Y total Oscar se disculpa,.implora perdón pero entonces Tim el exnovio llega de Nueva York. También a pedir perdón obvio, y ella dice que se va a regresar con Tim y Oscar se vuelve a poner celoso y ya, acaba siendo el malo sin remedio. Nótese que ella en toda la película nunca da señal alguna de amar a Tim. De hecho al  final lo deja plantado, el romance era entre ella y Oscar. 

En la última escena ella se mete a un bar, sólo para platicar con alguien, ¿pero qué creen? el maldito cantinero le pregunta que va a tomar! En vez de investigar antes si ella tiene problemas con su manera de beber le ofrece algo de tomar, sólo porque trabaja de bartender en una bar. Maldito insensible!

Con una historia tan absurda pues nomás no se puede.

De demonios y casitas de juguete

Hereditary es un auténtico híbrido entre el drama y el terror. Por un lado tenemos un drama familiar centrado en las mujeres: abuela, madre,.hija. En donde los hombres son más bien entes pasivos. Como el papá que es un cero a la izquierda, y el hijo que es una víctima. Y ni hablar del esposo y el hijo de la abuela. Les va muy mal. Al hijo la mamá le dice que lo quería abortar. Nadie quiere aquí a los hombres más que un demonio, que nos enteramos que no cree en eso de los constructos sociales, es un demonio hombre y quiere un cuerpo de hombre. Y se dedica a manipular a las mujeres. ¿Un animus jungiano? Una de las características más distintivas del animus es que es múltiple, nunca es sólo uno. Y este demonio es sólo uno de los ocho reyes del infierno.

Otra característica del mal en esta película es que entra a través de lo que parece más inocente: La diabólica abuela era dulce y amorosa, la amiga salvadora resulta ser la perdición, la tímida hija menor... y la casita en el árbol y la mamá que hace casitas de muñecas. De hecho la película se presenta como una historia dentro de estas casitas. Y por último, last but not least, la figura que representa al demonio es un Cristo. 

Los tomates podridos de Slender Man

 ¿Porqué le fue tan mal con la crítica a Slender Man? en Rotten Tomatoes tiene apenas un 17% de aprobación del público y 8% de los críticos. Y sin embargo fue un gran éxito de taquilla. Se nota que es una película con buen presupuesto, de Sony Pictures nada menos, y en cuanto a lo visual y el soundtrack está muy por encima del montón.

O quizás las críticas se han dejado influenciar por el hecho de que la película retoma un mito del internet, que es de donde surge el Slender Man, que ya se había vuelto tabú, por decirlo de algún modo. Se sabe perfectamente cuando surge el mito del Slender Man y quién lo inventó, y esta película le da su debido crédito. Pero como hubo asesinatos de la vida real, cometidos por un par de adolescentes, al parecer enfermas mentales, que mataron creo que a sus padres y dijeron que lo hicieron por órdenes del Slender Man, entonces se acusó a Sony Pictures de aprovecharse de ese crimen.

Una cosa que noté es que la película Toll Man, a la que ya le dediqué una entrada del blog, retoma realmente al Slender Man, sin darle crédito. Los dos tienen varias cosas en común, como la cara en blanco, el no - rostro, gracias a lo cuál se puede ver en el Slender/Toll Man lo que uno quiera. Como se dice en Slender Man. 

Y Toll man se centra en una de las características peculiares de Slender Man, que se puede negociar con él, que pide cosas a cambio. 

Soñando con el látigo del desprecio de Harry Styles

Me gustó After, y es raro que me guste una película romántica. Se que me gustó por la chava que no sólo es guapa, me parece una gran actuación de Josephine Langford ayudada sin duda por las guionistas de la película. Sus diálogos se sienten naturales con una especie de levedad que le van perfectos al personaje y la actriz. En el guión no metió mano Anna Todd, la escritora de After, la novela en que se basa la película, y que según la crítica tiene una prosa atroz. La película ha sido criticada por "glamourizar las relaciones abusivas" y en efecto el personaje masculino Hardin es un patanazo y se me hizo muy raro que después de una cosa que hace, sobre todo una, la relación con Tessa siga. Curiosamente Hardin originalmente era nada menos que Harry Styles el de One Direction en una fanfiction que Anna Todd empezó a publicar en internet. Luego se convirtió en novelas para lo que le cambió el nombre. Es extraño que en el sueño húmedo de una fan el tipo sea un ojete pero en fin, la película me pareció disfrutable.

La serpiente del casino político militar

En esta mezcla de película de zombies con película de robo (heist movie), se nota que al director y guionista Zack Snyder no le interesaban mucho ni el robo ni los zombies. Para empezar tuvo que inventarse unos super zombies, los alfa zombies rápidos e inteligentes porque los zombis típicos que güeva. Pero se necesitan zombies para vender el proyecto. Y lo mismo el asalto. Al final ni se quedan con el dinero del casino. Resulta que ni era tan importante. Dinero que era, casi todo,  para dárselo a un tipo que nuestro héroe Scott Ward dice que es despreciable desde el comienzo. Y ni siquiera al despreciable Sr. Bly le importaba en realidad el dinero, nos enteramos de eso después. Aunque era de sospecharse si notamos un inmenso plot hole: Este tipo quería recuperar el dinero de su casino y hasta manda a su jefe de seguridad para ayudarlos a entrar al casino... ¡Pero no les dice como abrir la bóveda! ¡Su bóveda! 

También se nota que Snyder no siente como que mucho amor por las Vegas. Hay gente que no le gusta Las Vegas, dicen que los deprime. El primer tipo que vemos jugando en una de las famosas maquinitas es un viejito que está intubado para poder respirar. Eso es decadente. Otro personaje dice que ella hubiera desaparecido Las Vegas desde los 90´s. Las torres del casino de Bly se llaman Sodoma y Gomorra.

¿Entonces que si le importa a Snyder? La única protagonista que sobrevive al final es la chica que trabajaba de voluntaria en un campamento, en donde nos dicen que con el pretexto de poner en cuarentena a sospechosos de estar infectados por zombies... encierran a inmigrantes, a activistas proaborto y proderechos LGBT. Que lo de los zombies es puro pretexto. Que en ese campamento los guardias violan a las mujeres, que ahí la gente no tiene ningún derecho. Es un campamento de concentración usado por la derecha fascista pues.

Y Bly, el dueño del casino aparece en una escena con militares con muchas medallas y trajes elegantes: Está confabulado con los altos mandos y lo que quieren es usar la zombificación como arma.

También hay un tema mitológico, hay un rey y reina de los zombies y viven en el casino Olympikos para que quede bien establecida la referencia a la mitología griega. Ella es como la medusa con sus pelos de serpiente. Ella y su pareja el rey de los zombies parecen más serpientes que zombies por su piel y su forma de moverse. Lo cual hace pensar en la sombra jungiana: Para pelear con la medusa había que verla en un espejo y a nuestra sombra no la podemos ver más que indirectamente dice Jung. A los inmigrantes hay que rescatarlos del Olimpikos, este casino es el centro de la zona prohibida alrededor de la cuál está el campamento operado por la derecha fascista. Es como su corazón. De serpiente.

Y hay otro punto antimilitar: Nuestro héroe principal es un exmilitar, había ganado las más importantes medallas por su valor, sólo para acabar friendo hamburguesas en un lugar decadente. Al fondo de la cadena alimenticia. Y vuelve a arriesgar la vida sólo para acabar traicionado por Bly y sus socios militares. Y claro, todo esto por una epidemia zombie que accidentalmente habían desatado ellos en un principio.    

