Por el Mulholland drive de los sueños rotos

La ilusión pesadillesca en Mulholland Drive empieza en un alegre concurso de baile de Jitterbug. Un estilo popular en los treintas y cuarentas. Tras ganar el concurso, a Betty Elms, más adelante llamada Diane Selwyn, se le ocurre que quiere ser actriz en Hollywood como una tía suya. Como para recordarnos que muchos y muchas han llegado bailando a Hollywood, David Lynch le puso a Betty de casera en Los Angeles a Coco, un personaje interpretado por Ann Miller, una veterana del Hollywood clásico que fue descubierta cuando trabajaba de bailarina en un centro nocturno y quien tuvo su primer papel importante como pareja de baile de la también famosa bailarina Ginger Rogers. Y es a Coco a quien Betty, ya como Diane, le cuenta que fue tras ganar ese concurso de Jitterbug que quiso ser actriz.

Bueno, Betty toma la carretera del mal por el baile pero también por dos viejillos del demonio que están con ella en ese concurso fatídico y que la dejan hasta el aeropuerto de Los Angeles. Tras despedirse, esta pareja se interna en la soleada capital mundial del entretenimiento muertos de risa a bordo de una limusina. Pero del otro lado del sol, de la risa y de la ilusión otra limusina sube lentamente por la serpenteante Mulholland Drive a través de la oscuridad. Después nos enteramos que la cabeza de la pasajera, una mujer de pelo negro que va en silencio en la parte trasera y de la que no sabremos el nombre hasta mucho más adelante, tenía precio. Por eso lo que sigue después de que el chofer se detiene y le apunta con una pistola puede ser un último sueño antes de morir, una ilusión final. En esa ilusión esta mujer ama a Diane Selwyn, es decir a Betty Elms.

Y esa ilusión acaba en el “Club Silencio”, que seguramente se llama así pues según decía Lynch, el necesitaba silencio total para inspirarse. En ese lugar se caen las ilusiones. "No hay banda". No hay música viva. Es sólo una ilusión nos repite el presentador. Betty primero tiembla de miedo y acaba por encontrar, en su bolsa, la clave que la llevará a la verdad: Que Rita, como se hace llamar la mujer de negra cabellera que ella ama y que no recuerda su nombre, es en realidad Camilla Rhodes, quien la traicionó y la humilló. Así que la mandó matar. ¿Pero qué más se puede ver en el Club Silencio? Yo creo que una cosa que se revela, no lo más importante de la película definitivamente, pero una cosa que se ve son las raíces hispanas de Los Angeles y por lo tanto de Hollywood.

Son raíces que se hunden en el pasado, un pasado al que nos lleva la película de diferentes maneras. Empezando por la protagonista que llega por el concurso de jitterbug, un estilo de baile que estuvo de moda más de medio siglo atrás. Y la ropa de Betty también parece con décadas de retraso. Inclusive cuando ya Betty se ha transformado en Diane por un momento parece que viajó atrás en el tiempo cuando vemos su cocina que se ve tan antigua.

Y está la película dirigida por el director Adam Keshner, “The Sylvia North Story” la que estelariza Camilla Rhodes, que se sitúa como en los cincuentas o sesentas. Además un auto que está estacionado en los estudios de Paramount Pictures a donde Betty va a hacer una audición salió en la clásica Sunset Boulevard, una película de 1950, una favorita de Lynch. Y está el personaje de “El Vaquero”, entre otras cosas.

Pero regresando a lo hispano: Que una actriz originaria de Los Mochis Sinaloa, Laura Elena Harring Martínez, interprete un personaje que toma el nombre de Rita por Rita Hayworth, considerada la más famosa actriz americana durante la segunda guerra mundial, pero que en realidad se llamaba Margarita Carmen Cansino, otra bailarina, que al principio de su carrera bailaba en centros nocturnos de Tijuana y que participó en películas mexicanas de los años treintas parece demasiada coincidencia. ¿Pero no es exagerado hablar de raíces hispanas de Hollywood? Basta con seguir el hilo de Rita Hayworth/ Margarita Cansino un poco para descubrir más cosas: Quien la descubrió dando un show de baile en Tijuana, fue un músico español, Xavier Cugat, que entre otras cosas es famoso porque supuestamente Rodolfo Valentino, la máxima estrella Hollywoodense de la época silente, decía que no podía hacer sus famosas escenas románticas si Cugat no estaba en el set tocando música.Silencio" con el presentador que habla en español, inglés y francés. Lo del francés quizá porque la película iba a tener su estreno en Cannes. Quizá por eso también la tía de Betty supuestamente se había ido a Francia y tenía en su mesita de noche un libro titulado “Tout Paris”.

Además está el personaje de la cantante Rebekah del Río que canta la misma canción que la cantante chicana de la vida real Rebekah Del Río. Que además es presentada como “La Llorona de Los Angeles”, y como todos sabemos en México, la llorona es un personaje mítico mexicano. Aunque para mí lo más revelador es que lo último que dice Rita, antes de dejar de ser Rita y convertirse en Camilla Rhodes, lo dice en español. Cuando regresan del club silencio, antes de abrir el cubo azul - caja de pandora Rita busca a Betty y le pregunta: ¿Dónde estás? En español. Resulta muy pertinente que esta raíz hispana de Hollywood se asome en una película de David Lynch pues además de su amor por el Hollywood clásico, su carrera arrancó tras los pasos del chileno Alejandro Jodorowsky.

Su primer película, Eraserhead, salió a la luz gracias al movimiento de cine de media noche que empezó con "El Topo" de Jodorowsky1. Difícilmente existe una película mexicana más importante que El Topo de Jodorowsky, porque con esa película inició ese movimiento. En 1970 el dueño del cine Elgin de Nueva York, en ese entonces habían muchas salas independientes de las grandes cadenas, vio El Topo en un museo y compró la película para pasarla en su cine a media noche después de las funciones normales. Y fue un exitazo. Tanto así que John Lennon y Yoko Ono compraron la película, que le quitaron al Elgin y la pusieron en funciones corridas en un teatro de Broadway.

Otros cines empezaron a buscar películas raras para hacer lo mismo que el Elgin. El movimiento del cine de media noche duró hasta que llegaron las videocaseteras y los videocasetes, pero mientras duró aumentó enormemente las posibilidades del cine, echó para atrás la barrera de lo prohibido, de lo que es aceptable y por lo tanto de quienes son aceptados. Los primeros éxitos de la media noche después de El Topo fueron La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, la película que detonó la cultura zombie, y Pink Flamingos de John Waters, cuyos atrevimientos siguen escandalizando hasta la fecha. Ambas películas ya habían sido exhibidas sin mayor efecto en el público, muy pocos las habían visto.

Pero encontraron sus fans a la media noche. Lo mismo pasó con El Show de Terror de Rocky, la película de culto por excelencia, la gente iba a verla cientos y hasta miles de veces, iban disfrazados y bailaban en la sala. Y la última película de media noche del cine Elgin fue Eraserhead. Sí, David Lynch también salió del agujero que El Topo abrió por debajo de la industria cinematográfica en el Elgin de Nueva York. Además se puede establecer una relación, una genealogía por decirlo así, entre El Topo, Pink Flamingos y las películas de Lynch con la tradición surrealista, que como se sabe tuvo una rama mexicana muy importante que incluye al principal director de cine surrealista, Luis Buñuel.

Además la primer película de gran presupuesto que pudo dirigir, Dune, fue un proyecto que durante un tiempo estuvo bajo la dirección de Jodorowsky y que Lynch finalmente dirigió. Y además se filmó en México. Pero de Dune hablaré más adelante. Regresando a Mulholland Drive, de acuerdo con la trama el mensaje principal de la película es otro. Así que lo que vemos al elevarnos por encima de las luces de Los Angeles es que detrás del cine hay una mafia. Es un mensaje similar al que encontramos en las más famosas películas del género negro o neo noir, y Mulholland Drive es considerada neo noir, que tienen a Los Angeles como escenario.

Específicamente hay que mencionar a Chinatown de Roman Polanski y la adaptacion al cine de L.A. Confidential, la novela de ese autor quintaesencialmente angelino, James Ellroy. En Chinatown y L.A. Confidential las historias como cortinas rojas lyncheanas nos dicen que Los Angeles fue construida gracias a, o por medio de, la corrupción. Y que detrás de las fachadas de respetabilidad la realidad es que ahí todo se maneja a través de mafias, lo mismo la policía que el gobierno de la ciudad, pero también los medios y hasta los que explotan a las aspirantes a actrices. De hecho Chinatown está basada en un caso de corrupción de la vida real que involucra al señor William Mulholland, el que le da el nombre a Mulholland Drive.

Así Mulholland Drive la película, viene siendo como una versión onírica y que habla más específicamente del negocio del cine, pero que transmite ese mismo mensaje de las historias de género negro angelinas: Una mafia mueve los hilos del poder, en la película de Lynch la mafia la encabeza el señor Roque, un enano paralítico con una cabeza diminuta. Quizá por esa parálisis es que salen tantos remakes, refritos y la repetición sin fin de viejas fórmulas. Nótese como este paralítico tiene atrás de él las mismas cortinas rojas del Club Silencio. Donde no hay orquesta. Todo está grabado. No hay banda.

Tímidamente los vampiros tímidos

Vampira humanista busca suicida (Ariane Louis-Seize 2023) es una nueva historia sobre vampiros ñoños en donde la mordida de contagio vampírico ocupa el lugar del sexo. Pero al final lo logran y pasan de ser una pareja virgencita de vampira hipersensible que si fuera humana seguro sería vegana. Con humano que prefiere morir que soportar que le digan que huele a queso. Sí, le dicen que huele a queso y quiere morir aventándose desde una altura no tan peligrosa. Pero es una comedia así que su búsqueda de la muerte es alegre y con buen ánimo. Inclusive aparece un grupo para depresivos y suicidas colorido y con depresivos de buen humor. Será por el Prozac.

