Sangre y Tierra

Los Niños del Maíz (Fritz Kiersch 84) un clásico del folk horror nos presenta una deidad que surge como por debajo de la iglesia protestante. En el pueblo de Gatlin, Nebraska, la iglesia (protestante) anuncia un sermón acerca del Maíz y Dios. Gatlin es una isla en un mar de maíz y hasta hay una pareja de navegantes cuyo automóvil encallará en Gatlin. No serán devorados por sirenas pero los niños del lugar los querrán crucificar por fuereños. 

Tal y como está escrito en los mandamientos del horror, a la pareja, Vicky y Burt, les advierten en una gasolinería decrépita que no se paren en Gatlin, que ahí no les gusta la gente de fuera, pero, como también es de ley, el hombre, Burt, no hace caso.

Hay otra señal interesante: Al igual que en Masacre en Texas, desde antes de llegar a la gasolinería/portal del infierno, los viajantes de la carretera vienen oyendo señales ominosas por el radio. En este caso no pueden sintonizar otra cosa que no sean predicadores fanáticos. A la lista de gente que se irá al infierno según el predicador: homosexuales, fornicadores y usuarios de droga, Burt y Vicky burlonamente le agregan a los graduados de la Universidad y a los que ven la televisión pública, es decir la televisión educativa. Dando a entender quienes no escuchan a esos predicadores. Y por cierto otra similitud con Masacre en Texas es el tema de la gasolina. En Gatlin todos los adultos son asesinados, excepto el de la gasolinería, al menos al principio. 

Si en la mitología americana la carretera es el lugar de búsqueda o perdición espiritual, la peregrinación para encontrarse a uno mismo o el camino al infierno, la radio era antes del internet lo que avisaba lo que venía adelante.

En Gatlin está el predicador de un ente relacionado con el maíz. Pero también con el cristianismo, del que toma las crucifixiones y la iglesia del lugar. Además del estilo bíblico del predicador que era un predicador cristiano. Como sabemos en México, los dioses del maíz no son nada nuevo. Este ente es una típica deidad de sociedades agrícolas, de las que dicen "¿Quieres ayuda con tu cosecha? pues sacrifícame unos humanos." Y viene de la tierra es "El que camina detrás del surco". Como si los fieles de Gatlin de tanto rezar por las lluvias (De la sequía sólo queda el anuncio del sermón sobre Dios y el maíz pero en el cuento original de Stephen King se habla más al respecto) hubieran despertado una deidad primitiva. 

Pero lo que me resulta más interesante del ente "Que camina detrás del surco" es que es un Dios de sangre y tierra. Dice uno de los líderes de la secta que es un Dios de sangre y sacrificios, y pide sacrificios pero además no acepta a los de afuera, como Burt y Vicky, lo que lleva a pensar en otro significado de sangre, significado que suele ir unido a la tierra. Los principios "sangre y tierra" en inglés se refieren a posturas políticas extremistas, como el nazismo, que enfatizan lo que en México llamaríamos la raza y el territorio (o tierra).

Y no hay duda de que "el que camina detrás del surco" está relacionado con la tierra, de hecho se le ve como tierra que se levanta y se mueve, además su maizal es sagrado y la tierra donde hacen las crucifixiones igual.

Todo esto hace pensar en el radicalismo que hay actualmente en Estados Unidos. En especial el de derecha. Un radicalismo racista, sectario, uno de cuyos líderes más populares, Charlie Kirk, dijo una vez que si era por el derecho "sagrado" (¡Sagrado, no mamar!) a tener armas podía aceptarse que hubieran víctimas inocentes, que eran como sacrificios por este sagrado derecho.

¿Y cómo empezó a difundirse este radicalismo político encarnado ahora en el trumpismo? Claro, siempre ha existido, ¿pero como fue que creció tanto que acabó cooptando al partido republicano? Según leí en algún lado fue por la radio digital en los noventas que empezó a crecer. Y como es bien sabido las comunidades más trumpistas son las rurales y las de fundamentalistas cristianos.

Cuando hasta los personajes lloran de lo mala que es la película

Abracadabra (Pablo Berger 2017) es una muy fallida película aunque no empieza tan mal. Al principio parece una típica comedia de cambio de cuerpos. La conocida fórmula en donde un hombre y una mujer, o un joven y un viejo o lo que sea, intercambian cuerpos. En este caso el marido ideal se mete al cuerpo de un marido típico a quien lo único que le importa es el Real Madrid, un macho genérico intercambiable que apenas les hace caso a la esposa y a la hija, es un grosero etc. Pero todo en tono de comedia y la cosa no pinta tan mal. Después a este Pedro Picapiedra se le mete el espíritu de un marido acomedido, gran bailarín que no deja de halagar a la mujer y ayuda a la hija con la tarea.

Pero el nuevo marido no sabe hacer el trabajo del anterior, desconcierta a la mujer y la hija y de cualquier modo tener un marido poseído por otro puede ser complicado así que es de suponerse que por eso la esposa quiere que regrese el esposo madridista.