El mecanismo de la muerte

 

Terrible, hecha a partir de unir diferentes historias sin que ninguna sea buena por si misma y sin una historia en conjunto, un deshilachado aburrido nada más. Pero, interpretándolo como sueño, sí hay algo. Todas las historias suceden en una especie de futuro distópico excepto una que es como en los años treintas, todo en estilo Art Decó. Quizá lo único rescatable de la película es la ambientación de ese segmento y en esa historia un tipo se agandalla los planos de una máquina, no se dan más detalles, sólo que es una máquina con la que este tipo piensa hacerse rico. Pero que por quedarse con los planos pierde a lo único que amaba, su hija. Una metáfora de perder el alma por dinero, o por la razón: se enfatiza que los planos son muy meticulosos, precisos, perfectos hasta el último detalle. Y esa historia lleva al futuro donde hay campos de concentración, y muerte por todos lados. Eso se ve que es muy deliberado, todos están muertos ahí por fuera o por dentro. Todos y todo. Lástima que el talento narrativo también. 

Lesbianas, tijeras y pitos indefensos

 

La película empieza con unos hombres complotando reunirse en algún lugar donde no puedan ir mujeres para fregarse a una compañera de trabajo. Sí, los hombres regularmente somos convocados por el Supremo Poder del Patriarcado para urdir nuestros planes, pero si no es así tenemos que ponernos de acuerdo rápidamente entre nosotros. 

Aún no están en ese lugar sin mujeres y entonces aparece Cassie, que se dedica a hacerse pasar por borracha para que algún hombre quiera aprovecharse de ella. Y a la hora de la hora, ¡pum! resulta que no estaba borracha. Entonces les pregunta si aún quieren sexo pero como ya no está borracha ninguno quiere  (¿¿¿???).

La película es básicamente un alegato en contra de la violación/abuso sexual pero exagera. No es que esté a favor de los violadores pero se supone que la mejor amiga de Cassie, cuando ambas estudiaban medicina, fue fornicada enfrente de otros, estando ella muy borracha, y la grabaron en video y todo mundo vio el video, y ella denunció, pero nadie hizo nada porque esas cosas pasan varias veces por semana en esa Universidad y pues es lo típico. Por un lado critican que no se haga nada por falta de pruebas y por otro dicen que hubo testigos y un video que todo mundo vio.

Cassie es un personaje muy peculiar pues se supone que dejó la carrera de medicina, tiene treinta años (que se ve bastante más grande), trabaja sirviendo café y vive con sus papás. ¿Porqué? Quién sabe, no se explica al personaje. Aunque se deja claro que ella podría tener un mejor trabajo si simplemente lo decidiera.

Y entonces aparece Mr. Right. ¿Cómo sabemos que es Mr. Right? Pues porque Cassie le echa un gargajo a su café cuando entra en escena y Mr. Right se lo toma para demostrar sumisión y le ruega que salga con él. Después Cassie le cancela una cita y al rato se la encuentra saliendo de un bar acaramelada con un negro. Pero vuelve a salir con ella. Además Mr Right ha prometido que no pedirá sexo. Y baila y canta canciones de Paris Hilton. ¿Tenemos al nuevo hombre postmacho, la nueva masculinidad encarnada? Pues no porque resulta que también es un violador.

Hacia el final las cosas se ponen tan absurdas que la película parece dejar su tono de denuncia y volverse francamente una farsa. Pero está mejor. En el cine donde la vi todos nos reíamos. Pensé que podrían haber tirado lo demás y empezar desde ahí una película tipo "Despedida de Soltero: Querida, asesiné a la Stripper". Todo mejora después de que Cassie intenta capar a un wey. Como en Hard Candy, donde la capadora era Ellen Page, ahora conocido como Elliot Page.

Y resulta difícil no pensar que Cassie es una lesbiana que estaba enamorada de su amiga a la que está vengando. Nunca se dice explícitamente pero creo que hay pistas de eso. 

Por cierto a un crítico de la revista Variety ya lo andaban cancelando por insinuar que Carey Mulligan no estaba como para hacer este papel de superseductora que nadie se le resiste. Lo cuál es obvio. 

El crítico se defendió diciendo que es gay para conservar su empleo.  

El alma del pueblo

Una chica llega a un pueblo que es una fosa séptica de drogadicción, corrupción, violencia, prostitución etc. Llega a hacer justicia, solo que todo lo que creía saber era mentira, los que creía que eran los malos eran los buenos. Algo así como un fanático político que ve la luz. Aunque su problema era familiar al final funciona como metáfora política y social. Un gran guión, Bella Thorne está excelente, Mickey Rourke está muy bien para el papel. Si les gustan películas como Winter Bone no se pierdan Girl.  

La Sombra de Madison Wisconsin

Un encapuchado/sombra maligna que es real sólo si crees en él. El problema claro está es que no se puede creer o dejar de creer en algo por simple fuerza de voluntad. Pero parece que el director y guionista de esta película de bajo presupuesto, pero hecha con mucho cuidado,  no está consciente de esto. Y entonces cae en contradicciones y al final no consigue un buen cierre. El personaje que sabe que el hoodman sólo te puede hacer daño si crees en él acaba por mejor darse un tiro, pero la mujer que de forma ridícula le dice a hoodman, "No eres real, no eres real" se salva. Así no se puede.

¿Y quién se sospecha qué es el hoodman? Pues del vecino de la protagonista, porque está enamorado de ella desde la secu y el amor es mal visto hoy en día. Y también se establece una relación con el síndrome de stress postraumático, lo que les da a los militares después de la guerra. El marido de la protagonista se había suicidado por eso. Ella le explica a una niña que los soldados hacen cosas espantosas..Y pues se quedan traumados. Quizá se les aparece el hoodman a los veteranos y no se va por más que le digan que no es real.

Dulcificando al Sugar Daddy

 

Belle Epoque, la película francesa, nada que ver con la española de los 90, es como la fantasía, el sueño de cualquier Sugar Daddy: La esposa lo deja y él compra un boleto para volver a su juventud y reencontrar el amor. Y la joven llega por el dinero pero se enamora claro está. Y la esposa se arrepiente obvio. Ella por cierto es psicoanalista y se la pasa soltando frases de Freud perspicaces y chistosas por el contexto.

Y poniéndonos en plan analítico, no es difícil notar que parte del encanto aquí es como se puede humillar y poseeer a la gente a billetazos. De hecho la película empieza con una escena muy políticamente incorrecta y luego nos dicen ¿cómo creen? eso es broma. Y empieza la versión azucarada. Pero ya saben, como diría Freud. Entre broma y broma la verdad se asoma.

Las gordibuenas matan mejor

Un grupo de famosos actores se van a filmar a las montañas plothole una típica historia sobre un asesino perfeccionista (Vean aquí lo que escribí de El Samurai ) Resulta entretenido el juego del gato y el ratón siempre y cuando uno no se ponga muy exigente con la lógica. Estas como ya dije son las montañas plothole señores.

Una cosa que falla es que todos los que solemos ver cine ya sabemos que cuando el metrosexual asesino protagonista llega a una cafetería y debe descubrir a quien debe matar según las palabras clave que tiene... pues ya sabemos que la mesera no es sólo una mesera porque es la famosa actriz Abbie Cornish. Actriz que ha pasado de ser superguapa a ser sólo gordibuena. Y esto ya es una tendencia, apenas la penúltima película de la que había escrito, la de Alice Fade Away, tiene una protagonista muy pasada de tamales, bastante a la derecha de donde la aguja de la báscula dice gordibuena. La corrección política está con todo. Pero bueno, regresando a la historia (Y no odio a l@s gord@s, yo soy gordo, sépase) sabemos que ella no es sólo una mesera pero también sabemos que no puede haber amor entre ellos, aunque haya sexo ¿Porqué? Es una buena pregunta. ¿Porque estamos en el 2021? ¿Porque él es demasiado metrosexual y ella sólo una mesera de pueblo? Quien sabe, el caso es que lo sabemos. Y no es que sea obvio que no puede haber amor entre él y la protagonista de una película, que además cogen.

