La civilización como hoja de parra

Cover Up (Laura Poitras, Mark Obenhaus 2025) es uno de los posibles nominados a mejor documental en los Oscares de este año y se trata de Seymour Hersh, célebre periodista americano que se volvió famoso en los sesentas al revelar la masacre que había cometido el ejército de Estados Unidos en la aldea vietnamita de My Lai. En donde mataron a todo mundo incluidos bebés. A mujeres y niñas antes de matarlas las violaron.

Y Hersh, que por cierto es judío, no ha parado, al momento en que se hacía el documental trabajaba juntando información de las atrocidades israelíes en Gaza.

También reveló en su momento los programas CHAOS, de la CIA, con el que esta agencia que por ley tiene prohibido actuar adentro de Estados Unidos espió en los sesentas a los estudiantes que protestaban contra la guerra. Y el demencial programa MKULTRA, otra creatura de la CIA, que se proponía controlar a una persona por medio de LSD para que asesinara a la gente que le indicaran.

Hersh también fue quien sacó a la luz el apoyo del gobierno americano al golpe contra Allende en el 73 y fue el primero en publicar información, y fotos, del programa de torturas en la cárcel iraquí de Abu Ghraib. Entre muchas otras cosas.

Al final uno se queda pensando que la crueldad y la barbarie no son cosas excepcionales en el mundo. Dice Hersh que en lo de My Lai hubo cientos de personas involucradas y enteradas de lo que pasó. Y la masacre salió a la luz casi por accidente, con algunas coincidencias afortunadas incluidas.

La teoría de este periodista es que nadie hablaba de My Lai porque esae tipo de cosas sucedían todo el tiempo en la guerra. Que no eran nada raro, al contrario. Dice que de hecho ese mismo día, muy cerca de My Lai hubo una masacre similar en otra aldea.

En resumen, el título del documental, Cover Up, es decir encubrimiento, que se refiere a los intentos de esconder asuntos del conocimiento público, parece que también se puede aplicar a la civilización, que después de ver esto, parece una hoja de parra que apenas tapa la crueldad humana. Casi parece sorprendente que ya no se practique el canibalismo. No de forma generalizada al menos.

Un silencio que estalla

Mátate, amor (Lynne Ramsay 2025 guion de L. Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, adaptación de una novela de Ariana Harwicz) nos presenta el retrato de una mujer que parece deprimida, todo mundo se lo dice. Sólo que ella nunca menciona la palabra depresión. En cambio dice que el universo la aburre. El universo y las estrellas no le dicen nada mientras que parece obsesionada con pequeñas cosas. También hay cosas grandes que le interesan: Un caballo, un negro que se quiere coger, la masturbación, el sexo, su bebé. Pero no es muy sociable y es una escritora que no escribe. Y como dijo Kafka "Un escritor que no escribe es un monstruo que está desafiando a la locura".

La historia parece que nos suelta pistas para que como público diagnostiquemos a Grace, sólo para decirnos después que no, que no sabemos que le pasa: En la primer escena vemos que Grace y Jackson, su pareja, llegan a vivir a una casa sucia, abandonada. En donde el tío de Jackson se suicidó. Pero Jackson al final la arregla y la casa queda muy bien. Pero no era eso. Tampoco la relación con Jackson que ponía su pito en todos lados menos en Grace, según le reclama ella. Pero ellos acaban casándose en una boda animada y ya al final de la película van en su camioneta cantando una canción de amor tomados de la mano. Pero tampoco era eso.

No es una de esas depresiones post-parto en las que la madre no quiere saber nada del hijo o hija, Grace quiere a su hijo. Parece que el problema viene desde antes, ella le cuenta a un sicólogo o psiquiatra que no le gustaban sus padres.

Creo que lo único parecido a una explicación que da Mátate, amor, sobre el problema de Grace es a través de la música. Todo el soundtrack está hecho de canciones muy viejas, como rock & roll de los cincuentas. Cuando llegan a la casa donde van a vivir, lo primero que hace Jackson es ver en donde va a escribir Grace y donde tocará él su batería. Pero él nunca la toca y ella nunca escribe. Grace pregunta si hay algún universo en donde ella sea una estrella de rock, pero en otra parte dice que no soporta las guitarras, sorprendiendo a Jackson.

Al final, la última canción, es la única que rompe la continuidad de la música de los cincuentas. El cierre con una versión de Love will tear us apart de Joy Division, cuya letra trata de la esperanza de que llegue el amor. Sólo un nuevo amor, una nueva música podrán salvar a Grace que mientras tanto se ha despojado de sus viejas ropas, ha quemado sus escritos y avanza rompiendo e incendiando todo a su paso.

La dirección de Lynne Ramsay está como muy fresca, original y creo que podría ganarse una nominación al Oscar a mejor dirección y claro, la actuación de Jennifer Lawrence también es nominable, de hecho ya se llevó el premio Donostia en el Festival de San Sebastián, siendo la persona más joven en ganarlo. También estuvo nominada para los Golden Globes y la película se llevo los premios a mejor fotografía y supervisión musical en los British Independent Film Awards.

Postdata: Pues no quedó en los oscares, supongo que está demasiado oscura la historia.