Y aquí es donde la película pierde el hilo, la trama y hasta el humor: Para regresar las cosas como estaban se necesita hacer una especie de ritual y entre otras cosas para ello es necesaria una prenda íntima del marido ideal. Para ello Carmen, la esposa y su primo aprendiz de hipnotista van al departamento donde vívía este tipo. Departamento que está desocupado y en venta. Así que primer absurdo, un departamento en venta que lleva más de treinta años desocupado pero lleno de las cosas, incluyendo hasta comida en los platos en la mesa, de los anteriores inquilinos.

Y el vendedor del departamento les cuenta que este marido ideal en realidad fue un asesino que le cortó la cabeza a su mamá. Y desde ahí la película ya no quiere ser una comedia sino una película de horror, que nunca da miedo a pesar de no tener pies ni cabeza. El acabose es cuando el marido, en su versión picapiedra/madridista, poseído, a ratos, por el marido mandilón pero que en realidad es un sicópata... ¡se vuelve loco! Y empieza a ver un chimpancé.

A mi me encanta el absurdo pero Abracadabra no es un absurdo que parezca original o interesante, es simplemente un guión muy malo. Se nota que el director que también es el guionista ya no sabía que hacer y simplemente se puso a escribir idioteces.

Que bueno que para su siguiente película "Mi amigo robot" se basó en la historia de otra persona.

Con decirles que al final, Carmen, Carlos el marido y el mandilón sicópata tienen un enfrentamiento... ¡en la matrix! Sí en el espacio blanco que Berger le piratea a los Wachowskis. Para cuando, en la última toma, Carmen se va llorado en medio de la lluvia es inevitable pensar que debe de ser por haber tenido que salir en una película tan mala. 

Las croquetas del mañana

 

Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer 73) es una película en la que sorprendentemente se habla del efecto invernadero, lo que provoca el calentamiento global, y eso que fue estrenada hace más de cincuenta años. En esta historia se supone que es el año 2022 y que entre el calentamiento global y científicos que envenenaron el planeta, no hay comida, la sociedad está colapsando, los aparatos se descomponen y ya no hay como arreglarlos y lo único que sobra es gente que pulula como insectos sobre un cadáver putrefacto.

En este nada bonito escenario distópico los muertos son comida y las mujeres muebles que se incluyen con los bienes raíces. Las viejas imágenes dela naturaleza hacen llorar a la gente y no hay ningún lugar mejor a donde ir, a donde escapar. Esa imposibilidad mata el amor entre Shril y el policía Thorn, la pareja protagónica pues él no podría llevar a vivir a Shril a un lugar tan bueno como el departamento en donde ella está de mueble. Ni siquiera conseguirle la comida que acostumbra, o los cigarros o el agua caliente.

En realidad el problema es entre los de arriba y los de abajo. No sólo para el amor, los de arriba, políticos y empresarios coludidos entre ellos, ocultan la verdad y mantienen a todos engañados comiéndose unos a otros sin esperanza de encontrar una salida.

Al final los gritos de Thorn representan la verdad. Desafortunadamente hoy en día, en tiempos de la posverdad sabemos que las evidencias ya no convencen y de los gritos de Thorn, de su verdad  sólo queda el horror.

Lolitas

Historia de Eva (Mimmo Cattarinich 78) por su tema es una película pariente de Pretty Baby y de la Lolita de Nabokov. Al igual que Pretty Baby es del 78 y parece imposible que se hiciera una película así hoy en día. Y también es una historia de época situada en la época de la primera guerra mundial. En este caso el protagonista, Paul, regresa lesionado de la guerra, no puede caminar bien y tiene que usar un bastón. Pero se supone que se está recuperando, él sin embargo está muy deprimido al grado de querer suicidarse.

Lo que lo saca del hoyo, ya se iba a tirar desde un peñascoes Eva, una niña, sobrina adoptada por la pareja que tiene de sirvientes en su casa.

Paul se enamora y anda con esta niña a todos lados como si fuera su novia sin que le importen los tíos o la demás gente, a quienes no parece importarle la diferencia de edad de la pareja. como si fuera de lo más normal ver una niña de pareja de un hombre treintón.

Inclusive Paul escribe la historia de su relación con Eva y la publica.

Lo único que le falta a la relación es sexo. Paul desea a Eva pero nunca pasa nada entre ellos. La historia nos hace creer que Paul se limita por una cuestión de moral. Pero ya casi al final que Paul quedó incapacitado para el sexo en la guerra.

Y acaba cachando a Eva a punto de ser desvirgada por un gitano, con quien Paul, celoso, le había dicho que no se juntara que porque los gitanos son vagos. Aunque Paul no parece conocer el trabajo ni de lejos. así que al final no era moral sino impotencia.

Este mensaje final es muy explícito, tanto así que en la última escena, cuando Paul muy románticamente se suicida, junto a su cuerpo queda un libro abierto con una frase acerca de la imposibilidad de contener el deseo.