De hecho creo que la relación entre los dos, es el centro de esta historia y el thriller la envoltura, es como una metáfora de la mañana siguiente de un "one night stand" o "aventura de una sola noche", en donde "gana" quién sea más frío. Lo cuál es triste.

Spoilers adelante

Al final, al igual que en El Samurai el asesino acaba haciendo que lo maten, pero mientras que en esa película me pareció que ese final era como una irrupción de la sombra jungiana, en esta película más bien parece... una simple pendejada más de ese pendejo. Aunque también podría verse a ella como la sombra de él, de hecho ella toma su lugar. Pero en la otra película, el final y toda la película en general estaba bien hecha. En este caso el mensaje, de que la vida sin sentimientos no es vida, resulta casi panfletario. Digamos, sin sentimientos.

Asesino serial que quitas el pecado del mundo

The Toll se trata, no del terror de que a uno lo quieran matar, sino del terror de asesinar a una persona. Es que no nos quieren matar dice uno de los personajes. Y si, todo indica que de lo que se trata es de hacer que se maten entre ellos. De hacerlos matar a una buena persona.

PELIGRO SPOILERS ADELANTE

Hay una escena en que llegan a una cabaña enmedio del bosque y resulta que ambos, que nunca se habían visto o conocido antes habían estado ahí de niños. Si se tratara de un sueño, y todo es muy onírico, diría que lo que sucede es sus historias son parte de una misma historia. Entonces él dice que ahora viene lo más pesado; el meollo de la cuestión digo yo. A este tipo se le aparece su mamá ya muerta que le confiesa que lo odiaba y fantaseaba con matarlo. Ella revive cuando fue abusada sexualmente, pero no parece que haya sido una violación, más bien que un tipo, estando ella borracha tal vez, la embarazó y se fue. Luego oye a un montón de gente, voces demoniacas, uno de ellos su padre, alguien le dice que aborte.

Y regresando al presente alguno de los dos debe morir, el otro debe matarlo. 

Y en un final que por lo que vi en comentarios no le gusto a nadie, resulta que el tipo se revela como asesino serial. Y al fin y al cabo era un cazador, los cazadores en el cine contemporáneo son siniestros, aunque durante toda la película nos habían dicho que este tipo a pesar de eso era bueno. Ilógico e incongruente dice la gente en comentarios y hay que añadir que es la salida fácil de una historia que se trata del horror a matar. Si uno es un asesino pues hay que despacharlo y ya.

Pero hay otra cosa, se supone que estos dos estaban en esta situación porque el toll man había olido una muerte; sangre que alguno de los dos traía, y ella había estado embarazada pero no parecía tener un hijo o hija. ¿No es demasiado fácil que ella mejor mate a un asesino, y quede libre de cualquier culpa y se consuele entre los brazos de su padre? 

Patriarcado y edición

Ambientada en los años cincuentas, supongo por ser una época en que las mujeres estaban más reprimidas, cuenta la historia de una mujer que huye de su matrimonio. Apenas nos enteramos de alguna cosa de ese matrimonio: Que la familia de él era rica y el padre del marido era un auténtico patriarca en el viejo sentido de la palabra: O sea, era un viejo poderoso. Y ella quería mucho a su hijo y el papá le regaló una vez un cuchillo al hijo y apenas algo más y ya. Entonces ella huye. Ni golpes, ni gritos, ni discusiones, nada. Vaya, ni suegra.

Como no nos enteramos de algo malo que el marido le haya hecho a ella, o al niño, aparte de regalarle un cuchillo. Y como sin embargo la película está narrada en base a flashbacks, con pequeñas escenas desperdigadas como para dar un efecto de "recuerdos traumáticos que aparecen desordenadamente", parece como si quisieran contar la historia y provocar emociones casi sin narrar y tan sólo dando algunos elementos de información. Como diciendo:  Vean a este viejo con dinero, ahora ustedes asocien sensaciones de abandono, desolación, violencia y muerte. Luego hay violencia y muerte en la huida de ella pero parecen tener que ver más con la pista sonora y el estilo de edición de la película que con una historia congruente.

En resúmen es como si los creadores de Alice Fades Away hubieran dicho: Hay que poner un patriarca, un final feliz de esta tipa con otra mujer y un niño adoptado, unos asesinatos enmedio, no importa como, como sea. Y para que parezca una película profunda contamos todo con flashbacks, frases dizque profundas, ritmo lento y sonidos de páramo desolado y ya está. A la mejor hasta quedamos nominad@s al Oscar.

Las claves del cuarto oscuro

 

Terrible. Evítenla como pisar popó. Se supone que es una historia de hackers. Lo de Cicada 3301 es al parecer el nombre de unas pruebas, que han aparecido realmente en internet, que son como tests para hackers y que no se sabe quién las pone; si efectivamente un grupo clandestino para reclutar hackers o una agencia de inteligencia tipo la CIA, NSA, MI6 etc. Entonces el protagonista se pone a descifrar las claves y se vuelve como un juego de "rally" como le diríamos los chilangos. Aunque como espectadores no estamos invitados a resolver el enigma, no son cosas que uno como espectador pudiera o quisiera resolver. La película, contra lo que se esperaría de una historia de hackers, tiene además un lado "cómico", con un humor centrado digamos en la homosexualidad o en acusar al otro de puto. Un poco como si el guionista en realidad quisiera escribir una película de albures. Ejemplo: Están en un juicio secreto por tratarse de temas de inteligencia y seguridad nacional. Juicios que si existen en Estados Unidos:

El Acusado:

"...y entonces señores vi al Agente Tal sin ropa y vi que no tiene pito."

El Agente Tal:

"¡Eso es falso Señoría! A ver, ¿si no tengo pito entonces cómo orino?"

De ese nivel. Evidentemente el guionista andaba interesado en otra cosa y no en hackers. Al final, la última prueba es en una orgifiesta muy elegante en donde el protagonista va a abriendo habitaciones en las que hay gente teniendo sexo. Pero para que se vea que sí es una película de hackers sueltan desganadamente que este tipo le hace al final lo de wkileaks o lo de Edward Snowden al maldito gobierno. Con rollito conspiranoico de la tecnología buena contra los malos/gobierno/capitalismo/ blablablá incluido.

Ni thriller  ni comedia. 

Un travesti en el camino a Damasco

 

Empieza bien la película, una historia de crimen compleja, realista, con personajes interesantes. Pero acaba mal. Y es que parece que en el camino a Damasco se estrellaron con la corrección política que como un iceberg hundió la historia. El principal problema es que el personaje principal, que yo al principio le veía pinta de estudiante universitario, resulta que trabajaba de golpeador en la cárcel. A donde lo metieron por golpear niños!!! Quién se lo hubiera imaginado, el tipo que oye música clásica, que al principio en una escena sale llorando a moco tendido en una lavandería porque no ha pagado la renta o algo así. No, ese tipo parece que no podría dar clases de primaria sin que le hicieran bullying. No la hace de golpeador y azote de presos. 

¿Qué pasó aquí? Parece que la idea era presentar a un tipo malo que por su amor a un travestí/transexual se vuelve bueno. Se convierte al bien, como San Pablo que en el camino a Damasco se encuentra a un ángel y se vuelve bueno, porque era muy malo. ¿Y quienes son los buenos? Los amig@s del travesti. O el negro aunque sea mafioso porque es huérfano y ama a su tía y bueno... es negro. El pedófilo porque está en terapia y sólo es una víctima de su patriarcal, trumpista y racista padre. El jefe criminal porque es un tipo elegante que desprecia al verdadero macho, al bro encarnación de todo lo malo. Y a ese tipo parece que lo metieron nada más por hacer contraste porque ni siquiera tiene un papel relevante en la historia. Podría no haber existido y la historia realmente no sería distinta. O sea a mi también me cagan los trumpianos racistas y no veo nada de malo en que para dar a entender que cierto tipo es un gusano le pongan su cachucha de "Make America Great Again". Pero tampoco hay que exgerar.

