¿Y yo qué culpa tengo?

Juana, ópera prima como realizador de Daniel Giménez Cacho es en el fondo una historia policiaca. Esta afirmación podría sorprender a algunos de los que vean la película. Y con razón, es como decir que una gran olla con sopa tiene pescado y uno le busca y rebusca y no encuentra ningún pescado. Pero ahí está. Lo que pasa es que la trama policiaca es de lo más simple. Básicamente se trata de que una periodista descubre a un feminicida pero para demostrarlo necesita las pruebas que tiene una persona y se las pide, esta persona dice que no pero sí las entrega. Y ya. A esta anécdota mínima se le agregan una narrativa fragmentada, no lineal, ya saben, para que parezca una película sofisticada, el famoso exceso de producto lácteo a las crepas de nixtamal, o crema a los tacos. También se le agregan muchos personajes secundarios y actuaciones intensísimas, algo común cuando los actores dirigen. Y para espesar el caldo todavía más una historia de abuso sexual en el pasado de la protagonista. Lo de moda pues. 

Y claro, no podía faltar, en la presentación a la prensa de la película se repitió de diversos modos que esta es para que reflexionemos sobre el patriarcado. 

Y a alguien se le salió preguntar con un tono como irónico ¿Qué tal (la película) que se acaban de desayunar? La verdad es que no me gustó y noté que nadie aplaudió cuando acabó. Según mi experiencia en las presentaciones de prensa cuando una película gusta hay aplausos. De hecho me pareció que el ambiente estaba un poco tenso y hasta me dio la sensación que Giménez Cacho sabe en el fondo que la película es mala. Dijo "Yo no estoy diciendo que vaya a ser un trancazo (de taquilla)" Pus no, seguro que no, pero que tal el trancazo a los espectadores. Decir que una película es para reflexionar, hacer conciencia o hablar de cosas de las que "generalmente no se habla" aunque en realidad se habla todo, pero todo, el tiempo de ellas sobre todo en el cine, la literatura, el teatro y en general la ficción, es como decir que hay que verlas porque necesitamos ser regañados. 

Y yo que ni he matado a nadie. Y si me argumentan que es para reflexionar sobre el patriarcado o el machismo yo les diría que es otra película sobre feminicidios y abuso infantil que no aporta nada nuevo. De hecho lo que sí hay es un mensaje que minimiza el abuso: Se supone que la mamá de Juana sabía que el marido abusaba de la hija y nunca hizo nada. ¿Y cómo se soluciona el tema? La mamá y la hija se ponen un menjurje para la piel juntas y santo remedio.  Mejor repartan de ese menjurje mágico y dejen las historias policiacas en paz que no se les ve talento para eso, esa última escena en donde Juana recibe una amenaza de muerte y lo que hace es sentarse a esperar no la hace ver fuerte y empoderada sino tonta. Bájense de su nube empoderada y ya no nos regañen por favor.

El laberinto de la orfandad

El diablo fuma y guarda las cabezas de los cerillos quemadas en la misma caja (edfyglcdlcqelmc pa los cuates) es el extraordinario debut en largometraje de Ernesto Martínez Bucio. Este director egresado del CCC nos cuenta la historia de una invocación. Una invocación muy mexicana pero no a la virgen ni a la santa muerte o a san juditas. Al diablo.

Y no es que los creadores de edfyglcdlcqelmc se hayan propuesto contar la historia de una invocación diabólica, de hecho el director cuenta que el tema del diablo se metió a la historia hasta después de que el título de la película se les apareció a él y a la coguionista Karen Plata en un poema.

El diablo entonces se fue metiendo orgánicamente en el guión, pero es lo que le acaba dando sentido. Los cinco niños y la abuela que protagonizan la historia quedan como huérfanos cuando la mamá primero y el papá después se van y quedan solos en la casa-laberinto rodeada de vecinos hostiles ¿Quién los va a proteger?

La historia sucede en la Ciudad de México durante una visita del papa juan pablo 2 en el sexenio de Salinas. Y los huérfanos atinadamente se dan cuenta que de ahí no hay que agarrarse, la abuela dice que cuando reza se le aparece el diablo y los niños ven a los vecinos gritándole loas al papa con caras que reflejan el patetismo que semejante escena debe provocar.

En cambio la familia confunde los pasos de la madre que llega subrepticiamente a dejarles regalos con los pasos del patas de cabra ¿A quién rezarle entonces con una vela en la tapa del baño?

EDFYGL.... es una película destacada en todos los departamentos, guión, dirección, actuaciones etc. que lleva al espectador al mundo de la infancia y sutilmente a través del velo de lo que percibimos normalmente. Y como no darle la razón, si los buenos y devotos son como son, es mejor invocar al diablo. 

Un niño de ninguna parte

Amrum (Fatih Akin 2025) a la que aquí le pusieron el horrible nombre genérico "Expulsados del Paraíso", es una isla alemana en el Mar del Norte y la película cuenta la historia de un niño, Nanning, que llega con su familia, menos el papá que anda en la segunda guerra mundial, a Amrum, huyendo de los bombardeos aliados. Es una historia que se siente muy real, no sólo por basarse en recuerdos de Hark Bohm, un actor/escritor/director de cine alemán, cercano colaborador de Rainer Werner Fassbinder, sino porque no se siente manipuladora sino que logra conmover como si no se lo hubiera propuesto. En el fondo el tema de la película es el desarraigo. Nanning quiere ser de Amrum y aunque su familia había vivido por generaciones ahí, él vivía en Hamburgo, y para sus compañeros de la escuela es tan extraño como los demás refugiados que llegan sin ninguna relación con la isla. Un tema sencillo pero contado con una maestría narrativa que hace una gran película.

Aunque el trasfondo de la historia es el fin de la segunda guerra mundial, la película se centra en pequeñas historias cotidianas de sobrevivencia pero contadas de forma que los esfuerzos por conseguir un pan se sienten más trascendentes que la muerte de Hitler. Y en las historias de la familia de Nanning.

Al final Nanning debe dejar la isla, pero esta se irá con él pues sus habitantes, de estirpe ballenera, siempre se van de ahí. No es un lugar para quedarse sino para llevar.

Expulsados del Paraíso se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

Nouvelle vague habanera

Nunca creí ver juntos en la misma pantalla los nombres de George Lucas y la Filmoteca de la UNAM pero, como la fundación de George Lucas y la filmoteca de la UNAM participaron en la restauración de Memorias del Subdesarrollo, el clásico de Tomás Gutiérrez Alea del 68, ambos nombres comparten espacio en los créditos iniciales de la versión restaurada de este filme cubano.

Una segunda sorpresa es que esperaba una película apoyando de modo panfletario a la revolución cubana o que por lo menos no criticara a la revolución o a Cuba. Pero en la película hay muchas críticas a Cuba y hasta se mete con las mujeres cubanas. El protagonista Sergio Carmona Mendoyo no deja de decir que Cuba es una isla subdesarrollada y le endilga el mismo calificativo a las cubanas. De los cubanos en general dice, entre otras cosas, que siempre necesitan de alguien que piense por ellos, que no se pueden desarrollar como país pues no pueden pensar en nada que vaya más allá del momento y cosas por el estilo. Un amigo de Sergio que se va a Miami le dice como piensa que se va a poner la situación en la isla y parece que vio el futuro.

Memorias del Subdesarrollo es una película formalmente innovadora en la que se nota claramente la influencia de la nouvelle vague francesa. La historia puede decirse que es intimista centrada en reflexiones sobre su vida del burgués decadente Sergio. Sí, era un burgués en Cuba, que vivía de rentar unas propiedades que tenía, y esto ya después de la revolución. La historia, aunque con muchos flashbacks, transcurre entre 1961 y hasta la crisis de los misiles del 63.

Al principio Sergio observa La Habana desde las alturas de su departamento y dice que todo sigue igual.

Que por cierto un cambio del que se habla y se ve es que en las películas cubanas ya se podían ver desnudos, que estaban prohibidos antes de la revolución.

Y al final, durante la crisis del 63, cuando se temía una invasión americana, Sergio otra vez observa La Habana desde su balcón pero las cosas ya no son como siempre, la ciudad se preparaba para la guerra.

Se puede leer como que la revolución no cambió tanto las cosas como la cuestión nuclear, la amenaza de Estados Unidos a raíz del plan soviético de poner armas nucleares en la isla. Supongo que eso ha de haber radicalizado al régimen de Castro, porque vemos que antes de la crisis de los misiles seguía habiendo propiedad privada en Cuba y la gente se iba a Miami en avión, creo que hasta se ve que llegan vuelos de Panam.

La historia sí tiene cosas que son prorevolución, Sergio aunque es un burgués detesta a los de su clase y le da gusto que se vayan a Miami. Aunque tampoco es un revolucionario. Es más bien como un intelectual diletante existencialista. Y se critica al capitalismo en la película pero por otro lado justo después de un discurso de Castro diciendo que no les dan miedo las armas nucleares y que esas no les harán perder la dignidad, Sergio dice que esa dignidad sale o puede salir carísima.

También Sergio dice que La Habana es considerada el París del caribe pero que a él más bien le parece la Tegucigalpa del caribe y sin embargo Memorias del Subdesarrollo tiene una fuerte impronta francesa. Es una película con una libertad que no sospechaba que presenta un personaje que es como un flaneur habanero cuestionando el sentido de la vida hasta que siente el miedo de que le caiga una bomba encima.

Memorias del Subdesarrollo se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca. 

 

  

Escape del consultorio dental

La Chica de Colonia ó Colonia 75 (Köln 75) de Ido Fluk, es una muy entretenida historia basada en un caso de la vida real que le sucedió a la alemana Vera Brandes, quien a los dieciocho años de edad ya se dedicaba a organizar conciertos y era considerada una "loba del jazz". Pero no es sólo una película para amantes del jazz, de hecho la banda sonora tiene otras cosas como el krautrock de grupos como CAN y NEU! que surgieron en Alemania en los 70's en la época en que se desarrolla la historia.

El padre de Vera, el Dr. Brandes, era dentista y era terrible, un tirano determinado a obligar a su hija a ser dentista como él.

¿Podrá Keith Jarrett, un pianista que formó parte del grupo de Miles Davis, salvar a Vera? 