El arte del azote

Valor Sentimental (Dir: Joachim Trier 2025 Guion: J. Trier y Eskil Vogt) es uno de esos dramas en que lo que se descubre al final es que en realidad nunca hubo problema: El padre siempre amó a las hijas, todos los sentimientos negativos fueron producto de malentendidos, todos son buenos y uno se queda con la sensación de haber comprado un sandwich sin jamón, una cerveza sin alcohol, una rosca sin muñequito.

La casa de los Borg, símbolo de la familia y que participa como narradora de la historia, tenía una grieta estructural. Al final Gustav el papá/abuelo sólo remodela el exterior y ni quien se acuerde de la grieta.

Ah pero eso sí, Gustav le dice a su hija actriz que ella actúa en obras de teatro para pensionados. Ella actúa en una obra de Chéjov y Gustav quiere que actúe en una película que va a dirigir, él es director de cine, y va a hacer una película sobre su mamá aunque niega que sea sobre su mamá.

O sea el mundo al revés, un director que sólo filma escenas de su vida no puede criticar a clásicos universales y peor tantito decir que son obras para jubilados cuando él mismo está ya prácticamente retirado y quiere hacer la película con sus amigos que están en la misma situación. Además lo que vemos de su película, hecha en su casa, anegada en lloriqueos, y en la que un personaje cae en la religiosidad no es precisamente un blockbuster de verano. De hecho la adaptación de Chéjov se veía más vanguardista.

Pero ella no rechaza salir en la película del padre por eso. Sino porque él nunca estaba con ella y su hermana, que en realidad sí las veía. De hecho Agnes, la hermana menor, actuó en una película de él y el papá dice que si no convivieron mucho en esa película y ella dice que sí pero que luego se iba. Aunque claro, regresaba y entonces ella sufría mucho y bua bua snif snif.

Puro azote barato. Y caigo en cuenta que esta es la tercer película noruega seguida que veo que cae en lo mismo, Armand y Sueños (sexo y amor) son películas en las que los personajes también se ahogan en vasos de agua.

Pero, le reconozco a Valor Sentimental que quizá ella misma esté dando un remedio: En una escena Gustav le regala a su nieto, que está cumpliendo nueve años o diez, algo así, unas películas: La Maestra de Piano e Irreversible.

Podría ser que si ponen a todos los niños en Noruega a ver Irreversible y películas similares, cuando crezcan, los que se dediquen a hacer cine dejarán de lado tanto falso victimismo.

Sin embargo no dudo que esta película se lleve el Oscar a mejor película extranjera porque a la academia le encanta el cine en el cine. Como en esta película en que el tema de la actuación es muy importante, el personaje de Elle Fanning se supone que es una famosa actriz americana que entre lágrimas le dice a Gustav que no puede hacer el personaje que él le ofrece pues no siente que ella sea la indicada para el papel: Más azotadez e hipersensibilidad imposible.

Además aquí el cine es mágico: En su película Gustav describe cosas de sus hijas que no sólo desconocía sino que ni siquiera tenía modo de saber. Lo que suena raro aunque son cosas que a veces pasan. Y al final vemos que lo que él quería hacer era cambiar en la ficción una cosa que pasó en la realidad. En fin, apuéstenle una lana a Valor Sentimental.

En todos lados se cuecen noodles

Left Handed Girl (La Chica Zurda) es una película taiwanesa del 2025 dirigida por Shih-Ching Tsou con un guion de él mismo en colaboración con Sean Baker, el de Tangerine, Anora etc. Y está entre las posibles nominadas al Oscar a mejor película extranjera.

Se trata de un drama familiar que tiene como protagonista a una niña de cinco años muy simpática, I Jing, aunque su familia es un pinche caos. Con oscuro secreto incluido. No haré el spoiler pero les daré una pista: I Jing tiene una historia similar a la de Jack Nicholson con respecto a su mamá y su abuela. Son cosas que sí pasan..

Es una historia entretenida que incluye una antigua superstición china acerca del demonio junto con cosas más contemporáneas como una abuela que le gusta coquetear y que está metida en el tráfico de migrantes, relaciones extramatrimoniales, el aborto y también una suricata y el ya mencionado oscuro secreto pero lo más importante es la niña, quien es el sabor principal en esta sopa de noodles. Y no es que quiera estereotipar la comida oriental que sé que es mucho más que ramen, fideos chinos y noodles pero los noodles ocupan un lugar muy importante en la historia. A eso se dedica la familia y es la comida favorita de I Jing.

Entonces la cosa va desde el abuelo y sus ideas absurdas sobre los zurdos y por lo tanto sobre su nieta, pasando por las madres solteras que deben ganarse la vida y enfrentar los prejuicios sociales. Es la lucha contra el oscurantismo ¿Podrá entrar la luz? ¿Por dónde se las ingeniará para entrar?

Cocineros en el submarino

La Cocina (Dirección y guion Alonso Ruizpalacios 2024 basada en The Kitchen de Arnold Wesker) 

Alguien del equipo de La Cocina me contó que la instrucción del director fue que el sonido de la película debía ser como el sonido del interior de un submarino. Creo que en realidad la película toda es como la historia de los operadores de una máquina, como un submarino con sus marinos y oficiales. Y el final feliz es cuando el submarino parece hundirse pero uno de sus instrumentos da señales de vida y todos respiran aliviados: El motor sigue funcionando, no morirán.