La Sombra y el Celular

 

Come True es una película canadiense, que recuerda mucho el estilo del director, también canadiense, Atom Egoyan. Y se presenta como una película jungiana dividida en capítulos cada uno con el nombre de un tema jungiano: Anima y Animus, La Sombra, La Persona etc. Yo sin embargo no hallé ninguna relación entre estos títulos y lo que sucedia en cada parte. Excepto con la Sombra que es más que obvio. Pero hay unos mounstruos más interesantes que las figuras representantes de la sombra: las pantallas y los celulares: Las pesadillas se materializan a través de elllos, la protagonista cree encontrar el amor por ellos y al final, en la típica vuelta de tuerca que traiciona la historia resulta que ella no ve ha visto la realidad y el único modo, desesperado, de contactarla (desde la realidad) es a través del celular. Al que lo llevaron los supuestos seres-sombra. Porque el celular es su verdadera Sombra.

Dan más miedo las cucarachas

The Devil Below no es del todo mala. Creo que Alicia Sanz, la actriz española que interpreta a la protagonista está muy bien. Como dato curioso el otro papel protagónico lo hace el mexicano Adán Canto, que interpreta a un geólogo inglés, también bien. Y la idea no es mala, una historia de terror en el contexto de una mina de carbón abandonada, que como público  relacionamos con terribles accidentes, muertos por docenas, infiernos de la vida real. Desafortunadamente allá en el fondo, encerrados con tapas como de alcantarilla improvisada, lo único que hay son clichés de película de terror. Puede servir esta película para desconectar el cerebro un rato con algo de botana, hay películas peores. Pero también mejores.

La centinela insípida

 

Olga Kurylenko ha hecho mucho mejores papeles, en Oblivion, por ejemplo, junto a Tom Cruise. Ha sido una chica Bond. Que su personaje, la soldado Tania en Sentinelle resulte tan equis no es culpa de la actriz sino de un guión, que como suele pasar a menudo en el cine francés, no siempre, claro, no logra transmitir emociones por una especie de "manía minimalista narrativa" donde los personajes son fríos y calculadores y no dicen nada que no sea necesario decir. Cuando Tania sale vestida como en el póster de arriba pero en la película, parece que quiere pasar desapercibida como si fuera a realizar alguna misión de espionaje pero no. Es como si alguien quisiera que la protagonista pasara desapercibida pero del público. Y lo mismo la historia que parece salida de un esquema dibujado con plumones en un a pizarra blanca: "X es la protagonista y deberá matar a Y porque atacó a la hermana de X, es decir a X2".

Parece que ni siquiera hay conflicto porque Tania X es muy buena para los madrazos y está bien armada y va a matar a Y... y pus equis...

Se nota que, quien haya escrito el guión, estaba consciente de este problema de la historia y trató de meterle más cosas, como la primera escena en la guerra de Siria, la mejor de la película, y luego el tema de la adicción de Tania. Pero el problema sigue siendo que la historia principal no tiene chiste. Y el colmo es que en esta historia desangelada y fría además como que se saltan unos pasos y hay cosas que no están bien explicadas.  

Al final Tania falla y no elimina a Y pero vemos que meses después, en Dubai, disfrazada, lo vuelve a enfrentar. Y esa sí parece una buena historia, lástima que no fue la que nos contaron.

Cosmic Sin: el soldado amargado

"Nunca te conviertas en un viejo soldado" le dice el personaje de Bruce Willis, un viejo general, a una joven guerrera. Está llorando y le dice que nunca diga lo que ha hecho para que no la vean como a un mounstruo. Como le pasa a él. Para ser una película serie B de poco presupuesto Cosmic Sin está muy centrada en la culpa. Nada de eliminar alienígenas extraterrestres invasores alegremente y ya.

Es una historia más bien descosida, es decir el guión no es muy comgruente. Al principio tenemos a un típico personaje que no sigue las reglas para cumplir su misión. Sólo que en este caso el pecado del "General Sangre" fue soltar una bomba tan poderosa que puede crear un hoyo negro en el espacio. Y se cargó a 70 millones con su audacia. Y se supone que entonces eso indica es un tipo buenísimo para los madrazos y que no hay que hacérsela de pedo si uno se lo encuentra en un bar de table dance. Cuando obviamente la orden para usar una arma de destrucción masiva la puede dar cómodamente sentado mientras se toma un café un hombre, mujer, robot o quimera sin ser necesartio ser bueno para los madrazos.

Y sus hazañas militares le costaron su matrimonio a nuestro héroe porque su exesposa es una científica liberal, que opina que lo que hizo fue monstruoso, y además lo juzgaron, lo dieron de baja y le quitaron su rango y hasta su pensión. Obviamente se critica a los liberales, pero eso no consuela al general.

Los extraterrestres que es llamado a combatir están como raros, no quieren matar a los humanos, el mismo general lo dice. Otro dice que es como el encuentro entre aztecas y españoles. Estos extraterrestres como que quieren mezclarse, tomar los cuerpos humanos con sus mentes de ilegal aliens. Para estar a tono con los tiempos trumpianos se advierte que todo lo que los militares humanos hagan será ilegal. Pero como ya decía, los extraterrestres están raros; en una escena que recuerda cuando Luke se enfrenta a un Darth Vader fantasmal (en el Imperio Contraataca), en algún lugar oscuro de Dagobah, los extraterrestres llevan al general, (no lo matan ni lo lastiman), a un encuentro con su exesposa en un lugar oscuro. Como si los alienígenas y la ex fueran su sombra jungiana, es decir lo que él no quiere reconocer, como si supiera que en el fondo está equivocado. Pero ya es demasiadi tarde, ella no volverá y el general acabará solo, escuchando la propaganda del gobierno, que habla de un reino de mil años, como Hitler, y que dice que ellos buscan la paz. Puras mentiras y él lo sabe.

 

Son

 

Son es una buena combinación entre thriller y horror. Empieza con un sermón cristiano pero con tono demoniaco. Nada nuevo claro, a fin de cuentas el tema del anticristo, (Así como la inquisición, la quema de brujas etc etc) que esta película retoma, viene del cristianismo. Lo interesante es que no se sabe si esto se va a tratar de un grupo pedófilo o de una secta, o de locura o si los buenos realmente lo son o si los malos no acaban siendo los buenos. Tiene este elemento tan contemporáneo de que ni los personajes o los espectadores saben que es lo real, pero bien utilizado para darle tensión a la historia. 

Que el tema de la pedofilia salga en el cine no es de extrañar con tantos casos que hay. Lo mismo las sectas. Lo que me llama más la atención es el tema del canibalismo también muy de moda. En este caso hay un paralelismo con la comunión cristiana, donde se come el cuerpo de Cristo para que Dios entre en uno. Y en esta película también sirve como metáfora de las drogas. Quizá simplemente sucede que los humanos nos estamos canibalizando unos a otros aunque no sea literalmente.

Y que el tema de sectas, pedofilia y canibalismo salgan juntos no creo que sea ninguna casualidad. Las sectas cristianas en Estados Unidos apoyan a Trump, y los republicanos ahora son como una supersecta con un líder que para algunos es un enviado de Dios (Sí, Trump) y no escuchan a nadie que contradiga su fe. Y para ellos los demócratas liberales son del demonio y están dirigidos por unos pedófilos caníbales. Los Clinton, Obama etc. Como dije el mundo parece estar lleno de pedófilos y ha de haber en todos lados pero ya cuando un tema central en una elección presidencial es que un bando dice que los otros son unos satánicos pedófilos caníbales parece más bien proyección de su propia sombra secta.

