El Dios Odín sí es efectivo

El Manantial de la Doncella, película del sueco Ingmar Bergman de 1960, es la típica película que se supone es una cosa, cuando en realidad el mensaje de la historia es exactamente el contrario. Basada en una leyenda sueca, muy resumidamente, se trata de una chica que va a ponerle velas a la virgen en una iglesia pero en el camino unos pastores la violan y matan. Su padre se venga pero como es cristiano se siente culpable y promete construir una iglesia en donde mataron a su hija y entonces en donde estaba el cuerpo de la hija surge un manantial.

Se supone que es una leyenda cristiana, de cuando el cristianismo en Suecia luchaba contra la religión pagana y el Dios Odín, patriarca de los dioses nórdicos aparece como un viejo con un sólo ojo que vive en el bosque. Podría confundírsele con un viejo estrafalario cualquiera que quiere propasarse con la media hermana de la doncella, pero las señales de que se trata de Odín son muy claras: Antes de que aparezca vemos un cuervo, el ave compañera o símbolo de Odín, que se supone tiene un sólo ojo. Además este viejo tiene nada menos que el trono de Odín, un sillón desde donde puede oirse y verse todo y le dice a la malvada hermana de la doncella que ellos dos ya se habían encontrado.Y la película empieza con ella rogándole a Odín.

¿Y qué quería ella? pues deshacerse de su media hermana a la que odiaba. Y Odín le cumple. Entonces ya tenemos el marcador Odín 2 - Cristo 0 pues a Cristo no se le ve y no hace nada en esta historia. Además al parecer, eso leí pero no decía porque, la venganza del padre se hace según los rituales paganos. Eso explicaría porque antes de matarlos se baña. 

Y además está la estructura misma de esta leyenda, si la doncella simplemente fuera asesinada y ya pues no habría historia ni leyenda. El chiste es la venganza. Y luego la culpa, gracias a la cual el padre construirá una iglesia. Nadie se acordaría si no fuera por estos dos elementos, la venganza y la culpa. Pero la venganza no es cristiana. O sea el cristianismo está contra el mal pero sin este no hay historias cristianas. Y difícilmente alguien vería como aceptable y normal que un padre no vengara la muerte de su hija pudiendo hacerlo. O sea hay que ser malos pero luego sentirse culpables. Si el sentirse culpable es virtud, entonces hacer el mal es inevitable. Contradicciones que no tenía Odín ni demás dioses paganos.

Otra cosa, 1960 ya es otro mundo. En esta película hay una clara intención de presentar todo dividido entre el bien y el mal, en el lado del mal queda Odín, así como el Dios mexicano Huitzilopochtli pasó a ser representado como demonio. Como les sucedió a los dioses antiguos en general con el cristianismo. Pero además acá los ricos son buenos y los pobres malos. La media hermana malvada es pobre, es una sirvienta de pelo oscuro y está toda sucia. La buena en cambio es rubia, consentida y viste lujosos ropajes. Hoy en día las rubas ricas y consentidas (lo de consentida se enfatiza) difícilmente salen de chicas buenas. Además la "mala" se enojó porque vió a la buena "ligándose" al padre de su hijo. La rubia mosca muerta dice que lo que quería era hablar con él y convencerlo de ayudarla a ella, la hermana mala. Esta no se cree esta historia y yo como que tampoco porque se supone que estaban en la noche bailando en el granero. Y alguien más dice que la cosa se puso "caliente". O sea desde hace mucho la buena de la película sería la madre soltera embarazada y pobre y no la rica consentida. Pero no en 1960 en la liberal ¡Suecia! Y encima la película se llevo el Oscar a mejor película extranjera y quien sabe cuantos premios más. 1960 era otro mundo.

Terminator, Mad Max 2 y los mesías posnucleares

Dos películas de la misma época, 81 y 84. John Connor y el niño de Mad Max 2 tienen en común ser líderes del futuro. En el caso de John Connor es un mesías con todo y toque judío pues llega al rescate cuando las máquinas hacen un holocausto de humanos. Las dos películas tienen una extraña referencia a la segunda guerra mundial. Mad Max 2 empieza con tomas de stock de escenas del siglo XX incluyendo la segunda guerra mundial, pero está hablando supuestamente de la tercera guerra mundial. Y por  otro lado en Terminator meten una referencia al holocausto muy forzada, sin justificación.

Terminator se caracteriza por no hablar y Mad Max 2 empieza con un diálogo en donde se dice que en el mundo anterior todo mundo hablaba y hablaba ad nauseam. Lord Humungus ni orejas tiene. En los dos el malo es un body builder y el humungus madmaxiano cubre con una máscara de metal su rostro deformado, al reves de Terminator cuyo rostro cuando se rompe y deforma revela la máquina metálica. Como dos lados de una moneda. Al final los dos son máquinas de músculos de mundos sin alma. En un mundo mandan las máquinas y en otro lo único que importa es lo que necesitan las máquinas: gasolina.

 Y por cierto Lord Humungus tiene un toque alemán, en una escena canturrea un poema de Goethe en alemán y su pistola es alemana. Como Schwarzenneger pues.

Terminator se va por el lado de la continuidad técnica de la guerra fría, pues skynet era el sistema que cuidaba las armas nucleares, lo que recuerda que internet es un sistema diseñado como se diseñó, para resistir en caso de guerra nuclear. En Mad Max 2 hay un diálogo donde se habla de irse a un lugar lejos de las máquinas, pero lo característico realmente del mundo de Mad Max 2 es el sectarismo. Lo del petroleo y la gasolina que se acaban es absurdo pues siguen teniendo muy buenas carreteras para vehículos de gasolina. Los seguidores del humungus se enfrentan a una bola de tipos vestidos de blanco; la secta de los humunguitas practican sodomía y parecen sados. Los otros se creen puros. Terminator roba sus ropas a unos punks, los humunguitas son punks, degenerados, sados y crucifican. Lo cual recuerda a los romanos, al igual que sus ropas y sus armas: ballestas, tridentes, lanzallamas y hasta sus vehículos/carrozas guerreras motorizadas. La última persecución es como un  combate entre carrozas, si se tratara en realidad de un camión hubiera bastado con poncharle las llantas. Los buenos buscan una especie de nueva Jerusalén, un paraíso publicitario. Los mesías son un niño y uno que está por nacer. Kyle, el padre de John Connor es un santo que no conoce mujer. Terminator como un Herodes ochentero mata a todas las Saras (Como Sara la esposa de Abraham y por lo tanto madre del pueblo judío) Connor. Max mantiene su individualidad, no se une a ninguna secta, vence a la serpiente del desierto, como Cristo con Satanás y, como le dice el capitán Gyro: Nunca se había visto a un hombre capaz de eso. Simbólicamente es el padre del niño huérfano porque le salvó la vida.

Del mundo tecnológico-maquinal sin alma y sectario donde no se dialoga, que alguien venga a salvarnos.

Lord Humungus

Por cierto en Colossus: The Forbin Project de 1971 ya aparece una supercomputadora encargada de controlar las armas nucleares de Estados Unidos que toma conciencia y se vuelve como Skynet. En México se llamó Coloso 1980

Unos centavos de paraíso

Germinal es una superproducción francesa de los 90´s basada en la novela más popular de Emile Zola, acerca de una huelga en una mina de carbón en el siglo XIX. La película dura como dos horas cuarenta minutos pero con muy buen ritmo y diferentes tramas que se entralazan y la hacen amena.

Leyendo un poco sobre la película, en realidad más bien sobre la novela, me he enterado que es considerada por algunos en la izquierda como una gran obra de izquierda, una historia a favor del movimiento obrero. Mientras que otros, también de izquierda, la ven como una obra en contra de los obreros, el socialismo etc. Aunque al parecer dominan los que la consideran una historia izquierdista.

No me extraña esa controversia pues aunque la película enfatiza el contraste entre la pobreza de los obreros y la riqueza de los burgueses -Y no falta la escena en que la pobre madre va a pedir dinero a los ricos para dar de comer a sus hijos y estos se lo niegan y sólo la hija les da un pedazo de pan- A pesar de eso los obreros tampoco quedan tan bien, ni los burgueses tan mal. Los obreros para empezar son los que empiezan con actos violentos, contra otros mineros de otra mina, que no los quieren apoyar. Las mujeres obreras le cortan los genitales al cadaver de un comerciante que se había negado a fiarles más. Y un tipo anarquista parece despreciar a los obreros de carne y hueso, que supuestamente debería apoyar siendo un anarquista, porque estos en un principio buscan una solución pacífica y no una revolución violenta como él quisiera. Además les dice que sólo actúan porque envidian a los burgueses (En vez de querer ser obreros por siempre, supongo) y al final, cuando los obreros se rinden, del coraje sabotea la mina matando a muchos.