Al final los dos ya son vampiros y se han vuelto darks.

También la música es ñoña.

El Papa jarocho

En Cónclave la historia imagina que la política en la iglesia católica es más o menos como la política americana. "Me siento en una convención política americana" dice un cardenal de hecho. Hay un candidato conservador al papado, el cardenal Tedesco, al que sólo le falta una cachucha roja que diga "Make The Vatican Great Again".

Y están los liberales, uno de ellos, el cardenal Lawrence, inclusive da un discurso en contra de la certidumbre que dice, es el peor enemigo de la tolerancia. Esto a pesar de que empieza su discurso diciendo "En estos tiempos de incertidumbre". Y no se refiere a que sean buenos tiempos.

Dudo mucho que alguien de la iglesia católica pudiera decir algo así. Realmente están en contra de la incertidumbre y a favor de sus supuestas certidumbres. Ese mismo personaje también dice haber perdido la fe en la oración. Y nos enteramos que el Papa, con cuya muerte empieza la película había dicho que ya no creía en la iglesia. Esas confidencias tampoco son nada creíbles. En general la historia es como el sueño de opio de un católico liberal mal informado que piensa que en el fondo el catolicismo tiene valores liberales.

Lo que sí me puedo imaginar más fácilmente es a un cardenal como Tedesco, el Trump wannabe, un personaje racista, para quien el problema es el relativismo en donde la religión católica y las otras son lo mismo y contra el que clama gritando y pidiendo una guerra religiosa. Los he oído decir que ya hay que tomar medidas radicales, es su forma de decir violentas, contra el aborto.

Pero es una historia entretenida con buena intriga política en un contexto muy particular, un cónclave católico cuando todos los cardenales de la iglesia quedan encerrados sin poder salir hasta que escojan a un nuevo papa. Y el final es muy sorprendente es una sorpresa final que muchas películas intentan hacer pero no les sale bien, pero aquí sí funciona. Sólo diré que en este caso el conflicto a favor y en contra del relativismo resulta ser tan sólo una fachada del conflicto del catolicismo contra las mujeres. En una escena un aspirante liberal a papa dice que está a favor de la homosexualidad, del divorcio y de abrir el clero a las mujeres. Y uno de los cardenales que lo apoyan dice que eso sí no. Lo de las mujeres no. Pero el caso es que gracias a un veracruzano, arzobispo de Afghanistán y hermafrodita, algo de femenino se cuela al trono de San Pedro. Sería una dulce venganza después de siglos pues según los evangelios apócrifos, es decir los no oficiales, y en especial uno conocido como el evangelio de María, María Magdalena era la más importante de los y las seguidoras de Jesús y además queda claro que eran amantes. Inclusive en alguno de estos evangelios se especifica que Jesús y María Magdalena se la pasaban besándose sus bocas. Y que en vez de Pedro la sucesora de Jesús fue María Magdalena, aunque esta versión del cristianismo es muy diferente de la que conocemos pues en ella no hay una jerarquía, además de otros cambios fundamentales. Y hubo cristianos que seguían esta corriente de María Magdalena durante siglos, por lo menos hasta el siglo V. Y probablemente por la competencia con estos otros cristianos fue que se empezó a decir que María Magdalena fue una prostituta. Amén. 

Lo que sucede en Las Vegas se queda en Las Vegas

En Anora (Sean Baker 2024) una chica que cree haberse sacado la lotería en la ruleta de los table dance y los bailes privados descubre que la fortuna con la que creía haberse casado en la ciudad del pecado era del banco de la ilusión. Y que la ley en Estados Unidos, así como ella y sus compañeras del antro neoyorquino Headquarters, le baila, le hace lap dance y hasta se mete a un "privado" para hacer cosas en lo oscurito con quien traiga suficiente billete.

Afortunadamente no todo es dinero en este mundo, también está el sexo que une a Anora (Mickey Madison) e Igor (Yura Borisov) aunque el asunto empieza de forma "no consensual" lo que hace que ella aparentemente lo odie. Pero al final Igor, que usa el coche de su abuelita, le dará el anillo que ella cree haber perdido y así Anora, tanto el personaje como la película hecha con poco presupuesto de forma independiente nos dicen que química mata billete. Excelentes actuaciones de todo el elenco no sólo de los protagonistas, humor, buen ritmo, un director que sabe contar historias y dirigir actores. Merecidísimos los Oscares a mejor película, mejor actriz para Mickey Madison y los mejor guion, dirección y montaje para Sean Baker que hizo las tres cosas él sólo. Y conste que lo dije desde antes de los Oscares.  

Brutalismo brutal

En teoría la arquitectura brutalista no tiene que ver con brutalidad y se llama así por la palabra francesa brut que significa algo crudo, sin adornos, al natural digamos. Y así este estilo arquitectónico que dejaba a la vista la estructura de la construcción y que a los materiales, especialmente el concreto que les encantaba, no les hacía ningún tipo de acabado o adorno acabó llamándose así.

Pero en El Brutalista si que hay una relación entre brutalismo y brutalidad cuando el ficticio arquitecto judío-húngaro Laszlo Toth, que estudió en la famosa escuela Bauhaus y tras haber pasado por la segunda guerra mundial y la brutalidad del campo de concentración de Buchenwald llega a Pennsilvania.

De entrada hay una cosa poco común en el cine americano. La película es una coproducción Estados Unidos - Reino Unido - Hungría pero el director Brady Corbet es americano y en El Brutalista hay una crítica muy visceral a los Estados Unidos. Unas secuencias que parecen viejas películas promocionales del estado de Pennsilvania parecen puestas puestas ahí sarcásticamente. Habla un locutor de la grandeza y prosperidad de Pennsilvania y enseguida vemos una gran fila de menesterosos haciendo cola para que les den algo de comer, por ejemplo.

Más adelante la crítica ya se vuelve abierta y nos enteramos que tanto Laszlo como su esposa, que llega a Estados Unidos después que él, piensan que es un país podrido en el que todo está podrido desde el paisaje hasta la comida.

Claro que hay un muchas cosas que criticarle a Estados Unidos y posiblemente en estos tiempos trumpianos más que nunca. ¿Pero porqué esta pareja, después de pasar por la guerra, los campos de concentración y la pobreza de la posguerra iba a tener tan mala opinión del país qué escogió para vivir? Se supone que la esposa no puede caminar a consecuencia de la hambruna que pasó ¿pero le parece que la comida de Estados Unidos está podrida?

La podredumbre americana queda personificada en dos personajes. Primero en Audrey, la esposa de Attila el primo de Laszlo, que es católica y, es de sospecharse que algo ha de haber tenido que ver para que Attila dejara el judaísmo y se volviera católico.

Attila recibe a su primo, le da un lugar donde vivir y trabajo en su negocio. Pero Audrey inventa que Laszlo le ha hecho alguna propuesta indecorosa así que el arquitecto Toth acaba viviendo en un refugio para indigentes y trabajando con una pala moviendo carbón.

El segundo personaje es el magnate de la industria Harrison Van Buren que se entera que Laszlo es un reconocido arquitecto y le encarga una gran obra, una especie de iglesia/centro comunitario que quiere hacer en honor a su madre y para beneficio de la comunidad.

Van Buren es un mecenas muy generoso que no sólo saca a Laszlo de la pobreza en que estaba hundido, y tolera sus vicios, pues se supone que Laszlo Toth era adicto a la heroína; además le encarga una obra monumental en contra de la opinión de su familia, de sus cercanos del negocio y hasta de los políticos locales.

Además gracias a Harrison, Laszlo logra traer a América a su familia, a su esposa Erzsebet y a su sobrina.

Y entonces un día que estaba borracho Harrison lo viola. Y mientras tanto critica a los judíos diciendo palabras más palabras menos, que ellos se ponen de pechito.

Resulta sorprendente no sólo porque no se da ningún antecedente de que el personaje de Harrison pudiera hacer algo así... sino porque esas cosas no pasaban en los cincuentas.

Poner que este señor, ya ruco, viola a su amigo, porque en la historia se vuelven cercanos; al que tanto había ayudado, sin dar ninguna señal antes de que era homosexual o de que quería fregarse a Laszlo se siente incongruente, inverosimil y forzado. Hasta la falsa acusación de la malvada católica Audrey se siente más creíble.

Para el epílogo la historia se traslada a 1980. Nos informan que el mazacote de cemento de Laszlo se acabó en el 73 y se llama Instituto Van Buren. ¿Cómo fue eso? se pregunta uno. ¿Acaso Harrison acabó de construirlo respetando el proyecto del tipo que lo acusó de violarlo? Eso está muy incongruente.

Lo que si tiene sentido es que escogieran 1980 para el final. Mark Fisher (también conocido por su alias k-punk) es uno de los críticos culturales más conocidos actualmente en el mundo, aunque hace unos años se suicidó. Según Fisher el post punk, genero musical que tiene entre sus exponentes más populares a Joy Division, The Cure, Depeche Mode y Bauhaus fue posible, entre otras cosas, gracias a la arquitectura brutalista que fue muy popular en el Reino Unido y según él, post punk y brutalismo tienen mucho en común. Cosas como la angularidad, el minimalismo, lo moderno, la sensación auditiva de grandes espacios que hacen que haya canciones post punk que son, según Fisher, como versiones en sonido de obras brutalistas.

Y entonces el brutalismo, junto con otras cosas y el interés de los músicos por lo moderno, por algo el grupo Bauhaus se llama así, hicieron posible ese movimiento musical modernista.