Entre Irán y el Hotel California

 

The Night es una película americana, filmada en Los Angeles pero hecha por iranís, actuada por iranís y con personajes que se supone son emigrantes iranís, que hablan en persa; y es la primer película americana estrenada en cines de Irán desde 1979. Sin embargo la película no pretende tener ningún mensaje político o social, lo que pretende simplemente es ser una película de horror. Desafortunadamente la maleta de trucos de The Night no trae nada novedoso (O sea a quién le da miedo un gato negro) y en vez de horror lo que da es sensación de deja vu. La mayor parte de la historia transcurre en un hotel y supongo que por eso alguien dice que es un horror "Kubrickiano", pero no, no tiene nada que ver con El Resplandor. A la que sí me recordó es a la stephenkingesca Habitación 1408 por el hotel del demonio donde siempre suena musiquita almibarada. Más que presentar una historia The Night parece que sólo quiere crear una atmósfera, como de el hotel de la dimensión desconocida o el hotel california de la canción, lo que provoca, por lo menos a mí, la pregunta de ¿bueno y esto a que horas se pone bueno?

Al final sí acaba apareciendo una historia y resulta que todo lo que le pasa al matrimonio protagonista es por las cosas que hicieron mientras estuvieron alejados, él en América y ella en Irán. Y como suele suceder en las historias de Hollywood la solución es la confesión. Pan con lo mismo. Pero en persa. 

Fear of Rain

 

Esta es buena. Creo que hace un buen trabajo de transmitir la sensación de terror que han de sentir los locos que oyen y ven cosas. Y cuestiona la idea de realidad: como cuando a la protagonista le dicen que la pueden meter al manicomio y contesta que eso no es justo porque la gente religiosa se la pasa diciendo que ve y oye cosas y a ellos nadie les dice nada. De hecho tienen hasta apoyos oficiales (Digo yo). A fin de cuentas Rain, la protagonista para saber si algo es real depende de los demás (como todos), que le hacen tomar medicinas que hacen que "no se sienta ella". La "realidad" vs sentirse ella.¿Y que pasa si vive en un mundo lleno de gente mounstruosa? ¿O donde la gente en los hospitales aún muriéndose de covid se niegan a creer que el covid existe? Esto último es de mi cosecha pero en un mundo en donde las teorías de la conspiración y las fake news toman el poder se vuelve más complicado saber que es real. No es de extrañar que en el cine actual sea tan común que los personajes se pregunten qué es real. 

Una crítica que le hago sin embargo a Fear of Rain es que al final  hay una cosa que sí resulta sorprendente y otra que no. Y eso le quita suspenso. Por cierto, por lo visto en las high schools gringas la gente puede entrar a clase o no. O sea yo tenía que entrar a clase a güevo...

Joligüd atrapado en su día de la marmota

La idea de hacer "El mapa de las pequeñas cosas perfectas" ha de haber salido de un diálogo como el siguiente:

-Wey, tenemos que hacer una película nueva.

-Es muy arriesgado.

-No porque no vamos a hacer una película nueva "nueva" vamos a volver a hacer "El Día de la Marmota"

¡Con nuevos actores! ¡Adolescentes para atraer al público juvenil!

-Sí ¡A güevo!

-¡Y le metemos un rollo de que el chiste de la vida es coleccionar momentos instagram!

-¡Vengan esos cinco!

Algún día en joligüd se armaran de valor para salir de su loop temporal

Willy´s Wonderland: El culto de la comadreja

De esas tan malas, tan malas que pueden ser divertidas de tan malas. (Conste, "pueden" si no son fans de este tipo de cosas mejor aléjense). Es una mezcla como de cuatro temas típicos de terror, aunque a veces mas bien da risa: El parque de diversiones del demonio, lo infantil terrorífico, el pueblo perdido con un oscuro secreto y también un poco de los adolescentes en una cabaña en el bosque. Incluyendo la escena donde hacen brocheta a un par de ell@s mientras cogen.

Me llama la atención que según el director, esta película está influenciada por Killer Klowns from Outer Space. Una de las últimas películas analizadas en este blog. De hecho uno de los productores de Killer Klowns también participa en la producción de esta cosa. Y yo sólo encuentro una relación entre ambas, pero dudo mucho, no creo, que sea a lo que se refiere el director. Como escribí en el análisis de Killer Klowns, la película me hizo pensar en el trumpismo. Y esta también. En Estados Unidos las zonas rurales, los pueblitos pobres como el que sale en esta película, donde la gente vive en campers son las zonas donde más apoyan a Trump. Y en este pueblo tejano en particular están al servicio de una comadreja satánica robótica. Y en Estados Unidos decirle de alguien que es una comadreja significa que él o la susodicha es mentirosa, armapleitos, traicionera, que tiene una lengua venenosa como diríamos en español. 

  

Locked Down: Escapismo pandémico

Esta imagen de Locked Down, película donde los personajes están en Londres, en cuarentena, es de una escena en un elevador donde juegan a que mientras estén ahí, tienen que responder a cualquier pregunta. Lo que recuerda que el encierro hace que afloren las verdades. Pero la película no se va por ahí, al contrario, es una fantasía escapista para pasar dos horas en compañía de una pareja ideal. Para empezar se supone que ya tronaron y sólo siguen juntos porque les cayó la cuarentena pero en realidad se llevan perfecto. O sea drama pero sin problemas. El es un tipo duro, ex drogadicto, ex preso, porque casi mata a un hombre a golpes, con contactos importantes en el bajo mundo. Y a ella le gustan los bandidos. Pero ahora es bueno, sensible, ama la poesía y cocinar pan y es un gran conversador porque eso sí, en Locked Down se nota la mano de un escritor profesional, solvente, bueno para los diálogos. Y hay una historia compleja y sofisticada, aunque poco creíble, acerca de un robo.

Ella es una ejecutiva, la nombran directora de su compañía, pero también es sensible, odia correr gente, no se adapta al sistema, quiere dedicarse a pintar. Sí ajá, el/la típic@ ejecutiv@ sensible, como no. No le encuentran sentido a su vida pero ella se va a poner a pintar, cosa que por lo que se ve nunca ha hecho. Ni su pareja sabía que ella era una pintora queriendo salir del clóset. ¿El qué quiere? Pasar de ser un chofer a atender al público en su trabajo (¿Neta? piénsalo bien bro, eso no parece el camino de la felicidad... ) Cometer un robo que no afectará a nadie, atender clientes y ponerse a pintar y crisis existencial resuelta. Ahí es donde se nota que este guión se hizo a las carreras, al parecer a partir de una apuesta que hizo Steve Knight, el guionista. Y luego eso de que son rebeldes y están contra el sistema... no se como vivan los choferes en Londres pero muchos choferes matarían por tener el nivel de vida del chofer Paxton.  Uy si maldito sistema pero vámonos a Harrods y como tenemos un trabajo que hacer ahí aprovechamos para pasar a la sección de comida y tomar cosas que normalmente costarían 5000 libras esterlinas. Gratis. Muchos se identificarán con los personajes: Encierro, crisis existencial, crisis de pareja, recaer en vicios, pero en Locked Down todo se arregla fácilmente, porque en realidad no se tomó nada de eso en serio desde un principio. El sabor de boca que deja sin embargo no es como el que imagino después de hacer un picnic en Harrods, sino como si uno hubiera comido en un plato muy elegante con cubiertos finos un pedazo de tofu muy bien presentado. O sea, no sabe a nada. 