El efecto dominó y la lucha de clases

Los Goonies (Richard Donner 85) son un grupo de amigos como entre adolescentes - preadolescentes y dos de ellos son unos hermanos que están a punto de perder su casa y tener que irse a vivir a quiensabe donde. Los demás también tendrán que irse, aunque sea más adelante, porque en donde viven van a construir un club de golf. Lo que está raro porque vemos que la zona es una colina escarpada nada plana.

El caso es que detrás del club de golf están algunos ricos del pueblo, representados por Troy, un junior con chaqueta de equipo colegial como sus amigos. Y Troy tiene un convertible y es medio bully. Aunque claro, quitarles sus casas a las personas es ser muy bully y eso hace el papá de Troy animado por su hijo.

Y ya hay un club de golf en el pueblo. En una parte del viaje de los goonies por túneles subterraneos pasan por donde están las tuberías de este club y la lucha de clases toma forma de accidentes que les suceden a los burgueses con agua y con los escusados. Un pobre fresita que hace del dos acaba arriba de una fuente de excremento gritando ¡Papi!

Aunque la película no se toma tan en serio la lucha de clases como para evitar la práctica del "product placement" con anuncios en la historia de cosas como las Domino´s Pizza.

Pero el chiste de la película no está en la revancha contra el clasismo sino en disfrutar de la camaradería de chicos y chicas con romance y besos adolescentes incluidos mientras viven aventuras enlazadas como en un efecto dominó. O como se les dice en Estados Unidos unidas en una "máquina de Rude Goldberg", por un caricaturista que dibujaba ese tipo de cosas en donde una bola de billar golpea un palo que golpea a una gallina que pone un huevo que cae en un sartén que al moverse jala una palanca etc. De hecho para abrir la puerta de la casa de los hermanos a punto de quedarse sin casa hay un mecanismo de Rude Goldberg.

Y lo que hacen los goonies para conseguir dinero y poder mandar a chingar a su madre a Troy y su papá es buscar un tesoro pirata. Un pirata que, como ellos, hizo un sistema de Rube Goldberg pero para que nadie llegara a su barco y su tesoro escondidos en una cueva, y que además al final el mismo sistema libera al barco para que salga nuevamente al mar.

Lo que resulta excesivamente empalagoso. O sea esa última escena del barco pirata navegando con la intención de sacarle la lagrima al respetable público es demasiado. Y es obvio que el barco representa una infancia pasada, porque a nadie le hace llorar un barco así nomás porque sí. Entonces al final todo se remata con un tono nostálgico, cosa que a mi no me gusta. Y no sólo eso, el personaje de Chunk le dice a su nuevo amigo Sloth, una especie de mounstrito, que lo ama desaforadamente y lo va a cuidar toda la vida. Eso también está demasiado empalagoso. En realidad todo el final es muy malo. Resulta que habían tenido que dejar el oro para salvar la vida pero al final la nueva chacha mexicana de la familia, Rosalita, que apenas había llegado a trabajar por primera vez la mañana anterior, descubre que traía una bolsa con diamantes del barco y, en vez de quedárselos como haría cualquier persona normal, decide dárselos a la familia que acaba de conocer para que no pierdan su casa.

Creo que el problema es que aunque los goonies resulta divertida, es como irse a una feria y subirse a los juegos. Sí, es muy divertido pero al final no es como que uno haya ganado la guerra. Y la película al final quiere hacernos llorar y dar una sensación épica y no hay modo de que eso funcione con una historia que ha mandado todo realismo a tomar por culo. Hubiera sido más congruente si al final nos hubieran hecho reir y ya.

Y de paso nos hubieran evitado los discursos de Mikey, que a su corta edad ya parece listo para motivar a su equipo de ventas de Avon. Y lo de que está encariñado con el pirata muerto y se comunica con él. Más humor y diversión y menos rollo de que cuando vayas a perder tu casa te conectes con tu niño/coach de vida interior.

 

¿El cine tiene alma?

Al final de la conferencia de prensa en donde se presentó el más reciente libro del abecedario del cine mexicano de Jorge Ayala Blanco, el veterano crítico cinematográfico dijo que le agradecía al público no haber hecho una pregunta. Esta pregunta maldita era ¿El cine mexicano actual deriva de Amores Perros? E insistió: De verdad estaba aterrorizado de que se lo preguntaran. De cualquier modo respondió la pregunta que nadie hizo en ese momento pero que seguramente se ha hecho en otros. ¡Por supuesto que no! exclamó el bigotudo profesor de la ENAC, antes CUEC, la escuela de cine de la UNAM. De hecho lo que el cine mexicano ha hecho es alejarse de Amores Perros, abundó.

En esta presentación de "La Sapiencia del Cine Mexicano" el crítico estuvo acompañado por el director Joaquín del Paso cuya película El hoyo en la cerca presta una de sus imágenes a la portada del libro y, según explicó Ayala, todas las portadas de sus libros tienen un significado, pues son de las películas que mejor representan el periodo que abarca cada libro.

En el presidium también estuvo Armando Casas, Presidente saliente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, la AMACC, quien comentó que, a pesar de que él ve todas las películas que mandan a la AMACC para tratar de concursar por los Arieles, le sorprendió la cantidad de películas, desde largos hasta cortometrajes, de las que escribe Jorge Ayala en este libro. Muchas de ellas muy difíciles de encontrar y ver.