Pero no es un submarino en la guerra. Es una máquina que muchos conocemos de nuestros trabajos, una de tantas máquinas de la economía, con los escritorios, los pasillos, las estaciones de trabajo en la línea de producción, los clientes. Y la omnipresente presión, los conflictos que estallan como ollas express y la camaradería que de repente se asoma a la hora del descanso. Así como los sueños de escapar de ahí a una playa desierta. Y están los amores de la chamba y la insensibilidad del sistema al que no le importa si alguien necesita dinero para hacerse un aborto. O si ya abortó. Hay que trabajar y achicar el agua que inunda la cocina. Como dice el chef, a él no le importa en lo más mínimo lo que le pase al personal. Hasta que todo truena y entonces hasta el dueño baja al cuarto de máquinas y se pregunta que demonios pasa y parece implorar al cielo por una respuesta.

La historia se sitúa en Nueva York, en un restaurante en Times Square y por lo tanto en una cocina en la que conviven múltiples idiomas y nacionalidades. Al principio una joven cocinera de Huauchinango Puebla llega a pedir trabajo armada con su experiencia en un Sanborns.

Sin embargo a pesar de lo específico de la ubicación del restaurante es una historia universal cuyo tema principal es el trabajo, pues el restaurante podría estar en un lugar donde todos hablaran el mismo idioma pero con que unos fueran aficionados a un equipo de futbol y otros a otro las divisiones estarían igualmente presentes.

Me queda claro que esta película a pesar de todos sus diálogos en inglés y francés y de ser una historia ubicada en Nueva York, basada además en la obra de un dramaturgo inglés, habría sido una mejor propuesta de México para los Goyas y los Oscares. A fin de cuentas si se considera una película mexicana pues es mexicana y ya.

Basta del cine mexicano que sólo se ve el ombligo. Estaría bueno que nuestro cine aprendiera algo de Estela, la chica del Sanborns de Puebla que llega a un restaurante de Nueva York. Como tantos mexicanos de la vida real que quieren más mundo y no quedarse en temas locales.

Una narrativa cooptada

They Live (John Carpenter 1988) se presenta como una historia de izquierda. Un trabajador desempleado llega a Los Angeles en busca de chamba y todo lo que escuchamos durante la primer parte de la película pertenece, o mejor dicho pertenecía, a un discurso de izquierda. El típico de explotadores y explotados, proletarios contra el capital etcétera. No se cita a Marx pero sí se habla de la conciencia obnubilada, de la manipulación para adormecer y dividir a los explotados o ganado. Uno de los que han logrado despertar y ver la verdad dice que para ellos, los explotadores, la gente es como ganado. 

Pero es fácil darse cuenta que, hoy en día, esta historia embonaría con el discurso de la derecha. Los enemigos son los que llegan de fuera, los aliens, y también los que compran coches extranjeros. Y las élites. Y la derecha en Estados Unidos ha logrado que los pobres piensen que los ricos, como Trump, son sus aliados en contra de los malvados elitistas liberales.

La propia idea delirante de la conspiración de extraterrestres es muy de derecha, así como lo de juntar armas para enfrentar al poder. En cuanto a los medios, el arma que hipnotiza a la población es un canal de cable. Los medios en la vida real son atacados tanto por la izquierda como por la derecha. Pero nunca se había atacado al periodismo como con Trump.

Un detalle interesante es que el protagonista, que tiene el extraño apellido "Nada", es un tipo callado que apenas abre la boca hasta que tiene un arma en la mano. Como si esta fuera su permiso para hablar. ¿Y cómo le hace para que su amigo vea las cosas como él? Pues a madrazos. Con esas cosas en la cabeza, consciente o inconscientemente, no es extraño que los proletarios en E.U. se hayan vuelto derechistas. Pero ojo, los lentes y el programa de TV que hacen que la gente vea la supuesta verdad funcionan como una droga y cuando pasa su efecto la caída es fuerte según dice Nada.

Por cierto, aquí ya hay drones que vigilan a la gente, y algo realmente curioso, el idioma escrito de los extraterrestres es como un código QR nada más que extendido como escritura en vez de en un cuadrito.
 

Infierno y amor

En la película Si Don Juan fuera Mujer (Dir. Roger Vadim guion Vadim, Cau, Petrolacci 1973) el personaje que interpreta Brigitte Bardot, Jeanne, es una mujer que dice haber sido un varón, nada menos que el españolísimo Don Juan, en una vida anterior. Pero, según recuerdo Don Juan no era tan malo. Seducía mujeres y luego las dejaba pero no tenía la saña de Jeanne. Ella al primer tipo que conquista en la historia, Pierre Gonzague, se propone arruinarlo y lo logra, hace que se divorcie, que su hija lo deteste, acaba con su exitosa carrera profesional y cae en el alcoholismo además.

La confidente de Jeanne, Leporella, le dice que odia a los hombres lo que ella niega. Dice que lo que pasa es que los hombres ya están "caducos". En otra parte se queja de que ya no hay hombres y que eso está mal pues ahora ellas son las que deben hacer todo el trabajo.

En realidad su saña parece venir del despecho. Pierre en un principio la quería para una sola vez y eso no lo podía aceptar su ego. Su siguiente víctima, Louis, es un patán y ella le quiso dar una lección seduciendo a Clara, su esposa, interpretada por Jane Birkin que está en su máximo esplendor.

Y Jeanne quería al músico enamorado que tenía, quien de forma surrealista, absurda, se suicida después de coger con ella al final del show en un bar. Pero se supone que ella sabía que eso iba a pasar y se siente culpable.