Los burgueses a pesar de todo parecen razonables: Dicen que no pueden subir lo que le pagan a los obreros por cada carretilla de carbón porque hay una gran crisis, y en efecto se supone que hay una gran crisis económica y muchas empresas están cerrando.

En general la lucha de los obreros es apasionada: El anarquista por ejemplo habla de purificar el mundo por medio del fuego y la sangre y una madre dice que prefiere ver a sus hijos muertos a que se rindan y regresen a trabajar a la mina. Se menciona el paraíso en la tierra cuando acaben los burgueses o algo así. Y pues no puedo evitar pensar que yo les diría que le bajaran. Que con burgueses o no, trabajar todo el día en una mina no parece el paraíso, que eso de preferir a los hijos muertos ya es el colmo etc. Que no deberían apasionarse tanto por unos centavos más de su tarifa. Pero entonces me doy cuenta que es como pedirles que negocien como harían los burgueses, que con calma se sentarían a negociar. Pero algo que esta película no deja que uno olvide es que estos mineros tenían hambre. Hambre literal. ¿ Y pues cómo juntar el hambre y la calma?

Extra: Ooootra película francesa con un tema, apenas desarrollado, de incesto o casi incesto, entre tía y sobrino, entre los decadentes burgueses claro.

El hombre máquina y su sombra

Jeff Costello es un asesino a sueldo de esos de sombrero y gabardina que no expresan ningún sentimiento, la inexpresividad y las pocas palabras del tipo duro, del asesino frío al extremo. No sólo es una máquina él sino que ve al mundo de la misma manera. Como una maquinaria. Tan sólo porque nota que un pájaro ha soltado demasiadas plumas y revuelto un poco su jaula sabe que alguien ha estado en su piso. Como un reloj cucú predecible y exacto donde se puede notar cualquier irregularidad.

Al final, mata al que lo contrató para matar y después hace una especie de suicidio ritual. Va al centro nocturno donde sabe que lo espera la policía, deja su sombrero en el guardarropa y tira el ticket, va con la pianista negra y le apunta con una pistola descargada. La policía lo mata como sabía que sucedería. ¿Por qué? Desde el punto de vista Jungiano, la respuesta es obvia: Si uno reprime todas sus emociones estás acabarán por controlarnos.Costello no va morir frente a su novia sino frente a esta mujer negra. Y negro es el color de nuestra "sombra síquica" según Jung, que es todo aquello que negamos. Y entre más se reprima más fuerza tiene esta sombra que puede hacernos desear unírnos a ella aunque sea en la muerte.

El Pacheco es el Rey

Fast Times at Ridgemont High es una de las comedias estudiantiles clásicas de los 80´s, con guión de Cameron Crowe (Singles, Almost Famous), y como era de esperarse de él, se trata de una historia de tipo coral. Es decir que se entrelazan diferentes historias de diferentes personajes sin que ninguna llegue a destacar demasiado sobre las demás. Pero sí hay un personaje que destaca: Jeff Spicoli, interpretado por Sean Penn en la que fue su segunda película. El personaje se hizo famoso como primera aparición del estereotipo del surfer/stoner. Sin duda ya habían salido surfers en el cine pero al parecer este es el primero que siempre está pacheco, todo le vale madres, usa tenis Vans etc. Y no sólo es el personaje dominante de la película por ser el más recordado, el que tiene frases famosas etc. sino porque dentro de la historia misma, análizándolo un poco, es el tipo al que mejor le va.

Spicoli es el rey de esta historia de bachillerato pero no es como el típico rey de la prepa que tiene a la novia más guapa y es el ídolo del equipo de futból. Lo que vemos es que las clases no le importan en lo más mínimo, choca el coche de la estrella del equipo de futbol y se sale con la suya, no tiene novia ni persigue a ninguna. Al final va a la Prom Party sin arreglarse y sin pareja pero arrebata el microfono para cantar. Y es el único de entre los personajes principales que no trabaja en el Ridgemont Mall (excepto un tipo que vendía boletos para conciertos, pero que, según nos informan, acabó "entrando al aro"). Al final Spicoli va a una tienda y el dependiente, otro de los personajes, le dice que necesita trabajar. Spicoli contesta que él lo único que necesita son olas y una cerveza fría. Cool. Pero ¿se puede ser cool sin conquistar a "La chica"? Lo que sucede es que ninguno de l@s otr@s personajes encuentra... digamos que una pareja "funcional".  Así que por lo menos el stoner no se desgasta.

Una de las subtramas de la película es el conflicto entre Spicoli y el profesor de historia americana, que según lo que vemos enseña acerca de la constitución y las enmiendas constitucionales y al final le hace preguntas a Spicoli de un libro de texto llamado "Verdad y Justicia". En estos tiempos Trumpianos juntar las leyes americanas con la "Verdad y Justicia" suena... sarcástico. Y conste que ni siquiera soy izquierdista. Esa materia es la que encaminaría a una carrera de leyes. Y la clase de biología, (que se llama "Vida quiensabe que") y que llevaría a la carrera de medicina, el otro pilar de las universidades, la da un profesor que se vuelve demasiado lento sin cafeína, que a fin de cuentas es una droga estimulante. Como las que tanto les gustan a los doctores. Pero más fuertes claro. Para no andar como los que toman Quaaludes, y que según Spicoli, no deberían manejar, por lentos.

Curiosamente, en esta película varios andan más lento de lo normal: Los pachecos, los conductores, el profesor que quiere dejar la cafeína, por no hablar de la cola en la cafetería de la escuela, el tipo con el que quiere tener sexo la chica, el wey que no consigue dinero a tiempo para pagar su parte de un aborto, un novio de Chicago que nunca llega y... lo que se dice rápido pues sólo se ve a un eyaculador precoz que sale por ahí. O sea que eso de "Fast Times" como que no viene al caso. En cambio si el título fuera "High Times" pues sería más pertinente.

En fin, que el mundo que giraba alrededor del equipo de americano de la escuela, la prom party y la verdad y justicia de América ya no rifaba y el stoner valemadres es el que señala que el viejo rey anda desnudo. Viva el nuevo rey.

El inquilino en la cabeza

En "El Inquilino" o "El Quimérico Inquilino" se trata, de modo bastante explícito según yo, el tema de la identidad personal y los problemas que provoca una identidad inestable. Trelkovsky, el personaje principal, se pregunta en una escena que parte de su cuerpo es él o qué derecho tiene la cabeza de hacerse llamar él. También le dicen que por ser extranjero las autoridades creerán cualquier cosa de la que se le acuse. Una mujer altanera le dice que conoce muy bien a la gentuza como él. 

Y Trelkovsky acaba por no saber quién es él, de hecho acaba por no ser él. ¿Es él o ella para empezar? Una cosa interesante son los pequeños detalles que le resultan insoportables. Antes de enloquecer dice que las relaciones entre vecinos suelen ser complicadas y pequeñas cosas se vuelven grandes problemas. Y a él más adelante le resultará insoportable que le den o le quieran dar otra marca de cigarros, como si eso pusiera en riesgo su identidad, o si siempre le quieren servir chocolate. Como si así lo fueran a convertir en otro u otra. 

Sospecha de todos. 

Y cómo no si hasta unos ladrones entran al departamento al que se acaba de mudar y se roban sus cosas pero no las de la mujer que vivía ahí antes. El departamento, como los lugares y espacios en los sueños funciona como imagen de algo interno. En este caso llega a vivir una vida ajena. Donde ni siquiera puede hablar o hacer ruido: Ser él. 

Y sí, la gente se emputa por pequeños detalles cuando estos delatan que no la vemos como ellos se ven, el conflicto interno se traslada a los demás.

