Esto es noir (Como diría Jarvis Cocker)

 A Sangre Fría (Richard Brooks 1967) está basada en la novela de Truman Capote del mismo nombre, novela considerada la obra maestra fundadora del género del True Crime.

Novela pero no de ficción sino novela/reportaje sobre el asesinato de una familia de Kansas.

La película para empezar es una joya de estilo, el cine negro en todo su esplendor. Fotografiada por Conrad Hall, considerado uno de los más influyentes cinefotógrafos de la historia y musicalizada nada menos que por Quincy Jones. Sí el que acabaría siendo súperfamoso productor de ente otros Michael Jackson. Ahí nomás. Acá el señor Jones musicaliza casi todo con jazz. Como debe ser.

Y antes de entrar a la trama... hay una miniserie de los noventas basada en el mismo libro y con el mismo nombre. Pero no le llega ni a los talones a la película del 67.

En resumen se puede decir que la película presenta toda la historia del asesinato de la familia Clutter y el posterior ahorcamiento de los criminales como un tremendo y terrible accidente.

Como si el tren y el camión que al arranque de la película se ven avanzando en la noche rumbo a Kansas se estrellaran uno contra otro. Lo que no sucede, pero en el camión iba Perry (Robert Blake) el exconvicto mitad cherokee, veterano de Korea, adicto a las aspirinas, con las piernas cosidas con gruesas cicatrices de heridas que le impiden caminar bien y que sueña con ver su nombre en alguna marquesina de Las Vegas y ganarse la vida cantando y tocando la guitarra. Pero se topará con Dick (Scott Wilson) con quien estuvo encarcelado y que tiene un plan para robar la caja fuerte que, según le dijeron, había en la granja de los Clutter.

Aquí la psiquiatría hace el papel de juez de última instancia. Una sociedad siquiatrica de Kansas, a la que se le agradece en los créditos iniciales, había publicado unos meses antes del asesinato de los Clutter que los homicidios sin aparente explicación, como el caso Clutter pues al final Perry y Dick sólo se llevaron 40 dólares y un radio, eran cometidos por gente con el perfil exacto de Perrry.

Y Perry  fue quien se escabechó a los Clutter en un arranque de locura. Porque estaba loco.

Pero el plan del robo fue de Dick, y según una explicación oficial de algún experto de la policía, ninguno de los dos habría cometidpo el crimen sólo. Fue la combinación de ambos lo que resultó mortífero.

Así que según estas explicaciones uno acabaría ejecutado por loco y el otro por juntarse con él. Y por no hacerle caso, pues Perry quería quedarse en México buscando el tesoro de Hernán Cortés y Dick insistió en regresar a Estados Unidos donde los iban a atrapar.

También se presenta otro punto de vista a través del policía a cargo de la investigación cuando le dice a un periodista que los periódicos siempre empiezan por pedir que se despida a los policías por no encontrar alos responsables y cuando los agarran los acusan de brutalidad y acan descubriendo que los criminales estaban locos.

El caso es que unos matan por 40 dólares y acaban ejecutados por un verdugo que cobra 300 dólares por cada condenado que ahorca mientras alguien lee la biblia. De la que seguramente también le habrán enseñado algo a Perry las monjas con las que vivió en un orfanatorio y que odiaba tanto que, por lo que cuenta, fueron las primeras en volverlo loco.

Guía del Perro Sonriente a la 76 Muestra Internacional de Cine de la cineteca - 1

Simón de la Montaña (Federico Luis 2024) es una producción Argentina - Uruguaya - Chilena rodada en la Patagonia en algún lugar junto a la cordillera de los Andes y se llevó el premio de la semana de la crítica en el más reciente festival de Cannes. Es la historia de Simón, personaje que tiene algún tipo de retraso o algo así y que también parece que acaba de hacer un grupo de amigos y amigas todos también con retraso. O como se diga.

Y el grupo de amigos se deschonga como estudiantes de pinta de la escuela o que se robaron el coche del papá. Cosa que de hecho sucede. Y hacen todo lo que no deben hacer. Es una historia con un primer amor, pequeñas pero peligrosas aventuras, conflicto, drama familiar y humor.

Conmovedora y a la vez impresionante por la calidad de las actuaciones que supongo es por lo que se ganó el premio en Cannes.

[Emoticón de un perro sonriente]

Un Viaje en Primavera (Chun Xing 2023) Se trata de un chinito y una chinita casados y ella se cae y se pega y se muere y el chinito se pone muy triste y llora mucho.

No perder el tiempo con esta.

[Emoticón de un perro orinando]

Cancelando el sexo

En Intensamente 2 (Kelsey Mann 2024) hay un gran secreto escondido en la mente de Riley, la protagonista treceañera. Es un mounstruo grande y peludo con colmillos prominentes y es tan fuerte que puede liberar a todas las viejas emociones de Riley. 

Ese oscuro secreto es... que ella una vez le hizo un hoyo a la alfombra. Hasta Riley queda sorprendida de la ñoñez del asunto y dice que ella se imaginaba otra cosa.

Pero si hay un elefante en la sala. O más bien un pinche mamut en la película del que nadie habla.

Intensamente 2 debe ser una de las películas de ficción con más pretensiones didácticas que yo haya visto. Tiene un tonito como de material audiovisual para primero de secundaria.