Además se ve que ama a su primo sacerdote.

No es que odie a los hombres más bien no encuentra el amor. O le teme. En la última escena parece que Jeanne arde en el infierno. Y sería un final congruente tomando en cuenta que la película comienza en una misa cuando ella busca a su primo sacerdote para contarle sus pecados. Aunque no sea en una confesión formal. Y acaba por seducirlo.

Pero muere por salvar a Pierre Gonzague de las llamas. Por amor. El único acto de amor de Jeanne la condena. Su odio era su escudo contra el amor pero al final nada la salva de las llamas.

Y hablando de amor en esta película que también fue conocida como Don Juan 73, la Bardot accedió a hacer desnudos nuevamente sólo porque el director fue su ex marido Roger Vadim. La cinta es como un giallo italiano, una típica sexicomedia que busca pretextos para los desnudos con un guion que parece haber sido escrito en estado de ebriedad porque no es muy congruente que digamos. Y es una coproducción italiana de hecho.

En el fondo no es tan diferente de una sexicomedia mexicana, sólo que en lugar de tener a Sasha Montenegro o Tongolele tiene a Brigitte Bardot y a Jane Birkin. Y tiene Londres y Paris. Es mucho, mucho más elegante. Pero de cualquier modo la película tiene una historia que contar.

Esta no es una película navideña

Duro de Matar (1988 Dir John McTiernan, guion  Jed Stuart y Steven E. de Souza basado en la novela Nothing Lasts Forever de Roderick Thorp) no es navideña pues la navidad no es algo central a la trama. Es sólo algo que se usa principalmente para darle a John McClane más "corazón", como dice el famoso director Joel Schumacher. Es decir para enfatizar su relación con su esposa y su familia. Y en general lo de la navidad le da personalidad a la película, es un diferenciador. Pero Duro de Matar ni siquiera se estrenó en temporada navideña sino en verano, como típicamente sucede con el cine de acción.

Esta película es una "heist movie", del género de los atracos pues. Es un guion que se pone de ejemplo de gran guion. A pesar de que se empezó a filmar cuando apenas tenía treinta y cuatro cuartillas. Dejaba un margen de flexibilidad, con los diálogos por ejemplo, que se escribían cada día antes de filmar. Pero por otro lado los guionistas fueron a conocer la locación, aún en construcción, mientras escribían. Tiene puntos de gran sofisticación, como que el último candado de la bóveda con los bonos que Gruber y su banda quieren robar sólo se puede desconectar desde afuera. Pero Gruber sabe que el protocolo a seguir en caso de ataques terroristas empieza con cortar la luz desde afuera y entonces ese candado lo va a desconectar el FBI.

Y la buena factura va desde ese guion hasta las actuaciones. Cada mirada dice algo y aporta a contar la historia.

Eso sí la película ensalza a los policías y a las armas a mas no poder. El compañero de vuelo de McClane queda atónito, por decir lo menos, al ver su pistola.

Pero los policías a nivel de calle tipo McClane o el sargento Powell son buenos. Ya el de arriba, el subcomisionado de policía es malo y pendejo. Pero nada comparado con los de más arriba, los del FBI, esos sí son unos brutos descerebrados. Como el alto ejecutivo Ellis, otro wey mamón y pendejo.

Los malos por supuesto son extranjeros y odian a América. En eso la historia no se aparta de las reglas no escritas.

En cuanto al villano, sólo podía haber villanos así en los ochentas: De traje y corbata, perfectamente peinado y rasurado sin un sólo pelo fuera de lugar. Lee Forbes, sabe de bonos y tiene una educación clásica según dice él mismo. Ellis, el encargado de negocios internacionales de la corporación Nakatomi lo reconoce como a un hombre de negocios como él, como a su par.

Y claro que pueden haber muchos villanos así, hijos de su neoliberal mamá. Pero la gente ya no cree que esas personas sean tan inteligentes. Pueden ser malos, pero listos no tanto.

Entonces hay un toque populista, en el sentido de que el poli y el patrullero negro devorador de twinkies pueden más que el villano con trajes hechos a la medida en Londres, el FBI, el subcomisionado de policía y hasta el conductor de televisión.

En cuanto al conflicto de los McClane, parece falso. Ellos dos se aman, no están divorciados. Luego entonces no hay una explicación de porque ella lo manda a dormir al cuarto de huéspedes o porque regresó al apellido de soltera. Sólo sabemos que los separó una compañía extranjera. Y de los japoneses; que primero atacaron Pearl Harbour y ahora le quitan la esposa a McClane. Pero él la rescata al final y se la lleva en limousine, dejando atrás la torre Nakatomi en llamas. Tomen eso elitistas extranjeros. Y feliz navidad.

El random pagüer

Aguas, análisis con exceso de spoilers adelante. Parallels (Dir. Christopher Leone, Guion Christopher Leone, Laura Harkcom 2015) nos presenta una realidad que se puede controlar desde una pantalla. La pantalla controla el aparato que controla el edificio, que cambia la realidad afuera del edificio, de forma aleatoria. O lo hacía hasta antes de que llegara el aparato. Con el aparato ya no habrá azar, desde la pantalla se podrá controlar el destino.