Inclusive Molchat Doma uno de los grupos de post punk contemporáneo más conocidos, pone en la portada de sus discos construcciones brutalistas.

Entonces se supone que en 1980 le hacen un homenaje a Laszlo Toth en una bienal de arquitectura, cuando el post punk estaba en plena explosión, y Vince Clarke, uno de los fundadores de Depeche Mode, participa como músico invitado en el tema del sountrack con que empieza ese homenaje.

Sin embargo, en la descripción que la sobrina hace de la obra de su tío en Pennsilvania rebela algo que según yo, va en contra de los principios del brutalismo. Según dice ella esta obra ficticia, el Instituto Van Buren, cuya construcción es la esencia de la película, incluye unos cuartos con las medidas exactas, excepto la altura, de la celda de Toth en el campo de Buchewald, y esta está conectada mediante diferentes estructuras subterraneas al espacio que representa a la celda de su esposa en el campo de Dachau, simbolizando así la unión de la pareja a pesar de haber quedado en diferentes campos de concentración.

Esto obviamente sólo se podría haber hecho a espaldas de Harrison que quería que la obra fuera un homenaje a su mamá. Pero además un principio fundamental del brutalismo era el funcionalismo. Todo debía servir para algo concreto. 

Y lo más curioso es que Harrison le pide a Laszlo que la construcción incluya una capilla, Laszlo le contesta que si no se suponía que era una obra para toda la comunidad (...y no sólo para cristianos) pero tiene que obedecer y entonces el edificio se supone que tiene una gran cruz hasta arriba y además con el sol se forma otra cruz en el interior. Y resulta entonces que el cristianismo acaba simbólicamente sobre los campos de concentración. Presidiéndolos digamos.

Se ha señalado que uno de los orígenes del brutalismo fueron las construcciones militares de Gran Bretaña en la segunda guerra mundial; fuertes, construcciones defensivas y cosas así pero en esta película no sólo se relaciona este estilo con los campos de concentración de la guerra. Laszlo dice que espera que sus edificios provoquen revoluciones y después señala que sus edificaciones siguen en pie a pesar de la guerra y que las diseño para soportar ríos de odio y miedo. Y luego resulta que para construir su obra debe soportar hasta una violación, después de la cuál el mismo se vuelve agresivo y brutal y hasta patea a sus trabajadores. 

Pero así como una de las características del brutalismo es no ocultar nada, dejar las estructuras de una construcción a la vista, en la historia se establece una relación entre el dolor, la divinidad y la verdad. Se supone que Erzsebet padece terribles dolores y en una ocasión lo único que se le ocurre a Laszlo para ayudarla es inyectarle de su heroína. Entonces ella casi se muere. Después de eso Erzsbet dice que vió a Dios y que le dió permiso para llamarlo por su nombre. Cosa que está prohibidísima en el judaísmo. Y ante el terrible dolor de perderla Laszlo le confiesa que Harrison lo violó.

Y ni como negarlo, a veces se necesita un poco de brutalidad para que la verdad sea dicha.

La verdad de los baños

En La Sustancia podemos ver una especie de conflicto madre - hija estilo complejo de Electra y también un conflicto mujer - hombres; en varias escenas de hecho aparecen hombres (en plural) uniformados y hostiles, tal y como suele aparecer el animus femenino. Es decir la imagen de lo masculino en las mujeres según Jung. Que es hostil en este caso.

Pero el conflicto central en La Sustancia es otro. Es algo que hace pensar en la crisis de los opioides. Estas drogas que empezaron a recetarse legalmente para aliviar el dolor. Y entre los opioides está el fentanilo.

Elizabeth entra en contacto con la sustancia en un hospital. Esta sustancia funciona de varias maneras como una droga. Para empezar, al menos de entrada hace sentir bien a Elizabeth. Ella en su "mejor versión de sí misma" es muy feliz. Como si se hubiera dado un pericazo o como su anduviera en tachas.

Y empieza a excederse en la dosis.

Esta mejor versión de ella, digamos la versión que abusa de las sustancias, empieza a comerse a la persona, que para evitar la realidad prefiere drogarse y se forma un círculo vicioso. Hasta que la droga de tener efectos placenteros, que viene siendo cuando a Sue se le empiezan a caer los dientes y las uñas. Se siente mal como en una resaca o con síndrome de abstinencia y corre a la droga pero la droga ya no la hace feliz, sólo la deforma. Como dice la canción de los Caifanes dedicada según se dice al crack o piedra:

"Piedra, déjame piedra

no me deformes más

déjame como estoy"

Los adictos al fentanilo suelen hacer movimientos grotescos y por la falta de higiene y cuidado se enferman de cosas que van destruyendo/deformando su cuerpo. Les dicen zombies y los zombies son monstruos.

Claro que la sustancia puede funcionar también como metáfora de otras cosas que se pueden conseguir en los hospitales como cirujías plásticas o antidepresivos.

Pero lo que me parece más interesante de todo es el escenario de la película. Elizabeth/Sue vive en una especie de jaula. La directora Coraline Fargeat no deja de hacer tomas de largos pasillos, rectos o curvos. No es necesario forzar mucho las cosas para imaginar que ella vive en un laberinto de largos pasillos que tiene en un extremo el estudio de televisión, en donde a ella la ven, y en el otro la sala de su casa, que es como un mirador para que ella vea. ¿Pero qué ve?

Parece que todo el tiempo está viendo la televisión. Incluyendo infomerciales. Chatarra. Hace televisión chatarra y ve televisión chatarra. Entre una y otra cosa ve su imagen colgada en los pasillos del estudio, en su casa y hasta en anuncios espectaculares. En un momento dado tapa el ventanal a través del cual puede ver hacia afuera con periódicos. En los que ha visto el anuncio del casting para sustituirla en la tele. Hay dos tomas que enfatizan su encierro aún más: Una en la que la cámara le ve desde lo que parece una rendija del sistema de ventilación y cuando Elizabeth observa al vecino desde la mirilla de su puerta como si fuera un gato rondándola.

Y es un laberinto sin opciones. Sólo cuando tiene un accidente se le presenta una disyuntiva: Tomar la sustancia o no.

Es el laberinto sin salida de la imagen. Pero hay baños en esta jaula y tienen un significado especial. Así como en la vida real podemos tener un poco de privacidad, estar solos y vernos al espejo en el baño, en La Sustancia la protagonista se enfrenta a la verdad en los baños. En uno escucha a su jefe decir de ella lo que él nunca le diría de frente. Y cuando Sue decide esconder a Elizabeth, para no verla en el baño, es cuando le empieza a hablar como si fuera otra persona y cuando empieza su caída.

Inclusive hay una toma en que la vemos al fondo de un pasillo pero un pasillo vertical, la vemos desde arriba como un científico viendo al ratón. Y ella está sentada en posición fetal sobre el piso del baño. Como verla en su verdad desnuda.

Creo que al final la moraleja de la historia es que el ratón en el laberinto de la imagen acaba por tomar las sustancias deformantes que salen del laboratorio. Está vulnerable, hasta un libro de cocina puede ser peligroso para él, como el que hace a Elizabeth comer sin control. Su único refugio es aferrarse a su verdad, esa que se aparece por los baños.   

Boomers en éxtasis

Es sabido que la generación de los baby boomers, los nacidos después de la segunda guerra mundial y hasta principios de los sesentas, reverencia a Bob Dylan como a un profeta. Y buscan las respuestas de la vida en sus letras.

No todos claro.

Pero los que sí, seguramente encuentran muy pertinente una película de más de dos horas centrada en la historia de cuando Dylan, en el festival de música folk de Newport, agarró una guitarra eléctrica en vez de una acústica rompiendo las reglas del festival.

Es como cuando Burzum mató a Euronymus para los blackmetaleros, o como cuando mataron a Biggie Smalls para los raperos, o como cuando afuera del Charco de las Ranas a Paco Pacorro... bueno tal vez eso no. Pero se entiende la idea.

Pero la verdad "Un Completo Desconocido" es una película con mucha música pero poca historia. Y no me refiero a la historia - historia. La película presenta la crisis de los misiles de cuba, el asesinato de Kennedy y la lucha por los derechos civiles. Pero a la historia de "Bobby D" le falta algo. No se profundiza en el personaje. O en sus amores. Ni con la también cantante Joan Baez, ni con la tal Silvie, interpretada por Elle Fanning, ya toda una experta en la cisis de los misiles cubanos y en biopics de músicos. Lo del famoso que no le gusta ser famoso es un lugar común. Y cuando le dicen: "Escoge tu arma" y le ponen una guitarra eléctrica y una acústica pues está bueno, pero el tema no es como para sacar toda una película de ahí.

Eso sí, hay muchas canciones para los fans, boomers y de otras generaciones. Pero para los que no somos aficionados, que a la mejor nos gusta una canción... pues no hay mucho que ver en "Un Completo Desconocido" que parece dirigida sólo para los iniciados en el culto. 

Médico brujo israelí manda a Don Corleone a llorar a telenovela mexicana

Lo de menos es el cambio de sexo en Emilia Pérez, lo que es verdaderamente de llamar la atención es como este "Manitas del Monte", capo mexicano high-tec y Don Corleone wannabe pues es de llamar la atención como más de cincuenta años después de El Padrino, el cine sigue poniéndonos mafiosos que quieren ser Marlon Brando con las mismas poses y movimientos lentos de Vito Corleone. 

Y que también hace las ofertas que no se pueden rechazar del siciliano, eso de "saber lo que tienes que hacer es aceptar hacerlo".

Pues este mafioso pasa a ser una mujer más bondadosa y sufridora que las más bondadosas y sufridoras protagonistas de las telenovelas mexicanas clásicas.

Como ya todos sabemos el pene es el origen del mal y por lo tanto ese diálogo de la película que dice que cambiar el cuerpo (de sexo) es cambiar el alma y es cambiar a la sociedad es sabiduría pura, profunda y popular.