Más adelante Jorge Ayala explicó que ve todas las películas mexicanas de la cartelera comercial y todas las que se pueden ver en la cineteca nacional y además ve muchas películas mexicanas que, en efecto, son muy difíciles de encontrar. Algunas, por ejemplo, las ve porque alguien le manda un link, y que sí, como había dicho Armando Casas antes, sus libros también cumplen una función de rescate y preservación pues muchas de las películas de las que escribe están condenadas a desaparecer.

Todo mundo exaltó la variedad de las películas de las que Ayala Blanco  se ocupa en este y en sus demás libros, porque no sólo ve muchas películas mexicanas, él mismo se ha calificado como "bodrionauta", sino que además usa una definición muy amplia de cine mexicano gracias a la cual en este último libro pueden entrar películas como Pinocho de Guilermo Del Toro, Bardo de González Iñárritu o Sundown de Michel Franco y compartir espacio con Mirreyes contra Godínez 2, o Radical, producida y actuada por Eugenio Derbez (Que dice Ayala que está buena) y producciones modestísimas que ni distribución tuvieron.

Este tema de la variedad quedó engarzado con un tema favorito de este famoso cinéfilo: La crítica a otros críticos. Como quienes según dijo, no van a ver una película nomás porque sale Derbez. O que en alguna muestra dicen: "Hoy toca día libre porque toca la película Georgiana".

Ahí me sentí aludido pues en una muestra reciente cuando tocaba la película georgiana, y no del estado americano de Georgia, sino de la República de Georgia, un país vecino de Rusia, de por ahí donde también están Azerbaiján y Armenia, y de donde se presentaba un documental sobre el operador de un teleférico, yo, temiendo despertar a ronquidos a mis colegas críticos y críticas, provocando así su odio, decidí mejor abstenerme.

Luego vino otro ataque en que me quedó el saco: Según Ayala muchos críticos, o la mayoría, no recuerdo bien pero algo así como todos menos él, se dedican a hacer glosas interminables del guión pero parece que no ven la película. Que curioso: El año pasado yo le platiqué a Ayala que yo en mis críticas me fijo mucho en la historia, en la trama de las películas, y por lo tanto en el guión. Que yo sepa, la mayoría no hace eso. ¡Glosas interminables sobre el guión? ¡Pamplinas!

No todo fueron diferencias. Alguien le preguntó si considera que las películas tienen alma y respondió que sí, que las películas tienen un discurso racional y un discurso afectivo, y que él en sus textos rescata sus "almitas". Eso me gustó y a final de cuentas como soy un alma buena y generosa hice como que no sentí los dardos envenenados y sólo intervine para señalar que recientemente, buscando "La Condición del Cine Mexicano", libro que está agotado, noté que ese libro junto con las primeras letras del abecedario Ayalablanquesco ya no están disponibles en las principales bibliotecas públicas pues se los robaron seguramente. Así que como también estaba en el presidium una persona de publicaciones de la ENAC, que hoy en día es la editorial con el mayor catálogo de libros de cine en español, y que desde hace años son la editorial de Ayala, dije que deben pedirle a las bibliotecas que compren más libros de este bodrionauta molesto pero genial.

 

Tlatelolco slasher

Rojo Amanecer ( Jorge Fons 1990) termina con una escena casi de horror, a un paso del gore. Nomás le falta un cucillo cebollero o una hacha para ser un slasher. Un nuevo sacrificio humano en Tlatelolco, como dijo Octavio Paz, a quien la matanza del 2 de Octubre le pareció una nueva versión versión de los sacrificios humanos prehispánicos.

Aunque la película tiene por momentos un tono didáctico como de típico profe que no fue al mitin porque sus papás lo encerraron en el baño o porque ya de camino se chingó la rodilla, no se puede negar que Rojo Amanecer crea tensión, tiene ritmo y crea una atmósfera. Es una buena película. Y con excelentes actuaciones.

El tema central de la película es la lucha entre generaciones. Lo político es como algo que sólo se le agrega al conflicto entre jóvenes y viejos. Conste que sólo estoy hablando de la película.

Por eso la figura del abuelo es tan importante en la historia. El es el representante del régimen posrevolucionario, es decir del PRI. Es un militar retirado veterano de la revolución. El papá en cambio fue un opositor, seguidor del general Juan Andreu Almazán según le dice a sus hijos. Pero que Almazán se vendió.

Los hijos dicen que la generación del papá fracaso pero que a ellos no les tiene porque ir igual. En realidad no es lo mismo fracasar que ser traicionado, pero de cualquier modo no creo que lo del general Almazán fuera un asunto tan generacional como lo del 68 porque ese movimiento es parte de la llamada rebelión juvenil de los sesentas, un fenómeno mundial sin precedentes hasta entonces. Lo interesante es que los hijos mismos lo dicen: El asunto es generacional.