La Funeraria

Un desfile de clichés sin vida, en un velorio leeento y, lo peor de todo para una película que pretende ser de terror.... ¡sin grandes sobresaltos! Eso resulta "La Funeraria", una película argentina que tal vez, quizá, le pueda gustar a los fans del terror, porque a ellos todo les gusta pero nada más. En la historia de La Funeraria lo sobrenatural viene siendo como un efecto o consecuencia de los horrores de una familia, donde el papá era bueno con la hija pero muy malo con la esposa y el padre del nuevo esposo era del demonio. Las relaciones en esa familia están pues más muertas que los cadaveres que velan en la funeraria que es el negocio familiar. Desafortunadamente la imaginación aquí tampoco da señales de vida y el peso del "terror" se carga demasiado al soundtrack, al ritmo lento y a la atmósfera familiar de aburrición de muerte.

¿Y qué es lo que pasa en esta familia? Pues vemos que todos los personajes tienen una especie de "doble" o doble personalidad. Una especie de "sombra jungiana". El-papá-bueno-con-la-hija-malo-con-la-esposa tiene una mamá también muy-buena-con-la-nieta-pero-suegra-infernal. El nuevo marido es bueno pero su papá era muy malo y jalan a la madre e hija que también son como un par, en diferentes direcciones. La madre muere pero la hija se salva... a fin de cuentas ella tiene algo del lado oscuro en ella. Y mala yerba nunca muere. O sea lo sobrenatural puede verse como la visualización de estas tensiones familiares/internas.

Hay otro personaje, una "shamana" que en realidad hace un papel muy forzado como de narradora, explica lo que pasa, y lo que va a pasar y hasta "crea" el final como si fuera la directora de la película.

Final por cierto patéticamente anticuado. Resulta que el "sueño" de la hija era que sus padres y su abuela la vieran bailar ballet ¡¿Ballet, en sero!?. Por lo menos hubiera perreado y se hubiera echado un twerking digo yo.

Ser o no ser

Una película muy de argumentos, estilo teatro futurista, que curiosamente parece que fue escrita hace unos años pero hace pensar inmediatamente en la pandemia pues imagina un mundo donde el sol se ha vuelto tóxico y casi nadie se atreve a salir de día a la calle y los que lo hacen tienen que protegerse. Su tema es la tecnología y la identidad pero no sólo eso, también la identidad y el amor por ejemplo. ¿Si quiero "mejorar" a mi pareja realmente la amo y visceversa? ¿Buscar a la pareja perfecta hace qué no se pueda encontrar el amor? ¿Qué tanto se puede cambiar sin dejar de sentirse uno mismo "uno mismo"? Temas universales pero que gracias a la tecnología se vuelven más complejos. 

La película puede verse en inglés (y legalmente) aquí

Payaso mata payaso

Payaso mata payaso. Así como brozo y amlo y el payaso anaranjado que no se quiere ir de la casa blanca y sus némesis: los conductores y comediantes de los late night shows y de saturday night live. ¿No es exagerado ver una relación entre Killer Klowns from Outer Space y los payasos de la política contemporánea? Tal vez, pero conste que en esta película hay un policía bueno y uno malo, y el malo es un fascista que odia a los estudiantes del college de su pueblo, por ser niños mimados liberales. Y en la última elección americana quedó claro que la principal división en USA es entre republicanos rurales o semirurales o de pequeñas ciudades que odian a los liberales de las ciudades que estudiaron o estudian college y que tienen más dinero. Y lo que hacen los killer klowns con la gente es envolverla en una dulce red de mentiras. Perdón de algodón de dulce. Y los almacenan estilo matrix para chuparles lo que les sirve. Hay además otro tema seguramente relacionado con el anterior: Según Jung nuestro "self", nuestro verdadero ser digamos, es una especie de centro al que se llega descubriendo un velo tras otro. De hecho en alguna parte habla de mandalas geométricos. Aquí al final para derrotar a los payasos asesinos hay que llegar al centro del circo, a través de puertas cada vez más chicas, cada una con un dibujo geométrico o abstracto. Y esto me lleva al tema de Todo sobre Eve, sobre la verdadera personalidad y la "persona", es decir las adaptaciones sociales que todos debemos hacer. Digamos que la "persona" puede ser el pequeño payaso o payasos que todos llevamos dentro. Curiosamente aquí el policía bueno para matar al gran payaso del mal lo que hace es quitarse su placa de policía para destrozar el centro del payaso, su nariz roja. Esto es muy jungiano, porque Jung diría que si llevamos un payaso del mal adentro lo que habría que hacer es dejar de ser o creernos tan serios pues lo reprimido es peligroso.

La niña del burdel

La casa estaba en Nueva Orleans, como la casa del sol naciente, pero no se llamaba así, no era la casa de la canción, era otra, un burdel elegante en 1917, durante la primer guerra mundial. El lugar estaba lleno de oficiales de la marina, políticos y hombres bien vestidos con dinero para apostar, beber absenta y subir a los cuartos con una o más de las chicas.

Pretty Baby (1978 Louis Malle, guión de Polly Platt basado en una historia de Louis Malle y Polly Platt) es la historia de una niña que vivía en esa casa, Violet (Brooke Shields), hija de una de las chicas de Madame Nell, Hattie, una Susan Sarandon joven y despampanante, que a su vez era hija de otra prostituta.

Violet no era la única menor, la casa era como una gran familia con los hijos e hijas de las trabajadoras del amor y de los otros empleados. Había hasta mascotas, inclusive un pony para montar.

Las reglas eran relajadas, un gato podía beber leche del vaso de Violet y una rata deambular por un cuarto. y todo normal.

A un cliente que se ponía agresivo lo podían descontar de un martillazo en la cabeza, y la madame decía que si se moría mejor.

Y lo más normal era que Violet empezara a trabajar. Por ella no había problema, quería ser como su mamá y las otras chicas. El gran día de la subasta de su virginidad todas, incluyendo a su mamá le daban tips y consejos para hacer bien la chamba y ella decía que ya sabía todo eso que no se molestaran.

Al final cuando la mamá regresa por Violet, pues se había casado y se había ido a Missouri, y regresa después de confesarle al marido que Violet no era su hermana sino su hija y el marido aceptó ir por ella para que Violet vaya a la escuela y se eduque como una mujer respetable, en ese momento la cosa se pone agridulce. Las hordas puritanas habían hecho que el burdel cerrara y Madame Nell y sus chicas, vestidas con una elegancia que ni Kate Middleton, se iban a Chicago. Y  Violet que no podía quedarse quieta para las fotos finalmente queda congelada posando para la foto en la imagen final. Y ahí está lo triste, la niña salvaje Violet, porque era tremenda, en camino a la domesticación, la decencia y la respetabilidad. Todo lo bueno y aburrido.

El gran mérito de Pretty Baby es el retrato que presenta, muy literario, con grandes actuaciones, personajes perfectamente delineados, y exquisitez en el detalle, de un mundo de jazz, vudú y cocaína, amor y violencia, elegancia y libertinaje, pero a final de cuentas un mundo muy humano.

  

El Espíritu Santo y su Mustang rojo convertible

 

Aunque esta película es demasiado suave con los fundamentalistas cristianos para mi gusto, es interesante y entretenida. Una chica huye de su comuna superreligiosa en el desierto de Utah, a la ciudad que le queda más cerca, nada menos que...  Las Vegas. Aunque el Espíritu Santo es el gran protagonista invisible de la historia, las nuevas formas en que se presenta, con imágenes que llevan a mustangs convertibles o una canción en un cassette son muy originales. O no, porque ¿cuántos embarazos reales no habrá gracias a canciones (de reggaetón claro), o autos deportivos? Nunca me había dado cuenta que el espíritu santo es una figura paterna, masculina y seductora. La película recuerda un poco a Sobre las Olas aunque esta tiene un tono muchísimo más ligero, en ambas hay una protagonista femenina en una comunidad religiosa puritana y el sexo se mete a través de la música. El título de la película, Electrick Children, supongo que se debe a que este principio masculino/espíritu santo se transforma en una electridad que a través de guitarras, micrófonos, caseteras y las luces del Strip de Las Vegas despliega su poder embarazante actuando desde la distancia sobre la psique femenina.    