Pero aún así cuando Emilia se pone a llorar y pedirle perdón a Jessi, que le acaba de cortar o mandar cortar tres dedos es como demasiado. Quizá ya se empezaba a acostumbrar a que le cortaran apéndices del cuerpo pero híjoles...

Aún así la historia no deja de plantear un problema cósmico, metafísico. O quizá sólo médico: ¿Cómo acabar con el mal si los penes se necesitan para hacer humanos? Emilia agarró a los hijos de Manitas del Monte, que no hay que olvidar, era otra persona. Pero entonces Jessi, la mamá, se los quiere llevar, y ante la perspectiva de no tener con quienes jugar al xbox como que se le quiere meter el Manitas del monte. Ese portador de pene es el único que puede ayudarle a seguir teniendo hijos.

Por suerte cuando le cortan los dedos el demonio de manitas parece quedar exorcizado.

Humildemente propongo que se empiece a hacer la secuela de esta película, pero en Colombia, y que se llame "Sin penes no hay con quien jugar al xbox".

Cine negro solarizado

Aunque Los Angeles siempre ha sido una de las capitales de la novela y el cine negro, no recuerdo una película de este genero que enfatizara tanto el lado soleado de esa ciudad como L.A. Confidential. Y por soleado no me refiero sólo al clima sino a su lado "bueno": Su prosperidad y su cara alegre por decirlo de algún modo.

Esta cara de L.A. queda enfatizada en las palabras del periodista de nota roja Sid Hudgens, con las que empieza la película, y en general con su personaje que es un alegre hijo de puta capaz de cualquier bajeza pero que nunca pierde la sonrisa. Y la ciudad que describe se parece a él mismo: Una bonita imagen de tenebrosas entrañas.

La imagen es central en esta historia. La protagonista y objeto de deseo Lynn Bracken es una prostituta que se parece a la famosa actriz de los cuarentas Veronica Lake, y trabaja para un tipo, Pierce Patchett, que le ofrece a los clientes coger con Veronica Lake.

Ella se enamora del detective Bud White porque dice que Bud no puede esconder quien es. Y además es el único que la ve a ella y no a Veronica Lake. 

La policía de Los Angeles aquí no es más que una mafia sólo que es la mafia oficial de la ciudad y el trasfondo de toda la historia es que el jefe de policía Dudley Smith se quiere quedar con los negocios del gran gángster de la ciudad Mickey C, recientemente enviado a prisión.

Pero no está solo el jefe policiaco, está asociado con el fiscal de distrito, con el chantajista periodista Hudgens y con el proxeneta Patchett, que además del negocio de coger con las estrellas también está metido en la construcción de infraestructura de la ciudad.

Aquí, como en Chinatown, se nos dice que Los Angeles fue construida, literalmente, gracias a la corrupción. Y en este caso también gracias al negocio de la prostitución y la imagen. La que dan los cirujanos plásticos para ser precisos.

Entonces el departamento de policía de la ciudad es una mafia, pero una mafia que trabaja mucho en su imagen. Y los angeles ofrece muchas oportunidades en ese tema.

Todo gira alrededor de la imagen: Se acusa a inocentes que tienen mala imagen, se hacen montajes para detenciones que dan buena imagen y se extorsiona con fotos que dan mala imagen. Inclusive se organizan para que el detective Bud White vea fotos de Lynn cogiendo con el detective Exley y mate a Exley.

En el caso de Exley le dicen que un detective debe torcer las reglas. Pero sobre todo, en lo que más le insisten es que deje de usar lentes porque los lentes no van con la imagen de un detective.

Y claro, también está el detective Vincennes, al que lo que realmente le interesa es su trabajo como asesor de un programa de televisión.

Al final el detective con lentes Exley, acepta cambiar la historia de lo que descubrió acerca del jefe Dudley y sus negocios para que la policía no quede tan mal. A cambio él quedara como héroe. Sólo que este "héroe" pierde a la chica, que se queda con el tipo sin imagen y que puede ver a la verdadera mujer atrás de la imagen.

Y la moraleja es que así como no se puede ver a las mafias que operan en la oscuridad, tampoco se puede ver bien a las que operan bajo los reflectores. La mucha luz y la mucha sombra se parecen en que no dejan ver.

Las medidas del demonio

El primer capítulo de la serie "Decálogo" de Krzysztof Kieslowski no es más que propaganda católica pura y dura. Incluyendo fotos de Juan Pablo 2 con los respectivos halagos al personaje. También aparece la virgen morena polaca, la virgen de Czestochowa, que "llora" tras la muerte de Pawel, el hijo del incrédulo Profesor Krzysztof.

Aunque la historia ni siquiera se atreve a presentar a Krzysztof como un verdadero ateo hardcore, sino tan sólo como un amable agnóstico que no sabe si dios existe o no y acepta que Irene, su hermana, lleve al pequeño Pawel al catecismo.

Y aún así no escapa de la furia divina que le quita a su hijo como para demostrar que la religión católica está por encima de las mediciones, es decir las matemáticas y la ciencia en que él confía.

Al final el argumento a favor de la religión es el muy viejo y malo de que "A ver si frente a la muerte, el dolor y el peligro sigues siendo ateo". Que es como decir "A ver si cuando tus defensas estén más bajas no se te mete el virus."

Curiosa o extrañamente la hermana de Krzysztof le cuenta a su sobrino Pawel que lo que alejó a su papá de la religión fue que un día se dió cuenta que podía medir todas las cosas.

¿Desde cuándo el poder medir las cosas es contrario a la religión?

En el Shi´ur Qomah, un antiguo texto místico judío se cuenta la historia de unos rabinos que bajaron a los palacios de dios, bajaron porque estaban bajo tierra, y pudieron medir su cuerpo. Tan sólo la barba de dios medía 11500 parasangs, una antigua unidad de medida que equivale a tres millas o cinco kilómetros aproximadamente. En general su cabeza era muchísimo más grande que su cuerpo. 

Seguramente en otras religiones hay más ejemplos de buenas relaciones entre los números y los dioses pero aquí, en el catolicismo de Kieslowski, al profesor Krzysztof nomás por calcular si el hielo del lago era lo suficientemente fuerte para que su hijo pudiera patinar le cae la patada voladora celestial.

Y no sólo están mal las matemáticas, las computadoras se prenden solas, también son malignas y en general la inteligencia, representada por Krzysztof que además de ser profesor universitario es aficionado a las computadoras y el ajedrez, es mal vista.

Este catolicismo se parece al partido morena, otra organización abiertamente antiintelectual que prefiere a los de baja escolaridad.

Me resulta por lo tanto muy sorprendente que el Decálogo de Kieslowski sea tan apreciado por la crítica. Tiene un 100 perfecto de calificación en el agregador de críticas de cine Metacritic y al parecer el mismísimo Stanley Kubrick declaró que era una obra maestra.

Ante eso sólo puedo agregar esas frases de los españoles que tanto me divierten: ¡Me cago en dios! y  ¡Me cago en la ostia!

La orfandad de los juguetes

Mientras que en Toy Story 1 el tema principal es la obsolecencia, cuando un juguete "espacial" llega a reemplazar al viejo vaquero, en Toy Story 2 se trata de una lucha de los juguetes, representantes de la niñez, contra los adultos. Todos los adultos en esta película y la adultez misma son malos. A la que menos mal le va es a la mamá del niño Andy, por ser su mamá claro, pero por su culpa empiezan los problemas cuando decide vender al pingüino Whizzy.

Además ella había mentido diciendo que iba a reparar a Whizzy y en vez de eso lo había arrumbado en un lugar lleno de polvo que lo hacía enfermar más. Para rematar le dice al hijo que los juguetes no son para siempre.

Luego viene Al: Ladrón, no se baña, su aliento es fétido, le da flojera cruzar la calle, es mentiroso y no puede olvidar que le rompieron sus galletas. Los juguetes lo odiaban desde que aparecía en la tele con una botarga de pollo.

El viejito que repara a Woody podría ser un buen tipo, pero no lo es, dice que Woody no es un juguete para que jueguen los niños con él porque se desgasta. Y como nos explican más adelante para un juguete que no jueguen con él es como la muerte.

A Stinky Pete, el buscador de oro, es al que peor le va: le dicen viejo, gordo, feo y quien sabe cuantas cosas más. Para empezar es el apestoso Pete por sus pedos. Aunque al principio es una figura paterna. Hasta que descubren que es un tramposo, malvado, rencoroso y ... pedorro.

Hay otro juguete adulto, el malvado emperador Zorg que le dice a Buzz Lightyear (El tonto, no el original que es más listo) "Yo soy tu padre" cual Darth Vader llevándose a Luke al lado oscuro y este Buzz cae redondito. Los otros juguetes lo dejan atrás porque pues ni como ayudarlo. Hay otros tres personajes medio lelos que encuentran a sus padres, los aliens verdes que deciden que el señor cara de papa parece más bien tener cara de papá. El odia la idea, parece que preferiría ir por unos cigarros y nunca regresar que adoptar a estos juguetes huérfanos y convertirse así en un padre, es decir en un adulto.  

La carretera del eterno retorno

En la cinta Lost Highway, así como en un desierto en donde la pesadilla de los que se pierden no es llegar a un lugar desconocido sino descubrir que han regresado al mismo lugar de donde partieron, Fred Madison sale por la carretera de la perdición hacia ser otra persona, que también está condenada a amar a la misma mujer, que al final le dice que nunca será suya. Al final Fred se deja a sí mismo el mensaje con el que empieza la historia lo que hace pensar en el eterno retorno de Frederich Nietsche, el filósofo que creía que al final todo se repite. O también en un día de la marmota pesadillesco. En "El Día de la Marmota" el clásico de los noventas, Phil, el personaje de Bill Murray, logra salir de su infernal vida sin sentido en la que todos los días se repiten y ni siquiera puede suicidarse para escapar, gracias a que se enamora de Rita, que es una buena mujer y para enamorarla Phil se vuelve bueno y así la conquista y la pesadilla acaba.