El abuelo también lo dice en uno de los primeros dialogos de la película: "Antes los jóvenes eran diferentes".

Como bien dice la mamá, algunas de las peticiones eran absurdas. Pretextos para el movimiento.

Así como encontrarles un póster del che guevara y un manifiesto comunista a los estudiantes es un pretexto para reprimirlos: El largo del pelo de los hombres es un tema más discutido que la lucha de clases. De hecho el "pueblo" que dice uno de los hijos no los va a dejar solos, los dejó solos.

Y es así que en Tlatelolco, donde poco antes de la llegada de los españoles se sacrificaron niños para que lloviera se sacrificaron jóvenes que habían irritado a los mayores.

Pero ese niño, único sobreviviente de la familia, que sale corriendo entre los soldados, simboliza una generación que no venció a la anterior. los de antes murieron de muerte natural, por decirlo de algún modo. Y los nuevos una vez en el poder están demostrando ser peor que los anteriores. pero me limito a lo que se ve en la película: Esa escena del niño corriendo mientras pasan soldados para hacer el contraste. Ahora, los militares tienen más poder. Y los niños, que no votan, están peor que nunca.

A final de cuentas el sacrificio sólo sirvió de pretexto para el poder. 

Aliens del espacio interior

En El Abismo (James Cameron 1989) se pueden ver los temas característicos de James Cameron que luego vuelven a salir en películas como Titanic o Avatar. Como por ejemplo lo del amor y hundirse en el mar. En El Abismo no sólo una, sino las dos partes de la pareja protagónica Virgil "Bud" Brigman (Ed Harris) y Lins (Mary Elizabeth Mastrantonio) Se ahogan. Pero tienen más suerte que Jack en Titanic pues a Lins la reviven con un desfibrilador cardiaco (y un beso), y a Virgil lo salvan los aliens de las profundidades.

Otro tema, pero que en este caso vuelve en Avatar, es el de los militares trogloditas que quieren matar cualquier forma de vida inteligente. Para ellos antes que nada hay que matarlos.

Otro paralelismo es el personaje mismo de Lins que se parece al personaje de la Dra. Grace Augustine de Avatar. La Dra. Augustine es una científica y Lins es una mujer que diseñó una plataforma petrolera submarina. Y ambas están en contra de los militares.

En El Abismo además, la otra vida inteligente también es digital. Los seres del abismo oceánico son tan diferentes de nosotros como los extraterrestres o como las inteligencias artificiales. Básicamente son alienígenas que en lugar de venir de arriba vienen de abajo. Y parece que están en contra de la guerra nuclear. Por su culpa se hunde un submarino lleno de bombas atómicas. Hay un claro mensaje pacifista, feminista y antimilitarista pero es una buena película con una historia llena de peripecias determinadas por la técnica. Es decir, una verdadera historia de ciencia ficción

 

Música de muertos

El Carnaval de los Muertos (Herk Harvey 1962) presenta más de treinta años antes de El Sexto Sentido el caso de un muerto, o mejor dicho, una muerta, Mary Henry, que aún no sabe que lo está. Pero como en el caso del niño de El Sexto Sentido ve gente muerta. Y los vivos a veces no la ven a ella ni ella los escucha.

Es una muerte que, por un lado, se presenta contraria a la visión cristiana: Ella entra a trabajar a una iglesia como organista, pero es enfática en que a ella eso no le provoca ninguna emoción. Que lo suyo es tocar las teclas y los pedales del órgano y absolutamente nada más. Y en una escena sus visiones de los muertos le hacen tocar cierta música que hace que la despidan fulminántemente de la iglesia.

Quiensabe que música era, pero los muertos bailaban.

A Mary otra cosa que no le gusta es el contacto con la gente. No totalmente, puede charlar y sonreir pero no le gusta la cercanía. Emocional o física. Quiere que un pretendiente está con ella, pero sólo porque no quiere ver al muerto que la ronda. Y entonces por eso quiere estar con su vecino calenturiento. Pero al mismo tiempo no quiere estar con él.

No sexo, no sentimientos. Su distancia con la iglesia se presenta como no sentir nada al respecto, no como un ateísmo o algo así. Y no escuchar a los vivos, luego entonces la muerte. Que es bailar con otros muertos.

El Carnaval de los Muertos es una película de culto que quien sabe si influenció el Sexto Sentido pero George A. Romero dijo que fue la inspiración para La Noche de los Muertos Vivientes la película que detona el fenómeno zombie, y también se ha dicho que influenció a David Lynch. No tuvo éxito comercial pero se volvió de culto al pasar por televisión después de la media noche. 

Charlie K, Tyler el ejecutor y el casino de Trump

En Snake Eyes (Brian De Palma 1998) una conductora de televisión en Atlantic City habla de una gran pelea de box que está por comenzar mientras los vientos de la posverdad rugen con fuerza, tanto así que hay un huracán, y ella dice que hay un huracán pero la obligan a decir que es una tormenta tropical. 