¿Y además improvisando?

La Chica de Colonia divierte al mismo tiempo que revela cosas sorprendentes detrás del free jazz, de un personaje muy especial, Keith Jarrett, y de un mundo que valoraba la improvisación y no sólo en el jazz. Cuenta la leyenda que el cantante de CAN, Damo Suzuki, fue reclutado por el grupo cuando estaba borracho tirado en la calle. Y el grupo se formó en Colonia. Además según nos cuentan en esta película escogieron su nombre por una cosa del azar. Igual que la entrada de Vera al negocio de la música, una cosa de lo más random.

Aquí la improvisación y lo aleatorio no sólo se enfrentan al Dr. Brandes, paradójicamente resulta que Jarrett para poder improvisar requiere de un orden absoluto. Es como el orden y la entropía del universo confabulados, la exquisitez y el espíritu del punk hermanados, el sueño y la vigilia intercambiados, el dolor y la belleza confundidos, mientras el amor se enfrenta al sexo casual y las fresadoras a los pianos de cola.

La Chica de Colonia se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la cineteca.       

La democracia y los videos de gatitos

Caso 137 (Dominik Moll 2025) es una fría, lógica, casi diría que burocrática descripción de un caso de abuso policiaco. Que es interesante aunque no creo que pueda llegar a ser la película favorita de nadie. Aunque quien sabe, hay hasta a quienes les apasionan las matemáticas. De lo que no tengo duda es que esta película se puede calificar como kafkiana. Kafka tiene relatos así: Totalmente fríos, lógicos y uno de sus temas favoritos era la burocracia. De hecho el título mismo de la película es burocrático, más aún el original francés "Dossier 137" que realmente quiere decir algo así como archivo o expediente 137.

Entonces Stephany trabaja en asuntos internos de la policía francesa y le toca investigar el caso de Guillaume Girard, un tipo de 20 años al que la policía le reventó la cabeza con un arma que dispara unas como pelotas muy duras. Esto me sorprendió, no imaginé que la policía de un país civilizado usara semejantes armas para controlar multitudes. Guillaume no murió pero le fracturaron el cráneo y quedó con graves secuelas. Y la historia está basada en un caso de la vida real sucedido durante las protestas de los chalecos amarillos en Paris en diciembre de 2018.

Fría y objetivamente Caso 137 presenta los puntos de vista de policías y manifestantes así como de los familiares y amigos de Guillaume. Aunque de él no tanto porque quedó mucho tiempo sin poder hablar.

Y lo que vemos gracias a la fría y lógica objetividad es que la racionalidad fría nomás no alcanza. Para empezar Stephany nunca habría encontrado el video en donde se ve a los polis vestidos de civil que le dispararon a Guillaume sino fuera porque se apasionó por el caso. Esto porque resultó que Guillaume era de su mismo pueblo y la mamá de él había cuidado de la suya alguna vez que estuvo enferma.

Pero Stephany no le avisó a su jefa de esta relación entre ella y la víctima lo que fue contra las reglas.

O sea que a Stephany, policía de policías, le pasó lo mismo que a muchos de los policías de a pie que investigaba: Le ganó la pasión.

Y de todos modos no sirvió de nada pues a los policías que le dispararon a Guillaume no les pudieron presentar cargos porque fueron dos quienes dispararon y no se supo cual exactamente le atinó a la cabeza de Guillaume así que no se les pudo acusar.

Caso 137 presenta a las leyes algo inútil por partida doble. No sirve para castigar a los policías que rompen la ley pero tampoco para controlar a los que están en el otro bando, contra los policías, pues durante las manifestaciones tuvieron que desplegar policías de civil "para salvar la república". ¿Y para que servirá que vayan de civiles si no es para que no se les pueda identificar si rompen alguna ley? No parece que sea para poder pasar desapercibidos pues con las armas y equipo que cargan es obvio que son polis.

En una escena de la película Stephany está visitando a sus padres y su mamá se pone a ver videos de gatitos. El papá le dice que ve demasiados videos de gatitos, que se distrae mucho y no piensa en cosas importantes y que la democracia va a morir si la gente sigue distraída con gatos.

Al final Stephany, que ya ha sido separada del caso de Guillaume se pone a ver videos de gatitos y su hijo se ve que la juzga severamente por eso. Como si esperara que en vez de ponerse a ver gatos su mamá se pusiera a pensar en los cambios necesarios a la ley para que ahora si funcione. O alguna otra locura semejante.

Caso 137 se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca.

El therian no tiene la culpa sino el que lo hace compadre

Tus Dos Muertos (Daniel Castro Zimbrón 2025) es un noir chilango con todo y detective que bebe Johnnie Walker a pico de botella y oye jazz. Pero no por eso el judicial Zuzunaga (Gerardo Trejoluna) deja de ser un poli muy mexicano que se dedica en realidad a cobrar cuotas y llevarle su parte a su superior. Aunque tiene su lado detectivesco la película se centra más bien en la atmósfera. De jazz en noche lluviosa pero corriéndose hacia el horror. Y en el personaje del judicial capitalino Cipriano Zuzunaga que lo ha perdido todo y quiere recuperarlo, aunque ya más que decadente el excomandante parece haber entrado en proceso de putrefacción. Igual que el mundo a su alrededor con todo y videoclub que se niega a morir, tiendas de conveniencia cuyo café es para escupir, criminales - monstruo y por adentro de Zuzunaga las culpas, los miedos y las alucinaciones. Aunque el therian de la historia no es una alucinación, es de esos therians a la antigua a los que insensiblemente les decían loquitos. Y no es un therian faldero buenaondita, es un perro sicópata del infierno. Y conste que esta película, y no se diga la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández en que se basa, son de antes que se pusiera de modo el tema de los que se identifican como animales.  

¿Cuál es el problema de Zuzunaga y del Fresno, el barrio que es su territorio? Lo que nos dice la trama de Tus Dos Muertos es que el problema central es que hay padres pero no paternidad. El excomandante dice que a su papá lo que más le gustaba era madreárselo, ahora el padre es un anciano apenas con fuerza para abrir los ojos pero en las pesadillas de Cipriano Zuzunaga aún así le sigue partiendo su madre. El por su parte fue un padre ausente. El padre del chavo del barrio que fue secuestrado es un político, es decir un hijo de puta, que ni siquiera le dio su apellido. Ni le comparte de su fortuna, si no su vástago no viviría en Fresno. Engendrar cualquiera puede, hasta el therian. Y que decir de la misoginia; junto al hijo del diputado se llevaron también a su novia, pero el secuestro de ella ni siquiera lo denuncian. La redención de Zuzunaga sólo puede llegar de que le salga un lado protector.

Un punto interesante es como funciona el barrio: todos se reúnen en la iglesia, pero es una parroquia mafiosa, un tema que se ha visto en otras películas, como Sleepers.

Tus Dos Muertos es una interesante adaptación del cine negro a la realidad mexicana e inaugura la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

La singularidad - Dios y sus sucias tretas

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras, es una historia que mezcla elementos de Terminator, con The Matrix. En esta película el John Connor que viene del futuro a tratar de evitar que un ente tecnológico tome el control no tiene nombre y parece el típico vagabundo orate. Nomás no se lo lleva la policía porque siempre llega del futuro al mismo dinner de Los Angeles y le puede decir cosas a la gente que se supone que no podría saber y entonces lo de que viene del futuro ya no suena tan desquiciado.

Pero eso de que lleva 117 intentos de juntar gente en esa cafetería que le ayuden a salvar el mundo es una debilidad de la historia, al menos si la comparamos con la Terminator original del 84 en la que el drama está en que en una noche se va a decidir el futuro de la humanidad. Era la única oportunidad. Y para hacer las secuelas tuvieron que cambiar esa premisa básica.

Aquí en cambio el héroe sin nombre trae un botón que con sólo apretarlo regresará sano y salvo al futuro. Total si ya falló 117 veces que más da fallar de nuevo.

Y esta es una película divertida y original sin duda, a pesar de su relación Terminator / The Matrix. Pero no creo que llegue a ser un clásico porque en vez de presentar un drama presenta un juego.

Y paradójicamente es una historia digamos gameificada que critica precisamente la gameificación de la vida.

Entre los personajes que se unen al tipo que viene del futuro hay una pareja, maestros de un high school cuyos alumnos viven conectados a sus celulares sin hacer el mínimo caso a sus maestros, que viven aterrorizados por los adolescentes. Quienes se ponen a cazar profes guiados por sus teléfonos como si los docentes fueran pokemones.

Otro miembro del equipo es una señora cuyo hijo fue asesinado en una típica masacre escolar. Pero ya estas masacres están normalizadas y a la señora le ofrecen clonar a su hijo. Aunque sólo se puede clonar el cuerpo las demás características del clon hay que escogerlas como si fueran las características de un avatar de videojuego.

La madre del vagabundo que viene del futuro es una chava alérgica a la tecnología, que se enamora a primera vista de un wey porque este no tiene celular (Sí, exactamente como le habría pasado a la cantante Grimes si me hubiera conocido en persona, yo la habría salvado de Elon Musk, pero esa es otra historia, regresemos al análisis cinematográfico). La pareja es muy feliz hasta que al wey le regalan un equipo de realidad virtual y se pierde como si esta fuera fentanilo. Al día siguiente le anuncia a su novia que va a transicionar, no de sexo sino de realidad, y se va a vivir a unas cápsulas donde vivirá conectado para siempre. Digamos que tomará la píldora azul.

El enemigo en esta ocasión no es skynet sino una singularidad - Dios, un tema del que escribí en el análisis de Bugonia. Pero BSDNM (Buena Suerte, Diviértete, No Mueras) no se lo toma en serio sino como un juego, lo que hace sospechar que BSDNM es un truco más de la singularidad para parecer simpática. Lo que siempre hacen los malos.  

El profeta del gym

Octagón fue una de las primeras películas americanas con ninjas. Estos míticos asesinos del antiguo Japón eran apenas conocidos en 1980 y la película explota su misterio hablando de ellos como de antigua amenaza que resurge y para darle un toque más oscuro a la trama, el personaje de Chuck Norris, Scott James, tiene una voz interna cavernosa y saturada de eco. Esa voz sabe quien es el único que puede estar entrenando ninjas nuevamente: Su hermano malvado, al que no ve hace muchos años.