Pero a Fred Madison le toca enamorarse de Renee, o sea de Alice que es infiel, ladrona, no le importa matar y hace y ve películas porno - snuff. Y que además no será suya. Al igual que Phil, Fred regresa en el tiempo: Además de regresar al final a darse el mensaje por interfón del principio, regresa de la antesala de la silla eléctrica, más joven, a empezar de nuevo con la misma mujer. En términos de la psicología analítica o profunda de Carl Jung estas mujeres, tanto Renee/Alice como Rita del día de la marmota, representan el ánima o alma masculina es decir las almas de Fred y Phil. De acuerdo a Patrcia Arquette, la intérprete de Renee y Alice Lost Highway se trata de los problemas de Fred con las mujeres²: " Para mí, la película se trata de ver a las mujeres con los ojos de un misógino... está totalmente obsesionado con ella, no puede amarla lo suficiente, no puede tenerla sólo para él lo suficiente, no puede matarla suficientes veces"

 "Odia a las mujeres, no confía en ella aunque es su esposa, la mata pero no puede recordarlo, entonces se recrea como este joven viril y la conoce de nuevo. Ahora ella quiere coger con él y lo ama. Pero inclusive así ella es una puta cochina. En la mente de este hombre una mujer siempre es un monstruo." Y no hay ninguna contradicción entre problemas con las mujeres y problemas con el ánima, vienen siendo como dos caras, una interna y otra externa de la misma moneda.  Para la famosa analista jungiana Marie Louise Von Franz³, para un hombre con un ánima subdesarrollada todas las mujeres se dividen en putas o santas. Y Fred es un tipo inmaduro. Lo sabemos pues no acepta la realidad. Por eso odia las videocámaras ya que le gusta recordar las cosas a su manera y no precisamente "como sucedieron".

¿Pero entonces porqué en el día de la marmota Phil, que es malo, sí se salva? Quizá porque no busca a ninguna santa, Rita es sólo una mujer que trabaja para él a la que se quiere coger. Y se la coge y santo remedio. Fred/Pete en cambio duda de su realidad: De su mujer, de que ella sea ella y de que le sea fiel, de las voces en el interfón, de la realidad del mundo y de las lagunas en su memoria. Está perdido, no en el bosque, el mar o el desierto como en los mitos antiguos sino en la carretera. El lugar de la búsqueda y perdición espiritual en la mitología americana.

La humanidad como telaraña

Leave No Trace (2018) es en el fondo la historia de la emancipación de una hija, o sea de que crece y quiere ser independiente y todo eso. Y lo que hace particular a la historia es que ella y su padre se llevan muy bien y viven solos en el bosque. 

Leave No Trace tiene una calificación de 100 en el tomatómetro de Rotten Tomatoes, o sea según la opinión de los críticos (No del público) recabada en ese sitio se trata de una película perfecta.

Para quienes no la hayan visto Will, el papá de Tom, que es el extraño nombre de la niña, es un exmilitar que vende los medicamentos que le surten en el centro de atención a veteranos a otros veteranos que también viven en el bosque aunque no tan aislados como él.

Tom un día descubre en un recorte de periódico de su papá, que su unidad estaba siendo devastada por los suicidios.

Todo esto hace del papá un exmilitar típico pues los veteranos de Irak y Afghanistán regresaron con fuertes problemas de salud mental, empezando por el famoso Síndrome de Estrés Postraumático, que es lo que tiene Will, y muchos acabaron de homeless además de que presentan altísimas tasas de suicidio.

Entonces un día Tom está leyendo sobre los amorosos rituales de los caballitos de mar y, como si fuera cosa de la pubertad, comete un error que hará que los descubren. Porque Will era un experto en ocultarse, camuflarse y desaparecer. Hacía simulacros con Tom en caso de que tuvieran que esconderse rápidamente, se cuidaban de no dejar huellas al caminar y Will le pedía a Tom que ensuciara sus calcetines para que no resaltaran. 

Los detienen por acampar en un lugar prohibido y acaban en manos de los trabajadores sociales. Lo que la historia presenta como lo peor que les pasó es que los someten a interminables baterías de preguntas. Supongo que estas representan el más nítido contraste con la libertad en que vivían porque son como las telarañas del encasillamiento por parte de otros. Luego les consiguen una casita para vivir en una granja de arbolitos de navidad donde Will podrá trabajar y ahí, encerrados en cuartos, el contraste con su anterior paraíso boscoso se siente brutal. Acabarán durmiendo afuera como para recordar la libertad. 

Pero la cosa no acaba ahí, la trabajadora social no para de llevarle a Will documentos que debe firmar, el dueño de la finca le pide que vayan a la iglesia, en donde a Tom le explican que Dios hizo a las ranas, lo que a Will, con toda razón le parece aberrante. El esconde la televisión que hay en la casa pero un día la trabajadora social le dice que debe cooperar si quiere seguir siendo independiente y le da un teléfono, que es la gota que derrama el vaso, cosa que a mi me parece perfectamente razonable, y decide escapar de nuevo.  

Pero Tom ya empezaba a hacer amigos y en su nuevo bosque un día Will se lastima el tobillo y acaban en una pequeña comunidad, que parece de anacoretas como ellos apenas un poquito más sociables y ahí, en lo que Will puede volver a caminar, Tom decide que ya no quiere vivir aislada.

Will se vuelve a internar en el bosque y ella lo sigue un tramo, finalmente le dice que sabe que él no puede vivir de otro modo y se despiden. Ella le dejará provisiones en un punto que han acordado, sabe que su papá la quiere pero que para él, la gente se ha vuelto algo radioactivo, insoportable, mortal. Y debe estar lo más lejos posible de las telarañas humanas. Como las telarañas con las que empieza la película. Sólo que mucho más peligrosas.

El marinero, la dama y el dragón

Según la sicología jungiana, el dragón representa al complejo materno destructivo y todos los mitos y leyendas del héroe o caballero de brillante armadura que debe derrotar a un dragón para rescatar a la dama se refieren a la lucha contra este complejo para encontrar su ánima, o alma, del hombre.

Visto así, en Wild at Heart tenemos la historia de Sailor, nombre que resulta significativo pues los dragones de los mitos también suelen vivir en costas o islas apartadas y peligrosas en donde resguardan tesoros. Y en donde encallan barcos perdidos con sus marineros.  Y también hay una explicación de porque estos tesoros representan también al ánima.

Entonces Sailor vive en Cabo de Miedo, Cape Fear, nunca tuvo padres que lo guiaran y debe vencer al dragón encarnado en Marietta la madre de su amada Lula. La mamá ya le vomitó fuego - es decir hizo que lo quemaran vivo -  a su marido Clyde, el padre de Lula. También hizo que le pusieran precio a la cabeza de su amante, el detective Johnny Farragut. Y quiere acabar con Sailor. 

Aunque para ser justos parece que también mandó al otro barrio a un tipo que violó a Lula a los trece años. No vemos que haya sido culpa de Marietta, pero resulta sospechoso que murió en un accidente en que su coche explotó en una bola de fuego.

Sailor se salva por un pelo de ser asesinado por Bobby Peru, ex marine que quería cobrar la recompensa ofrecida por la mamá-dragón y al final le canta "Love me Tender" a Lula en un final feliz y colorín colorado.

Sólo que hay un punto en el cual la historia es completamente inverosímil inclusive considerando que es una película surrealista lyncheana.

Si a Sailor lo hubieran condenado por asalto a mano armada, especialmente en Texas, estado famoso por sus condenas durísimas, para cuando saliera de prisión, si es que salía, Lula ya andaría por el tercer marido y su hijo Pace tendría hermanitos o hermanitas de otros papás. Y sus propios hijos. No hay modo de que hubiera salido libre a los seis años.

El dragón se lo habría comido y dejado limpios sus huesos. En la propia historia se ve cual fue el error de Sailor. Para empezar se desvió de su camino, le prometió a Lula llevarla a California pero se desvió y mucho, según dice ella, para ir a un pueblo de mala muerte. La razón es que Sailor tenía miedo y quería saber si su cabeza tenía precio. Y su segundo error fue asociarse con Bobby Perú después de que Lula le advirtiera que ese tipo era un "ángel negro" y que se alejara de él. Desobedecer al ánima tiene fatales consecuencias.

La guerra santa de Dune

Nadie niega que en Dune, la novela de Frank Herbert publicada en los sesentas, hay un tema de antihomosexualidad, entre muchos otros temas afortunadamente. El villano principal, el Barón Vladimir Harkonnen es homosexual, pedófilo, violador, es inmensamente gordo y se dan pistas de que también puede ser incestuoso. Herbert nunca negó que estaba en contra de la homosexualidad y queda claro que quiso que el villano principal de Dune tuviera todos las cualidades negativas posibles. Cuando David Lynch toma el proyecto de adaptar la novela al cine le deja al Barón Harkonnen todas esas características que vienen de la novela, pero en su adaptación parece que hay una especie de mutación, algo no tan difícil de hacer pues Dune es una novela larga que para adaptarse necesitaba forzosamente muchos recortes y cambios.