Y su tema, se supone, es la pubertad, que se enciende como una alarma roja en el tablero de control adentro de la mente de Riley. Y vemos los cambios que eso implica. Excepto cualquier cosa que tenga que ver con sexo. O sea que no se ve nada realmente.

No debería extrañar esto viniendo de Disney que siempre ha negado al sexo y hasta la procreación. De los creadores del eterno protagonista huérfano, los campeones del modelo familiar tio - sobrinos y el noviazgo eterno Mickey - Minnie, llega la pubertad asexual, sin romance o siquiera atracción física por alguien del sexo opuesto. O del mismo sexo.

Y hay una explicación implícita del porque de esta asexualización: Porque el sexo es feo en el mundo de Disney.

Al llegar la pubertad llegan nuevas emociones a la cabeza de Riley. Sólo a la cabeza ¿eh? nada de cambios por otras partes.

Y las nuevas emociones son todas feas: Lideradas por ansiedad aparecen también envidia, vergüenza e indiferencia. Como se sabe lo que llega en la pubertad son hormonas sexuales y esas no están representadas pero en su lugar podemos ver las feas emociones que nos dice esta película llegan en ese momento. Inclusive sus monitos son feos, la ansiedad es flaca, dientona, hocicona etc. La vergüenza es obesa, la envidia enana. sólo la indiferencia se salva. pero esta es francesa y sarcástica. y el sarcasmo es feo, feo, feo. Requetefeo. Feisísísísísímo.

Los monitos anteriores, aún la furia, el desagrado y la tristeza eran monitos bonitos.

Hay inclusive una escena en donde la alegría dice que quizá en la pubertad ya no se sienta tanta alegría y se pone a llorar.

¿Pero y entonces de que se trata la pubertad asexual?

Es un simple cambio, como cualquier cambio escolar, como si se tratara de entrar a una nueva escuela o a un nuevo año. En este caso se trata de entrar al equipo de hockey de la escuela. Algo que puede pasar a cualquier edad, también podría ser un nuevo trabajo.

¿Y cuál es la importancia de que Riley entre al equipo? pues que se le pegue algo de caspa de ganadora o si no, no tendrá amigas, fracasará en la vida y acabará sola, alimentando a las ardillas del parque. esto es absurdo claro está y hasta un personaje lo dice. Pero sólo como algo que la corrección política obliga a decir pues sin el mito de la caspa de ganador toda la trama perdería el chiste. riley inclusive traiciona a sus viejas amigas en su lucha por la caspa de ganadora. Pero sus amigas la perdonan. Para que se vea que lo que importa es la caspa.

Ah y los nervios que normalmente una puberta tendría frente al que le gusta, Riley los tiene con la líder del equipo de hockey. pero se trata de una admiración meramente deportiva ¿Eh? que nadie piense cochinadas.

Una cosa positiva que le veo a la historia es que se desacredita el mito del pensamiento positivo según el cual si yo tengo fe puedo decirle al volcán Popocatépetl que se mueva y se ponga por Toluca. Y el Popocatépetl se movería de inmediato.

Entonces al principio se supone que Riley sólo debe creer que puede entrar al equipo para hacerlo. y entonces cualquier pensamiento negativo es desechado. Al final los recuerdos e ideas desechadas regresan como en tsunami y se reconoce que los pensamientos y recuerdos negativos son tan parte de Riley como los positivos. Y hasta el secreto más oscuro es revelado. lo de la alfombra.

Ah pero ¿cambios corporales, menstruación, que a Riley le guste alguien? 

De eso nada que esto es Disney.

La horrible humanidad

Rashomon (Akira Kurosawa 1950) es la historia pionera de las películas que narran la misma cosa desde distintos puntos de vista, a la pulp fiction, pero Rashomon además con narradores en quienes no se puede confiar pues pueden estar diciendo la verdad o no.

Hasta los fantasmas, como un samurai muerto que habla a través de una médium de la tradición japonesa, mienten.

Sólo hay dos personajes que no mienten. Ninguno de los dos vieron nada y por lo tanto no podrían mentir aunque quisieran: Un monje, budista o shintoinsta, quien sabe. Y un cínico. El sacerdote está desolado porque no se puede confiar en nadie y todos mienten y el cínico está con la actitud de que eso siempre ha sido así y siempre lo será, y dice que no le importa si le cuentan la verdad siempre y cuando le cuenten algo interesante.

Los dos sin embargo acaban por ver la verdad ¿La verdad de qué? Primero, de lo que pasó entre un samurai, su esposa, un ladrón y un leñador. 

Se sabe que el ladrón y a la mujer cogieron enfrente del marido samurai que estaba amarrado y que este acabó muerto. Pero fuera de eso todos cuentan una versión diferente de las cosas en las que quien la cuenta sale mejor parado.

A primera vista el cínico es quien descubre la verdad pues se da cuenta que lo que cuenta el leñador - Ya la segunda vez, tras aceptar que no sólo encontró el cuerpo del samurai, sino que llegó antes y alcanzó a ver lo que pasó - es la verdad, pero además el cínico deduce correctamente que el leñador se robó la daga enjoyada de la dama, aunque después el muy hipócrita estaba llorando por la maldad de la gente.