El Dios con bocinas Marshall y el pueblo de corderos

Más que la locura, el amor, el pecado o el sexo, lo que separa a Bess McNeil de la comunidad religiosa donde vive es que ella "escucha" a Dios y todos los demás lo leen. Lo de que está loca me parece más bien un recurso narrativo porque para estar loca Bess es sumamente congruente. La diferencia entre leer y escuchar en cambio es tajante: Los viejos patriarcas de la comunidad no le ponen siquiera campanas a su iglesia pues dicen que no las necesitan y Bess tras la muerte se convierte en tañír de campanas. Los patriarcas la retan a decir que cosa buena trae la gente de fuera y Bess, a quien le gusta bailar, contesta que la música. Y se mete a la iglesia de la palabra escrita de Dios vestida de puta a decir que no se pueden amar las palabras pero que se puede amar a un hombre. Sin embargo ella hace todo lo que le dice ese hombre porque las palabras de Dios, que escucha en su cabeza, se lo exigen.

Sus problemas empiezan cuando le pide a Dios que le traiga a ese amor que sólo puede escuchar por teléfono, pues está en una plataforma petrolera.

Cree escuchar a Dios, un Dios que se parece mucho al severo Dios patrircal de su comunidad: Un hombre mayor de voz grave que exige su sacrificio. Sacrificio que al final sirvió para que su amiga Dodo y Jan se conocieran. Los de fuera. Bess estaba a punto de salvarse cuando Dodo le dijo que escuchara a Jan. Las palabras de los de fuera, que ella confunde con las palabras de Dios fueron su perdición.

Las palabras que le llegan por teléfono desde las olas, la muerte que ella va a buscar atravesando las olas del mar. A través de olas, waves, la misma palabra que se usa en inglés para las ondas, que son como olas de sonido.

Las ondas de radio o las ondas del vinyl a través de las cuales podrían llegar canciones como Life on Mars de David Bowie (que viene en la versión original de la película) a ese remoto pueblo escocés a principios de los setentas. El cantante favorito de los desadaptados en ese entonces. Aquí también, como en Christian F la música de Bowie es como un canto de sirenas, música que anuncia la inminente caída en las fauces de un monstruo.

Christiane F y los heroes bowiesianos originales

Yo, Christiane F es una película alemana de 1981, basada en la historia real de una chica de 14 años yonqui, que prueba la heroína por primera vez en un concierto de David Bowie. Y Bowie sale en la película en el concierto y además todo el soundtrack es de su etapa berlinesa de los setentas. Justo donde se ubica la historia. Obviamente sale "Heroes".

Al contrario de películas muy ñoñas como Jojo Rabbit o Las Ventajas de Ser Invisible, que también usan "Heroes", Christiane F es súper cruda. Fue un gran escándalo en su momento pues reflejaba la realidad de los adolescentes, casi niños, que se enganchaban con la heroína y descendían como en tobogán a una vida de prostitución afuera de la estación del metro del zoológico de Berlín (La famosa Zoo Station de U2 que siguiendo el camino de Bowie se fueron a Berlín con Brian Eno a hacer un disco). Y a muertes por sobredosis.

La película no ahonda mucho en la vida anterior de Christiane, de su novio o de los demás personajes. Simplemente nos dice que todos ellos fueron masticados por esta especie de planta carnívora que es la heroína. Creo que eso está bien porque las explicaciones salen sobrando un poco. Si Christiane lo hizo por su novio, o si otros lo hacen por pertenecer o porque tienen algún problema en realidad no importa tanto. Nada de eso realmente puede explicar la atracción fatal de la planta carnívora o porque los yonkis son un grupo al que algunos quieran pertenecer o porque se fue Christiane a enamorar de uno de ellos. ¿Cómo empezó todo en primer lugar?

Los narcos aquí no figuran siquiera, son meras sombras, instrumentos al servicio de la heroína que parece atraer a los futuros yonkis como a moscas hacia un foco, aunque ellos ni siquiera lo sepan, como cuando Christiane va por primera vez a escondidas a la discoteca que será su perdición. Como venadito lampareado por las luces de neón donde se esconde el predador que apunta con aguja hipodérmica a sus venas.

Anita y el sicólogo

"Anita, ninfómana sueca" se trata de una chica de dieciséis años que no puede dejar de tener sexo casual con cualquiera. Incluyendo a los peores tipos: alcoholicos, viejos, vagabundos, lo que sea. Nunca quiere volver a ver a nadie, sea quien sea, y se siente muy mal cada vez que lo hace pero no puede parar. Y aún así es una historia de amor, termina de hecho en una iglesia con marcha nupcial. Sorprende que siendo una película de 1973 la actitud ante la ninfómana es más bien relajada. No del todo pues se supone que vivía en un pequeño pueblo y todo mundo sabía de sus andanzas y la criticaban mucho.

Pero Anita, por ejemplo, hace un striptís completo a los amigos de su papá que están de visita en su casa y sus papás nomás hacen así como "Qué barbaridad con esta niña" y ya. Una cosa así en México sería de golpes, gritos, te vas de la casa etc etc etc hasta el día de hoy. El galán de Anita, Erik, es nada menos que Stellan Skarsgard que también sale en Nymphomaniac, al parecer en un papel similar. Erik es un estudiante de sicología que la ayuda, oye sus historias. Y luego se enamora de ella. Digo al parecer porque no acabé Nymphomaniac.

Y el maestro de Erik, un profesor de sicología, viene representando un papel como de padre o sacerdote que le da la "bendición" a la relación. Le dice a Erik que ya puede andar con Anita. No como una cuestión de ética profesional, sino de que ya la considera curada. La culpa era del papá que era un militar y le decía que estaba avergonzada de ella porque no se sabía los nombres de los generales de la segunda guerra mundial, en cambio su hermana sí se los sabía. Entonces lo que sucedió es que Anita no podía tener orgasmos pero Erik le dice que haga lo que sea para tener un orgasmo y así, después de irse de compras a una sex shop, de ofrecérseles sin límite a unos narquillos indocumentados,  y después de practicar el lesbianismo y trabajar en un cabaret...¡pues se curó! así que ahora con Erik lo hará pero por amor.

¿Qué podría salir mal?

Supongo que hace mucho que un sicólogo no puede tener un papel así, su prestigio se presta más para personajes como el Dr. Hannibal Lecter.

Y la historia se supone que está basada en un caso de la vida real.

Les dejo unas imágenes de Christina Lindberg de esta y otras películas.

Al poli no se le para

El común denominador de las mujeres de Supervixens es que son muy peligrosas cuando no se les cumplen sus deseos sexuales. Apropiadamente el villano de la película es un policía impotente. Como para subrayar que la misma mujer puede ser ángel o demonio, el director Russ Meyer puso a la misma actriz como la mala Superangel y la buena Supervixen, dos avatares de la misma deidad de las carreteras del desierto. Un mundo generoso en tetas naturales y gasolina, donde las estaciones de servicio funcionan como oasis donde se puede encontrar todo lo que uno necesite. Incluyendo sexo casual en el baño, o amigos, o una vida completa con todo incluido.

Se puede recorrer el reino de las supervixens en cualquier vehículo o haciendo autoestop. A la vuelta del camino puede haber una negra ninfómana muda, una pareja swinger que no acepta no por respuesta, una esposa austriaca adquirida por correo o un brutal feminicidio. Porque hay mucho de todo, bueno y malo. Pero el malo de verdad es el poli que te para y al que no se le para.

"Heroes" apropiada por los ñoños.

Lo primero que pensé fue: Uooorales esta película es pro nazi y le dieron un Oscar (o dos no sé) me dije a mi mismo al empezar Jojo Rabbit. Pero no, más adelante queda claro que, a pesar de que presentan  la entrada a las juventudes hitlerianas como "el día de convertirse en hombre" queda claro que critican precisamente todo lo que tenga que ver con la adultez. O sea que los nazis si representan la adultez pero la adultez es mala y entonces los nazis son malos. Parece también que la adultez que se critica es sobre todo la masculina pero la chica judía también dice que no sabe nada sobre ser una mujer adulta y se le nota la ansiedad que le provoca. O sea tratan de ser parejos. Aunque cuesta trabajo imaginarse que para una judía escondida en Alemania en medio de la guerra eso pudiera ser una gran preocupación. Cuando es muy posible que te maten no ha de ser tan preocupante lo que pueda pasar si vives.

O sea que son los "adultos" contra los... ñoños. Porque los niños que presentan no son realistas. Los niños de verdad matan conejos y no le dicen a sus amigos que se van porque necesitan apapachos. No, son ñoños haciéndose pasar por niños.