No es de extrañar, la pelea será en una arena propiedad de un empresario de hoteles y casinos que al parecer está inspirado en Donald Trump, de hecho parte de la película está filmada en el Taj Mahal de Atlantic City, un casino que en ese entonces era de Trump. Y el huracán no es un huracán cualquiera, es el huracán Jezabel, como la revista feminista que, de broma, hizo que unas brujas le hicieran maldiciones y conjuros a Charlie Kirk dos días antes de su asesinato. Entonces este personaje basado en Trump, dueño del lugar y organizador de la pelea, llega con su amigo Charlie Kirk. Perdón Charlie Kirkland, mientras todos en la arena gritan ¡Tyler, Tyler, Tyler! pues el boxeador favorito es Tyler, "El Ejecutor", una extraña coincidencia considerando que el asesino de Charlie Kirk se llama Tyler. Y que en la película Charlie Kirkland acaba con una bala en el cuello.

El asesinato es ordenado por este empresario casinero, que se apellida Powell en la película, y estaba a cargo del almirante Dunne (Gary Sinise), un mairno supuestamente disciplinado, leal, honesto, incorruptible, y fiel a su esposa. Pero en realidad un corrupto asesino.

El héroe resulta ser el policía local de Atlantic City, el detective Rick Santoro (Nicholas Cage), un tipo corrupto, infiel, egoísta, parrandero y jugador, que sólo ve por si mismo y que es amigo de Dunne.

Al final la verdadera pelea de box no es entre el campeón de los pesos pesados Tyler y su retador mexicano José Pacífico Ruiz, pues esa pelea estaba arreglada a favor del mexicano. Pero después Dunne hace que Tyler se madreé a Rick Santoro para que diga donde está Julia, una mujer con documentos que afectan a Powell. Pero Santoro no se dobla, quizá porque antes habló con Tyler que aceptó que la pelea estaba arreglada y le contó que, tras perder su honor dejándose ganar, ya no sabía ni quien era. Como si Santoro siguiera el viejo código de la mafia italiana, podía hacer lo que fuera menos matar mujeres.

Al final, como se lo advirtió Dunne, toda su corrupción sale a relucir y pierde a la esposa y hasta a la amante.

Pero Santoro no pierde su alma y además logra lo que más quería: Salir en televisión para así meterse en la política. Sí, es corrupto, transa e infiel pero como sabemos en estos tiempos eso no es un gran problema político.  

Y además, como hemos aprendido los mexicanos, los que tienen fama de honestos, como los almirantes de la marina por ejemplo, resultan ser los peores.

La niña sin amor

 

Perfume de Violetas (Maryse Sistach 2001) es como una presentación del lado femenino de esa canción del tri "Niño sin amor".

A Jessica, una adolescente chilanga que está en secundaria sus papás ya la quieren poner a trabajar pidiendo dinero en alguna esquina para que de dinero en la casa como su hermanastro. A quien además ella debe tenerle las camisas limpias. Y él también quiere tenis nuevos así que por una corta deja que el chofer del microbús donde trabaja viole a Jessica repetidamente.

¿Es extraño entonces qué ella robe o que tenga problemas en la escuela?

La historia empieza con Jessica y Miriam haciéndose amigas, Miriam aún virgen, aún no le baja, y al menos no tiene que aguantar un hermanastro y al ruco de la mamá. Y las violaciones. Así que para la mamá de Miriam, Jessica es una mala influencia y trata de alejar a su hija de su nueva amiguita.

Viven en una colonia popular de la Ciudad de México, de estética abigarrada, una especie de laberinto en donde un microbús predador, con el hermanastro y el chofer violador abordo acecha en cada esquina.

Y el problema de fondo, como dice el subtítulo de la película es que "nadie te escucha". No si eres como Jessica, a quien en vez de ayudarla la gente la tacha de puta. Supongo que porque nadie la quiere y sería una molestia tener que defenderla. Así que volteándole los papeles diciendo que la culpa es de ella por puta pues se evitan molestias.

Sólo que esta vez cuando la mamá de Miriam le dice a su hija que Jessica es una puta, olvidando cualquier sororidad, y amistad, y después cuando Miriam le dice en un baño a su amiga puta, siguiendo el guion materno,  habrá un costo que pagar pues como boomerang la ofensa regresará con violencia.

El triunfo de los freaks

Situada en el Hollywood de los cincuentas, Ed Wood (Tim Burton 1994), nos presenta un grupo de personajes que parecen sacados de una bodega de utilería de un estudio de cine especialista en churros de horror. Como si hubiera llegado un hada, como la que se le aparece a unos soldados en una obra de teatro al inicio de la película, y les hubiese dado vida. Sólo que esta hada mágica sería el director de cine Edward D. Wood Jr. quien alguna vez se ganó el título de peor director de cine de la historia.

La hada de la obra de teatro y Wood, el director de la obra, comparten la ropa pues Ed Wood fue un travesti y la hada era su novia Dolores Fuller a quien Wood le tomaba prestada la ropa sin avisarle.

En la película Wood asegura que en la segunda guerra mundial saltó en paracaídas con ropa de mujer bajo el uniforme, así que bajo sus ropas militares Wood sería como el hada interpretada por Dolores Fuller: Con ropa femenina descendiendo amarrada con un arnés al campo de batalla.