Pero el monje también establece una "verdad": La película empieza con este monje y el leñador lamentándose por la horrible humanidad bajo un monumento en ruinas, la Puerta de Rashomon, una antigüa puerta monumental. Hay una fuerte tormenta y una atmósfera de devastación, el monje dice que las guerras, desastres naturales, hambrunas y los bandidos no son tan malos como no poder confiar en nadie.

Al final se encuentran un bebé entre las ruinas. El cínico se roba unas cosas que había junto al bebé. El monje toma a la criatura en sus brazos y el leñador le pide que se lo de. Dice que aunque tiene seis hijos va a cuidar de ese bebé también. Y el monje se lo da y es un final felíz tipo el sol saliendo tras la tormenta. (O como después de la segunda guerra mundial).

El leñador ha demostrado ser mentiroso, ladrón e hipócrita (como el establishment japonés que llevó al país a la guerra y la derrota) pero el monje se alegra de que se lleve al bebé, dice que ha recuperado su fe en la humanidad así que el leñador no puede ser del todo malo.

La fe en el juicio de este monje (La religión japonesa), esta verdad,  es como las columnas de la puerta de Rashomon aún en pie. Lo único que no se cayó y desde donde se puede empezar de nuevo. 

Los dos corazones de Metrópolis

Metrópolis (Fritz Lang 1927) junto con Nosferatu, parece que son las dos películas mudas más famosas en la actualidad. La historia que escribieron Fritz Lang y su entonces esposa Thea von Harbou presenta, digamos que a simple vista, un tema de obreros contra patrones, de lucha de clases, pero veámosla a través de las teorías de Rudolf Steiner; un ocultista, escritor, crítico literario, clarividente y como mil cosas más, creador de la llamada antroposofía, de las escuelas Waldorf que parecen estar de moda y de productos que se venden en las tiendas de Whole Foods entre otras cosas. Fue muy influyente entre grandes artistas del modernismo como Fritz Lang, el director de Metrópolis y de los pintores Kandinsky, Mondrian y Hilma af Klint, también en el compositor Arnold Schoenberg y en el movimiento Bauhaus en general - Y Fritz Lang dijo de Metrópolis y sus tres siguientes películas que tenían "decoración Bauhaus completamente desarrollada" - Otro director influido por Steiner fue nada menos que Andrei Tarkovsky.

Steiner decía que las manos y el cerebro no deben actuar sin la internediacion del corazón. Y entonces el problema en Metrópolis es que el creador de la ciudad Joh Fredersen no se habla con las manos, es decir los obreros (así se les dice explícitamente), pero el hijo de Joh, Freder, llegará como mesías a hacer de corazón y logrará que su padre y el líder de los obreros se den la mano.

Steiner estaba en contra de las revoluciones violentas y entonces los obreros de Metropolis cuando intentan tomar el poder y destruyen la maquinaria de la ciudad provocan una inundación y por poco ahogan a sus propios hijos. Joh también casi pierde a Freder.

Pero ese final donde Freder hace que el líder de los obreros y su padre se den la mano es muy ingenuo.

Es más interesante el extraño tema religioso de la película: En una escena la maquinaria subterránea de Metrópolis se revela. o sea se descubre que es el sanguinario Dios Moloch, a quien se creía que se sacrificaban niños arrojándolos a las llamas. Hoy en día más bien se cree que Moloch es el nombre de un tipo de sacrificio de niños, no un Dios sino cuando se les sacrificaba en el fuego. Y parece que hay una relación entre las palabras Moloch y la antigua palabra hebrea que designaba al infierno.

Si les interesa el tema chequen este video del doctor Justin Sledge sobre Moloch y otros sacrificios  rituales de niños en la antigüedad. Nomás que está en inglés.

Entonces los obreros de Metrópolis viven en la parte subterránea de metrópolis y son sacrificados a Moloch. Su aspecto es como de presos y van caminando sin levantar nunca la cabeza. Además Moloch aparece atrás de una nube de gases, no es de extrañar que se diga que parece una premonición del holocausto. Que además holocausto significa sacrificio.

Mientras tanto los ricos viven hasta arriba de metrópolis y tienen unos "jardines eternos". Se trata claramente del cielo y el infierno.

Entonces aparece María. Lo de aparecer es casi literal, en alguna parte se dice que es como una aparición. y se aparece en las catacumbas de metrópolis, la parte más profunda de la ciudad donde los obreros se reúnen para escucharla, así como los antiguos cristianos se reunían en catacumbas. Me parece que presentar a María como la religión cristiana debió ser deliberado pues según Steiner en la sociedad la cabeza, corazón y manos eran el liderazgo económico - político, la religión y los trabajadores. Así que María se presenta en las catacumbas rodeada de cruces y anuncia la llegada de un mesías que será el corazón entre ricos y pobres.