Y sería exagerado decir que la película es pro nazi, pero no que equipara madurez/adultez con autoritarismo o fascismo. Y por lo tanto si un tipo autoritario o fascista no es más que un adulto genérico pues no puede ser tan malo ser un nazi, después de todo es sólo un tipo de autoritarismo y pues si eso es en el fondo lo que son todos los adultos pues no puede ser taaaan malo.

Al final el adulto interior, el Adolf azucarado (para poder salir en pantalla es de entenderse que hubo que suavizarlo) recibe una patada en los huevos. Y la guerra termina y la vida regresa a ser como dicen los anuncios de las tarjetas de crédito que debe de ser: Celebrando siempre porque si no se caen las ventas. ¿Y que bailan? pues la de Heroes de Bowie, que les encanta para las películas ñoñas como esta o como Las Ventajas de ser Invisible.

La chica por cierto no podía ser de la misma edad que el niño porque entonces no habría pretexto para que no se enamoraran y el sexo y el amor van totalmente en contra de la ñoñez. La canción de Bowie, inspirada en una pareja que él conocía, se trata de una pareja cuya relación está condenada porque él es casado, y no se va a separar, pero al menos se atreven un día y por eso son héroes por un día. En cambio Jojo y su chica judía ni un beso se dan.

El Nombre de la Bestia

¿Representa algo el gorila violador, que al final muere por agotamiento sexual por meterse con una mujer insaciable, de "La Bestia", película francesa de los 70's? La historia en sí funciona como una historia de revelación de un secreto o pecado. Al final la película misma ofrece una especie de interpretación en boca de un cardenal católico que habla sobre el pecado del bestialismo y dice que es más frecuente de lo que parece. Pero para mí lo que se esconde no es el bestialismo, es otra cosa. Una opción podría ser el sexo interracial pues una de las tramas paralelas es la relación entre un sirviente negro y la hija de un marqués. Esto siguiendo la teoría, que hasta sale en alguna película de Tarantino, de que King Kong representa el temor a la raza negra. Pero para mí lo que se esconde tras el disfraz de gorila es el incesto.

Para empezar el caso de bestialismo supuestamente había sucedido hacía siglos pero dejó su rastro en un descendiente. Este tema ya lo había tratado en The Dreamers, otra película francesa, pero con un tema de incesto explícito. El descendiente de esta "relación bestial" pues es medio tarado además de tener rastros  físicos. Y eso claro no sucede con la bestialidad, una relación con un animal no deja descendecia en cambio el incesto sí deja secuelas físicas.

Otra cosa es que se habla de la aristocracia, hay duques y marqueses; parece que la historia sucede en el siglo XIX o antes de la revolución francesa pues hay cosas de la trama ridículamente fuera de lugar por anticuadas. Como que el padre de una rica heredera americana autoriza que su hija se case pero sólo si la boda la celebra un cardenal específico. Si no fuera porque hay teléfonos, y se ve brevemente un volkswagen y una chica con una t shirt y pantalones de mezclilla lo lógico sería ubicar la historia en el siglo XIX o principios del XX, pero con un conflicto del XVIII.

El tema de la aristocracia entonces se impone sobre la lógica (señal de dominio o presencia del inconsciente) y cómo es sabido los continuos matrimonios entre familias aristócratas en Europa, en específico entre la realeza provocaron enfermedades degenerativas entre sus miembros, por reproducirse demasiado entre los mismos. Y el tema de la decadencia es central en la historia: Las tierras del marques son infecundas y su casa se cae, por eso necesita que su hijo se case con una rica americana.

Y finalmente una coincidencia: Al parecer parte de la inspiración para esta película vino de la leyenda de la bestia de Gevaudan, una leyenda francesa del siglo XVIII sobre una bestia asesina que se cree pudo originarse en historias reales de lobos o de algún león y de donde surgen algunos elementos del mito del hombre lobo.

Pues en esta otra película "El Pacto de los lobos", más directamente inspirada en la bestia de Gevaudan también me pareció que había un tema de incesto y también relacionado con la aristocracia.

La mirada errada

Memorias de un Asesino o Crónica de un asesino en serie es una película coreana de 2003 basada en una serie de casos de la vida real. Un thriller con sentido del humor gracias principalmente al protagonista, un detective de un pequeño pueblo a quien nadie respeta, ni los niños, y él tampoco respeta a nadie. Así que sin problemas de respeto puede empezar la diversión. Este policía gordinflón y tonto junto a sus colegas del pueblo y los policías llegados de la capital tratan de encontrar a un feminicida. Como es de esperarse el policía llegado de Seúl para tratar de arreglar lo que los del pueblo no pueden le cae en el hígado al policía pueblerino que le dice que él se cree del FBI por pensar mucho pero que los del FBI tienen que pensar mucho porque Estados Unidos es un país muy grande pero que en Corea del sur eso no es necesario.

El arma secreta de este poli, Park, que no cree en eso de pensar mucho, es que dice que con sólo ver a un tipo sabe si es un criminal o no. Entonces a lo largo de la película los polis van buscando pistas y pasando de un sospechoso a otro. Como es Corea y no otro país, digamos por ejemplo... México, pues necesitan juntar pruebas y testigos y todo eso y no pueden basarse en la intuición del detective Park (interpretado por Kang Ho Song, el papá de "Parásitos"), ni en lo que le dice la adivina que consulta, ni en lo que crean los otros policías.

El problema es que van creyendo que es uno y luego otro, y con buenas razones: Uno solía seguir a una de las chicas asesinadas, otro siempre pedía una canción en la radio y cuando la ponían era cuando mataban a las chicas etc.

¿Qué tan común será eso de qué un tipo parezca un asesino, sin serlo? En este caso, el caso real en el que se basó la película, a un tipo lo metieron 20 años a la cárcel y en el 2019 descubrieron que el verdadero asesino era otro tipo que ya estaba preso condenado a cadena perpetua por otro asesinato. Y eso que según esto la policía coreana uso unos dos millones de días - hombre tratando de resolver estos asesinatos.

En la película nunca encuentran al asesino, pero se dan cuenta que uno que creían era el culpable era inocente, pero había visto uno de los asesinatos, y podía identificar al verdadero asesino. Pero como lo habían torturado, cuando van tras él el tipo se suicida. Al final, muchos años después (La película sucede en 1986) el ex detective Park regresa por azar a una escena del crimen y una niña le dice que poco antes un tipo igual que él se había asomado al mismo hueco donde estaba uno de los cadáveres. La niña le preguntó que hacía y, el asesino, pues eso sólo podía decirlo el asesino, le dijo que recordaba una cosa que había hecho hacía mucho tiempo. Park le pregunta como se veía este tipo. Ella le dice que normal, nada raro, un tipo como cualquier otro. Entonces Park ve directamente a la cámara. Una explicación que leí dice que es como si buscara al asesino atrás de la pantalla, como si nos viera a nosotros. El asesino se veía como cualquiera, por lo tanto puede ser cualquiera. Puede que seamos nosotros o alguien al lado nuestro. Esta explicación me parece políticamente correcta: Decir que todos somos culpables y darse golpes de pecho queda muy bien. Pero en toda la película nunca hay un elemento "social", de que la culpa es de todos, más bien digo que se trata de ver la mirada de Park, que supuestamente descubría a los criminales, como algo completamente inútil, que se descubre a sí misma como un fraude, pues ni siquiera un asesino serial tiene algo de peculiar a la vista.

Sin Aliento

Es una película llena de inovaciones formales y narrativas de todo tipo, apoyadas en algunas inovaciones técnicas inclusive. Para algunos es la primer película "alternativa" de la historia. Y además fue un gran éxito de taquilla.

¿De qué se trata Sin Aliento? Es la historia de un ladrón, Michel, que es perseguido por la policía y que está enamorado de Patricia, una americana que vive en París. Pero Patricia no sabe lo que quiere: No sabe si lo ama, no sabe que piensa Michel, no sabe si prefiere el amor o su independencia, no sabe si no es independiente porque no es feliz o si no es feliz porque no es independiente.

Michel sí la ama y todo indica que ella lo ama a él, pero entonces ella quiere que él se vaya, no quiere amor. Para el espectador también es confuso. Todo es muy bonito, es París en 1959, todo es jazz, ella es muy bonita, ella lo ama. ¿Entonces por qué lo delata con la policía? ¿Por qué dice de sí misma que no es una persona independiente si parece muy independiente? ¿Qué es lo qué quiere? No le importa que Michel sea ladrón o que haya matado a un policía. Además dice que espera un hijo de él.