Así que en la película de 1984, filmada en los estudios Churubusco de la Ciudad de México y otras locaciones del país,  un elemento esencial de la historia es el SIDA. La pandemia que en ese entonces se extendía por el mundo sin que tuviera curación y ni siquiera hubiera como mitigarla o frenar sus efectos aunque fuera parcialmente. La trama de la película de Lynch es en el fondo una historia donde la vida lucha contra la muerte y esa muerte se parece mucho al SIDA. Aunque uno de los dos hijos de Frank Herbert, al que desheredó y con quién rompió todo contacto, fue homosexual y murió de SIDA, Dune fue publicada muchos años antes de la pandemia del virus de inmunodeficiencia humana, el famoso VIH.

Sin embargo en la película de Lynch el Barón Harkonnen aparece por primera vez mientras le atienden pústulas y llagas de la cara. Mismas que nunca aparecen en la novela. Más adelante mata a un joven, un adolescente al que se lo ponen como un ratoncito para alimentar a una boa. Y no se ve exactamente como lo mata, o que le hace. Pero antes del ataque el barón empieza a cubrir su cuerpo con un líquido negro, y luego a la víctima le jala una válvula que tiene en el corazón, como todos los que viven en el planeta Geidi Prime, el planeta de los Harkonnen. Después sólo se ven frágiles florecillas manchadas del líquido. No se ve que pasa exactamente, pero queda claro que fue una mezcla de violación, ataque vampírico… y contagio.

Probablemente hay más información en la novela o en las otras versiones de Dune pero sólo quiero referirme a la película de 1984 de David Lynch. El rechazó todas las demás versiones de la película, al grado de que hay algunas atribuidas a Alan Smithee, un personaje ficticio al que le acostumbran atribuir sus películas los directores que no quieren aparecer en los créditos de sus obras cuando los productores los obligan a hacerles cambios al grado de que ya no quieren reconocerlas como propias. Más adelante en la película nos enteramos que todos los Harkonnen además de la válvula en el corazón tienen una enfermedad incurable, que a los nuevos súbditos les contagian a propósito.

Así que para vivir deben sacar todos los días el antídoto de un gato, que tiene una rata pegada con cinta adhesiva. Los Harkonnen del planeta Geidi Prime tienen controlado el planeta Arrakis o Dune y oprimen a sus habitantes los Fremen. Estos, como los antiguos judíos, esperan un mesías que los libere. Y las mujeres de la hermandad Bene Gesserit están tratando de crear un mesías manipulando quien procrea con quien. Llevan haciendo eso muchas generaciones. Este personaje deberá poder beber las "aguas de la vida", un líquido producido por unos gusanos gigantes de Arrakis que parecen falos. Falos, líquido, vida. Suena a algo conocido.

El caso es que el mesías lleno de este líquido vital y cabalgando uno de estos gusanos gigantes derrota a los Harkonnen. Al frente de un ejército de Fremen, todos arriba de estos gusanos cabeza de pito. Herbert reconoció que ese final fue deliberadamente estructurado como un climax sexual. "Es un ritmo coital. Muy lento, subiendo todo el tiempo. Y cuando llegas al final, lo partí sin descanso, para que la persona que lo lee se patine fuera de la historia, llevándose unos pedazos con él." La película tiene un tono mágico/religioso/sicodélico. Los "mentats" que son computadoras humanas echan a andar su maquinaria cerebral con rezos que también cambian el color de sus labios. Y los Atreides, la familia del mesías, ha aprendido a manipular los sonidos y por lo tanto las palabras para que puedan funcionar como armas. Entonces rezos y palabras mágicas mueven el mundo. Y hasta a la tecnología. O viceversa, la tecnología es parte de la magia. Y no sólo eso, los "viajes" internos con la droga... perdón, con la especie "melange" se vuelven viajes externos.

De hecho todo el planeta Arrakis/Dune es llamado lo de "adentro". Y todo lo demás es lo de "afuera". Adentro entonces tenemos los falos, la sicodelia omnipotente, los rezos, el agua de la vida. Afuera el opresor homosexual pero también el mesías que llega a lanzar la yihad, la guerra santa. Así le llaman, yihad. Muchas coincidencias que parecen apuntar a que el verdadero enemigo aquí es el SIDA, una enfermedad contra la que no había ninguna medicina en ese momento, y contra la que no se podía hacer más que rezar, ese parece el verdadero enemigo metaforizado en la Dune de Lynch. La lluvia final que llega al desierto y con la que cierra la película, con su simbolismo de vida también puede interpretarse como victoria sobre la muerte.

El dandy y los elefantes proles

El Hombre Elefante nos presenta una fábula acerca de la gente y el freak. Pero el freak, el hombre elefante es más bien un personaje pasivo. Como un balón de futbol que se pelean el doctor Treves y el malvado señor Bytes. Aunque también en su propio equipo a Treves le quieren quitar su pelota.

El hombre elefante en realidad no sufre una transformación a lo largo de la historia. Lo que vemos es un acto de magia por el cual resulta que debajo del fenómeno de circo hay un dandy, un perfecto caballero inglés del siglo XIX. Amable y educado e inclusive, según reporta la prensa, distinguido.

A pesar de haber sufrido trato de animal es la cortesía misma a la hora de tomar el té. Ama el teatro, a pesar de nunca haber ido, y para haber estado enjaulado parece sospechoso que pueda leer de corridito a Shakespeare. No es como el caso de "Mi Bella Dama" en donde se cuenta todo el proceso educativo para convertir a una mujer en una dama refinada según los estándares británicos de la época. Es más bien como si este elegante dandy hubiese estado escondido bajo el disfraz del hombre elefante.

Entonces este caballero amante del teatro y los niños, aunque estos seguramente lo trataban como el espectáculo de circo que era, es aceptado por la sociedad. Es decir, por la alta sociedad: El doctor Treves y el público en smoking del teatro y hasta por la reina Victoria.

En cambio los malditos proletarios, empezando por Bytes sólo se quieren aprovechar de él. Y también emborracharlo y juntarlo con mujerzuelas.

Hay dos secuencias oníricas en la película: Cuando la mamá sueña con los elefantes que supuestamente le pasaron, o le pasarán, por encima durante el embarazo, y otra donde Merrick sueña con amenazantes elefantes y con una fábrica - taller en donde unos obreros trabajan. En la siguiente escena el operador de la caldera del hospital mete a un grupo de borrachos y borrachas, incluyendo a Bytes, a la habitación de Merrick en el hospital.

Lo que parece inverosímil para empezar. ¿Cómo meter a todo el tropel de beodos hasta ahí?

Hay algunos contrapuntos: Frente al bondadoso doctor Treves hay otro doctor que quiere echar a Merrick del hospital. Hay un niño que trabaja con Bytes que trata bien a Merrick y una niña que lo acosa y hace que acabe acorralado por una multitud. Y frente a la maldad de los pobres está la solidaridad de los otros fenómenos de circo.

Pero a fin de cuentas ganan los valores victorianos. A Merrick le reconocen inteligencia y humanidad cuando ven que se sabe un salmo y Merrick dice que conoce la biblia y el "book of common prayer", un libro de rezos de la iglesia anglicana.

Además pasa su tiempo haciendo un modelo de una catedral y quien decide finalmente que hay que cuidar de él es la reina Victoria.

Se supone que tiene 21 años pero está más a gusto tomando té e intercambiando frases amables que si le dan alcohol y le presentan a unas borrachas.

Y se acuerda que antes de que su mamá lo abandonara él trato de ser un buen hijo. claro, seguro no lloraba ni se hacía popó y pipí de bebé pues ya desde entonces era todo un bebé caballero.

  

Novio que sabe cocinar y limpiar, de oferta en Target

 

En Career Opportunities el padre de Jim Dodge, quiere que él trabaje y se independice pero al parecer Jim tiene un plan muy diferente, conseguir una mujer rica que lo mantenga. El nunca dice tener semejante plan pero se liga a la chica rica del pueblo y el tipo parece tener todas las buenas cualidades de una esposa tradicional ama de casa y ninguna aptitud para el trabajo. Al contrario de su padre quien mete pollo frito directamente en un bote de crema de cacahuate y parece que no sabe ni usar los cubiertos, Jim puede preparar un buen pollo envinado bajo en calorías porque "cuida su figura". No sus calorías o su alimentación o su salud sino su "figura". Su presentación es excelente, tanto así que llega a pedir un puesto de limpiador y lo confunden con un ejecutivo que están esperando. Y sabe aparentar sofisticación hablando de modo amanerado de ir a un lugar que tiene la mejor pasta, o de sashimi, o de moda o de como condimentar el pollo. Entre otras cosas claro. 

Y se encuentra a su dama vestido con un velo de novia. Ella deberá hacer todo lo que tradicionalmente le toca al hombre: convencerlo de irse lejos con ella, proponerle sexo, aunque él propondrá primero un baile romántico y no ir tan de prisa. Ella quiere independencia, él vivir en la casa paterna. Y ella será la heroína con el plan para librarse de unos asaltantes. En una escena, para esconderse de dichos asaltantes ella se esconde bajo una banca y le propone que él se ponga encima de ella pero acaba él abajo de ella.

¿Entonces puro cambio de roles tradicionales? No sólo eso, la historia está como proactivamente en contra del trabajo. Empieza con la noticia de que a un empleado lo mataron en un asalto a una tienda, después durante la comida en casa de Jim comentan acerca de una persona que tuvo un accidente trabajando y que por lo tanto quedará para toda la vida con la lengua de fuera. A la hermana de Jim que trabaja en un banco y le reclama a él por no poder mantener un trabajo la arreglan como para que parezca lo más fea posible. De hecho en un guión de la película (aunque variado) se la presenta como en camino a ser una solterona. Y a pesar de que ella sí trabaja, sigue viviendo con sus papás, como le dice Jim, como para que se vea que trabajar no sirve de mucho.

Y el papá de Josie, la chica rica, se opone a que una fábrica de autos japoneses se instale en el pueblo a pesar de que le dicen que traerá empleos, a lo que él responde que él no necesita un empleo. 