Turn me on, dammit!

Película noruega del 2011 Turn me on, Dammit! (o Godammit!) al parecer nunca ha sido estrenada formalmente en español porque no encontré el título en español. Es una buena historia de amor adolescente, algo no tan fácil de encontrar. ¿Será pura coincidencia qué sucede un incidente "polémico"? ¿Algo qué en ciertos lugares podría acabar con alguien en la cárcel? ¿Qué haya una buena historia de amor con algo prohibido? Lo dudo.

 

Coapa Heights

Pequeña joya rodada al parecer en 1999, estrenada en 2003 y hace poco vuelta a estrenar. No es una historia bien estructurada pero sorprende por el retrato divertido pero fidedigno de cierta parte de la sociedad de la Ciudad de México, de Villa Coapa supuestamente, pero rodada en diferentes partes de la ciudad y también identificable para chilangos de diferentes rumbos. Aunque se diga que Coapa Heights es un chiste privado entre los de Coapa. Eso sí, gran parte de su encanto es la forma en que captura modismos y dialectos chilangos que difícilmente se comprenderán desde lejos. Estelarizada por Diego Luna cuando estaba a punto de dar el paso final al estrellato y Martín Altomaro que hace un personaje genial. El resto del elenco también de primera línea. El que hace a "El Dientes" no se quién sea pero está excelente. La dirección de arte a cargo del famoso Artemio, música de Sonido Lasser Drakkar. Hasta sus obvios y grandes errores parecen ayudar a crear una atmósfera caótica pero fresca y genuina. 

Se puede ver aquí

Nosferatu, la peste

 

Se ha dicho que el Dracula de Bram Stoker es una metáfora de una epidemia de sífilis. En el caso de Nosferatu, el primer gran clásico cinematográfico de vampiros, literalmente la película empieza diciendo que es la historia de una gran epidemia que azotó a Wurzburg,  Alemania, en el siglo XIX. El vampiro Nosferatu no es mas que la encarnación de esa epidemia. Un hecho curioso es que la película es de 1922 cuando el mundo apenas iba saliendo de la epidemia de gripe española, que, por lo menos hasta ahora, mató a mucha más gente que el covid 19 y ni siquiera se le menciona. En cambio Nosferatu se remonta hasta la peste negra de la edad media, que esa sí fue brutal, y esa es la enfermedad que Nosferatu lleva a Wurzburg por medio de ratas y tierra contaminada. Se supone que para acabar con el vampiro una mujer (Maiden en la traducción en inglés que sería una soltera lo cual no checa porque la que se sacrifica es casada) debe sacrificarse para atraer al vampiro y hacer que este se distraiga y se exponga a la luz de la mañana. Es como extraño eso de sacrificar mujeres en una historia alemana del siglo XX. Pero si consideramos que el pueblo estaba en cuarentena, pues se supone que estaba en cuarentena y pasaba un señor a cada casa para poner una cruz en las que hubiera muertos, como que lo del sacrificio adquiere sentido. O sea no podían como nosotros esperar a que saliera la cura o la vacuna. Entonces si todos se encerraban se iban a morir de hambre. Tampoco podían trabajar por zoom. Si salían se enfermaban de peste y se morían pero si no salían se morirían de hambre... y de peste. ¿Qué quedaba por hacer? Pues lo que hace Ellen, exponerse al Nosferatu/peste. Así había muchos muertos pero se acababa la peste y no morían de hambre. De hecho también para hacer vacunas se necesita gente que se exponga a la enfermedad. 

Nosferatu también funciona como anillo al dedo como metáfora de la sombra jungiana, al final lliteralmente desaparece como sombra con la luz y varias veces se la llama sombra y cosas similares. Y lo que recomienda Jung para que no nos controle nuestra sombra que viene siendo nuestro inconsciente es echarle luz, conocerlo no reprimirlo. Pero en este caso se puede decir que el mal triunfó, el vampiro se hechó a la amada esposa del protagonista. Sí, luego desapareció pero el daño estaba hecho. Esta historia es una tragedia. Curiosamente Jung no descarta que dejar de reprimir la sombra para echarle luz puede ser muy peligroso. Al parecer llegó a rechazar casos de gente en apariencia muy normal, de lo más normal, pero que al empezar a evaluarlos se dió cuenta que era gente que estaba a punto de volverse loca, o como diría él, de tener un brote sicótico. Y lo que podía desencadenar ese brote era empezar a moverle al inconsciente así que él quedaría como el doctor que en lugar de ayudar a la gente la hizo enloquecer.  

Hay otro punto interesante de Nosferatu como metáfora de la sombra: Llega de fuera, pero en Wurzburg tenía una persona, con la que tiene una unión telepática o sea que en cierta forma estaba adentro. Y estos dos además se escribían cartas pero llenas de símbolos y letras extrañas. Uno de esos símbolos es la swástika.

Rick Blaine, el amor y los frijoles

Para Rick Blaine, mejor conocido como Rick de Casablanca, el amor no vale ni un montón de frijoles. Es lo que le dice a Ilsa, tras decidir ella dejar a su esposo para irse con él. Esto es una vil puñalada. No importa que dice que lo de los frijoles es comparándolo con los problemas del mundo. Sí, estaban en la segunda guerra mundial, pero problemas del mundo siempre ha habido. Después de la segunda guerra mundial vino la guerra fría y otras guerras y hay hambre, injusticia, calentamiento global y lo que ustedes quieran. Si nos vamos para atrás los matrimonios por conveniencia eran lo más normal y podemos imaginarnos a un Rick Blaine diciéndole a una hija: "Debes casarte con fulanito aunque estés enamorada de zutanito porque fulanito es rico y comparado con eso tu amor por zutanito no vale ni un montón de frijoles".

Lo importante para Rick es París. Lo dice textualmente cuando ella le pregunta ¿Pero qué hay de nosotros? y contesta: "Siempre tendremos Paris". Es decir para Rick ella sólo representa París. Y para ayudar a París debe ayudar al marido.

Basada en una obra de teatro escrita durante el verano de 1940, cuando los nazis toman París, se puede identificar en Rick la actitud americana frente a Francia en ese momento. Como Rick, los Estados Unidos se mantenían neutrales en la guerra, pero también como con Rick esto no había sido siempre así. En la primera guerra mundial los E.U. habían estado del lado de Francia y demás aliados contra Alemania. Rick había traficado armas en Etiopia para apoyar la guerra contra la Italia fascista y había peleado con los republicanos en España contra los falangistas aliados del nazifascismo. 

Pero ahora en Francia había colaboracionistas nazis, medio país estaba ocupado por la Wehrmacht y el resto era gobernado desde Vichy por un gobierno títere. Este gobernaba en Casablanca y el régimen de Vichy está representado por el jefe de policía Renault.

Aquí hay una cosa curiosa, hay un personaje por el que Rick y al parecer todos los demás sienten un profundo desprecio, Ugarte. Y Ugarte hace las mismas cosas que Renault, pero Ugarte merece desprecio mientras que Renault es simpático y al final un gran amigo. Ugarte y Renault venden visas para salir de Casablanca. Rick dice que no lo desprecia por eso sino por hacerlo a bajo precio, que no es por ser un parásito sino por ser un parásito de descuento. Luego sale el tema de que Ugarte mató o tuvo que ver con el asesinato de unos alemanes y Rick le da a entender que ahora lo considera todavía más ruin y bajo.