Y este director/hada madrina que además era productor, actor y guionista (Sólo él y Orson Wells hacían todas esas cosas según Wood) al parecer también trabajaba en un vivero de algún estudio joligüdense. Y mientras llevaba alguna planta que habían pedido en algún parte de los estudios de cine, era como un niño en el circo descubriendo camellos, tomas de archivo de estampidas de búfalos o explosiones, noticias sobre alguien que se cambiaría de sexo y gente, personajes inverosímiles a quienes él les daría, si no vida, un papel. Que en el cine es más o menos lo mismo.

Como Bela Lugosi, famoso intérprete de Drácula que estaba acabado y perdido en la droga o el luchador sueco Tor Johnson, cuya cara se volvió la máscara de Halloween más popular algunos años después. O Vampira a quien ahora calificaríamos como una gótica, o Criswell un adivino de la televisión de profecías siempre fallidas. O como Bunny Beckinridge, que decide venir a México a cortarse el pene, pero aquí tiene un accidente automovilístico, lo roban y además descubre que el doctor que lo iba a operar era un farsante. Pero encuentra la salvación y el consuelo en un grupo de mariachis.

Puro freak, puro anormal, como grita exasperada Dolores Fuller cuando corta a Wood. aunque no sólo los amigos de Ed Wood son así, también los ejecutivos de los estudios y los inversionistas.

En un bar Wood se topa a Orson Wells y los dosse quejan de los de arriba. Orson le cuenta que hay un estudio que insiste en que ponga a Charlton Heston en un papel de mexicano. Nomás no hay a donde hacerse.

Y a pesar de todo Ed Wood triunfa. Termina "Plan 9 del espacio exterior" como él quiere y saliendo de la gran noche de estreno se va a Las Vegas a casarse con la mujer que lo acepta a él y a sus sweaters de angora y demás ropa de mujer. Estuvieron juntos hasta la muerte de Ed.

Lo de ganar el premio a peor director que importa. Se volvió un director de culto, tanto así que cada 10 de Octubre sus admiradores alrededor del mundo, unidos en la Iglesia de Ed Wood, celebran su cumpleaños con fiestas y conciertos.

Salve Ed Wood hada madrina de los freaks, que de ellos será el reino de las historias. 

El panóptico de Kafka

 

En Kafka (Steven Soderbergh 1991) la estructura de poder a la que se enfrenta el protagonista Kafka (Jeremy Irons) me recuerda al panóptico de Foucault, es decir al panóptico de Jeremy Bentham, una estructura tipo prisión, diseñada para que los presos se sientan observados todo el tiempo. Y al menos este poster de la película, con un ojo en un círculo que a su vez tiene un círculo enmedio y lineas que van de este círculo interno al externo, como divisiones entre celdas, hace pensar que de algún modo quien diseñó el poster tenía la misma idea.

Pero en la película este ojo que todo lo ve actúa a través de una compañía de seguros de gastos médicos donde trabaja Kafka. Ahí se recopila información y los empleados son observados y cronometrados. A Kafka un jefe le dice que deje de escribir y mejor cambie de hobby a alguna actividad al aire libre. Para que se vea más normal pues quien sabe que pensará la gente de él. En otras palabras le pide que actúe normal.

Esta compañía aseguradora es un tentáculo del castillo, el centro del poder. En donde hacen experimentos con la gente para que sea más "eficaz", es decir, que haga lo que se le dice. Y el archivo, es decir la información, de la compañía de seguros se pasa al castillo.

Kafka entra al castillo por un pasadizo secreto que lleva a un cajón de archivo adentro del algoritmo. Perdón, adentro del castillo. Ahí Kafka desenmascara el complot y logra escapar. Pero al día siguiente vuelve a su trabajo y todo sigue como si no hubiera sucedido nada. Después hay algo que parece una prueba: la policía lleva a Kafka a ver el cadáver de una mujer. El sabe que la mataron en el castillo, pero cuando el jefe de la policía le pregunta si está de acuerdo en que parece un suicidio Kafka dice que sí. Se ha vuelto cómplice del sistema y en la siguiente escena dice que ahora ya se siente parte del mundo que lo rodea pero que saber la verdad le hace más fácil la vida y la muerte.

Esta es la segunda película de Soderbergh, y la primera Sexo, mentiras y video, también maneja temas muy foucaltianos. 

El sicópata y su lugar feliz

Warhunt (Dennis Sanders 62) Fue la primer película de Robert Redford, que hasta ese entonces era actor de teatro y televisión. Y también fue el debut cinematográfico de Sydney Pollack por cierto. Y como cosa curiosa, Francis Ford Coppola sale de chofer de un camión.

La historia sucede en 1953 al final de la guerra de Corea, el armisticio es parte dee la película de hecho. Los protagonistas son los soldados Roy Loomis, el personaje de Redford, y Raymond Endore (John Saxon). Loomis es un recién llegado al frente y Endore no lleva tanto, como un año. Pero a él la guerra ya lo cambió. O quizá desató algo latente en él. El caso es que Endore ya le agarró el gusto a eso de matar.