Sólo que a Scott James le sucede lo que a todos los pistoleros y asesinos retirados del cine hollywoodense: El no quiere volver a pelear, tiene remordimientos de su pasado. Es el viejo mito que Clint Eastwood recreó en Los Imperdonables. Pero Scott regresará para salvar a un amigo que es como su hermano menor.

Ninguno de estos hermanos en realidad es un "hermano de sangre", porque para empezar Scott fue un hijo adoptado. Y el mismo padre que le dijo que él era su hijo y Sakura su hermano, un día le dijo que Sakura ya no era su hermano sino su enemigo pues Sakura rompió las reglas de las artes marciales.

El nuevo hermano de Scott pelea y entrena con él y la chica que se queda con Scott ya pasó por el entrenamiento ninja. Y como el objetivo de la vida es tener una causa por la cual luchar (Se entiende que de preferencia a karatazos), que es lo que dicen varios personajes a lo largo de la película, entonces el gym, perdón, el dojo, es el nuevo templo de los ochentas. Es el lugar donde se halla el sentido de la vida y la familia espiritual. Y quien mejor que el dueño de unas escuelas de karate como Norris para presentar la opción de las artes marciales. Mientras Stallone, el engullidos de huevos crudos, nos enseña que golpear la pera de box y comer cosas sanas pero asquerosas es la forma de dejar de ser unos don nadies.

Y claro, Arnold mientras tanto invita a pasar al bar de malteadas de proteína y esteroides anabólicos.

Mucho antes de que él trascendiera a nivel meme, las escuelas del entrenador Chuck Norris pasaron por problemas económicos y entonces le dijeron que podía actuar. Y podía, tanto como Stallone o Schwarzenegger. Aunque entre estos tres y Clint Eastwood compitan por el Oscar a la actuación con menos diálogos.  

Chuck, que en realidad se llamaba Carlos Ray Norris, le dio a las artes marciales una mitología que fusionaba elementos típicos americanos, como lo del pistolero del viejo oeste retirado, con cosas como lo de los ninjas con carga mística. Una combinación más poderosa que cualquier licuado de proteínas con antioxidantes para llevar gente al gimnasio.

Así que ya saben pequeños saltamontes todos a pagar las cuotas a tiempo o Chuck bajará desde el gym celestial a darles unos guamazos.    

Porque él no murió, trascendió como Obi Wan sólo que él sí derrotó al representante del lado oscuro. El final de Octagón recuerda ese duelo entre Obi Wan Kenobi y el de la máscara estilo japonés, Darth Vader. Duelos que a lo lejos observa una, o un, discípulo. Una historia con minions todos de negro y otra con todos de blanco. Y el número dos de Sakura parece un Darth, como entre Vader y Darth Maul.

Tanto Luke Skywalker como Scott James son huérfanos cuyas figuras paternas son sus maestros en el arte de pelear. Y ambas artes incluyen luchas con espadas.

Jedis y ninjas tienen tanto en común. Son mitologás que surgen, o resurgen, en la misma época. En el caso de los jedis, el maestro Yoda está inspirado, según ha dicho George Lucas, en el personaje de Carlos Castaneda, Don Juan, un indio mexicano. ¿Y a dónde creen que va Scott James a buscar a los ninjas?  Pues primero a la Ciudad de México. Hay escenas de Octagón en el Zócalo, en Reforma y Chapultepec.  Aunque después parte a algún lugar de centro américa al campamento ninja. Que hace pensar en un campamento de entrenamiento de narcos pues tienen ahí a la gente contra su voluntad, entrenándolos para asesinar. 

Como dos lados de una moneda, uno te lleva al gimnasio, el otro a la tienda de juguetes. ¿Ustedes qué camino eligieron?    

El loco de la calle

Dead Man´s Wire, la última película de Gus Van Sant, recrea un incidente de la vida real, el caso de un tipo que tomó como rehén a un banquero en 1977. Tony Kiritsis acusaba al banco Meridian Mortgage de haberse aprovechado de él en un negocio y hacerle perder todo su dinero. A lo largo de la película nunca se presenta nada que lo contradiga. O sea que parece que tenía razón.

Kiritsis pone un alambre amarrado de un lado al gatillo de una escopeta y del otro alrededor del cuello de Richard Hall, director e hijo del dueño de Meridian Mortgage. Pero fuera de eso era un buen tipo, muy amable, que hasta se disculpaba por decir groserías. O sea que Kiritsis es como el personaje de Al Pacino en Tarde de Perros, Sonny Wortzik, un clásico de 1975 basada también en un caso de la vida real cuando en un asalto a un banco los asaltantes acaban tomando como rehenes a los clientes de la sucursal que acaban desarrollando el famoso síndrome de Estocolmo, y se ponen del lado de los asaltantes.

No es por lo tanto casualidad que Al Pacino salga también en Dead Man´s Wire sólo que ahora él es el banquero, el padre de Richard Hall y dueño de Meridian Mortgage, un tipo tan malo que se niega a pedir disculpas ni siquiera porque eso puede salvarle la vida a su hijo.

Queda claro de lado de quien está la película. Kiritsis dice ser pobre, que ha trabajado haciendo de todo y que no le molesta ser pobre pero que no quiere dejar que ganan los malos.

Parece ser un tipo popular en su ciudad, Indianápolis, todo mundo habla bien de él y hasta resulta ser amigo de los policías.

Todo muy bien pero ¿Qué aporta en realidad Dead Man´s Wire? La verdad es que es como una Tarde de Perros pero no tan buena. La película de Sydney Lumet del 75 tiene muchas cosas que no tiene la de Van Sant, sólo un ejemplo: En un momento de la película el amante del asaltante Sonny, un hombre, revela que su amado, el personaje de Pacino, quiere dinero para hacerse un a operación de cambio de sexo. 

Como que esta película de Van Sant es muy políticamente correcta, muy nostálgica con su recreación de los 70´s, pero en realidad en estos tiempos de inteligencia artificial, cambio climático, megacorporaciones y demás, la maldad de un banquero avaricioso en el Indianápolis de los 70´s como que no tiene mucha relevancia.

¿Quién mató a Catherine Earnshaw?

Cumbres Borrascosas es realmente una muy buena película y Margot Robbie merece reconocimiento no sólo por su actuación sino como productora de Cumbres Borrascosas. Parece como si actrices como ella o Sydney Sweeney no encontraran los papeles que quieren y se están lanzando a producir las películas que quieren estelarizar. Y a la Robbie su película le salió realmente muy bien. No conozco la novela pero el guion es muy bueno igual que la dirección de Emerald Fennel, también la dirección de arte, todo realmente.

Curiosamente hace poco escribí de otra película en la que se habla de historias de amor trágico y en donde se ponen como ejemplos Romeo y Julieta y Cumbres Borrascosas. Y en esta adaptación de Cumbres Borrascosas se habla de Romeo y Julieta subrayando la relación entre ambas historias.

Si nos ponemos a analizar un poco, la tragedia de los amantes en ambos casos tienen el mismo origen: la familia. Sólo que en la historia de Shakespeare esto es muy obvio, Romeo y Julieta no pueden amarse pues sus familias son enemigas, en cambio en Cumbres Borrascosas este conflicto queda como desplazado. Pero veamos, ¿Quién tiene la culpa de la muerte de Cathy? Su nana, que es la figura materna y que por no creerle a Cathy que había perdido a su bebé, no llamó al doctor. Y quizá no le creyó  por no quererle creer pues no le convenía que ella abortara. Si ella se iba con Heathcliff dejando al Sr. Linton, lo que un aborto le ayudaría a hacer, la nana quedaría de patitas en la calle. Y claro, para empezar, Cathy se casó con Edgar Linton por su culpa.

Y hay que agregar al papá que necesitaba que su hija se casara con un rico por haber perdido su fortuna en el juego. Y, como si Cathy fuera muy consciente de eso, cuando el papá muere... ¡ella le da un par de patadas! 

También el Sr. Linton tiene la culpa, no sólo le provocó un embarazo mortal a su esposa, sino que se negó a despedir a la nana, que acabó siendo una homicida indirecta, como Cathy le había pedido.

Nótese que la nana quiere hacer de Catherine una mujer como ella, que vive con una familia por dinero renunciando al amor.

Viéndola así, y conste que estoy hablando de la película, Cumbres Borrascosas es como una versión capitalista e industrial de Romeo y Julieta que todavía viven en un mundo feudal donde las familias se pelean por las tierras. El papá de Cathy tiene tierras y ella dice que eso sigue siendo más valioso que los negocios textiles de los Linton. Pero no es así, la riqueza ya cambió y Edgar Linton, un industrial, es ahora más rico. Ahora el dinero cuenta más que las tierras. Tanto así que la familia de Linton es él y una chica que ha adoptado, por su dinero es de suponerse. Agréguese a Cathy a la que se ganó por su riqueza. aunque claro, ella venía de una familia no tan diferente, fuera de Cathy y su padre en su casa vivían su hermano adoptado, la nana a sueldo y la servidumbre.

Por otro lado lo que estoy seguro que no viene de Romeo y Julieta ni de la novela original de Emily Bronte, al menos tan explíctamente, es lo del sadomasoquismo.

La película empieza con un ahorcamiento y un niño que les dice a sus amiguitos: "¿Ven? Ya se le paró, les dije que si al ahorcado no se le rompía el cuello se le iba a parar el pito."

Es obvia la intención de relacionar tortura con amor y sexo en la historia. De hecho la relación de Cathy y Heathcliff desde niños es como sadomasoquista. Ella como una niña caprichosa que lo trata mal, como a "una mascota",  y que hace que le peguen por su culpa y él que la ama sin remedio al parecer no a pesar de eso sino gracias a eso. 

Cathy ama ver ahorcamientos y hasta tiene muñequitos de ahorcados y en cambio odia la vida en la casa de muñecas de colores pastel de Linton. Y a la ñoña de Isabella.

Como si el obstáculo para el amor fuera no sólo el dinero sino también la falta de dolor.

Por cierto parece que las traducciones de las películas las andan haciendo con IA y traen muchos errores.