Josie inclusive le dice a Jim que su trabajo de afanador no es el principio de nada sino el fin.

Además se presenta al papá de Jim como si fuera un villano por querer que su hijo trabaje y se independice. No sólo lo ponen como un palurdo que no sabe ni comer, sino que se arrepiente de lo que ha hecho, como si llevar a su hijo mayor a una tienda Target por un empleo fuera condenarlo a morir asesinado. Al final acaba juzgado igual que el papá de Josie que amenaza con ponerle a ella la golpiza de su vida.

Se nota que en esta película el guionista John Hughes trató de recrear la fórmula de su clásica The Breakfast Club, metiendo a un grupo de jóvenes encerrados en algún lugar a hablar de sus vidas, en este caso en vez de una escuela en una tienda. Pero la cosa no salió bien, Career Opportunities fracasó comercialmente y como no se respetó el guión de Hughes este trató que lo quitaran de los créditos. A lo que los productores se negaron.

Hace poco leí que The Breakfast Club es considerada un clásico de la generación x y curiosamente Career Opportunities viene siendo como el polo opuesto de lo que representa la generación x. En una escena inclusive Josie se acuerda que bailó con Jim en un baile de la escuela y que él olía a cierto desodorante. Jim parece avergonzado y dice que el que olía a ese desodorante era otro. En una película de 1991, cuando el impacto de Smells Like Teen Spirit (Un desodorante para adolescentes) cimbraba al mundo y el grunge, un movimiento hecho por bandas surgidas de pequeños pueblos reivindicaba a la juventud de esos lugares mientras que aquí el héroe, Jim, es un pueblerino que finge una vida sofisticada, exactamente lo contrario del "come as you are" que pide la icónica canción de Nirvana. Y al final se supone que Jim acaba viviendo la gran vida en Hollywood, gracias al dinero de Josie claro está.

Gasolina y masacres

Al analizar La Masacre de Texas (Tobe Hooper 74) la relación entre los mataderos de ganado y la matanza de humanos es bastante obvia, el propio Tobe Hooper dijo que la película es sobre la carne, y al parecer él se volvió vegano o vegetariano después de la filmación. También Guillermo Del Toro dice que dejó la carne un tiempo después de verla.

Pero lo más interesante siempre es lo que está oculto y los creadores de esta película de culto lo sabían, así que la historia comienza con señales de que algo será revelado: El sol en el cénit con un sonido de mal presagio que hace pensar en un desierto de donde ya no hay escapatoria, la chica que lee de un libro de "astrología americana", cosa que no existe, pero que como explicaré a continuación resulta de lo más acertado si en vez de la palabra astrología, pensamos que se trata del horóscopo de América en ese momento. En las primeras tomas vemos lo que no debería verse: cadáveres sacados de la tumba, que han sido puestos al sol, después de ser captados con película polaroid. Y también están las tomas de acercamientos al sol, que parece un infierno rojo, otra vez lo que no puede verse normalmente, pero que puede ser contemplado en película.

Así que cinco amigos quieren ver como está un abuelo muerto, si sigue en la tumba o lo sacaron a tomar el sol. Al final la última sobreviviente vaya que verá un abuelo muerto.

El radio que hace de narrador coincide con los horóscopos que se van leyendo. O quizá es al revés pues como dice la chica que lee uno de estos horóscopos: "Los eventos del mundo no ayudan a sentirse mejor".

Así, después de la principal noticia del día que es la profanación del cementerio, según dice la voz de las noticias, las siguientes notas parecen narrar la llegada del apocalípsis: Depósitos de gasolina siguen ardiendo en una refinería, un "holocausto" que puede verse a 60 millas de distancia, una epidemia ha estallado en San Francisco, y en Houston la locura parece contagiarse, un hombre se lanzó por la ventana cuando falló la transmisión por televisión de un evento deportivo y un segundo hombre iba a lanzarse por la misma ventana cuando la policía lo detuvo. En Indiana, en el caso de un triple homicidio a un hombre le cortaron los genitales etc.

Algo huele mal: el rastro, pero debe haber algo más pues según un borracho en el cementerio, en ese lugar pasan cosas que todos saben pero de las que nadie quiere hablar. Como los policías que lo único que "saben" es que las pistas indican que lo del cementerio es culpa de gente de fuera, al parecer de una banda de ladrones de California según dicen en el radio después. Pero lo que se revelará queda mucho más cerca, de los policías y de Sally y Franklin, los hermanos que descubrirán cosas sobre sus antiguos vecinos. A los que quizá nunca les vieron nada raro. De hecho Franklin y uno de los hermanos Sawyer tienen mucho en común, este hermano del famoso leatherface, del que nunca se sabe su nombre, comparte con Franklin el interés por el rastro y las navajas, el carácter infantil y hasta alguien le dice a Franklin que esta más loco que este hermano Sawyer, pues Franklin fantasea con cortarse con su propia navaja como lo hizo el Sawyer. 

Los dos tienen problemas de "movilidad" digamos: Franklin usa una silla de ruedas y en la primer aparición del grupo de amigos bajan a Franklin de la van para que orine en una lata, pero como el terreno está en declive Franklin se va para bajo. El hermano de leatherface por su parte entra en escena pidiendo aventón, no tiene como regresar a su casa y camina bajo un sol abrasador.

Aunque explícitamente la película tiene como mensaje que "Meat is murder" y los vecinos pueden ser monstruos, como el entonces famoso Ed Gein, inspiración para esta película, para Psicosis y para El Silencio de los Inocentes. De hecho le pusieron como guiño Ed Guinn a un personaje secundario, el negro que conduce un camión al final.  

Los problemas empiezan porque la van ya casi no tiene gasolina y corren el riesgo de quedarse varados. Los cinco amigos. Y toda América y otros países en la vida real. Al principio de esta película se da la fecha exacta en que se supone que sucede la historia: Agosto 18 de 1973. Menos de dos meses después de esa fecha y cuando apenas habían pasado unas semanas de la filmación estalló la guerra del Yom Kippur entre Israel y un grupo de países árabes. Y Arabia Saudita y otros países en represalia contra los que apoyaban a Israel hicieron un embargo petrolero, o sea disminuyeron la producción de petróleo, se negaron a venderles a Estados Unidos y otros países, subieron los precios y provocaron lo que fue hasta ese momento la mayor crisis económica desde la segunda guerra mundial.

El problema fue tan grande que se racionó el uso de gasolina, se impusieron límites de velocidad y hasta de luz, al grado de que en el estado de Oregon ese año se prohibieron los adornos navideños con luces. En Holanda de plano se prohibió usar autos algunos días, la NASCAR canceló carreras y hasta se dice que esa crisis provocó que las automotrices americanas, que fabricaban los coches más traga gasolina, empezaran a perder terreno frente a los japoneses y los alemanes. El comienzo de su larga caída. Aunque claro que lo peor fueron cosas como el desempleo y la inflación.

Entonces los cinco amigos llegan a una gasolinera, con un anuncio que dice "We Slaughther" que es como "nosotros matamos" o "nosotros masacramos" y... no hay gasolina. Curiosamente esta gasolinera tiene un gran anuncio de la petrolera Gulf. Y el problema que estaba a punto de estallar, antes de que la película se estrenara, fue porque dejó de fluir el petróleo del golfo Pérsico. Otro golfo, pero un golfo a fin de cuentas. A pesar de que corrían el riesgo de quedarse sin gasolina los amigos deciden seguirse rumbo a la vieja casa de la familia de Franklin y Sally.

Curiosamente para ese momento ya vimos dos casos de sujetos que quedan bocarriba como tortugas o cucarachas volteadas sin poder moverse, Franklin y el borracho del cementerio, y también un armadillo muerto sobre su caparazón en la carretera. Ese tema de morir en la carretera volverá a aparecer. De hecho hay otro armadillo, o quizá el mismo, en la mesa de los Sawyer pues el hermano de leatherface junta animales muertos en la carretera y los mete en un costal, como el costal que usa el papá para meter a Sally como si fuera otro pedazo de carne que aparece en el camino. Además está el atropellamiento del hermano sin nombre como en un acto de justicia poética: "El que come carne de la carretera muere en la carretera".

A Franklin al llegar a la vieja casa lo dejan sólo y él no puede moverse con su silla de ruedas por el lugar, lo que provoca que haga un berrinche infantiloide. Al hermano Sawyer no le acabaron de dar aventón a su casa tampoco.

Y entonces Kirk y Pam, buscando un lugar para nadar, descubren que en la casa de los Sawyer hay un generador que funciona con gasolina y deciden ir a pedir gasolina. En realidad todos los que mueren es por eso, por los que fueron primero por gasolina. 

Y claro, el de la gasolinera era el papá de la familia de caníbales. Quién por cierto tras encostalar a Sally y a punto de llevársela en su camioneta, se regresa a apagar las luces de su gasolinera. Y dice: "El costo de la electricidad puede llevar a un negocio a la quiebra".

A Franklin alguien le dice: "Si nos quedamos sin gasolina nos vas a tener que jalar a todos". O sea un texano loco que no puede moverse sin ruedas solucionará el problema ¿Qué podría salir mal?

Lo que recuerda que unos años después una familia de petroleros texanos, Los Bush, llegaron a la Casa Blanca. Como a todos los petroleros la crisis petrolera de 73 - 74 debió ayudarles. Y esta familia ha sido la única que ha estado cinco veces en el palco de honor en una inaguración presidencial en Estados Unidos. Durante los dos periodos de Ronald Reagan cuando Bush papá fue vicepresidente y luego cuando llegó a la presidencia, durante la cuál se lanzó a la "Guerra del Golfo Pérsico", en la que ardieron pozos petroleros que esos si estuvieron nivel holocausto y no como los incendios que se oyen en el radio en esta película. Y luego llegó el también texano Bush hijo, que lanzó la guerra contra Irak acusándolo de tener armas de destrucción masiva lo que fue falso. Esa sí que fue una carnicería y no lo de los Sawyer. Y todavía otro Bush, Jeb, era el favorito para ser el candidato republicano en las elecciones de 2016, sólo que ganó el orate de Trump. Quien ha dicho que el problema de la guerra contra Irak fue que al final no se quedaron con el petróleo.