Cada noche se viste de negro, se pinta la cara del mismo color y sale a matar chinos desprevenidos con un cuchillo. Se trata de chinos pues frente a los americanos hay tropas chinas.

Y Endore hace un ritual alrededor del cadáver cada vez que mata, o sea que es un asesino serial. Aunque claro uno puede pensar que los ejércitos están llenos de rituales... pero bueno, el caso es que los rituales de Endore no son políticamente correctos. De cualquier modo Endore es un asesino serial en la guerra así que es feliz como una lombriz. Tanto así que no quiere que lo manden a descansar a Japón, o que acabe la guerra. Y nadie se mete con él pues cuando sale a matar chinos suele conseguir información importante para los superiores así que básicamente hace lo que quiere.

El problema es que Endore ha adoptado a un niño norcoreano que quedó huérfano cuando bombardearon su aldea. Y le enseña a matar y a ser como él. Loomis se da cuenta hacia dónde lleva Endore a Charlie, como le dicen al niño, y tratará de evitarlo. ¿Lo logrará? ¿Y es lo deseable que Charlie vaya a un orfanato como quiere Loomis o tiene razón Endore que le dice a Charlie que en un orfanato nadie lo conoce y lo castigarán por todo? Al final sólo una cosa queda clara, ese niño norcoreano heredero del sicópata americano será un problema. Sin duda un poderoso simbolismo.

La chaviza y la momiza

Ahora que se estrena una película mexicana "Autos, mota y rocanrol" ubicada en el famoso festival de Avándaro de 1971 que era un festival de "Rock y Ruedas" pues supuestamente iba a ser una carrera de coches y festival de rock, pero acabó siendo sólo festival de rock pues al llegar mucha más gente de la esperada la cosa se puso caótica y se suspendió la carrera.

Mecánica Nacional (Luis Alcoriza 1972) se estrenó apenas un año después del festival de Avándaro y hay también una carrera, la "Carrera de Costa a Costa Acapulco - México - Veracruz" y casi todo sucede en un campamento donde la gente espera la llegada de los coches a la meta. Aunque no están en Veracruz ni en ninguna costa.

Tiene mucho espíritu 60´s, 70´s, la fiesta, pues toda la película no es más que una gran fiesta incluyendo los preparativos y el regreso de la fiesta, tiene mucho de hippie. Pero no sólo de eso pues en ese entonces en México la gente no se dividía en chairos y antichairos sino entre la chaviza y la momiza, los jóvenes y los viejos y en Mecánica Nacional la fiesta es entre todos.

Como principal representante de la momiza está la abuela, Doña Lolita (Sara García) que literalmente acaba como momia. Se muere de tanto comer y sacan su cadaver en un coche, sentado en el asiento del copiloto, toda arreglada, llena de crucifijos y estampitas de santos, con una corona en la cabeza y hasta maquillada. Acaba saliendo escoltada por policías mientras suena el son de la negra.

Creo que se puede decir que la fiesta funciona como una despedida de los valores de la momiza. Que no es sólo la abuela, quien significativamente en su primer escena critica a una vecina a la que dice le salió panza de tanto ir al cine con el novio.

Eufemio (Manolo Fábregas), el hijo de la abuela, que funciona como protagonista de la historia aunque esta es muy coral, con múltiples personajes y multiestelar pues además de Sara García y Manolo Fábregas están Lucha Villa, Ernesto Gómez Cruz, Patricio Castillo (Que es difícil de creer pero alguna vez fue joven) y Hector Suárez nada menos, entre muchos otros.

Bueno pues Eufemio tiene un taller mecánico llamado Mecánica Nacional, con un aviso a la entrada de que sólo atiende clientes muy machos. El es un buscapleitos, aunque lo vemos ponerse muy gallito sólo en bola y además le quiere poner el cuerno a la esposa. Pero cuando descubre que ella es probablemente la que se lo puso a él, y además cacha a una de sus hijas poniéndole con el novio, se le viene el mundo abajo. Dice que la hija lo ha deshonrado y se pone violento.

Esta hija por cierto no quería dárselas al novio, que la acusaba de defender los valores de la momiza. Que más que valores aparecen como una doble moral.

Y aparte del machismo otro engrane de la mecánica nacional parece ser la transa. Eufemio acepta que se transa a los clientes de su taller y otros personajes también hacen diferentes tipos de transas, inclusive alguien explica que así todos quedan parejos pues se desquitan de las transas que les hacen cuando se tranzan a otro.

Pero toda esta crítica viene dentro de una gran pachanga, muy divertida, y donde hasta la muerte es parte de la fiesta. El director Alcoriza aunque español, o quizá gracias a eso, logra que uno como espectador diga ¿cómo le hicieron para sacar mexicanos tan mexicanos? Porque es un desmadre mexicano a más no poder, justamente considerado clásico del cine nacional. Y por cierto, hasta la carrera de coches les queda muy bien.