Los rateros y la constitución

1988 fue un año extraordinario, al menos en lo cinematográfico, para la recientemente fallecida actriz Ana Luisa Peluffo, una de las pioneras de los desnudos en el cine mexicano. Ese año la Peluffo salió en nueve películas. Y además en la famosa telenovela El Pecado de Oyuki. De las películas tres son de los mayores clásicos del cine nacional: Bancazo en Los Mochis, Intrépidos Punks y El Violador Infernal. Estas dos últimas han sido restauradas en años recientes en 4K y relanzadas en Blu-ray. 

Pero voy a analizar otra película estelarizada por la Peluffo en el 88, Ratas de Vecindad, donde comparte créditos con Ernesto Gómez Cruz y Sergio Bustamante entre otros.

Contrario a lo que podría pensarse, Ratas de Vecindad no tiene nada que ver con la sexicomedia ni vende albures. Se trata de un drama bien escrito, cuya trama parece reflejar la crisis económica de los 80´s en el país. El ingeniero Héctor Malagón, el personaje de Gómez Cruz, esposo de Mariana, el personaje de la Peluffo, tenía una constructora pero lo perdió todo. Y se dan varias explicaciones de como quedó en la ruina: Que si el juego y el alcohol, más adelante resulta que fue una inversión que le salió mal pero de lo que más se habla es de que fue el pinchi karma, pues el ingeniero en los buenos tiempos era un pinchi ojete. Es decir, era insensible y cruel. Sobre devaluaciones y crisis económicas ni una palabra.

Suena a fábula moralista pues primero viene lo del juego; las cartas y el hipódromo, a lo que se le agrega como por no dejar la bebida pues ni modo que alguien lo pierda todo en sus cinco sentidos. Y además de eso la ojetez.

Después el inge se arrepiente, tras pasar una noche detenido por robar comida, la misma noche en que su esposa pierde un hijo, o hija, por un aborto involuntario.

Y ya después del arrepentimiento nos enteramos que hizo una mala inversión, como para que veamos que en el fondo no es tan malo.

Suena exagerado eso de tener una compañía constructora y estar en jauja y dos años después no tener para comer pero en fin.

El caso es que tenemos con el ingeniero Malagón una visión del dinero y otra con otro de los personajes principales de la película, el prestamista/agiotista Malaquías, un judío que como ordena el estereotipo es un avaro que no quiere gastar ni en su propia comida y sólo piensa en su dinero, sus joyas y en alejar a su hija de los vagos de la vecindad donde vive. Si pudiera también metería a su hija a la caja fuerte. Lo que no haría es mudarse de esa vecindad a un lugar mejor, cosa que podría hacer, y que es lo que la hija le pide, pero prefiere no gastar.

A Héctor Malagón el karma lo deja en la ruina y en cambio para Malaquías el dinero es el karma y lo acaban matando por el. O sea ser pobre denota vicios, alcoholismo y demás, pero tener mucho dinero es pedir que a uno lo asesinen.

De cualquier modo lo que vemos es que en la vecindad el dinero viene del sexo y la violencia. O te lleva para allá.

La "prostituta corazón de oro" Violeta llegó a la ciudad buscando trabajo y en todos padeció a hombres que quisieron abusar sexualmente de ella así que acabó de prostituta irremediablemente, casi como las piedras que caen por la ley de gravedad.

Los jóvenes de la vecindad sueñan con ser judiciales, o por lo menos ser madrina, como se les dice en México a los que trabajan para los policías judiciales de manera irregular. Para ser judicial o madrina se necesita dinero pero ya "siendo ley" y portando pistola se puede ganar el dinero que sea, como dice uno de ellos.

Hasta un plomero que vive en la vecindad sólo puede resolver sus problemas económicos robando, aunque al final por ese robo acaba muriendo.

No hay de otra, no hay salida. Si la policía ve que unos teporochos borrachines se están dando un festín, de inmediato llegan a averiguar que cosa ilegal hicieron.

Y el inge, que cae en la cárcel acusado injustamente de matar a Malaquías, finalmente encuentra chamba. La ironía es que afuera no encontró trabajo pero ahí en la cárcel, "el rey del crimen" necesita un ingeniero, alguien que sepa de matemáticas.

Pero sale de prisión, pues un funcionario evita que los judiciales la hagan confesar a tehuacanazos, o sea torturándolo, un crimen que no cometió, y después este mismo funcionario se pone a buscar al verdadero asesino.

Un funcionario mexicano honesto, supongo que algo más difícil de encontrar en la vida real que las prostitutas con corazón de oro, estaba también en el camino del ingeniero Malagón. Nada mal para un tipo que había acumulado mal karma. Ganaron los buenos, ganó el amor, pero sobre todo ganó la constitución pues el funcionario honesto no es más que un servidor de la constitución mexicana. Insiste más de una vez en que hay que obedecerla, y señala que los tehuacanazos con chile no están permitidos por la constitución y que esta garantiza los derechos humanos. La constitución salva al inge. Así que ¡Qué viva México y que viva la constitución!

La indigestión hecha película

Sinners sin duda merece al menos un premio en la actual temporada de premiaciones: Como la película más sobrevalorada del año o quizá de la década o más. La última entrega del director Ryan Coogler es una indigesta mezcolanza de cosas, una especie de olla cinematográfica a la que se le mete todo, pero todo es todo, lo que le pudieron meter sin importar sí venía al caso o si eran cosas que pudieran mezclarse.

Para empezar, lo más evidente, es que el tema de los vampiros entra con un tono completamente distinto a lo que era el tono de la película hasta ese momento. Los vampiros irrumpen en la historia cuando esta ya va bastante avanzada y empiezan a convivir de forma muy dispareja con los personajes de lo que era hasta ese momento un drama histórico realista. No digo que verosímil, pero el tono era realista.

Metiéndole el cucharón al guiso de Sinners se pueden distinguir muchos ingredientes disímbolos: Primero, la música como una fuerza encaminadora al bien o al mal. Al bien si es música religiosa, al mal si es para que gente borracha baile y sude y luego fornique.

Por eso y para que sea feliz, a Sammie el guitarrista su padre y su primo le dicen que se dedique a la música religiosa. Pero al final resulta que la música del mal es la libertad.

Y Sinners no es un gran homenaje a las  raíces de la música negra. Por tanta revoltura. No sólo se mete también al folk irlandés porque los vampiros que llegan son irlandeses. Además en lo que viene siendo el gran momento musical de Sammie, le meten surrealistamente hip hop y Dj´s con tornamesas como diciendo que el chiste de la música negra tradicional es lo que viene después.

Tampoco se explora realmente el vínculo música/pecado porque lo malo de la música acaba siendo que llegan los chupasangres irlandeses.

Y por lo visto el sello de este director Coogler es meter violencia ridícula. Como en Black Panther.

Aquí en Sinners tenemos el caso del primo que le dice a su primacho querido, su primo del alma que no se dedique a la música y como este primo le contesta que para impedírselo tendrá que matarlo, saca la fusca y le dice "soy un soldado y me acabas de dar una orden."

Antes de eso los gemelos smoke y stack, llegados de Chicago ya le habían recetado un par de balazos ¡a unos amigos suyos! Y se supone que estaban de muy buen humor y eran muy queridos en el pueblo ¿Contradictorio? No, ¿porqué? si les dieron dinero para el doctor después de balacearlos.

Parece que en el mundo de Sinners todas las relaciones humanas deben ser violentas o al menos conflictivas, así que cuando smoke y stack regresan, a una de sus novias se le acaba de morir la mamá y reclama que no mandaran flores al funeral y el primo responde con insultos aunque la mujer muerta lo había criado.

A otro amigo le dicen que le van a dar mucho dinero pero él se ofende y ya se van a pelear. En el "gran momento de libertad" en el antro de los primos, a un tipo le navajean la cara  y a otro lo patean en el piso. Y así todo.

Ah y también están los indios, aparecen unos indios y los propios personajes de la película nos dicen que por ahí no hay indios. Y los gemelos son veteranos de la primera guerra mundial aunque se supone que la película sucede en 1932 y ellos se habían ido hacia siete años y trabajaron para Al Capone en Chicago y entonces si se fueron en 1925 ya hacía mucho que había acabado la primer guerra mundial. Y está el tema del hoodoo que es como el voodoo pero de Nueva Orleans, y el hijo que murió de uno de los primos, y dicen que el mejor día de sus vidas fue ese día de la fiesta antes del anochecer pero vimos que ya estaba anocheciendo antes de que empezara y además los primos mataron a su papá y yo sólo sé que es un escándalo que este bodrio esté nominado a tantos premios y espero que Jonny Greenwood se lleve el Oscar a mejor soundtrack por Una Batalla Tras Otra  y que no le den nada a Sinners.

El racista que amaba el black booty

En Una Batalla Tras Otra, ¿Quienes se están enfrentando realmente? La derecha racista contra la izquierda revolucionaria ¿o más bien tenemos de un lado una derecha más hipócrita que racista o sea que se dice racista sólo cuando le conviene? Es un viejo tema que se ha visto en el cine en películas como Ciudadano Americano X, en la que el protagonista descubre que los líderes de su pandilla de supremacistas blancos hacen negocios con las pandillas chicanas cuando a él ni siquiera le permiten hablar con ellos.

Recientemente en La Desaparición de Josef Mengele, la película francesa-alemana-uruguaya-mexicana sobre el famoso criminal de guerra nazi Josef Mengele, vemos que este acabó casado con una brasileña que no era muy blanca que digamos. De hecho Mengele que no deja de escupir ideas racistas durante toda la película acaba teniendo un cuñado negro. Y él mismo ni siquiera era tan blanco.

En el caso de Una Batalla Tras Otra, el personaje de  Sean Penn, el Coronel Lockjaw, que por cierto la actuación de Penn es sublime, es un racista que sueña con pertenecer al grupo de los "cazadores navideños", un cónclave secreto de racistas inveterados. Pero tiene un cadáver en el clóset. O mejor dicho una hija mulata en algún lado. Porque le encantan las negras. 

Es un tema muy actual ahora que hay en Estados Unidos un presidente que está en la cama con los racistas pero por otro lado hace grandes negocios personales con los árabes y le ofrece "visas doradas" a cualquiera, sin importar su color, que pague un millón de dólares por ellas. Y además dos de sus tres esposas han sido extranjeras.