Pero todo sería muy fácil y no tendría chiste sin un enemigo. Y para eso está el científico loco Rotwang. Creo sin embargo que antes que científico loco, Rotwang representa lo diferente. Para empezar su casa está en la avenida principal de metrópolis y es la única casa ahí, todos los demás edificios son rascacielos en esa avenida según nos dicen. Y está marcada con una enorme estrella a la que nomás le falta una punta para decir que Rotwang es judío. Lo diferente queda además estigmatizado con las referencias a la torre de Babel, donde según el mito los hombres empezaron a hablar diferentes idiomas y la torre desde donde se oprime los obreros de metropolís es "La Nueva Babel". Encima a la robot creada por Rotwang se le dice "La Puta de Babilonia" que llegó para confundir y crear caos, conflicto y guerra como se dice de la puta de babilonia en el libro del apocalipsis. Basta con ver a Rotwang entre los ricos de metrópolis, todos bien peinados menos él, con su melena como de Einstein despeinado y sus ojeras de panda blackmetalero. Y era el mejor científico de metrópolis, como Einstein y otros tantos científicos judíos que salieron huyendo de los nazis. 

Y al final Rotwang trata de matar a María en la catedral de metrópolis, como subrayando que es un infiltrado en territorio cristiano. Su problema era que amaba a la misma mujer que Joh Fredersen, pero este se la ganó y concibió con ella al mesías, a Freder, y no puede haber dos corazones o dos mesías.

Finalmente dos cosas: Joseph Goebbels el secretario de propaganda de Hitler le ofreció a Fritz Lang ser director de los estudios de cine UFA, los más importantes de Alemania. Lang dijo que no y salió huyendo del país, pero su esposa la coguionsta de metropolis se volvió nazi y la pareja se divorció.

Y por último, Rudolf Steiner tenía la teoría de que hubo dos jesúses, no uno, dos cristos, quizá hay una relación con esta película.

La impotencia del comisario político

Citizen X ó Ciudadano X (Chris Gerolmo 1995) es la historia de la búsqueda de Andrei Chikatilo, un asesino serial de la Unión Soviética, quien tuvo el record de asesinatos para un asesino serial con 53.

Pero en realidad es más bien la historia de la lucha contra la burocracia comunista, de Viktor Burakov, el detective a cargo de la investigación, que en realidad era un perito forense, y su jefe, el coronel Fetisov en contra del comité del cuál dependían, en donde el más alto rango lo ostentaba un comisario de ideología.

Apenas lo habían puesto a cargo de la investigación y ya Burakov se había dado cuenta que se trataba de un asesino serial que engatusaba a sus víctimas en las estaciones de tren. Pero el comisario de ideología le dice que eso es imposible porque los asesinos seriales sólo existen en occidente producto de su decadencia moral y le niega todo lo que pide: más personal, alertar a la población y consultar al FBI entre otras cosas. Y es que hacer cualquiera de esas cosas sería aceptar que había un problema.

Los asesinatos empiezan en 1982 y el caso no se resuelve hasta 1990 tras la caída del comunismo, cuando le dan a Burakov lo que pidió desde un principio.

Pero ya habían detenido a Chikatilo años atrás. Sólo que era del partido comunista y entonces su muestra de sangre no correspondió con las muestras encontradas en las víctimas. Tras la caída del comunismo las muestras ya correspondieron.

Mientras tanto los del comité ordenaron investigar y detener a los homosexuales. Un grupo de gitanos también les gustó como chivos expiatorio.

Lo que más me llamó la atención es que al final se supone que Chikatilo mataba por un problema de impotencia sexual.Un siquiatra había hecho un perfil acertado del posible asesino años atrás. Lo llamó ciudadano x y dijo, entre otras cosas, que no tenía porque ser homosexual, que probablemte sería casado. Y estaba casado. Y que tenía un problema de impotencia.

Al final este siquiatra hace confesar al asesino, lo que los funcionarios soviéticos no podían.

Pero es curioso como este asesino sufría impotencia pero que tal su potencia para matar, que tal la potencia de su frustración. A él le daba terror lo que hacía, a sus víctimas les sacaba los ojos pues había oído que la cara del asesino se queda en los ojos. Eso muestra el miedo que sentía y que sin embargo no le impedía seguir matando. Frente a su impotencia sexual estaba la potencia de su impulso asesino. Y ese estaba en su cabeza pues debía planear los asesinatos.

Igual de fuerte era la inflexibilidad en la cabeza del comisario político con su ideología impotente para dar resultados. Pero brutal hacia afuera y como Chikatilo, aterrorizado de que su realidad fuera descubierta.

De hecho, después del primer arresto del asesino el comisario trata de cerrar la investigación pero el coronel Fetisov le dice que si lo hace le dará a su esposa todas las fotografías y pruebas que tiene de sus amantes homosexuales.

El asaltante que dejaba tarjeta de presentación

Antes que el diablo sepa que has muerto (Sidney Lumet 2007) parece hecha para que Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y en menor medida Marisa Tomei y Albert Finney se luzcan. Y lo hacen. Los personajes de Hoffman y Hawke, los hermanos Dany y Hank Hanson respectivamente, atraviesan por todas las emociones, van de una situación extrema a otra. Inclusive una escena en particular, cuando Andy y su papá tienen una agria discusión parece como metida a fuerza para que Hoffman demuestre que bien puede llorar, pues en realidad la escena no viene al caso.

Entonces la película tiene buenas actuaciones pero el guión no es tan bueno. Uno termina, al menos yo, con la sensación de haber visto pasar un huracán de emociones desencadenadas por muerte, traición, deseperación, y lo que quieran agregarle... de hecho en un momento dado Dany Hanson se acuesta en posición fetal agobiado por lo que le sucede, pero sin que todo eso se justifique bien con una historia.