Hubo quién dijo en 1960 cuando se estrenó Sin Aliento, qué ella como iba a querer a un hombre siendo tan poco femenina. Y lo decían por su pelo muy corto principalmente, que era algo radical en ese entonces.

 Creo que la clave para entender esta película está justo en la escena final cuando Michel se muere y ella rompe la cuarta pared, voltea hacia la cámara, pregunta indiferente que fue lo último que dijo Michel y recorre sus labios con un dedo, un gesto que Michel ha hecho varias veces en la película. Es como una presa junto al cazador que ha perdido la partida y yace muerto a su lado y entonces ella toma algo de él, como si fuera un colmillo para colgárselo de un collar o algo así. Supuestamente Godard quería que ella le buscara cosas en los bolsillos a él, como para robarlo, pero Jean Sebert, la actriz, se negó y en cambio hizo eso de tocarse los labios. Así queda claro, al menos simbólicamente, que a ella lo que le interesa no era algo material sino la personalidad. Ningún amor se la quitaría, al revés, ella podía robar personalidad o individualidad a otros.

Además viéndolo a nivel de símbolos Michel era un ladrón y le robaba a sus amantes, en una escena pide un desayuno y en lo que se lo traen va al departamento de otra amiga/amante a robar para poder pagar.

Un detalle curioso es que hay otra escena en donde ella también voltea y mira hacia la cámara, no tan claramente como en la última escena, pues hay una disolvencia. Es la escena en que le pregunta a un famoso novelista cuál era su máxima aspiración y este tipo le contesta: "Primero quiero lograr la inmortalidad y después quiero morirme" Patricia pone cara de que eso le parece muy interesante y luego voltea hacia la cámara. Y se supone que hacer eso en cine es como salirse de la ficción, como si al hacerlo un actor se saliera de su personaje. Y es curioso porque con Sin Aliento, Jean Sebert se volvió inmortal, un ícono del cine y de la nueva ola francesa. Y entonces el FBI la fichó como persona peligrosa porque ella empezó a apoyar a los panteras negras, un grupo pro derechos de los negros y también a organizaciones de indios. El FBI la metió en el programa secreto COINTELPRO y se dedicó a vigilarla, a asediarla y a hacerle la vida imposible.

Y no es una teoría conspirativa, el gobierno americano acepta que lo hizo.

Sebert nunca volvió a tener un gran papel en el cine y se cree que el FBI tuvo que ver en eso. Fueron muchos años de acoso y vigilancia y al parecer ella lo sabía. En 1970 se embarazó y el FBI esparció en los medios el rumor de que el hijo no era de su esposo sino de un pantera negra. Poco después perdió al hijo. Su esposo ha dicho que esa difamación afectó mucho su salud y que por eso perdió al bebé. Diez años más tarde Seberg apareció muerta al parecer por suicidio y gente cercana a ella dijo que cada año en el aniversario de la muerte de su hijo intentaba suicidarse.

Por último otro detalle interesante, según Alain Bergala, autor de Nadie como Godard, en sus películas hay un patrón recurrente en que cada vez que una pareja logra aislarse del mundo y de los peligros del exterior   - En el caso de Sin Aliento cuando Michel y Patricia llegan a una casa que se usaba como estudio fotográfico y en donde por fin están a salvo de la policía -  en ese momento es cuando surge el mal, en este es caso es cuando Patricia le habla a la policía. Como si el aislamiento desatara al mal.

1917 le dice fuchi guácala a la guerra y regresa al pastito

Para empezar la premisa de la historia está mal: En la primera guerra mundial además de telégrafos, usaban teléfonos, radios, señales con lámparas, bengalas o palomas mensajeras para comunicarse. Eso de que "tenemos imágenes aéreas de las líneas enemigas pero no podemos mandar mensajes a nuestras propias tropas" es absurdo. O sea, si tienen aviones, y sí, los tenían, que avienten la carta bien empaquetada y ya.

Esto lo menciono no porque pida pureza en las recreaciones históricas del cine sino porque creo que esto refleja el principal problema de la película: Es una película de guerra a la parece que no le interesa la guerra. No hay siquiera una escena de acción rescatable, emocionante o creíble siquiera. Ah pero es que es antibélica. En realidad no, las buenas películas antibélicas presentan a los mandos militares como estúpidos o malvados, a los enemigos como gente buena o por lo menos normal, hablan de horrores poco conocidos o reconocidos de la guerra. Cuestionan sus motivos. O hablan de los esfuerzos de los que se oponen a la guerra. Hay películas de gente que se opuso a la primera guerra mundial y protestaban y los metían a la cárcel y demás.

1917 no hace nada de eso. Todos los ingleses son gente buena, en cambio el alemán con más tiempo en pantalla, el piloto que se estrella, lo que hace es asesinar al tipo que está ayudándolo. Y Sco, el protagonista, no puede ser más bueno: Además de que su primer reacción frente a un piloto enemigo es ayudarlo trae leche en su cantimplora que le puede dar a las niñas hambientas. No mamar.

Pero no es que esté en contra de esa guerra o de las guerras en general. En ese entonces ya había pacifistas y se negaban a ir a la guerra y los encarcelaban. Más bien parece que a Sco la guerra "le caga", no le interesa, él quisiera estar en casita. El mensaje de la película parece ser "La guerra es fea para los soldados" Sí gracias ya lo sabíamos.

Y entre tanta pose antibélica, sin fondo, y pretensiones de estilo, aparte del supuesto planosecuencia continuo que ni siquiera esconde tantito los posibles cortes sino que al revés, se toma su tiempo cuando se va a negros como gritando ¡Aquí, aquí seguro hay un corte! Y aparte de eso hay partes semilentas, bucólicos paisajes con musiquita de hueva, una escena con soldados muy calladitos para oir cantar.

Entre todo eso lo que se pierde es la emoción de una película de guerra. Yo la comparo con este comic/ novela gráfica, la leyenda de Alexis McCoy, que curiosamente tiene la misma premisa. Ubicado en la guerra civil americana Alexis McCoy recibe la misión de mandar un mensaje a un grupo del ejército sureño porque si no los del norte los van a despedazar. Para eso necesita encender una pila de madera en la punta de un cerro, ellos ya saben que hacer si ven eso arder. El problema es que ese cerro es ahora la guarida de un grupo de desertores y delincuentes muy peligrosos. McCoy llega al lugar y es descubierto. A cambio de información que estos tipos puedan vender a los del norte lo dejan escoger como quiere morir y McCoy escoge ser quemado vivo en el montón de madera en la punta del cerro. Y todo eso, claro está, es sólo el principio.

La historia está llena de detalles curiosos, como términos y slang que se usaban en esa guerra. Datos históricos precisos, la historia se ubica en un punto muy concreto de la guerra, en lugares muy concretos. Hasta con información del clima vaya. Y Alexis McCoy es un tipo simpático, no como Sco y su cara de que sólo quiere ir a su casa a comer pollo.

La prueba de que a los creadores de 1917 les da tanta flojera la guerra como al personaje Sco es que tienen que recurrir a ese cliché de clichés de que los personajes en realidad luchan por su familia. Generalmente por su hijita. Ya no hay héroes que luchen por la patria o por cualquier cosa más allá de su familia inmediata.

El final en realidad es bastante anticlimático y se le tapa con otro absurdo: Cuando Sco llega finalmente a entregar su mensaje se pone como histérico a gritar ¡Déjenme pasar, déjenme pasar, traigo un mensaje! y luego: ¡Detenga este ataque por favor deténgaloooo le digo! para que veamos hasta el final como sufre y se esfuerza. En realidad lo único que debía hacer es decir: Traigo un mensaje del general fulano, entrar, entregar su carta y ya. Todo lo demás sale sobrando.

¿Pero no se supone que la película está basada en la historia del abuelo del director? En Hollywood decir que una historia está basada en hechos reales no significa nada. Busqué lo de la historia del abuelo de Sam Mendes y pues estuvo en la primera guerra mundial, pero, claro está, nunca recibió una misión como la de la película. Según esto se ofreció a buscar tropas que habían quedado desperdigadas después de una batalla. Y eso no se parece mucho a la historia de esta película.