Supongo que el mensaje detrás de estas películas puede resumirse como "Es el dinero estúpido": Detrás del racismo y del movimiento antiinmigrante hay intereses económicos.

Y Una Batalla Tras Otra además de ser una película divertida, entretenida y original parece haberse adelantado un poco al tiempo. Sólo lo suficiente para estrenarse en el momento justo, pues se empezó a rodar en 2024, todavía durante el gobierno de Biden, antes del regreso del azote naranja que ha hecho que el panorama de enfrentamiento y represión que vemos en la película no parezca exagerado.

Quién sabe como le irá a esta película en los oscares pero será interesante ver la ceremonia y que trato recibe esta película extraordinaria.

Quemarlo todo

Arco es una película en la que el cambio climático parece presente pero no como parte de un escenario apocalíptico en donde los personajes deben enfrentar enemigos para sobrevivir o algo así. Al contrario, en Arco, las tormentas y los macroincendios son parte de la normalidad.

Iris, una niña de diez años vive en un suburbio que aparece primero bajo una tormenta, que debe ser bastante fuerte pues al día siguiente hay coches en los árboles y robots en las calles arreglando todo lo que la tormenta destruyó a su paso. Las casas sin embargo estaban a salvo pues todas tienen unos domos transparentes que las protegen. Pero al mismo tiempo hay incendios forestales que arrasan los bosques que rodean la zona. Aunque los domos también cuidan las casas y la escuela del fuego. Sin embargo el papá de Clifford, el amigo de Iris, almacena latas de comida pues cree que este incendio ahora sí acabará con todo.

Más adelante dice Iris que es la peor época de la humanidad. Vive en el año 2075. Y no sólo tiene una opinión negativa de su época sino de su vida. Lo que vemos que no le gusta de su vida, que no tiene nada que ver con el clima, que a fin de cuentas no le afecta, son sus papás. Porque nunca le creen lo que dice y casi nunca están, al menos no en vivo.  A ella y su hermanito los cuidan presentándose como hologramas y los dos además son cuidados por un robot nana. Sus maestros también son robots.

Iris quiere un cambio y al final, en medio de un bosque achicharrado dice que ya hubo un cambio. Aunque no es una ecocida, de hecho su obsesión son los pájaros. Al ver los destrozos que dejó la tormenta a su paso dice que antes quería ser un pájaro pero que ahora que se pregunta en donde se refugiaran los pájaros de las tormentas ya no quiere ser un ave.

Está claro que Iris quiere libertad para volar pero a la vez seguridad. Un niño que llega del futuro, Arco, que conoce el lenguaje de las aves le dará la fórmula que necesita pues en el futuro de donde viene, la gente vive en casas, con sus respectivos domos protectores, que están construidas en unas estructuras elevadas, como árboles con ramas. Y tienen unas capas para volar por el tiempo. Sólo que ya nadie vive en la tierra, o sea nadie vive a nivel de piso aunque siguen en el mismo planeta, porque le están dando un reposo a la tierra.

Así que no importa que quememos todo, hasta puede ser para bien, pues así el gran reposo podría llegar antes. Fuguémonos con la imaginación, resguardémonos en nuestras burbujas, no hay nada de qué preocuparse y el escapismo es más sano que las frutas y verduras amiguitos. ¡Hasta la próxima!

Arco se estrenó en el Festival de Cannes el 2025 y estuvo nominada en los Critics Choice Awards, los Golden Gloves y competirá por el Oscar a mejor película animada. Actualmente está en cartelera en la México. También en la cineteca.

Genealogía del amor trágico

Amor Impossível ( Dir. António-Pedro Vasconcelos Guion Tiago Santos 2015)

Parece que ese título, más que el nombre de una película, es el de todo un género, el de las historias de amor sin final feliz. Un título muy extraño desde que existen los buscadores y las películas, como todo, necesitan nombres fácilmente distinguibles que no se confundan con otros cuando alguien los busca.

Pero lo de Amor Impossível parece a propósito. Desde un principio en la película se habla de Romeo y Julieta, de Cumbres Borrascosas y de una frase de Oscar Wilde acerca de que los hombres matan lo que aman.

Como si la película dijera: Sí, esta historia es otra historia de un amor imposible y de lo que se trata no es de las peculiaridades de un amor imposible en particular sino de ver lo que estos amores tienen en común.

Como si fueran la misma cosa, como si se transmitieran de una persona a otra por la sangre como un virus. O más probablemente a través de historias. Así como Madam Bovary se contagió leyendo novelas de amores apasionados y acabó buscando romances fuera de su matrimonio, la estudiante de letras Cristina quiere, como Catherine Earnshaw, la de Cumbres Borrascosas (quien aparece en una historia dentro de la historia), "ser" su amado, fundirse en un sólo ser con él. Ya desde ahí como que el obstáculo acecha por lo de que ella es ella y su novio otro y eso. Una maestra le pregunta a Cristina si cree que pueden haber amores tan apasionados sin obstáculos y Cristina responde que sí. Aunque pareciera que, por si las dudas, empieza por ponerse ese objetivo imposible.

Al final lo que se interpondrá entre ella y Tiago, su novio, no será que sus familias se opongan. Ni la imposibilidad física de fundir los cuerpos. Tampoco los separará alguna guerra o alguna diferencia escondida y traicionera entre sus almas. No, la culpa será de un playstation. La película dice estar basada en hechos reales y lo del playstation me parece lo más creíble de todo.

Resulta que Tiago se gasta el dinero que tenía para irse con Cristina a pasar un fin de semana a Lisboa en un playstation.

Se pelean y luego se reconcilian pero, para no hacerles el cuento largo, el playstation volverá no sólo a entrometerse en la relación sino a desencadenar la cadena de acontecimientos que harán de ese amor uno de esos que matan.

El playstation en complicidad con un destino heredado, la sangre que Cristina hereda de su padre, que ella está segura fue asesinado por una amante que no soportaba compartirlo con su madre.

Y las historias, como marionetistas atrás de todo, que hacen que Cristina viva como en un cuento de hadas según le dice su amiga lesbienamorada.

Puede verse la mano ensangrentada de las letras en lo que Tiago canta en su grupo de rock, contagiado por su novia a su vez infectada por Wilde.

Pero sobre todo el virus del amor trágico queda impregnado en el diario de Cristina que una mujer policía lee tratando de aclarar el crimen que era absolutamente inevitable a pesar de ser resultado de puras pinches coincidencias desafortunadas.

Madalena, esta mujer policía llegará al extremo de apuntar con su pistola a su novio, pareja policiaca y de cama, buscando seguramente más allá de pretextos, un amor de esos que nunca mueren, de esos que matan pues como ya se sabe amores que matan nunca mueren.

 

Vainilla desabrida

Un Hombre por Semana (Dir. Marco Polo Constandse y Ana de la Reguera Guion Adriana Pelusi, Itzel Lara 2026) Mónica busca "ganar" en el divorcio, su ex ya lleva varias parejas desde que se separaron así que Mónica empieza a usar una app de citas. Aunque este argumento y el nombre de la película suenan picarescos, en realidad no es tan picaresca. Y es que Mónica, azuzada por sus amigas que se reúnen a tomar té, como indica el lugarzaso común, dice que si el hombre que busca fuera un sabor sería vainilla.

Quien sabe si los creadores de la película sepan que en inglés decirle a alguien que es sabor vainilla es como decirle aburrid@, mojigat@, ñoñ@. Por ejemplo a Rachel en Friends en un capítulo le dicen vainilla y se ofende mucho.

Como ya se imaginarán frente a Mónica empiezan a desfilar hombres como en casting, con interrupciones para el té con las amigas que funcionan como tiempos fuera. El humor es efectivo, tiene buenos dialogos y Un Hombre por Semana resulta divertida. Al final después de ciertas peripecias Mónica acaba escogiendo a un contador, que quería ser contador desde chiquito y que en la primer cita se zampa una lechugota pues es un contador vegano. El tipo no tiene casi plática pero no tiene red flags y tiene un pito "bonito" así que parece un buen accesorio para la casa. Mónica se decide a buscar pareja un día que se cae en el baño y no hay quien le ayude a pararse y, mientras no salgan robots a un precio accesible que sepan abrir frascos y ayudarle a una mujer a parase si se resbala en el baño, seguirán habiendo comedias de este tipo dirigidas a mujeres que se identifican con la protagonista. Las que no quieren un príncipe azul sino contadores ya con todas las vacunas, desparasitados y bien entrenados para estar en la casa. Porque además cualquiera sirve para "ganar el divorcio".

Nomás hay que buscarle bien ahí entre el botadero de americanistas, músicos a los que les pagan con chelas, swingers, los que realmente lo que quieren es gente que le entre a su multinivel y los sugarbabys en busca de una sugarmommy. Pero no pierdan la fe amigas, rebuscándole entre las fotos de pitos debe estar un contador insípido como lechuga que combine con la decoración de sus casas.

Los bosques de la ficción

Hamnet (Dir. Chloé Zhao guion Zhao, Maggie Farrell) nos presenta constantemente imágenes de árboles, la madre de Hamnet aparece por primera vez entre las raíces de un árbol y más adelante se dice hija de una bruja que salió del bosque igual que su madre y que la madre de ella.  Después vemos a su marido, William Shakespeare, ensimismado viendo un bosque pintado como escenografía para la primera presentación de Hamlet, que según se nos dice era el mismo nombre en ese entonces que Hamnet, su hijo. La película se basa en una teoría según la cuál Shakespeare escribió dicha obra tras la muerte de Hamnet a causa de la peste bubónica o peste negra.

Es conmovedor pensar que Shakespeare escribió una especie de Taj Mahal de palabras en memoria de este hijo, que no fue príncipe de Dinamarca como Hamlet, quien muere pidiendo que se cuente su historia al mundo.

¿Será que Shakespeare escribió Príncipe de Dinamarca en lugar de Príncipe de su Corazón para no dirigir la atención a si mismo?

¿Y entonces la peste es lo que aparece como veneno mortal en la obra?

La  película presenta la ficción como un bosque pero un bosque reflejo de la naturaleza y de la vida y que por lo tanto se puede poblar con los muertos.