Como que quisieron hacer una tragedia griega en esteroides, y en lugar de que edipo mate a su padre accidentalmente, los Hanson hacen que su mamá sea asesinada sin quererlo. Pero el chiste de una tragedia griega es que los personajes se enfrentan a los dioses o al cruel destino. Cuando lo que les pasa es por idiotas la cosa no funciona.

Todo empieza porque Dany ha robado dinero en su trabajo y para salir de problemas planea un asalto. Pero se supone que él es un exitoso ejecutivo en una compañía de Nueva York y según dice el mismo, le ha ido muy bien profesionalmente y maneja mucho dinero. ¿Para qué o porqué iba a hacer un robo que además se descubre fácilmente? Se supone que le hacen una auditoría y lo descubren muy rápido.

Entonces desde ahí como que empiezan mal las cosas, cuando la motivación del personaje principal parece absurda. De hecho Dany dice que empezó trabajando en la joyería de sus padres pero que ahora se dedica a grandes negocios y ha dejado sus humildes comienzos muy atrás. ¿Pero entonces cómo es que planea asaltar la joyería familiar para salir de problemas de dinero?

Y hay otro sinsentido mayúsculo que le quita toda verosimilitud a la historia. Dany planea venderle las joyas a un tipo que se dedica a la compra de joyería robada, pero es un viejo conocido de su papá. Este tipo de hecho dice que su papá empezó en una joyería de "abajo" como si trabajaran en el mismo edificio o en la misma manzana.

Entonces el papá de Andy lo va a ver y le pregunta si sabe algo del asalto a su joyería y este wey le dice la verdad, que sí, que su hijo lo fue a ver para saber si estaba interesado en unas joyas que se iba a robar ¡y le enseña la tarjeta de presentación que le dejó!

Por más buenas que sean las actuaciones no hay como salvar una trama tan absurda.

Moneando con las vestiduras del Mercedes

Perdidos en América (Albert Brooks 1985) es una road movie mucho más famosa de lo que imaginaba. A mí la película se me quedó grabada pero pensé que era una de esas cosas que uno ve en la tele y nadie más sabe de ella. Y no, Perdidos en América tiene 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, está en listas de las mejores comedias de todos los tiempos y se ganó un premio al mejor guión de la asociación de críticos de cine de Estados Unidos. Además está en la colección de Criterion.

Es una comedia - drama basada supuestamente en el caso de la vida real de una pareja de yuppies de clase media, aburridos de sus vidas, que lo dejan todo y se lanzan a la carretera en una casa rodante a encontrarse a si mismos y vivir la vida como "easy riders". Eso lo repiten varias veces, que su guía es la película Easy Rider.

Toda la historia está llena de referencias a otras películas. Empieza con la cámara recorriendo la casa de la pareja, los Howard, mientras de fondo se oye a Larry King entrevistando a un crítico de cine.

Y un momento muy importante es cuando David Howard le dice a Linda, su esposa, quien después de perder todos los ahorros que tenían argumenta que para encontrarse a uno mismo hay que vivir sin tomar en cuenta el dinero, que los personajes de Easy Rider vendían cocaína.

Perdidos en América es como una respuesta, una crítica, a la cultura bohemia de los sesentas, como un yuppie de los ochentas, de la época de la chica material y el neoliberalismo, diciéndole a un hippie idealista, de amor y paz: "¡Sí, pero tú vendías cocaína!".

Sin embargo los Howard, yuppies sin vicios, tienen otras dependencias. Para su viaje compran una casa rodante que consume tanta gasolina que no pueden ir muy lejos después de que Linda pierde casi todo el dinero. Los coches son otro tema omnipresente, a David que es publicista le dicen que va a trabajar en la cuenta de Ford y un tipo le hace una canción a Ford con la música de New York, New York. En su viaje por América parece que ponen a propósito muchas refinerías de fondo y Howard, que quería comprarse un Mercedes antes de que, por no recibir un ascenso que esperaba decidiera dejarlo todo, acaba aspirando como perro el aroma de las vestiduras del Mercedes de un tipo que le pregunta una dirección.

La historia presenta la supuesta búsqueda de si mismos que emprende la pareja como una rabieta, un berrinche de David porque no le dan su ascenso. Tal vez ellos no aman su trabajo pero aman gastar dinero y tras demostrarse a si mismos que no era simple cobardía lo que les impedía salirse del sistema vuelven al redil.

 

Ciudad monstruo

En La Guerra de los Mapaches (Isao Takahata 1994) los mapaches de los alrededores de Tokio acostumbrados a vivir en un mundo rural de sembradíos, bosques, templos, y casas rústicas de campesinos, se enfrentan al crecimiento de esa ciudad, que al menos en esta historia pasa de ser la víctima de los kaijus: Godzilla, Mothra, Rohan, Godzuki y demás creaturas de la radiación y las explosiones nucleares para convertirse ella misma en la mala de la película.

Los mapaches tienen un superpoder, pueden transformarse en lo que quieran. Bueno no todos los mapaches, unos no.