Es un celular en esteroides, el sueño de todos, una pantalla omnipotente que nos de poderes de dioses a los usuarios. Ya con esa tecnología se van a buscar una realidad donde la mamá muerta no esté muerta y así será todo tan fácil como para el personaje que acaba con el abogado corrupto en que se convirtió en una de esas realidades. Tan sólo dio un clic y envió documentos que acaban con su yo rico y corrupto de dicha realidad.

Pero al final aparece un poder superior. Resulta que una mujer veterana de los viajes entre realidades paralelas, no es realmente una mujer. Son tres, como las tres mujeres de los mitos griegos que se dedicaban a tejer los hilos del destino. Las tres iguales, seguramente cada una surgida de una realidad distinta y actúan en conjunto sin que nadie lo sepa.

Lo mejor es que estas mujeres toman decisiones jugando a piedra papel o tijera. Una de las más conocidas puertas, junto al tiro de dados y el detinmaríndedopingüecucaramacaratíterefue, al poder del azar, lo arbitrario, aleatorio y random. Algo que las computadoras, ni siquiera las matemáticas, pueden hacer: Dar un número realmente random, lo que hacen es dar números pseudorandom aunque digan lo contrario.

Y no importa de que generación sea la pantalla con complejo de omnipotencia, ninguna podrá contra las mujeres que juegan a piedra papel o tijera.   

El largo camino a la barbacoa

The Last Guest (ObliviousHD 2017 guion Mark H) es una película de hora y media hecha en Roblox, el famoso videojuego muy popular sobre todo entre niños.

Ya se hacen suficientes historias o películas en Roblox como para que se hable de Rollywood, y tienen una gran audiencia al parecer. The Last Guest es considerada un clásico de Rollywood, fue estrenada en 2017 y nada más en youtube tiene más de 96 millones de visitas. Hay estimaciones de más de 200 millones de visitantes en total para esta película que fue hecha por un usuario que empezó a hacerla cuando tenía 15 años y la acabó 4 años después.

La historia es un crudo reflejo de la mentalidad americana aunque con un toque liberal.

La cosa va así: Erase una vez en el mundo Roblox que los invitados estaban desapareciendo, nadie los quería, pero sobre todo había una organización terrorista, los tocinos, que los mataba.

Los usuarios de Roblox seguramente saben muchas más cosas sobre los invitados pero en el contexto de la película es simplemente un grupo minoritario. Y los tocinos son una mezcla de grupo supremacista blanco, todos traen una moto en la camiseta, lo que hace pensar en pandillas de motociclistas relacionados con estos grupos. Y además lo dicen, uno de los líderes dice que están para demostrar que son la raza superior.

Pero además los tocinos son un grupo terrorista como Al Qaeda o ISIS, el ejército de Roblox/Estados Unidos va a la guerra contra ellos en el desierto. Y también pueden meterse a casas en un típico suburbio americano a matar gente con pistolas. Lo que me recuerda que Marco Rubio el secretario de estado americano dijo una vez que la gente debía armarse por si los de ISIS atacaban sus colonias. 

Una declaración campeona del alarmismo, la paranoia y la estupidez.

Entonces, como los tocinos se meten a las casas de los invitados El Ultimo Invitado decide meterse al ejército. porque claro, a eso se dedica el ejército de Estados Unidos, a combatir a los que se meten a las casas a matar.

Pero El Ultimo Invitado no sólo vive en el mundo paralelo de los republicanos por la paranoia demencial. También por la desinformación, la posverdad y la mentira. Pero en este caso hay algo positivo: Unos tocinos se dan cuenta que han sido engañados y se cambian de bando.

Sin embargo, en lo que invitados y tocinos son iguales es en el culto a la fuerza. Cuando los padres del Ultimo Invitado mueren asesinados por los tocinos lo único que le dicen a su hijo es que siempre sea fuerte. Esa y otras frases similares se repiten muchas veces.

Cuando los tocinos toman el poder se vuelven un imperio con todo y circo romano, en donde los invitados, que están en un campo de concentración, deben combatir a muerte. Y a los jóvenes tocinos los hacen pelear entre ellos no hasta la muerte pero hasta que sólo uno quede en pie.

En una escena Jez, el hijo del líder tocino que se da cuenta que su padre mató a su mamá (porque ella lo estaba consintiendo y así no sería fuerte, según dice el padre), está platicando con un invitado, ya cuando está contra el padre y sus atrocidades y dicen que su sueño es hacer barbacoas los domingos con tocinos e invitados conviviendo en paz y comiendo todas las hamburguesas y salchichas que puedan. Lo que es una extraña visión del paraíso, como si no hubieran suficientes hamburguesas y salchichas.

Al final logran hacer estas barbacoas con tocinos e invitados conviviendo en armonía. ¿Pero cuánto podrá durar eso? Cuando surja cualquier problema los que sólo creen en la fuerza y en ser soldados de élite van a necesitar enemigos para dizque así solucionar la situación.

Y así la lucha por comer hot dogs y hamburguesas en paz no tendrá fin.  

 

Carta de odio a Superman

Es tal la cantidad de ataques a Superman en Hollywoodland (Allen Coulter 2006, guion Paul Bernbaum) que parece que los creadores de la película tenían un agravio personal con este personaje o más probablemente con las películas de superhéroes. Como que han de haber rechazado proyectos suyos para mejor hacer una película de superhéroes o algo así. También la Metro-Goldwyn-Mayer sale raspada pues aquí el jefe de ese estudio en los cincuentas sale de cornudo y asesino. 