Y como dice el famoso soliloquio de Hamlet, ese que empieza con "Ser o no ser, esa es la cuestión", ante el dolor y el sufrimiento muchas veces si no se escoge la muerte es por no saber que nos espera ahí. "Morir es dormir... y tal vez soñar. Sí, y ved aquí el grande obstáculo, porque el considerar qué sueños podrán ocurrir en el silencio del sepulcro, cuando hayamos abandonado este despojo mortal, es razón harto poderosa para detenernos."

Así que mejor soñar pero despiertos en el bosque de la imaginación, en donde Shakespeare pone a su hijo a luchar con una espada, como Hamnet quería hacerlo, y en donde su esposa, llamada aquí Agnes Hathaway (aunque parece que realmente se llamaba Anne y que curiosamente se cree es pariente remota de la famoso actriz), puede ver a su hijo sonreir al desaparecer en el escenario, en una toma que es reflejo de cuando Agnes aparece en un árbol. Aunque en realidad su intención al ir a Londres al estreno era ver si su marido le ponía el cuerno o porque demonios estaba tan interesado en el teatro en lugar de estar devastado como ella llorando su pérdida, acaba descubriendo y compartiendo del remedio de su marido para el sufrimiento.  

El héroe que no dejaba de llorar

Aunque El Señor de los Anillos es uno de mis libros favoritos, cada vez que veo las películas de Peter Jackson confirmo que no me gustan. No sólo es el lugar común de "El libro es mejor", es peor, las películas realmente no me gustan.

Creo que lo que más me molesta es que los personajes se la pasen chille y chille, y diciendo cuanto se quieren. Es como una telenovela. Ahora que he vuelto a ver La Comunidad del Anillo por el estreno de las versiones extendidas le noto algunas incongruencias que ya no sé si vienen del libro que tengo mucho sin leer.

Cuando Bilbo Bolsón le roba el anillo a Gollum se nos dice que eso no tiene nada que ver con el destino o la voluntad del anillo, que eso fue una cosa del azar totalmente. Y luego Bilbo le deja el anillo a Frodo, igual que todas sus cosas, porque tiene que dejárselo a alguien y simplemente parece algo práctico que si lo tiene que dejar, lo deje en su casa, que le dejó a Frodo. De eso sí me acuerdo, en el libro Bilbo no le deja la casa a Frodo, se la vende a unos familiares que detesta, al parecer al igual que a todos los demás hobbits.

Pero entonces, al menos en la película, Frodo es el portador del anillo sólo por accidente, como le dice Boromir. Pero por otro lado se nos dice que nadie porta el anillo por accidente y que entonces Frodo es un elegido. Y por lo tanto sólo él sabe que hacer. Esto, al final de "La Comunidad del Anillo" es determinante porque Frodo se va solo. Hasta que Sam Gamyi prefiere morir ahogado que dejar que Frodo se vaya solo. Eso estoy casi seguro que no es así en el libro. En el libro los hobbits no son estos héroes, santos, nobles, que se tiran al drama a la menor provocación. Al revés el libro no deja de recordarnos que los hobbits son unos inútiles buenos para nada que sólo sirven para tres cosas: comer, tomar cerveza y esconderse. Eso sí, nadie les gana jugando a las escondidillas. Inclusive Gandalf dice que son estúpidos si no mal recuerdo. Pero son mucho más simpáticos que los de la película.

Los hobbits originales no harán eso de ponerse a llorar "No se vaya señor Frodo, señor Frodo buuu buuu, prefiero morir que dejarlo solo". Ese final no me conmueve se me hace patético, pinche Sam Gamyi chillón.

Por cierto, se ha señalado la influencia de la segunda guerra mundial en El Señor de los Anillos y según Carl Gustav Jung el nazismo se explica por el resurgimiento del arquetipo del antigüo dios germánico Odín. Digamos que un arquetipo es una especie de posesión sicológica cuyas características, en este caso, son las mismas que se le atribuyen a Odín. Una de las características de Odín es que se viste como vagabundo y se pone a caminar y antes de la guerra al parecer hubo un fenómeno de que mucha gente caminaba sin rumbo por las carreteras de Alemania. Como había crisis económica se podía pensar que simplemente eran vagabundos sin trabajo pero a Jung esto se le hacía muy extraño y alarmante. Y en El Señor de los Anillos, en la posada del pony pisador en Bree, un parroquiano comenta que hay mucha gente extraña caminando por las cercanías y remata "se viene una guerra".

Otra característica de Odín es que desde su trono lo ve todo y tiene un cuervo.

Saurón también se presenta como un ojo que todo lo ve y Sarumán, encargado de formar un ejército para Sauron tiene un Palantir, capaz de ver a la distancia. Y tiene sus aves espías, negras, como cuervos.

Socias, no rivales

                                

La Empleada (Dir. Paul Feig Guion Rebecca Sonnenshine basado en una novela de Freida McFadden) empieza cuando Ellie Calloway es contratada por Nina Winchester como empleada, osease sirvienta. Y, para quienes nos preguntamos si una señora contrataría a una mujer, que se ve como Sydney Sweeney, para que estuviera todo el día en la casa, y por lo tanto conviviera con el esposo, la historia tiene una explicación. Y no es que Nina quiera que le pongan el cuerno para grabarlos, divorciarse y sacarle toda la lana al marido millonario. Es otro plan.

Toda la primera parte de la película es una típica telenovela, el amor entre la chica guapa e ingenua y el atractivo millonario casado con una loca desquiciada, un basilisco del mal. Una telenovela, pero con Sydney Sweeney que no nada más luce espectacular, tiene una voz súper sexy y actúa muy bien lo que sea de cada quien.

Hasta que descubrimos la verdad verdadera, se cambian los papeles y hasta la sororidad aparece entre Ellie y Nina, inclusive la hija de Nina que era un higadito acaba resultando que era buena.

Suena feminista, de hecho Ellie se revelará como una especie de justiciera vengadora azote de los abusadores. Pero todos los casos de abuso que vemos suceden entre quien tiene el poder económico y quien no y hay también un personaje secundario, un trabajador inmigrante que es de los buenos. Aunque antes de saberlo Ellie se espanta sólo de verlo. Y también hay una villana, la insoportable madre millonaria del esposo.

Sí, por momentos se siente como que uno está viendo una telenovela. Y de las gringas, y del horario matutino. Pero le ponemos palomita a la peli de Sydney, que además de actuar tiene un crédito como productora. Hay cosas peores.

Y por cierto Ellie se supone que es una exconvicta en libertad condicional, lo que facilita que abusen de ella. Hace poco escribí de otra película donde se toca el mismo tema. Con tanta gente en libertad condicional en Estados Unidos se ve que eso es un tema.

Malditismo condechi

Sobriedad me estás matando (Dir Raúl Campos, guión Campos, Octavio Hinojosa, Félix de Valdivia 2025) es una película que parece más comedia en el trailer y la publicidad de lo que es en realidad. Sí tiene comedia y humor pero es un comedidrama y con drama pesado. En particular la relación entre Raffi el protagonista, y su mamá, es como la peor relación madre - hijo que yo recuerde de la ficción. Se llevan muy, muy mal.

Realmente ya con eso - unos padres que parecen pelearse por ser ellos los que querían abortar a Raffi, la mamá le dice que ella lo quería abortar y el papá que no, que era él - pues ya es más que suficiente para que la vida de Raffi sea un desastre, y la supuesta razón por la que Raffi se volvió drogadicto no sólo sale sobrando sino que es absurda. O sea nos dicen que Raffi se volvió drogadicto por culpa de un accidente. Y Raffi sí podría sentirse culpable, pues por querer dejar a su novia se desató la cadena de acontecimientos que llevaron al accidente. Pero no, Raffi odia a la novia muerta y le echa la culpa de todo a ella. ¿Y entonces cómo o porqué él se habría vuelto drogadicto por eso? Es absurdo, y la propia película me da la razón pues lo que hace recaer a Raffi en la heroína es algo que pasa con la mamá, nada que ver con la exnovia muerta.

O sea que entonces la vida de Raffi iba muy bien, fuera del pequeño detalle de que sus padres lo odiaban, hasta que un día a los 23 años choca en el periférico. ¡Y púm, se vuelve drogadicto!

Nótese que Raffi tiene la típica personalidad del niño consentido, del niño malcriado. ¿Pero quien demonios consentía a Raffi? una mamá así no deja que nadie consienta a quien le "destryó la vida", y si le heredan un reloj que "vale una fortuna" primero lo tira antes que dárselo a ese hijo.

Me parece que en realidad Raffi y su mamá no se llevaban tan mal como nos quieren hacer creer. Nótese que ella es pintora y él quería ser fotógrafo. Ahí hay como un interés común en las artes visuales. y sobre todo, lo que acaba delatando que Raffi y su mamá no se odiaban es que al final ella le dice que no es especial, y apenas un poco más adelante el Raffi ya anda tirando rollo de exadicto y dice que la clave fue darse cuenta que no es especial. Nomás le falta darle las gracias a su má.

Yo sé que en la Ciudad de México, entre los fresas, la "gente bien", hay adictos a la heroína. Y se me hace buena idea, me gusta que hayan hecho una historia con un personaje así. Una historia del México del siglo XXI. Pero... les falta barrio. Casi no se toca el tema de la drogadicción en si mismo, toda la jerga y la realidad de ese mundillo.

Se siente con lo de las drogas y los malos padres una cosa como de maldad wannabe. Y la música se me hizo horrible, eso del junkie cantando la de Napoleón de "abre tus brazos a la vida" está de un cringe insoportable.

Y entonces el junkie que cantaba a Napoleón, y que quería ser papá aunque fuera de las criaturas que su crush de la prepa tuvo con otros, vive además con ángeles, como su cuate Trino que es un santo, cualquier otro lo hubiera echado de su casa y además en un mundo laboral bien chido donde se puede mentir sin tanto problema para conseguir chamba. aquí Sobriedad me estás matando saca el lado de la comedia y de la comedia romántica inclusive. El otro extremo.

Con razón no les sale la maldad. A la película le pasa lo mismo que a Raffi cuando está en su terapia de grupo y le llega su turno de decir la neta y en vez de eso hace una broma.