Usan ese poder para provocar algunos accidentes pero piensan que eso no va a parar a los humanos así que se concentran en espantarlos transformándose en toda clase de cosas de espanto del folklore japonés. También los mapaches machos pueden inflar sus testículos hasta formar grandes bolsas voladoras en las que se elevan para atacar. Y siempre se les ven sus huevos pero nunca sus pitos.

Tokio sin embargo es una ciudad dura. Como dice un mapache maestro de la transformación que habían mandado traer de muy lejos, Tokio era realmente mala pues de donde él venía la gente habría salido huyendo con mucho menos.

En el fondo es una derrota de la vieja religión, los viejos mitos, hay hasta una escena donde el mismísimo Buda se sorprende del megadesarrollo urbano que destruye el hábitat mapache.

Y hay un tema relacionado, la madurez. Al final para sobrevivir los mapaches deben transformarse en humanos y así vemos a uno que anda en el metro cargando un portafolio y se pregunta como los humanos pueden soportar eso. Los mapaches se supone que son muy alegres y despreocupados, como niños.

Todo acaba cuando este mapache-humano se encuentra a unos mapaches-mapaches cantando y bailando y deja su forma de humano trajeado y se les une.

Quizá perdieron por ser mapaches sin pitos lidereados por ancianos, el mero mero es un monje de más de cien años y los maestros que mandan llamar incluyen un mapache de 999 años, otro que se muere de viejo en plena batalla y otro ya se había muerto desde la posguerra de la segunda guerra mundial. Andaban atrasados de noticias estos amigos y muy necesitados de un relevo generacional. Una líder muy importante es una abuela mapache que no los deja reproducirse ¿A quién se le ocurre no reproducirse en medio de una guerra? Lo de no tener pito resulta harto significativo. 

El triste final se suaviza con una última escena donde los mapaches cantan una canción que dice que siempre alguien se acordará de ti en el lugar de donde vienes. O sea no en la malvada y moderna Tokio donde te toca ser adulto, donde nadie te conoce y nadie cree en los viejos cuentos.

 

Camino de perdición

Factotum (Bent Hamer 2005) basada en la novela del mismo nombre de Bukowski, es una historia protagonizada por Hank Chinaski, el alter ego de Bukowski, que parece una fiel descripción de un periodo de la vida del viejo indecente que por alguna razón gustaba de llamarse a si mismo Chinaski cuando escribía sobre sí mismo.

Factotum en inglés es lo que en México llamaríamos un mil usos, que trabaja de todo. Así que vemos a Chinaski repartiendo bolsas de hielo, trabajando en una enfrascadora de pepinillos y limpiando una estatua entre otras cosas. Vemos como va perdiendo cada trabajo porque prefiere beber, o porque ha tenido una buena racha en el hipódromo.

También pierde a sus mujeres y acaba perdiendo donde vivir.

En su camino de piedra rodante va mandando cosas que escribe a editoriales que nunca le contestan. Hasta que le llega una al lugar donde vivía y que ya no pudo pagar.

Tampoco le dan trabajo ahora por no tener un lugar fijo de residencia y en una agencia de trabajos temporales lo corren por beber en la sala de espera.

En la última escena Chinaski va por la calle, es de día y se mete a un lugar que anuncia mujeres bailando en el tubo. De fondo, se escuchan palabras de Bukowski que recomiendan ir hasta el final pase lo que pase: Hasta quedar completamente solo. Ese es el premio nos dice: Quedarse solo, todo lo demás son sólo pruebas.

¿El final de qué? Del camino de la perdición es de suponerse. Que será algo diferente para cada quién.

Dice él que así estará uno solo con los dioses. Y vemos a Chinaski solo, con su cerveza, no hay nadie más. Sólo él y una mujer desnuda que se contorsiona lentamente alrededor del tubo frente a el.

La experiencia sin embargo, según lo que nos dice el viejo indecente, no es como la de cualquiera que va a un table dance pues ese antro y esa mujer sólo se encuentran al final del camino de la perdición.

No es lo mismo. 

Poesía y asesinatos

 

The Little Girl Who Lives Down the Lane, llamada La muchacha del sendero en España y La niña del caserón solitario en México de Nicholas Gessner 1976 es una obra maestra, creo que viene siendo la verdadera contraparte fílmica de la pared de Pink Floyd. Mucho más que la película esa de The Wall.

Se trata de una niña de trece años, Rynn (Jodie Foster) que vive sola. No va a la escuela, nadie le dice que hacer, le gusta la poesía y está aprendiendo hebreo por su cuenta.

Su padre ya muerto, un poeta, preparó todo y la educó para que no cayera en las garras del sistema.

Sólo que la libertad no es fácil y menos para una niña de trece años, así que debe eliminar a los que se entrometen.

Empezando por una mujer poderosa que es del consejo de la escuela a la que Rynn debería ir y que es también mamá del abusador de menores del pueblo.

Rynn no puede sola pero se consigue un novio cómplice, un tipo que a causa de una cojera no puede jugar futból americano, que es lo más importante en el pueblo, y que es como no poder ir a la verdadera escuela digo yo. Y entonces se dedica a hacer shows de magia.

Juntos deberán usar todos los trucos contra ese sistema cuyo rostro es un abusador sexual.