Pero Renault es un corruptazo y también mata. Dice cínicamente que no ha decidido si Ugarte se suicidó o tuvo un accidente. Pide acostarse con las mujeres a cambio de visas. Y lo peor, acepta ponerle una trampa al héroe Laszlo para mandarlo a un campo de concentración (!!!) Ah pero él es bueno. Al final, en un cambio sin justificación, rompe una botella de "Aguas de Vichy" y decide irse a luchar con la Francia Libre. Tal vez Ugarte representa un poco a España por el apellido. Era un actor/personaje italiano pero al parecer, por cuestiones de producción todos los malos que no fueran alemanes debían ser italianos.

Hay un punto clave de la trama que es totalmente absurdo, pero que por eso mismo refleja claramente que Casablanca no es una historia de amor sino de las relaciones entre Francia y Estados Unidos. Los famosos salvoconductos firmados por el General De Gaulle. ¿De qué demonios podría servir cualquier cosa firmada por el líder de la Francia Libre, es decir el gobierno francés en el exilio frente a los de Vichy o los alemanes? Obviamente que no tendría ningún valor, al contrario sería peligroso tenerlo.

Al parecer Humphrey Bogart e Ingrid Bergman platicaron entre ellos que la película no funcionaría por el guión tan absurdo.

Sin embargo desde el punto de vista simbólico que la firma del General De Gaulle represente la libertad lo dice todo. Y también es absurdo lo que le dice Laszlo a Rick al final: que ahora que está de su lado sabe que ganarán la guerra. Absurdo a menos que Rick represente a Estados Unidos y su entrada a la guerra.

Al final es lógico que esta película nos diga que el amor no vale ni un montón de frijoles frente a los problemas del mundo. Porque según se sabe al día siguiente del ataque a Pearl Harbour los estudios Warner empezaron a buscar historias que vinieran bien con la entrada a la guerra y apenas dos semanas después compraron "Everybody comes to Rick´s" para adaptarla y empezar a filmar cuanto antes. Nada de amor aquí que estamos en guerra señores.

Lo que sí es más curioso es que el famoso estribillo de "As time goes by", la canción de Rick e Ilsa que viene desde la obra original también nos diga que el amor ni es la gran cosa.

 

                                                A kiss is just a kiss

                                               a sigh is just a sigh      

  

El monstruo de los mil espejos

Eva al desnudo trata en el fondo acerca del conflicto entre la verdadera personalidad y las adaptaciones que se hacen para adaptarse o triunfar o manipular a la sociedad. O sea a los otros. Específicamente se trata de este conflicto en personajes femeninos, pero podría funcionar sin grandes cambios para personajes masculinos. Y en el medio del espectáculo, que es como el escenario ideal, valga la redundancia, para tratar este tema que en el fondo es universal pues como dijo Shakespeare: "Todo el mundo es un escenario". 

Aunque para la crítica que se basa y se limita a temas de género los grandes temas de esta película son el rol de la mujer o el contraste entre personajes heterosexuales y homosexuales. En realidad no hay ningún personaje que se presente como homosexual. Es cierto que en ese entonces en Hollywood había una especie de código que no permitía presentar personajes homosexuales y que entonces hay que leer "entre líneas". Tal vez sí. O no, porque el par de personajes que se supone son homosexuales, hombre y mujer, acaban formando una pareja. Y antes ella iba a bajarle al esposo a otra mujer. De cualquier modo el argumento de la película, la trama, no va por ahí. En cualquier caso ese sería un tema secundario. 

También podría verse el tema del complejo de Elektra, la versión femenina del complejo de Edipo, hay algo de eso también, sin embargo la tensión que recorre toda la película es de mujeres a quienes el público, sus seguidores, fans, les roban la personalidad. Literalmente en el caso de Margo y Eva, pues Eva empieza por estudiarla para imitarla y luego quitarle su lugar. Y Margo lo dice textual acerca del público: Por ser una estrella y tener que complacer a la audiencia no puede ser ella. Y a fin de cuentas Eva es una chica del público, de ahí sale. Y se trata de un círculo: al final Eva conoce a la que le hará lo mismo que ella ha hecho.

Además Eva acaba "perteneciéndole" al crítico DeWitt. Y un crítico a fin de cuentas no es más que un miembro del público con algún poder extra.

Al final Margo se lo dice a Eva: Ese premio que ganaste es ahora tu corazón, es decir tú ya no tienes un corazón, no eres tú, dependes de lo que otros opinen y la escena final es lo más explícito posible: Eva está en un laberinto de reflejos, cada imagen de ella (como las imágenes de ella misma que recibe del público) puede ser realmente ella, pero más probablemente no lo sea. Queda doblemente atrapada, por DeWitt, el crítico que al que ahora "pertenece" y por el llamado  "monstruo de las mil cabezas": El público que determinará quién es ella.

Sobre el tema del rol de la mujer: El final feliz de Margo es que se casa y por lo tanto se convierte en una "verdadera mujer". Esto refleja las ideas de la época. Ya en 1960, apenas 10 años después una película como "Sin Aliento" propone casi exactamente lo contrario: Que una mujer no quiera estar con un hombre para proteger su verdadera personalidad. En este caso sin embargo la decisión de Margo de casarse es una forma de rebelión contra el rol que se le ha impuesto. Al arranque de la película el crítico DeWitt lo deja claro: "Margo es una gran estrella, una verdadera estrella. Nunca fue ni será nada menos. Ni será ninguna otra cosa".  Creo que la respuesta a la pregunta de ¿Quién soy yo realmente? No puede ser "Pues una mujer, y entonces todo lo que necesito es casarme". Pero que la respuesta no sea buena no quiere decir que la pregunta no sea válida. Y esto refleja que simpatizo más con la sicología jungiana que con las ideas de que cada quien es lo que quiera ser o que todo es artificio y que no existe un verdadero yo, lo que diría el filósofo Foucault por ejemplo. Pero ese ya es otro tema.

Nótese: Los personajes santurrones como Eve, o mejor dicho como Eve pretende ser, ya no existen.

Así con esa mirada como de santa que nunca deja de rezarle a la virgen y que no para de hacerse menos, diciendo que ella no es nadie y no se merece nada. Resulta soportable sólo porque desde el principio nos avisan que es una pose falsa. 

En esta película hay varios curiosos casos de la vida imitando al arte: Una de las actrices era un poco como el personaje de Eve. Una joven actriz aparentemente ingenua pero en realidad muy inteligente y que acabó haciendo, en la vida real, lo que Eve quería hacer en la película: Volverse una gran estrella y casarse con un dramaturgo muy famoso. Marilyn Monroe nada menos. Que se casó con Arthur Miller, uno de los grandes dramaturgos de la vida real que Lloyd (El personaje dramaturgo, con quién Eve quiere casarse) le advierte a Margo no le soportarían las cosas que él le soporta. Y el personaje de Monroe también es lo que Eve pretende ser, tan sólo una humilde aspirante a actriz. Y hoy en día esta película para la mayoría de los que han oído de ella es una película de Marilyn Monroe, a pesar de que su papel es muy secundario.

Anne Baxter, la actriz que interpreta a Eve en realidad también fue una estrella, pero no como Marilyn claro. Otro dato curioso: Bette Davis en la vida real tuvo que dejarle un personaje a Baxter, así como Margo hace con Eve en la película: Esto fue en 1983 en la serie "Hotel" cuando Davis se enfermó y el relevo fue Baxter. Y además: Davis y Gary Merrill se casaron en la vida real después de casarse en la película. Y lo que dice Davis/Margo en una escena se volvió real. Ella dice que si ellos se casaran, a los diez años se divorciarían porque él se casaría con la estrella y la estrella en 10 años dejaría de existir. Pues a los diez años Davis y Merrill se divorciaron y Davis dijo que fue porque se casaron con los personajes.