Y luego regresa a rehab y ahora se hecha su rollo de "soy bien sabio porque estoy dejando las adicciones. ¿Pero como tomarlo en serio si ya vimos que es un adicto a las drogas duras sólo que está atrapado en una comedia boba?

Así no se puede.

Sueños de anfeta

Marty Supreme (Dir. Josh Safdie guion Safdie, Ronald Bronstein 2025) recuerda mucho a Uncut Gems, el anterior y genial largometraje de Josh Safdie codirigido con su hermano Benny. Ahora ya dirigiendo solo, Josh nos presenta nuevamente la historia de un judío (subrayando todo lo posible que es judío) de Nueva York que hará hasta lo imposible por conseguir dinero al mismo tiempo que tiene enredadas relaciones fuera del matrimonio, del suyo, como en Uncut Gems o del de ellas, como en este caso. Como malabaristas jugando con varias pelotas a la vez. O como jugadores de ping pong capaces de contestas cualquier tiro. Y las dos películas con animaciones al inicio parecidas.

Pero la verdad Uncut Gems es mejor que Marty Supreme. Que es divertida sin duda, aunque uno puede quedarse bizco tratando de entender como fue exactamente que Marty y su amigo Wally desplumaron a los apostadores en un juego de ping pong o porqué Marty regresó de meses de gira internacional dando juegos de exhibición sin dinero ¿Y porqué decía que era "biológicamente imposible" que hubiera embarazado a Rachel si sí la embarazó?  

Marty Mauser es un ladrón, un político en potencia que sólo dirá la verdad por equivocación, capaz de sufrir cualquier humillación por dinero. Lo de besar al cerdo estaba menos pior que lo que dejó que le hiciera el Sr. Rockwell. y sin embargo Marty nos cae bien. Y Rachel, que se ve que es igualita a él, también. Queremos que triunfen, que les vaya bien porque le echan muchas ganas. Bueno y dice Marty que él es así porque de donde viene todos son así. Pues... puede ser.

Además para los que odiamos las películas lentas una historia con ese ritmo es padre aunque a veces nos quedemos con cara de what.

Una cosa que noté es que el soundtrack es como raro, tanto las partes con coro y orquesta y el final con Tears for Fears. Lo de Public Image Ltd y New Order resulta sorpresivo, pero positivamente, uno no se imagina clásicos de los 80´s en una historia ambientada poco después de la segunda guerra mundial. Pero lo de Everybody Wants to Rule the World que es una canción épicamente buena, un pinche himno, buenísima... pero como que no viene al caso.

De hecho el final es mi principal crítica a Marty Supreme. O sea Marty se la pasa toda la película tras el billete. Y primero niega que el hijo de Rachel, a quien no le habló en 8 meses, sea suyo, y luego lo quiere dar en adopción y al final acaba sin dinero pero en un mar de lágrimas viendo al bebé. Eso no parece un final épico sino un final forzado. Como varias otras cosas en la historia: O sea esa escena donde Dion avienta las pelotas por la ventana... ¿eso qué? o cuando Rockwell dice que es un vampiro. Y así por el estilo.

Tanto Marty como la película parece que andan en alguna droga, anfetamina o algo así. Que por cierto había mucho de eso al acabar la segunda guerra mundial pues se las daban a los soldados y muchos se volvieron adictos. Nótese que Marty nunca duerme. Y luego en ese mundillo de los salones de juego que frecuentaba... híjole no sé, no sé... como que podría haber un final con Marty en rehab y Rachel lo va a visitar y le confiesa que su hijo no es de él sino de Ira, el marido, pero que no se preocupe porque le está llendo muy bien secuestrando perros.

O sea el Marty es la piel de Judas, le da risa que el hijo de Rockwell se murió ¿pero exactamente en la última escena se vuelve bueno y se conmueve por su hijo? No, el Marty que nos habían presentado estaría pensando en cuanto lo iba a vender. Y lo que debería sonar es "Money, money" de Billy Idol.

Nunca nos cuentan como fue que cambió el personaje. La historia es como un buen subidón con final feliz metido con forceps. Una película que se le podría ocurrir a alguien como Marty para sacar dinero. Una historia interesante aunque exagerada.

Podría contarla el mismo Marty, ya todo un gerente de la tienda de zapatos, y que cuando acaba, diciendo que al final dejó el ping pong porque se chingó la rodilla, voltea a ver al cliente y le pregunta si sí se va a llevar los zapatos o no, y entonces este le contesta: Papá, mi mamá me había dicho que eras superchorero, pero nunca creí que tanto. Y ahí sí, Marty llora, entra la música y ruedan los créditos.       

La píldora envenenada en el agua del punk

Kriegerin ó Combat Girls (dir y guion David Wnendt 2011) 

Marisa se llevaba muy bien con su abuelo y no tan bien con su mamá, que se llevaba muy mal con su papá, un ex soldado nazi, que le dijo que los nazis no eran malos a Marisa, que se unió a un violento grupo de neonazis.

Y salta a la vista todo lo que esos neonazis tienen en común con los punks, supongo que principalmente con los punks originales.

Para empezar, la música, la rebelión contra los padres, en Krigerin, esto se ve sobre todo en el personaje de Svenja, que tiene un padrastro superestricto al que detesta. Y la pertenencia a un grupo, la identidad, sacar de quicio a las buenas conciencias. En esta historia queda claro que para Marisa y Svenja lo de odiar a los inmigrantes, se trata simplemente de tener rivales, que podrían ser simplemente otra pandilla, un equipo rival de futbol o algo así. De hecho después de lastimar a un inmigrante a Marisa le da remordimiento de conciencia y acaba ayudando a un chico afghano. Para no hacer el spoiler diré simplemente que eso la mete en problemas.

Una diferencia que noto con los punks es que en las películas de neonazis siempre hay un adulto, muy mayor que los jóvenes cabezarapadas, que los manipula.

Eso aparte de lo que le dijo su abuelo a Marisa.

Kriegerin es una muy buena película de David Wnendt que después hizo la sensacional Feuchtgebiete o Wetlands, otra historia de rebelión con una protagonista adolescente. Kriegerin ganó el premio de mejor guion y mejor actuación femenina en los premios del cine alemán de 2012 además quedó en tercer lugar como mejor película..

Y sí, no hay nada peor que supuestos rebeldes que creen que están contra el sistema pero que son manipulados por abuelitos. Como Trump o López Obrador. 

La virgen de los perros asesinos

La Virgen de la Tosquera ( dir. Laura Casabé guion Benjamín Naishtat basada en cuentos de Mariana Enríquez 2025) es una película argentina aunque con coproducción mexicana y española, coproducción que al parecer fue necesaria después de que Milei dejó sin dinero al sector cinematográfico argentino.

La película nos presenta la historia de Natalia y su entorno, lo que incluye un país en medio de una crisis económica devastadora. La historia se sitúa en la Argentina del 2001 y la crisis retumba como trasfondo en las noticias y en los comentarios de los personajes que hablan constantemente de que todo se fue a la mierda y de antes de que todo se fuera a la mierda y así por el estilo.

También se van la luz y el agua constantemente. En medio de todo, el amor en  el corazón de Natalia cambia por celos homicidas.

Tres vírgenes dejan de serlo: Natalia y una de sus amigas que van con un prostituto colombiano a que las desvirgue. Lo que resulta muy sorprendente. ¿Cómo que no hay quienes se las cojan? Natalia sobre todo es bastante atractiva. Eso de tener que pagar está muy extremo.

La tercer virgen, una virgen católica, o que se supone es la imagen de una virgen católica resulta que en realidad era una figura como de santería, toda de un rojo ensangrentado. Imposible no pensar en la Santa Muerte pues esta virgen también mata. Es otra figura que parece como de catolicismo devenido en magia negra.

Y Natalia, que al principio no quería ni ver un muerto acaba solazándose viendo perros matar a su ex amado Diego y a la odiada rival.

La historia es como una visión de la ruta argentina, y latinoamericana, hacia Haití, en lo económico y religioso. Es la crisis que vuelve a todos salvajes como en la también latinoamericana Zafari porque para Natalia y sus amigos hasta para cruzar un puente se necesita ser más salvaje que el que se pone enfrente. Y los realmente pobres, los vagabundos son el terror mismo. La abuela de Natalia quema las cosas de uno de estos "villeros", como les dicen en Argentina, entre rezos exorcistas.

Pero La Virgen de la Tosquera es una buena película que ni que. Se estrenó en el festival de Sundance y se ganó un premio en el festival de Sitges. Aunque es una narrativa de la descomposición que no hace más presentar una visión de dicha descomposición. Pero por algo se empieza.

Lo más intrigante para mí es ¿porqué, según dice una de las amigas de Natalia, todos los hombres de su escuela perdieron la virginidad con prostitutas y ellas hacen lo mismo? Quizá porque los únicos que cogen,  Silvia y Diego acaban devorados. Por los celos, la envidia. En otra parte frente a una extorsión a Natalia le sale un lado casi caníbal y también lo sexual acaba siendo sangriento.

Parece que la carrera hasta el fondo no tiene fin.

 

Pedro Picapiedra, asesino serial

La Unica Opcion (Dir. Park Chan-wook 2025 Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-Mi, Lee Ja-hye basado en una novela de Donald Westlake)

Sin duda Park Chan-wook es uno de los grandes narradores de historias de la actualidad. Al ver películas como Oldboy, Stalker, o como La Unica Opción se siente que este director coreano se divierte contándonos cosas y uno también se divierte.

Sin embargo en La Unica Opción además del talento narrativo se nota otra cosa, que le metieron a la película todo, pero todo realmente lo que le pudieron meter para hacerla una "feel good movie". O digamos para que la banda mainstream se relaje. Algo así como ver videos de perritos y gatitos. De hecho hay un par de golden retrievers, la obligatoria niña encantadora y una familia perfecta. Perfectísima. Para mi gusto exageradamente perfecta. De hecho parece propaganda promatrimonio y pronatalista. Son más perfectos que los picapiedra o que la familia de Alf, son como el show de Cosby coreano. Bueno, casi casi.

O más bien como los Locos Addams, porque hay otro lado de la historia que hace ver el lado empalagoso como la anestesia para meter el lado oscuro, la lucha del papá, a muerte, por un trabajo en la industria manufacturera.  