Pero no es que el mal sea la pedofilia pues hasta la madre de Rynn es parte de ese mal. Y la escuela. Es todo lo que se opone a la libertad de Rynn, que es buena, no es una asesina insensible, es sólo que tiene que matar a los que tiene que matar.

Fuera roomies

 

Frances Ha (Noah Baumbach 2012) nos presenta una especie de épica del poder pagar una renta sin la ayuda de roomies o de una pareja. La historia comienza poniendo los asuntos inmobiliarios por arriba de la amistad y la amistad por arriba del amor.

A Frances (Greta Gerwig) su novio le pide que se vaya a vivir con él, pero Frances se rehúsa a dejar a su roomie y mejor amiga Sophie con quien vive, según ellas mismas, como un par de lesbianas sólo que sin sexo. Esa decisión hace que termine la relación de Frances con su novio, pero a eso no se le da importancia, es sólo para demostrar la fuerza de la amistad de las dos amigas. Esta no es una historia romántica.

Poco después Sophie le comunica a Frances que encontró un departamento justo en la calle que más le gusta y que se va a mudar. Como es una zona más cara de la ciudad ella no se puede ir con Sophie.

La amistad se enfría, Frances se va a vivir con un par de weyes y luego acaba en un dormitorio universitario. Tiene problemas económicos. Ella es una bailarina de 27 años y trabaja en una compañía de danza en donde le dicen que puede seguir trabajando, pero de secretaria o coreógrafa, ya no de bailarina. 

Lo que, claro, nos recuerda que Greta Gerwig va a pasar a ser la directora de Barbie, un juguete, y el personaje pasa de bailarina a coreógrafa, haciendo coreografias para niños, y la actriz a directora, que es entre otras cosas como coreografiar actores. 

Frances se rehúsa en un principio pero acaba aceptando, se reconcilia con su amiga y al final, gracias a que ha aceptado sus nuevas funciones y al ritmo de la davidbowiesca "modern love", pone su nombre en el timbre de su  nuevo departamento.

Y así, la alegría de tener un timbre a su nombre mata la importancia de la amistad, lo que sabemos es que Sophie estará viviendo en Tokyo con su novio, que es director de investigación de mercados asiáticos en Goldman Sachs, y también de sus sueños de ser bailarina, y ya ni hablar de su novio del que ya ni quien se acuerde.

Dudo que ese amor por los bienes inmuebles haya sido lo que Bowie tenía en mente al componer modern love.

El que se mueve pierde

En Stranger than Paradise (Jim Jarmusch 1984) una chica, Eva (Eszter Balint), llega de Hungría a Nueva York y debe quedarse unos días con un primo mamón, Willie, que vive en un muy pequeño departamento.

A lo largo de esta historia parece haber una constante que es que el que se mueve pierde. 

Ella viene desde la vieja europa comunista y acaba viviendo en Cleveland con una tía, trabajando en un local de hot dogs y según dice ella misma se siente atrapada. Al final de la película está a punto de regresarse a Europa.

Su primo parece llevar una existencia minimalista en su pequeño departamento, con pocas cosas, su pequeña tele, jugando solitario, comiendo cenas preempacadas que le evitan lavar platos. No le gusta que le hablen y menos en húngaro aunque lo entiende.

 Y que nadie lo moleste. Tiene un amigo, Eddie, al que se la pasa dándole órdenes, como a su prima.

Willie y Eddie parecen vivir de jugar a las cartas en las que hacen trampa y de ir al hipódromo. 

El primo por un lado trata mal a la prima pero al mismo tiempo trata de congraciarse con ella. Le regala un vestido pero como el que se mueve pierde a ella no le gusta. En cambio a él, Eva le compra una de las cenas preempacadas que sabe que Willie come y no falla.

Un día, cuando Eva ya tiene tiempo en Cleveland, Wllie y Eddie deciden que quieren ver cosas nuevas y tomar la carretera, así que van a ver a Eva. Lo de ver cosas nuevas no sale bien, Eddie comenta que todo se ve igual, Eva los lleva a conocer el lago Erie, que como es invierno está congelado y se quedan los tres viendo un rato un fondo completamente blanco. Así que mejor se van a Florida.

Eddie quiere probar suerte con algo nuevo, tiene un presentimiento sobre las carreras de galgos y se van al galgodromo y dejan a Eva todo el día en un motel. Pierden casi todo su dinero en los galgos y para recuperarse Willie decide ir a un viejo y conocido hipódromo. Pero Eva ya domina lo de ganar dinero gracias a su intuición. Willie se mueve, parece que acaba, contra su voluntad, en un avión rumbo a Budapest. Eva en cambio regresa al motel, ya no está inquieta por irse de ahí, aunque puede hacerlo, y se sienta tranquilamente. 

Esto de quedarse quieto parece que Jarmusch lo aplica en sus películas que deja tomas muy largas que parece que nunca va a cortar.

El extraño mundo sexual de los setentas

¿Qué le han hecho a Solange? (Massimo Dallamano 1972) es un giallo, como se les dice a las películas italianas  de explotación, explotación de sexo y violencia, que fueron muy populares internacionalmente y esta película que tiene como una docena de títulos distintos, al parecer fue uno de los giallos más populares.