Pero eso no es nada comparado con lo que pasa con Superman. Se supone que George Reeves, el actor que interpretó al hombre de acero en los cincuentas detestaba ese trabajo y al personaje. Que a todo mundo le parecía un trabajo y un personaje despreciable. La amante de Reeves, cuando él la corta, le dice que es para lo único que sirve. Que la gente se mofa de Reeves cuando sale en algún otro papel, por ser Superman. Y que ya no le quieren dar trabajos de actor por lo mismo.

Pero la serie de Superman, en la vida real, era muy popular. Ah pero sólo entre niños y gente que no podía salir de su casa según le espeta a Reeves su amante Toni Mannix, en el mismo diálogo final. Y qué niños, uno de ellos le quiere disparar con una pistola para ver si de verdad le rebotan las balas. La amante de plano le acaba dando a Reeves una pistola para que se protegiera de los fans. Pero eso no sirvió porque según Hollywoodland, Reeves se acaba suicidando por haber salido de Superman.

Y Hollywoodland pretende ser todo lo contrario de una película de acción: Seria, artística, sutil, con extraordinarias actuaciones, profunda. Pero no le sale. Para empezar Adrien Brody, que interpreta al detective Simo que se supone está investigando la muerte de Reeves, como de costumbre está sobreactuado. El tipo pretende que cada una de sus miradas, de sus movimientos, cada gesto, cada palabra que dice sea lo más inteligente, lo más cool, una pinche obra de arte cada vez que mueve un dedo. La exageración empieza desde su vestuario y peinado. Todos los demás policías o detectives que aparecen en la película salen con el pelo corto, y saco y corbata como en los cincuentas. Menos el detective Simo. En los cincuentas alguien con esa imagen sólo podría pasar por proxeneta.

Y el guion, es tan sutil que primero se vuelve confuso, empezando cuando vemos que Reeves no se suicidó ni lo mataron sino que fue un accidente. Sólo más adelante se entiende que es una de las posibilidades que Simo maneja en su cabeza. ¿Y cómo sabe él al final que se suicidó? Pues por sus poderes mentales, paradójicamente el filme antisuperhéroes nos dice a través de las supermiradas del superactor que Reeves se suicidó. Y también porque capta sutilísimos detalles en una película casera de Reeves. Caray ni Superman con sus superpoderes podría detectar la verdad de ese modo.

El final de sutileza exquisita es también totalmente absurdo. Se hace un paralelismo entre la película casera de Greeves y una película, también casera, de Simo, en la que él juega con su hijo y después de verla va con su hijo. Un final feliz, una reconciliación, pues la última vez que había visto a su hijo, Simo había llegado borracho. Pero Simo había llegado borracho por la culpa que le provocaba que un cliente suyo había asesinado a su esposa. El cliente lo contrataba para conseguir pruebas de que ella lo engañaba. Simo sabía que no era cierto, ella no lo engañaba. La propia esposa y la asistente de Simo le decían que ya no siguiera con eso, que le dejara claro al cliente que su esposa no le era infiel, pero Simo decía que mientras el cliente pagara él no pararía.

Entonces se supone que lo de Simo y lo de Reeves son cosas paralelas. Uno pudo haber evitado un asesinato y no lo hizo y el otro salía de Superman. Pero Simo tendrá otra oportunidad y Reeves no porque que grave salir de Superman. 

Que mamada.

El satélite sátiro y las ácidas pantallas alucinatorias

 

Al principio Horse Girl (Dir Jeff Baena guión Jeff Baena, Alison Brie 2020) parece que va a ser una aburrida rom com sobre la chica aburrida y solterona que encuentra al príncipe azul. Pero no. Lo que le sucede a la chica es que se vuelve loca y acaba ascendiendo a la madre nodriza.

No sólo a los geniecillos del silicon valley se les vuela la olla con conspiraciones que involucran alta tecnología. Es algo común. Le pasa a los adictos al fentanilo. Le puede suceder a cualquiera. De hecho en una escena muy al principio de Horse Girl, Sarah, la protagonista, sale a la calle y el primer tipo que pasa va diciendo incoherencias sobre los aliens y las conspiraciones y demás.

Y a muchos les ha pasado como al tipo que sale en una cita con Sarah, que hasta entonces parecía una mujer normal, y de repente empieza a contarle que ella es una clonación que los extraterrestres hicieron de su abuela y por lo tanto, ella y su abuela son la misma persona.

En Bugonia, Teddy y su primo Don, para purificarse y poder enfrentarse a los extraterrestres hacen entre otras cosas, ayuno de pantallas. Y quizá eso es lo que debía haber hecho Sarah, la chica-caballo pues a ella lo que le come el coco es la serie Purgatory. Y como no va a ser así, si seguramente esa serie la transmite el satélite sátiro, Dios de la tecnología. Ella lo sabe pues se mete a la matrix, el espacio en blanco en el cruce de realidades descubierto por los Wachowskis y así puede ver lo que el resto de los mortales no.

¿Porqué se está volviendo loco todo el mundo? ¿Es por estar encerrados en las pantallas todo el tiempo? Ese parece ser el mensaje de Horse Girl. Lo de Sarah podría ser hereditario; su abuela enloqueció, su mamá sufría depresión (otro desorden mental) y se suicidó. Su hermana está internada en una clínica. Pero la cosa empezó con la abuela, que decía que venía del futuro. Ese futuro tiene la culpa, ese en donde las interminables pantallas, como trip de ácido sin fin, nos amarran al satélite sátiro.