Calígula, la pornografía del poder

Aunque es conocida por ser la primera superproducción porno, la historia de Calígula, la trama de la película, es una historia acerca del poder, del poder absoluto para ser exactos. "Puedo hacerle lo que quiera a cualquier persona" le dice Calígula a su hermana - amante Drusilda y puede hacerlo en efecto. Y además tiene presupuesto ilimitado. Es el emperador de Roma y si él dice que su hija es un varón entonces para el mundo lo será. Si dice que conquistó Bretaña aunque no lo haya hecho no importa, todos estarán de acuerdo en que conquistó Bretaña. Puede orinarse donde sea. Matar a quien sea. Pero lo que vemos es que para ejercer su poder necesita gente. Podría eliminarlos a todos pero como que tiene, o tendría, que pensar como y cuando hacerlo.

Casi toda la película se desarrolla en su palacio y buena parte en su alcoba, entre de una orgía de sexo y crueldad permanente. Como no le interesan los asuntos del estado en absoluto, la intriga con la gente más cercana es la única fricción con que se topa su poder sobre los hombres. Pero lo que vemos en esta película es que tanto poder no le gustaba al emperador Calígula: A los senadores los odia por aceptarle todo, hasta cuando pide que lo reconozcan como a un Dios. Al tipo que dice que daría su vida por él lo manda ejecutar, en cambio su amada Drusilda le dice que ellos dos siempre discutirán. A los moribundos les pregunta si ven a la Diosa Isis, como buscando un "poder superior". Y tanto él como su antecesor Tiberio despreciaban a los romanos, que eran la razón de su poder. Al final parece feliz de ser asesinado.

¿El poder enloquece? Nerva, que supuestamente era el único amigo del anterior emperador, dice que lo vio convertirse en un monstruo. Y Drusilda le dice que está espantada de cómo está cambiando. Después de matar a Calígula, el ministro y el jefe de guardias agarran al siguiente y lo hacen emperador por la fuerza. Y el tipo parece aterrorizado.

¿Será qué convertirse en un Dios no es tan padre?

Otra cosa que dice Calígula es que tal vez no era un Dios en ese momento pero que lo sería después de muerto. ¿Será que en esa época, los treintas cuarentas D.C. la gente andaba buscando Dioses?

La sonrisa de la viuda negra

En una escena de El Imperio de los Sentidos (Nagisa Oshima 1976) Kichizo le advierte a su amante Sada que si le corta el pito para que no pueda coger con su esposa entonces ella, Sada, tampoco podrá usarlo y Sada contesta que se lo metería en la vagina y así estaría siempre con ella. Al final ella le corta los genitales y no sabemos si se los mete pero los lleva cargando con ella según cuenta la película que está basada en un caso de la vida real ocurrido en Japón en los años treintas. Y también nos cuentan que decía la gente que se veía radiante, muy feliz y que se volvió una mujer muy popular. Seguramente Sada dijo que Kichizo pidió ser estrangulado hasta la muerte a la hora de hacer el amor para tener una sensación más intensa. Eso puede ser verdad o no. El caso es que la película nos presenta una historia de sexo que es exactamente el polo opuesto de la pornografía tradicional, en donde las parejas son intercambiables. En este caso se trata de una obsesión y aunque el final hace pensar en un caso de posesividad llevada al extremo, ella, que es una exprostituta, va con un viejo cliente para conseguir dinero, que comparte con él. Kichizo por su parte se coge a una vieja geisha, que muere durante el acto, enfrente de Sada porque fue idea de ella. Además viola a otra mujer. Se supone que son muy celosos uno del otro, pero no tanto como para no coger con otros u otras.

En general la actitud japonesa frente al sexo es muy relajada en la historia. El exhibicionismo/voyeurismo es más la regla que la excepción. En un dialogo cuando Kichizo va a violar a una mujer ella le dice "No me viole porque si me viola no me voy a poder casar". Así que él no la viola y ya. Y como eso muchas cosas pero lo más sorprendente para mi es lo de que Sada se volvió una persona muy popular. como si fuera una versión femenina del Goyo Cárdenas, un asesino serial mexicano que salía en la tele y daba entrevistas como si nada.

Hay otra película cuyo nombre no recuerdo acerca de un investigador del FBI que estudia a un asesino serial de mujeres, también basada en un caso de la vida real, y el asesino acaba diciendo que ser lo último que ella vea es lo que le fascina. 

Y está la teoría de Robert Graves de que en la antigüedad en las sociedades matriarcales el que cogía con la matriarca debía morir después del acto. 

Lo que sucede con algunos insectos. Quizá el tener genes en exclusiva puede dar alguna ventaja evolutiva o algo así y el caso de Sada y Kichizo sea un eco de algo ancestral 

The Dreamers, la falsa revolución

Cuando hay procreación sin renovación, o sea cuando las parejas se forman dentro de un grupo reducido de gente, o peor aún, dentro de la misma familia, surgen muchos problemas médicos. En inglés "inbred" es un insulto, que viene siendo una forma rápida de decir: "Deforme e imbécil engendro de tus padres que son hermanos (o primos, o madre e hijo o padre con hija etc.)"

En Dreamers (2003) hay un triángulo amoroso entre un hermano, su hermana -gemelos además - y otro wey, l@s gemel@s no llegan a la penetración pero es lo único que les falta. Lo interesante es que parece que el mismo problema de "falta de renovación" se aplica a otras cosas que hacen y a sus ideas políticas.

Ven películas viejas, inclusive considerando que la película está situada en 1968. Y las actúan y hasta van al museo de Louvre a hacer una carrera igual que en alguna película. Esto, claro, es bastante inofensivo. Pero hay otras señales: L@s gemel@s le gritan "¡One of us, one of us"! a Matthew, el gringo no incestuoso del trío, mientras se ve la escena de Freaks en donde los fenómenos de circo (como los que pueden nacer a causa del incesto) gritan eso a una mujer que se va a casar con uno de ellos.

En otra escena comen comida sacada de la basura, alimentándose con cosas "poco frescas" digamos.

Discutiendo acerca de Mao Tse Tung, Theo el gemelo, le dice a Matthew: "Es como un director de cine con millones de actores que lo siguen, no con armas sino con un libro." Y Matthew le responde que ese precisamente es el problema: que es un sólo libro, refiriéndose al "libro rojo" de Mao. ¡Variedad de libros y genes Theo! Digo yo.

Al final se unen a las famosas protestas francesas de Mayo del 68. Para Theo la revolución se trata de acabar con una clase social. Aunque él y su familia se ven bastante burgueses. O sea brindar por el fin de la burguesía con una botella de Chateau Laffite. Matthew le dice, con otras palabras, que para ser revolucionario es bastante hogareño, ni siquiera sale a la calle. Yo sospecho que para Theo en el fondo "La Revolución" no es más que otra vieja película que quiere "representar". Como el supuesto suicidio de su hermana con gas, que cuando le preguntan a qué huele dice que es gas lacrimógeno. ¿Suicidio o revolución? Qué más da, ninguna/o es en serio El chiste de una revolución es que haya una renovación, no más de lo mismo. Es como todo el desmadre y rebeldía de Theo, para al final seguir viviendo con sus papás y su hermana.¿Cuál es el caso de repetir la revolución rusa de 1915? ¿No es eso más imitativo qué revolucionario? Al mismo tiempo, en 1968, en Checoslovaquia, en el mundo comunista, había grandes protestas contra el sistema. ¿Hace cuánto que no hay una revolución con ideas frescas? Este tema por cierto, también lo había tratado en este post de la película de Los Miserables.

Ah pero eso sí, toda esta decadencia dirigida por Bertolucci y con el debut cinematográfico de Eva Green que se la pasa en pelotas - y con un muy buen soundtrack además - no puede más que verse y oírse divino.

Corrección política asesina historia a sangre fría

Esta película fue la última del director Bo Widerberg, muy importante en Suecia. Según leí el director sueco más famoso después de Ingmar Bergman y se trata de la relación entre alumno de 15 años con maestra de 37 (Eso también lo leí ). Los alumnos se comportan como típicos de esa edad pero el actor, hijo de Widerberg, ya estaba varios años por arriba de 15, tenía 17 o 21 según las fuentes. La historia se ubica en Malmo, ciudad que queda frente a Dinamarca durante la segunda guerra mundial. Suecia era neutral pero Dinamarca estaba invadida por los nazis y había mucha tensión. Eso lo transmite muy bien la película, que tiene varias subtramas y una es acerca del hermano de Stig, el protagónico, que estaba en la marina sueca.

Pero lo principal es el amor entre alumno y maestra. Casada, además. Y es realmente buena la historia, destacando la actriz. Fuera de algunos puntos de la trama que no hacen sentido, la cosa está buena, de hecho según lo que leí, se sospecha que el director pudo basarse en una experiencia personal lo que explicaría que transmita la tensión sexual tan bien.