Para facilitar su distribución se filmó en Londres con diálogos en inglés. Y el resultado es un giallo pero mezclado con historia detectivesca a la Sherlock Holmes con todo e inspector de Scotland Yard que está siempre fumando su pipa.

Pero la explotación a la italiana está presente con un grupo de colegialas adolescentes muy guapas que están siendo asesinadas.

Y hay dos cosas que suenan muy extrañas hoy en día:

Primero, una adolescente que por abortar se vuelve loca. No digo que sea lo más fácil del mundo (Ver Juno) pero ¿cómo para volverse loca al grado de perder el habla?

La otra cosa rara es que el personaje protagónico, el maestro Rosseni, le ponía el cuerno a su esposa con una de sus alumnas. Su matrimonio iba muy mal y él le decía a la colegiala que se iba a separar. 

Y entonces resulta que la esposa se entera que la alumna aún era virgen. El esposo se la había querido coger, habían fajado, ya hasta tenía un departamento para estar con ella, pero al tipo no se le había hecho. Y cuando la esposa se entera le vuelve el amor por el esposo y vuelven a ser felices. O sea que sin penetración no hay infidelidad. Nos suena muy raro ahora pero al parecer era una idea que sí existía; cuando salió el escándalo de Bill Clinton y su becaria me acuerdo que Sergio Sarmiento escribió que según ciertos antiguos usos y costumbres si Clinton no había penetrado a Lewinsky, y meterle un puro no contaba, entonces él no había sido infiel.

Seguro que tambén había gente que pensaba, o piensa todavía, que si una mujer se volvía loca podía deberse a que había abortado.

Los setentas eran otro mundo.

Dato curioso: La música es nada menos que de Ennio Morricone.

El chip del muerto

Erase una vez una empleada que quería escapar pero estaba atrapada en un trabajo. Quería irse a un planeta independiente, quería ver el sol.

Creo que de algún modo Alien Romulus (Fede Alvarez 2024) puede leerse como una metáfora de alguien, o de un grupo, que busca su independencia y que podrían ser los propios creadores de esta película.

Como si estuvieran enviando señales de que podrían tener guiones o historias que quisieran hacer películas pero están atrapados, así como los protagonistas trabajando para la corporación Weyland - Yutani, en el negocio del cine que está interesado principalmente en viejas historias, conocidas y probadas con el público: Secuelas, remakes, adaptaciones, nostalgia.

Nótese la escena en la que Andy y Rain están desayunando: Se trata de un comedor colectivo, un comedor industrial o un "food court" y sin embargo parece que tienen su lugar personalizado con fotos y otras cosas. Algo que no se puede hacer en un comedor común. Como no se puede hacer lo que uno quiera en una historia de franquicia. Además Andy le cuenta viejos chistes que a ella le causaban gracia de niña pero ya no.

Nótese también que la anterior película de Fede Alvarez fue una nueva versión de Hansel y Gretel, de la que parece que se hacen por docena. Aquí escribí de una y aquí de otra.

El director de fotografía, el mexicano Galo Olivares, que por cierto fue mi vecino, fue camarógrafo de Roma, película en la que el director Alfonso Cuarón tuvo también el crédito de director de fotografía. Y según el rumor que corre en la industria desde entonces ese crédito debió ser únicamente de Galo.

Pero bueno... entonces Rain (Cailee Spaeny) quiere huir al planeta independiente y su ex, junto con la hermana y el primo del ex, tienen un plan para escapar pero necesitan a Andy, que es un sintético, o sea un robot, o sea como un celular del futuro que Rain ama como si fuera su hermano.

El plan es tomar equipo de una vieja nave obsoleta, como si fuera una vieja franquicia de 1979, y con eso irse al planeta independiente, pues la corporación sólo les promete la libertad pero se han dado cuenta que no se las dará nunca.

Antes claro está, deberán enfrentarse a los viejos xenomorfos y a toda su parentela.

Y esta aventura les salió bastante bien la verdad. Es una buena película de acción, con un buen guión, muy bien hecha, la dirección de arte con esa nave en la que se escapan que parece camión de basura espacial viejo y oxidado, con instrumentos como de los setentas no tiene mamá xenomorfa.

Un punto importante de la trama es que el chip de Andy no sirve para entrar al lugar donde está un combustible que necesitan y le deben poner el chip de Rook, un "sintético" apagado y con las tripas de fuera interpretado nada menos que por Ian Holm, el actor que interpretó al sintético Ash en la Alien original. Aunque Ian Holm ya murió, lo reviven con tecnología digital. Una señal de que muy pronto serán comunes no sólo los conciertos de hologramas de viejos músicos como ABBA sino también los actores "inmortales" que no dejaremos de ver y que le quitarán espacio a los vivos. Propongo que les llamemos actores xenomorfos.

Este chip del muerto hace a Andy muy peligroso y deben quitárselo, lo que también podría ser muy peligroso.

A pesar de que se le ha criticado a la película que tiene cosas que recuerdan demasiado a otras películas de la franquicia, como esa escena de Rain respirando junto a la boca de un xenomorfo que sólo da sensación de deja vu, y otras tomas en donde parece que sólo recortaron a Sigourney Weaver para pegar a Cailee Spaeny, en general la cosa salió bien y lograron usar el viejo chip de Alien y sacar una buena película de ahí.