Por cierto sobre la guerra de Bush hijo no dejen de leer mi texto sobre Monsters Inc.

Cuando la de recursos humanos es esclava del maligno

Kill List (Ben Wheatley 2011) es una extraña mezcla entre drama familiar y folk horror con una pizca de thriller. Al arranque parece que vamos a ver el drama de un matrimonio que se divorcia o algo así. Jay (Neil Maskell) y su esposa Shel (MyAnna Buring) discuten por dinero y por pendejadas. Que si él tomó de las costillas sin cortar en vez de las ya cortadas o que si ella en lugar de poner comida en algún platón de la vajilla la puso en un pyrex que parece para hacer química.

En general todo es conflicto y acrimonia. No sólo Jay y Shel se la pasan a gritos y golpes (de ella a él). También Jay y su amigo y socio Gal (Michael Smiley). O Jay y los comensales de un restaurante. O con los que no pueden decir por favor o gracias. De hecho lo que sorprende es que la pareja siga siéndolo y que Jay y Gal sigan siendo amigos y trabajando juntos. Por un lado llama la atención tanta rudeza pero también que a pesar de ella las cosas sean "normales". ¿Será una cosa inglesa acaso?

Así que Jay y Gal son un par de asesinos a sueldo, pero son muy típicos clasemedieros. ¿Será eso posible? Bill Burroughs, quién además de escritor fue un ladrón profesional escribió en algún lado que en México no había ladrones de clase media; como en Estados Unidos.

Entonces todo era felicidad. No hacían más que pelearse. Pero después se reconciliaban. Y Jay y Gal mataban gente y así. Pero entonces Gal lleva a cenar a su nueva novia, que trabajaba en el departamento de recursos humanos de alguna empresa. Por supuesto la acusan de correr a la gente para no desaprovechar la oportunidad de crear una situación muy incómoda. Todo normal.

Pero ella es de una secta como salida de Wicker Man.

Esa secta organizará una pelea a muerte, no les digo entre quienes, y tiene su toque conspirativo: En México cuando pensamos en ritos antiguos pensamos en indios, en campesinos, en lo popular. Pero en Inglaterra ritos antiguos también significa monarquía, universidades, Hogwarts, clase alta. Uno de estos tipos les dice a Jay y Gal que ellos no son más que engranes en la maquinaria.

Sin embargo esta secta de apariencia tan primitiva, antigua, hace pensar en el inconsciente, algo más oculto y poderoso que cualesquiera conspiradores. Que puede mover los hilos detrás de cualquier departamento de recursos humanos por más racional y moderno que quiera parecer. Y que por supuesto puede dedicarse a dividir a la gente. Apenas en el útimo post sobre Lifeforce escribí de ello, en específico de conflictos entre hombres y mujeres.

 

La anima que vino del espacio

Lifeforce (Tobe Hooper 85) . Según C.G. Jung la anima es la figura femenina que los hombres llevamos en el inconsciente. Y el animus es la multitud de figuras masculinas; hordas, ejércitos, múltiples siempre pero iguales como soldados chinos, en la psique femenina. En Lifeforce una mujer vampiro (Mathilda May) llegada del espacio le dice a uno de los astronautas que la descubrieron, quien dice sentirse enamorado de un modo avasallador e insoportable, que ella fue hecha tomando de modelo el ideal femenino de su mente. Es su anima pues, y lo que se interpone entre ellos no es el exnovio o la exnovia sino que la mujer vampiro viene en una nave espacial que parece un gigantesco fagocito que se coloca junto a la tierra como si esta fuera una célula para chuparse toda la energía vital de la gente en Londres. Sí, esta es una película muy británica.

Esa energía es traspasada a los vampiros de la nave.

Aunque anima y animus son figuras positivas, de hecho según Jung son dioses (y los extraterrestres son los nuevos dioses), pueden parecernos demonios. Así, el animus puede atacar, siempre en bola, a las mujeres en sus sueños. Y al ánima se le puede ver como un demonio, ¿o vampiro? que succiona la vida.

Aquí como en Manhunter aparece también la figura del vampiro que contagia a través de la mente, y del siquiatra vampiro. Es una película de ciencia ficción con transbordadores espaciales muy ochentas, con vampiros a los que sólo se puede matar clavándolos como carne en brocheta pero también es una historia de zombis pues los humanos contagiados que no pueden chupar energía a otros quedan como zombis y para efectos prácticos al final la historia es un apocalipsis zombi.

Los primeros efectos de los infectados son alteraciones en la memoria y como dice uno de ellos ya no sabe quién es. Y el punto desde donde la vampira envía la vida robada a la nave nodriza es la catedral de san pablo, símbolo de la historia inglesa. Historia e identidad, cosas que como la anima o el animus pueden verse positiva o negativamente.

De cualquier modo, más allá de cualquier interpretación es una película chafilla/serie b/gusto culposo y es una Alien wannabe. De Golan-Globus para acabar pronto. 

Y la vampira espacial desconoce absolutamente el uso de ropa.

Al final el astronauta seducido le clava una estaca a su anima. Lo cuál es terrible, un hombre no debe perder a su anima. Ni por todos los zombis de Londres. 

 

En la bola más vale soldadera que esposa

La Cucaracha (Isnael Rodríguez 1959) caminaba de hombre a hombre. También le decían "la rodadora", por lo mismo, por rodar de uno a otro. Era una soldadera y estaba con los villistas. ¿Porqué? Porque no tenía ni veinte pesos. Cuando quiere comprar un rebozo y le dicen que cuesta veinte pesos contesta que si los tuviera no andaría en la bola.

Ella es el genio militar de la historia. Mientras que el coronel Zeta hecha discursos a la tropa, la cucaracha sabe que eso no sirve de nada y le dice al coronel que los juanes* sólo necesitan mezcal para matar.

A la hora del combate, la tropa, que incluye hasta niños que Zeta sacó de la escuela por la fuerza, no quiere pelear. Se sienten en desventaja y piensan que el coronel está loco. Unos planean rendirse y hasta matar a Zeta. Entonces la cucaracha reparte alcohol, marigüana y mujeres y la tropa se anima y gana la batalla.

Otro diálogo entre la cucaracha y otra soldadera revela esta visión cruda de la verdadera razón de la lucha. Dice la cucaracha que "aquí el que no mata se muere" y la otra soldadera remata: "o no come, que es peor."

Frente a esta visión tan etílica/alimenticia que tienen las soldaderas sobre la revolución mexicana está la visión religiosa de Zeta. Según él, la revolución se trata de morirse. Lo repite a lo largo de la película. ¿Y para qué? para que cuando ya se mueran todos los que se necesiten morir, los que queden regresen a trabajar la tierra para que no haya tierras ociosas. Puede concluirse, según lo que dice el coronel, que la revolución es un gran sacrificio humano en contra de las tierras sin cultivar.

Parece una idea sacada de algún culto o rito agrícola.

Pero también según Zeta la revolución da la oportunidad de demostrar que se es hombre o muy hombre o más hombre que otros. Los retos a muerte son para a ver quién es más hombre. Aunque entonces hombría resulta ser lo mismo que puntería. O suerte.

Pero también las mujeres, como la cucaracha e Isabel, su rival, se agreden diciendo que son más mujer que la otra.

El género aquí no es sólo cuestión de matar, también cuentan la ropa y las funciones: cuando la cucaracha está vestida de militar dice que no es mujer, que es un soldado. Y cuando va a lavar ropa al río le dicen las otras que ya es mujer otra vez.

Y sin embargo este cambio de la cucaracha que pasa de ser mujer a soldado y de regreso, que pasó a ser parte del mito de María Félix, no es lo principal de la historia.

Lo principal es la lucha de la cucaracha con Isabel (Dolores del Río) por el coronel Zeta. Frente a la "rodadora" está la esposa que se convierte en viuda devota. Que acusa a la cucaracha de ser lo peor, lo más bajo, mientras que para esta Isabel es sólo una hipócrita mosca muerta que no sirve ni para animar a algún juan.

Al final, la cucaracha acaba siendo una madre devota que usa rebozo e Isabel se vuelve soldadera. Pero la cucaracha acaba teniendo un hijo de Zeta, que se muere. O sea que acaba siendo la "ganadora". 

Sólo que Zeta, representante de el "ideal revolucionario" y de la "hombría" es un hipócrita, que por lo que se ve alegremente le daría las nalgas a Francisco Villa. Esto por supuesto no es lo explícito de la historia o del personaje. Se supone que es "tan hombre" que Isabel dice que es el único hombre ahí, que está lleno de hombres. A pesar de que por su culpa mataron a su marido. A pesar de que ella le rogó por él.

Pero Zeta deja a la cucaracha porque por su culpa tuvo que matar al anterior amante de esta. El, que mandó sacar a los niños de la escuela para llevárselos a los balazos. Que estaba friegue y friegue con que había que morirse por la revolución. Uno de sus soldados le dijo a una madre que su hijo ya estaba en edad de morirse.

Ah pero que matar por la revolución estaba bien, pero por una mujer no, esos muertos lo espantan. En otra escena manda sacar a todas las mujeres del cuartel sin razón.

Yo digo que era puto.

* En la revolución mexicana los que peleaban en ella decían que andaban en "la bola".

* En la revolución les decían juanes a los soldados.