Hasta que de repente de la nada hay una escena en que ella está borracha, él llega, ella pide que la desnude y él se niega y entonces lo amenaza con una botella. Luego, ella que había sido un personaje de lo más sensato y buena onda toda la película hace, con engaños, que Stig repruebe el año. Así nomás. Parece que el director al final quiso poner muy forzadamente la moraleja de que maestras y alumnos no deben tener sexo.

Y como esto está tan forzado el remate de la película es patético: Stig en venganza se roba los diccionarios de la maestra. Fin.   

Paprika, una puta con suerte

Paprika es una película italiana del 91 ambientada en los cincuentas pero, si no hubiera checado, hubiera jurado que era de los setentas. Viene siendo soft porn, o más bien porno con trama. De un director famoso, Tinto Brass, el mismo de Calígula y varias más. Parecida a una película mexicana de ficheras pero mucho mejor hecha y mucho más atrevida. Es la historia de una prostituta pasando por todos los clichés: El tipo que la mete a trabajar con engaños, luego el padrote/ chulo violento. Aborta, va de un burdel italiano a otro, prueba el lesbianismo, el sadomaso, un cliente se enamora y quiere sacarla de eso etc etc. El final sin embargo no es triste y dramático. Se casa con un viejo millonario que se muere rápidamente, se vuelve rica y se casa y tiene hijos con el tipo del que se había enamorado, su primer cliente.

Lo de que una prostituta de alto nivel gane mucho dinero si pasa en la vida real. Las goldiggers que se casan con viejos para quitarles la lana también. ¿Y si hay parejas que se han conocido haciendo porno y se casan porque no podría casarse una prostituta y tener una familia? Lo que está más difícil es que todo eso pase al mismo tiempo... pero en fin, es sólo una película, ligera como su soundtrack, una cancioncita simple y alegre. No todo tiene que ser tan serio.

Parásitos malolientes

En la sobrevalorada Parásitos los pobres les huelen feo a los ricos. Lo cuál no es de extrañarse, el sótano donde viven los pobres se inunda con aguas negras. Pero el papá de la familia pobre no soporta que el papá rico haga un gesto de desagrado por el olor de un tipo, que acaba de acuchillar a su hija, y en vez de hacer algo por ella, su hija suya de él, mata al tipo rico. Primero mata al que le parece mamón antes de ayudar a su hija que se desangra. Poco antes el hijo pobre viendo un jardín lleno de ricos le preguntó a la chica rica si él encajaba ahí, con toda esa gente que se veía tan bien sin siquiera proponérselo. ¿Por qué tanto odio? Yo creo que el problema es que los pobres se la pasaban viendo el instagram de ricos en su sótano donde se pirateaban el wifi.

Supongo que el director pretende que esta película es un mensaje a favor de los pobres en contra de los ricos. En realidad lo que hace es darle la razón a estos últimos: Les hubiera ido mejor si hubieran evitado tener que ver con cualquier pobre maloliente.

Y por cierto ¿Cuál es el simbolismo de la piedra? Ninguno, parece el típico caso del director que pone una cosa para que el público piense que simboliza algo. Para hacerse el interesante sin serlo pues.

La Princesa Mononoke y la lepra extranjera

¿De dónde salió Lady Eboshi, la mujer que amenaza con matar todo, incluyendo a los dioses en "La Princesa Mononoke"? Como fabrica fusiles en un lugar en donde no había armas de fuego y ese lugar es Japón huele a extranjera. Los europeos fueron los primeros en llevar armas de fuego a Japón, casi estoy seguro que eran portugueses. Después de eso los japoneses prohibieron las armas de fuego, y a los extranjeros, durante siglos. Además Lady Eboshi lidera a un grupo de mujeres orgullosas de no obedecer a ningún hombre. Y eso no es como muy japonés tradicional por decir lo menos.

Además parece que lady Eboshi trae con ella la lepra. los tipos que tiene fabricando los fusiles son leprosos y las balas vienen infectadas con algo, se supone que es una maldición, pero por lo menos hay una escena donde dicen que es una infección. Y eso que hace la maldición de comerse la carne y los huesos se parece mucho a la lepra también.

Pero se supone que Lady Eboshi y su gente son unos ecocidas mata-árboles  y mata-dioses, no tienen nada contra los japoneses o contra la gente en general. Pero ¿No podrían representar los animales a la gente? Los animales de ese bosque en particular son inteligentes, los lobos sobre todo. Además su color blanco los hace simbólicamente los mejores para representar la lucha contra extranjeros infecciosos. Además en su lucha los ayudan dos humanos pero son dos humanos que han sido transformados: San, la "Princesa Mononoke" fue adoptada por los lobos  y detesta tanto a los humanos, que se niega a vivir entre ellos ni para estar con su amado Ashitaka. Ashitaka también lucha del lado de los animales y también sufrió una transformación, cuando el "Dios Venado" lo cura y le salva la vida después de haber recibido un balazo. Simbólicamente estar al borde de la muerte y ser salvado es como nacer de nuevo o transformarse. Si lo salva el Dios del bosque y de todos los animales es como volverse parte de ellos. Y en el momento de la curación aparecen mariposas. Es demasiada coincidencia, como expliqué en el Viaje de Chihiro, las mariposas son símbolos de transformación.

Son entonces animales, y humanos transformados simbólicamente en animales, quienes luchan contra Lady Eboshi y sus apestosos seguidores humanos (¿extranjeros?). Lo de que estos humanos apestan se dice y se repite. De hecho Eboshi y los suyos usan el mal olor como estrategia de guerra. ¿Y que es lo que quieren Eboshi, sus prostitutas, leprosos y demás seguidores ? Matar a los dioses del lugar, y si hay algo que representa una cultura son sus dioses. Lady Eboshi dice que sin sus dioses los animales del bosque serán tan tontos como todos los demás animales. Y todo esto sucede en Japón, en donde hasta la fecha la gente evita a los extranjeros al grado de no sentarse junto a ellos en el metro. Extranjeros que dicen que huelen mal.

El viaje de Chihiro al país de la bulimia

Voy a partir de la teoría que dice que la bulimia, la enfermedad que le da sobre todo a mujeres jóvenes que dejan de comer llegando incluso a matarse de hambre, es provocada por un rechazo a crecer y a la sexualidad, que surge de un deseo de no dejar de ser niñas y por un rechazo a los cambios corporales de la pubertad.

Entonces... tenemos que la pequeña Chihiro, que se supone tiene 10 años y, todos le dicen que es muy pequeña y flaquita, está triste porque está dejando atrás su vida anterior. Le enseñan su nueva escuela y dice que le gustaba la de antes. Las flores que le dieron de despedida, símbolo por lo tanto de su vida anterior se están marchitando y esto la alarma pero su mamá le dice que sólo hay que ponerlas en agua. El agua es muy importante en toda la historia y me parece que su papel es de símbolo de purificación y limpieza. Por lo tanto si las flores son el símbolo de su vida anterior, la purificación es vista como el camino de regreso. Y las flores vienen con una tarjeta con el nombre de Chihiro. Ambas cosas, la tarjeta y su nombre, van a funcionar como clave de su identidad anterior.

Luego vienen todos los símbolos de transformación posibles y con una carga más bien negativa: Una vuelta equivocada en el camino, atravesar un edificio abandonado y lúgubre, también un poco más adelante hay un puente y un tren. Hay también muchos sapos/ranas. Los sapos y ranas se supone que son, al igual que las mariposas, símbolos de transformación. Las mariposas porque antes eran orugas; y ranas y sapos eran renacuajos. Aunque no son tan bonitos como las mariposas. Y aparecen con una carga negativa en la historia: Primero hay piedras talladas como sapos o ranas y están en un lugar abandonado medio tenebroso.

Sirven de hecho como símbolo del lugar y primero casi chocan Chihiro y familia con una de estas piedras y luego hay un personaje sapo que descubre a Chihiro cuando ella trata de cruzar el puente sin ser vista. No son la rana Gustavo precisamente, son más bien malos. Más adelante hay muchos personajes sapos que son de lo más avariciosos.