Hasta los extraterrestres sirven a este maléfico satélite que les ha dado el conocimiento tecnológico según explica Sarah. Y a su vez los aliens son los verdaderos introductores de la tecnología en la tierra.

Singularidad, satélite sátiro de las pantallas de plasma, marcianos que bailen el ricachá: ya llévenos o déjenos en paz. No nos deformen más. Ni nos clonen tampoco. Que muchos andan ya como perros buscando los monitos atrás de la tele. Llévenos con su líder o tiraremos las antenas del güifi y cubriremos nuestras cabezas y las de nuestras mascotas con gruesas capas de papel aluminio. O peor aún, con tejidos de estambre de colores protectores como lo hace Sarah. Están advertidos.

La dama y el chacal

Una relación perversa, la decimonovena película de la célebre directora de cine erótico Catherine Breillat (Directora de clásicos como Una chica de verdad. Y cuya más reciente película es Culpa y deseo.) es un caso excepcional en su carrera pues no es una cinta erótica. A menos de que los cheques sin fondo exciten a alguien. Es una historia autobiográfica y se puede decdir que tiene que ver con sexo. Pero con una cosa extraña del sexo.

Digamos que con la atracción de las mujeres por los chicos malos. Pero los malos que las tratan mal. Y en este caso además, sin sexo de por medio. Al menos no físicamente.

La historia empieza con una directora de cine que sufre un derrame cerebral. Y supuestamente todo esto le pasó a Breillart aunque a los personajes les cambió de nombre y entonces esta directora se llama Maud Shainberg.

Se supone que tarda bastante para medio recuperarse. Aunque la mitad de su cuerpo queda muerto según dice ella.

Entonces un día ve en la tele una entrevista con un famoso estafador. Un tipo que se ha robado más de cien millones de euros y que estuvo preso doce años.

Maud queda flechada. Es amor a primera vista por este sujeto al que sólo le falta la cicatriz en la cara para ser el estereotipo del delincuente y que según ella tiene mirada de perro apaleado. En todo caso será de chacal apaleado. Maud ordena a su equipo contactarlo pues quiere que actúe en su próxima película. Le dicen que ni siquiera es actor, otro le ruega que se aleje de él pues parece un asesino.

Pero ella dice que le encanta que sea un hombre primitivo.

A partir de entonces digamos que la historia es pornografía XXX del abuso autoinflingido.

Vilko, que es el nombre del artista de la estafa, le empieza a sacar dinero a Maud, que se la pasa escribiéndole cheques, que llegan a ser de cientos de miles de euros.

Y ni siquiera se ve que se besen o que cojan o algo físico, quizá por la hemiplejía de Maud. Vilko la trata bien y le endulza el oído a veces, otras no. El es casado y tiene un hijo durante el transcurso de la historia. A Maud la lleva a su casa con su familia como si fuera una amiga. Al final se muda con Maud pero duermen en camas separadas.

Y le exprime todo el dinero. A una mujer que ha triunfado en el difícil negocio del cine, tanto como para juntar algún capital. En una escena ella paga un millón y medio de euros en un sólo día a los que están remodelando su casa. Pero no puede con Vilko, que la despluma al grado de que ya cerca del final ella le dice que no tiene dinero para comer al día siguiente.

En la última escena cuando Maud reúne a su familia para pedirles dinero, uno de los familiares le dice "Pues ha de haber sido muy persuasivo al pedir". Y ella contesta "No, sólo me pedía y ya".

En fin, otro caso para Mujer, casos de la vida irreal.

Y eso que para entonces la Breillat ya era abuela. Y nunca hace la película con este tipo.

Definitivamente los chacales saben algo que los demás ignoramos. Casos así le dan la razón al personaje de Dostoyevski que dice que no deseamos lo que creemos que deseamos ni rechazamos lo que creemos rechazar. O a Bataille que decía que nuestro problema es el exceso y no la escasez. 

O quizá sólo nos falta barrio.

 

El diluvio que viene

Me sorprendió como en Bugonia, la nueva película de Yorgos Lanthimos que es un remake de Save the Green Planet! de Jang Joon-Hwang, se presenta una situación en la que si cambiamos "extraterrestres" por "singularidad" todo encaja perfectamente en cultos actuales. Cultos reales. La singularidad es un punto en el cual, según los más fanáticos de la realidad artificial, una de estas inteligencias llega a un punto de aumento infinito y se convierte por lo tanto en un Dios para efectos prácticos.

Y supongo que para alguien que quisiera hacer una historia de estos creyentes fanáticos de la singularidad, que se hacen llamar racionalistas y se dividen en diferentes tipos, lo más fácil para no tener que explicarle a todo mundo lo que es la singularidad sería cambiar el término por extraterrestres.

Los racionalistas son gente como Teddy Gatz, el personaje de Bugonia que maneja una sofisticada terminología científica. Suelen ser prodigios de las matemáticas, la computación o la filosofía. Pueden trabajar en Wall Street o más probablemente en el Silicon Valley y estar graduados en las más reconocidas universidades. O ser autodidactas como Teddy. Uno de los líderes de este movimiento nunca llegó a la educación media.