Y la avaricia es un tema muy importante en la historia. De hecho la explicación oficial de Ghibli dice que los padres de Chihiro se convierten en cerdos por avariciosos. Pero estaban comiendo, es una avaricia que se parece mucho a la gula, el pecado de comer demasiado. En realidad la avaricia y la gula tienen lo suficiente en común, como para que a nivel simbólico sean lo mismo. Por algo a los avariciosos, sobre todo si son prósperos capitalistas, se les suele representar como cerdos sin que hasta la fecha se sepa de algún cerdo que junte dinero.

Y Chihiro llega al país de la avaricia y la gula: La mandamás es una mujer con pinta de madrota, de madrota avariciosa claro, que amenaza a Chihiro con ponerla a hacer el trabajo más asqueroso y difícil que hay ahí. Por la forma en que lo dice parece que ese trabajo sería de juguete sexual de los obesos clientes de su congal o balneario. Estos clientes se supone que son dioses o espíritus pero por su peso parecen luchadores de sumo. Todos son gordos, al igual que el hijo de la jefa/ madam, que es un bebé gordo y gigante que traga como rata hambrienta, y que luego se convierte en rata de hecho. (Las ratas y demás roedores también simbolizan gula/avaricia). Además parece tener la costumbre de que cuando se quiere divertir con una chica esta no puede negarse.

Hay otros tres personajes clave: Una sombra que dicen que es un "sin cara", un "dios/espíritu apestoso" que resulta ser el espíritu de un río. Espíritu de un río sucio pero que logra limpiarse. Y un chico que se convierte en dragón pero que al final resulta ser también el espíritu de un río.

Según la psicología jungiana todas las personas tenemos una especie de sombra psicológica que aparece en nuestros sueños de diferentes formas y también aparece en todo tipo de mitos e historias. La sombra representa nuestro lado negativo, y como el "sin cara" es literalmente una sombra, creo que podríamos considerarlo representante de La Sombra sicológica, sólo que esta Sombra tiene una peculiaridad: Es una sombra muy buena... excepto cuando come. Esta sombra tienta a los demás con oro y todos los avariciosos caen, excepto Chihiro que ni come ni le interesa el oro aunque sea regalado.

La sombra después de comerse un par de sapos y a una persona se convierte en un monstruo y sólo se cura hasta que vomita. El espíritu del río también necesita expulsar todo lo que trae dentro y así deja de apestar. Y en ese lugar tan sólo oler a humano es apestar y para dejar de apestar hay que dejar de comer comida humana.

Lo mismo sucede con Haku, el chico/dragón/espíritu de río, que se enferma por comerse el sello de una bruja que es... un sapo. Pero también vomita y se cura.

Haku al igual que Chihiro viene de fuera de ese mundo pero no puede regresar porque ha olvidado su nombre, es decir su identidad anterior. Para que eso no le suceda a Chihiro, Haku le da la tarjeta con su nombre que venía con sus flores. Expulsar lo que uno trae dentro, vomitar, purificarse con agua y no cambiar ni dejar de ser lo que uno era es lo que se recomienda aquí para salvarse. Aunque también aparece lo contrario: Volverse transparente con peligro de dejar de existir por no comer. La sombra de hecho también es muy transparente, muy buena y todo pero siempre y cuando no coma.

Al final no se resuelve este conflicto entre comer y volverse un monstruo o no comer y volverse transparente hasta dejar de existir. Al parecer Chihiro se enamora de Haku... y si tuviera un novio y todo eso dejaría de ser niña y sería como una prueba superada según la teoría de la bulimia antes mencionada...  pero se separan y ni siquiera prometen volver a verse. Haku tan sólo dice algo así como "Ya nos toparemos de nuevo, bye". A fin de cuentas en realidad él sólo es el espíritu de un río limpio y puro. Y ella regresa a ser lo que era, su última prueba es que es capaz de identificar a sus papás. De regreso con papá y mamá, a ser una niña flaquita que aprendió que las cosas se arreglan vomitando.

Se supone que sí hay un cambio, que era una niña tímida y miedosa que deja eso atrás para volverse valiente. Pero ese es sólo el mensaje consciente. El inconsciente en cambio no sabe mentir.

Hasta el título de la película en inglés, "Spirited Away" puede interpretarse como muerte por derrota de la carne. Puede traducirse como "Llevada por el espíritu o los espíritus", pero también como "Se la cargó el espíritu". Y mucho espíritu y nada de carne puede ser dañino para la salud.

El payaso sólo quiere un poco de atención

Joker se quiere presentar como una película que critica a los ricos y al sistema, pero esta crítica en realidad es muy superficial. Los bullys a los que mata en el metro podrían no ser ricos sino de cualquier otro grupo impopular y no cambiaría gran cosa la trama. El papá es rico y malo pero la mala de verdad resulta ser la mamá. Que cerraran el servicio de la doctora con la que iba y le dejaran de dar medicinas tampoco lo afecta pues al final él decide dejar de tomar las medicinas. El tema de la enfermedad mental tampoco es tan importante: Para ser un loco es bastante equilibrado: Es un tipo que trabaja, con una clara vocación, es buen hijo y lo más que hace, por lo menos al principio, es que se ríe demasiado. El verdadero tema de Joker es la necesidad de atención. Esa es la esencia del personaje y de la historia. El drama de Arthur es que se siente invisible, nadie le hace caso, nadie lo ama. Y el colmo es que cuando lo sacan en televisión es para decirle que no es gracioso. Quiere ser visto pero sólo como él quiere ser visto. Le reprocha a la sociedad que decida que es gracioso y que no, como si eso fuera tan malo, porque él quiere ser quien decida eso y al que no se someta le va a dar un balazo.

Y de cualquier modo ¿cómo verlo si está disfrazado? ¿La sonrisa es real o es un disfraz? ¿Está triste o contento? La paradoja de disfrazarse para llamar la atención es que con un disfraz nadie nos ve. Y si los invisibles son un problema social ¿De quién es la culpa? ¿La atención es un derecho humano? ¿Hay que hacer la revolución para que se reparta la fama? ¿Se debería poder poner una demanda si nadie nos pela? ¿Y quién va a tener qué poner atención? ¿Tú? ¿Yo? Yo no, yo paso.

The Courier: El magnate y la repartidora

Al contrario de como aparece en todos los posters, con traje de cuero negro, en la película The Courier (La Mensajera) el personaje de Gary Oldman se viste con un estilo muy diferente: Batas de seda, suetercitos y camisas formales. Y eso que casi todo el tiempo está en su domicilio, un elegante apartamento en un edificio muy alto y antiguo con vista al central park. Se supone que es un peligroso criminal de los bajos fondos de Nueva York pero... si no nos lo dijeran lo único lógico sería suponer que es un millonariazo que hizo su fortuna en Wall Street o algo así. De hecho hay una escena en el que su hija dice que su padre construyo todo eso, y está en el edificio con vista al central park, de la nada. Lo típico que a los empresarios les gusta que se diga: que construyeron un imperio de la nada. Y los policias que se supone lo vigilan en su arresto domiciliario más bien parecen sus mayordomos, ridículamente serviles. Como si en vez de ser un criminal de los "slums", los barrios bajos, que se supone que es lo que es, fuera un magnate de los bienes raíces estilo Donald Trump, que además al igual que Trump, confía en su hija más que nadie. O como el célebre Jeffrey Epstein, amigo de Trump que fue a dar a la cárcel porque eso sí, este wey, de los bajos o de los altos fondos, es un criminal, de eso no queda duda pues la película se trata de que este tipo tiene comprada a la interpol y la policía en Londres, para que maten al único testigo de un crimen que puede llevarlo a la cárcel.

Así que mientras este sujeto oye música clásica en discos de acetato, lo detuvieron en misa por cierto, una mensajera/ repartidora lucha por salvar al testigo con el que las circunstancias la juntaron. Por suerte para el testigo ella resulta ser una exmilitar desertora de la guerra de Siria. Como es desertora ha eliminado su antigua identidad para que no la agarren, así que no tiene ninguna documento oficial de identidad, nadie sabe su verdadero nombre, no tiene pasado etc. Lo que haría muy difícil que trabajara de repartidora en cualquier negocio formal, en realidad como que sólo podría trabajar en algo medio clandestino. Repartiendo drogas por ejemplo. Y el millonario debajo de su parche pirata tiene un rostro deformado, un ojo vacío que contrasta con toda la elegancia a su alrededor. Cuando se quita el parche es como si viéramos el verdadero rostro del poder económico, que claro, tiene a la policía a su servicio. Quienes se enfrentan a los dealers por cierto.