Y hay casos de fanáticos de la singularidad que se vuelven asesinos. Como Teddy y su primo neurodivergente, o autista, Don, que es otra característica muy común entre estos autodenominados racionalistas. También las enfermedades mentales son muy comunes entre ellos. Se puede considerar al célebre Unabomber, como el precursor de estos genios asesinos. El Unabomber era un prodigio matemático que mandaba bombas y creía que la inteligencia artificial acabaría con nuestra especie. Por cierto Teddy Gatz también sabe de bombas. Y hay un grupo de racionalistas asesinos más reciente, los zizianos. 

Como los zizianos, Teddy Gatz es vegano y como obliga a su primo Don a hacer todo lo que él hace, Don también es vegano. Teddy se castró químicamente y luego Don tuvo que hacerlo también. Los zizianos también se castran pues la mayoría son transexuales. La líder, Ziz, es una mujer trans.

Y los zizianos y Teddy comparten el objetivo de salvar a la humanidad de una inteligencia superior, unos de la singularidad, otro de un emperador de la galaxia de Andrómeda. Y tanto Teddy y Don como los zizianos fueron víctimas de abuso, aunque según algunos zizianos ya el simple hecho de que los mandaran a la escuela fue un abuso terrible que debía ser castigado con la muerte.

Y hay otra coincidencia, los racionalistas hablan del problema de la "alineación" que significa lograr que la superinteligente inteligencia artificial sea buena para la humanidad y no su némesis.

Mientras que los de Andrómeda deben decidir si se puede corregir a los homo sapiens o es mejor ya cortar por lo sano y acabar con ellos.

Esta vez, a nadie le van a decir que construya un arca para el diluvio. 

Miénteme más Sydney

Edén (Ron Howard 2024) se basa en un hecho real del que hay por lo menos dos versiones distintas. Y la película cuenta sólo una de esas versiones aunque al final amablemente avisan en un título que hay otra versión de los hechos.

Entonces la historia se trata de que en 1929 un escritor, el doctor Friedrich Ritter y su pareja, Dore Strauch, se van a vivir a una isla desierta en el archipiélago de las galápagos. El objetivo de Ritter era escribir un libro para salvar a la humanidad que según él se encaminaba irremediablemente al abismo. El único contacto de la pareja con el resto del mundo era un barco que pasaba a dejar y llevar correo.

Pero Ritter mandaba textos que se publicaban en Europa y un día una familia, los Wittmer, padre, madre e hijo llegaron a la isla pues Heinz, el papá, se había vuelto admirador de Ritter. Pero no son bien recibidos. El doctor incluso le pregunta a Heinz ¿Pues qué no leíste que venimos acá para estar solos?

Y eso es lo de menos, según lo que cuenta Margret Wittmer, Ritter y Dore eran malas, terribles, pésimas personas.

Vemos a Dore que le dice al doctor que no le gustan los Wittmer, que Margret es sólo un ama de casa y Heinz sólo un burócrata.

La isla de por sí es un lugar donde no es fácil vivir, ni siquiera conseguir lo más básico como agua y comida. Y las cosas empeoran notablemente cuando llega una trepadora que se dice baronesa con su séquito de tres hombres. Y rápidamente adopta un perro de la isla al que bautiza como "Márquez De Sade".

Esta mujer resulta ser lo que se conoce científicamente como una perra del infierno y no por algo que tenga que ver con el sexo, que eso queda entre ellos y sus hombres, sino por otras cosas que acaban provocando que en la isla todos acaben muertos, incluyendo a la baronesa. Sólo sobrevivieron los Wittmer, incluyendo un nuevo bebé, uno de los hombres de la baronesa que se va antes, y Dore que logra regresar a Alemania.

Y aquí es donde yo dudo de la historia de Margret, que es en la que se basa la película, pues se me hace muy sospechoso que los Wittmer resultan ser unos santos entre puros demonios y algún despistado.

Como se imaginarán, lo que cuentan Dore y su esposo, que escribe una carta a un periódico de Ecuador antes de morir, difiere en el tema de quien mató a quién de lo que cuenta Margret. Y lo sabemos porque al final, la policía de Ecuador, el país al que pertenecen las galápagos, llegan por Heinz. Pero Margret los convence de que es inocente.

Y aquí viene lo interesante ¿Cuál es el argumento de Margret? En la película lo que vemos es que básicamente dice ¿Pues qué no ven que somos buenos? mientras amamanta a su bebé. Lo de que ¿pues qué no ven que nosotros no nos metemos con nadie? es absurdo. La policía acaba de llegar a la isla y no tiene modo de saber como se ha comportado nadie de los que viven, o vivían ahí. Aquí lo que hacen los escritores del guion, el propio director Ron Howard y Noah Pink, es pedirle al público que haga un juicio de los personajes independiente de los hechos. Entonces los Wittmer, un matrimonio con hijos tienen que ser mejores que Ritter y Dore, una pareja de intelectuales (¡A la hoguera!), y además sin hijos. No importa que Dore no pudiera tener hijos porque le habían hecho una histerectomía. Y no se diga la "baronesa", cuyo último trabajo en realidad había sido de cabaretera en París, y sus hombres.

Algunos diálogos en la película van preparando al público para aceptar sin chistar la versión de Margret, como cuando ella le dice a su marido que a ellos les está yendo mejor porque son una familia. O como cuando la baronesa dice que no quiere tener hijos porque los niños son asquerosos.

Y claro, además a Margret la interpreta Sydney Sweeney. Si yo fuera un policía también le creería cualquier cosa que me dijera.