Este tipo era un gerente pero en una entrevista de trabajo le dicen que si no le importaría trabajar bajo las órdenes de otro tipo que fue su subordinado. Y dice que no, pues siempre se ha considerado un obrero. De hecho lo vemos cargando cajas en una tienda después de ser despedido de la fábrica de papel donde llevaba 25 años trabajando. Vaya, es un obrero, como Pedro Picapiedra sólo que muy exitoso. Tenía que ser así para meter el lado de la familia perfecta "aspiracional".

Y al final logra regresar a una empresa papelera, pero al contrario de la planta en donde trabajaba antes, esta es una fábrica sin gente en donde todo se ha automatizado. Está él sólo con la maquinaria. Y antes de los créditos vemos máquinas que cortan árboles, para hacer papel seguramente, sin nigún humano a la vista.

El título de la película nos dice que para este personaje no había opción más que matar para tener un buen empleo. Y no se necesita forzar mucho la imaginación para pensar que han de haber casos así en la vida real. O que los habrá. Y de ahí se puede relacionar el tema con lo que vemos en las noticias: Las políticas antiinmigrantes o las tarifas comerciales de Trump. 

Yoo Man-soo tuvo suerte pues tuvo que matar a tres competidores pero alcanzó el último trabajo que quedaba. Sólo que quien sabe por cuanto tiempo 

 

La civilización como hoja de parra

Cover Up (Laura Poitras, Mark Obenhaus 2025) es uno de los posibles nominados a mejor documental en los Oscares de este año y se trata de Seymour Hersh, célebre periodista americano que se volvió famoso en los sesentas al revelar la masacre que había cometido el ejército de Estados Unidos en la aldea vietnamita de My Lai. En donde mataron a todo mundo incluidos bebés. A mujeres y niñas antes de matarlas las violaron.

Y Hersh, que por cierto es judío, no ha parado, al momento en que se hacía el documental trabajaba juntando información de las atrocidades israelíes en Gaza.

También reveló en su momento los programas CHAOS, de la CIA, con el que esta agencia que por ley tiene prohibido actuar adentro de Estados Unidos espió en los sesentas a los estudiantes que protestaban contra la guerra. Y el demencial programa MKULTRA, otra creatura de la CIA, que se proponía controlar a una persona por medio de LSD para que asesinara a la gente que le indicaran.

Hersh también fue quien sacó a la luz el apoyo del gobierno americano al golpe contra Allende en el 73 y fue el primero en publicar información, y fotos, del programa de torturas en la cárcel iraquí de Abu Ghraib. Entre muchas otras cosas.

Al final uno se queda pensando que la crueldad y la barbarie no son cosas excepcionales en el mundo. Dice Hersh que en lo de My Lai hubo cientos de personas involucradas y enteradas de lo que pasó. Y la masacre salió a la luz casi por accidente, con algunas coincidencias afortunadas incluidas.

La teoría de este periodista es que nadie hablaba de My Lai porque esae tipo de cosas sucedían todo el tiempo en la guerra. Que no eran nada raro, al contrario. Dice que de hecho ese mismo día, muy cerca de My Lai hubo una masacre similar en otra aldea.

En resumen, el título del documental, Cover Up, es decir encubrimiento, que se refiere a los intentos de esconder asuntos del conocimiento público, parece que también se puede aplicar a la civilización, que después de ver esto, parece una hoja de parra que apenas tapa la crueldad humana. Casi parece sorprendente que ya no se practique el canibalismo. No de forma generalizada al menos.

Un silencio que estalla

Mátate, amor (Lynne Ramsay 2025 guion de L. Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, adaptación de una novela de Ariana Harwicz) nos presenta el retrato de una mujer que parece deprimida, todo mundo se lo dice. Sólo que ella nunca menciona la palabra depresión. En cambio dice que el universo la aburre. El universo y las estrellas no le dicen nada mientras que parece obsesionada con pequeñas cosas. También hay cosas grandes que le interesan: Un caballo, un negro que se quiere coger, la masturbación, el sexo, su bebé. Pero no es muy sociable y es una escritora que no escribe. Y como dijo Kafka "Un escritor que no escribe es un monstruo que está desafiando a la locura".

La historia parece que nos suelta pistas para que como público diagnostiquemos a Grace, sólo para decirnos después que no, que no sabemos que le pasa: En la primer escena vemos que Grace y Jackson, su pareja, llegan a vivir a una casa sucia, abandonada. En donde el tío de Jackson se suicidó. Pero Jackson al final la arregla y la casa queda muy bien. Pero no era eso. Tampoco la relación con Jackson que ponía su pito en todos lados menos en Grace, según le reclama ella. Pero ellos acaban casándose en una boda animada y ya al final de la película van en su camioneta cantando una canción de amor tomados de la mano. Pero tampoco era eso.

No es una de esas depresiones post-parto en las que la madre no quiere saber nada del hijo o hija, Grace quiere a su hijo. Parece que el problema viene desde antes, ella le cuenta a un sicólogo o psiquiatra que no le gustaban sus padres.

Creo que lo único parecido a una explicación que da Mátate, amor, sobre el problema de Grace es a través de la música. Todo el soundtrack está hecho de canciones muy viejas, como rock & roll de los cincuentas. Cuando llegan a la casa donde van a vivir, lo primero que hace Jackson es ver en donde va a escribir Grace y donde tocará él su batería. Pero él nunca la toca y ella nunca escribe. Grace pregunta si hay algún universo en donde ella sea una estrella de rock, pero en otra parte dice que no soporta las guitarras, sorprendiendo a Jackson.

Al final, la última canción, es la única que rompe la continuidad de la música de los cincuentas. El cierre con una versión de Love will tear us apart de Joy Division, cuya letra trata de la esperanza de que llegue el amor. Sólo un nuevo amor, una nueva música podrán salvar a Grace que mientras tanto se ha despojado de sus viejas ropas, ha quemado sus escritos y avanza rompiendo e incendiando todo a su paso.

La dirección de Lynne Ramsay está como muy fresca, original y creo que podría ganarse una nominación al Oscar a mejor dirección y claro, la actuación de Jennifer Lawrence también es nominable, de hecho ya se llevó el premio Donostia en el Festival de San Sebastián, siendo la persona más joven en ganarlo. También estuvo nominada para los Golden Globes y la película se llevo los premios a mejor fotografía y supervisión musical en los British Independent Film Awards.

Postdata: Pues no quedó en los oscares, supongo que está demasiado oscura

El arte del azote

Valor Sentimental (Dir: Joachim Trier 2025 Guion: J. Trier y Eskil Vogt) es uno de esos dramas en que lo que se descubre al final es que en realidad nunca hubo problema: El padre siempre amó a las hijas, todos los sentimientos negativos fueron producto de malentendidos, todos son buenos y uno se queda con la sensación de haber comprado un sandwich sin jamón, una cerveza sin alcohol, una rosca sin muñequito.

La casa de los Borg, símbolo de la familia y que participa como narradora de la historia, tenía una grieta estructural. Al final Gustav el papá/abuelo sólo remodela el exterior y ni quien se acuerde de la grieta.

Ah pero eso sí, Gustav le dice a su hija actriz que ella actúa en obras de teatro para pensionados. Ella actúa en una obra de Chéjov y Gustav quiere que actúe en una película que va a dirigir, él es director de cine, y va a hacer una película sobre su mamá aunque niega que sea sobre su mamá.

O sea el mundo al revés, un director que sólo filma escenas de su vida no puede criticar a clásicos universales y peor tantito decir que son obras para jubilados cuando él mismo está ya prácticamente retirado y quiere hacer la película con sus amigos que están en la misma situación. Además lo que vemos de su película, hecha en su casa, anegada en lloriqueos, y en la que un personaje cae en la religiosidad no es precisamente un blockbuster de verano. De hecho la adaptación de Chéjov se veía más vanguardista.

Pero ella no rechaza salir en la película del padre por eso. Sino porque él nunca estaba con ella y su hermana, que en realidad sí las veía. De hecho Agnes, la hermana menor, actuó en una película de él y el papá dice que si no convivieron mucho en esa película y ella dice que sí pero que luego se iba. Aunque claro, regresaba y entonces ella sufría mucho y bua bua snif snif.

Puro azote barato. Y caigo en cuenta que esta es la tercer película noruega seguida que veo que cae en lo mismo, Armand y Sueños (sexo y amor) son películas en las que los personajes también se ahogan en vasos de agua.

Pero, le reconozco a Valor Sentimental que quizá ella misma esté dando un remedio: En una escena Gustav le regala a su nieto, que está cumpliendo nueve años o diez, algo así, unas películas: La Maestra de Piano e Irreversible.

Podría ser que si ponen a todos los niños en Noruega a ver Irreversible y películas similares, cuando crezcan, los que se dediquen a hacer cine dejarán de lado tanto falso victimismo.

Sin embargo no dudo que esta película se lleve el Oscar a mejor película extranjera porque a la academia le encanta el cine en el cine. Como en esta película en que el tema de la actuación es muy importante, el personaje de Elle Fanning se supone que es una famosa actriz americana que entre lágrimas le dice a Gustav que no puede hacer el personaje que él le ofrece pues no siente que ella sea la indicada para el papel: Más azotadez e hipersensibilidad imposible.

Además aquí el cine es mágico: En su película Gustav describe cosas de sus hijas que no sólo desconocía sino que ni siquiera tenía modo de saber. Lo que suena raro aunque son cosas que a veces pasan. Y al final vemos que lo que él quería hacer era cambiar en la ficción una cosa que pasó en la realidad. En fin, apuéstenle una lana a Valor Sentimental.

En todos lados se cuecen noodles

Left Handed Girl (La Chica Zurda) es una película taiwanesa del 2025 dirigida por Shih-Ching Tsou con un guion de él mismo en colaboración con Sean Baker, el de Tangerine, Anora etc. Y está entre las posibles nominadas al Oscar a mejor película extranjera.

Se trata de un drama familiar que tiene como protagonista a una niña de cinco años muy simpática, I Jing, aunque su familia es un pinche caos. Con oscuro secreto incluido. No haré el spoiler pero les daré una pista: I Jing tiene una historia similar a la de Jack Nicholson con respecto a su mamá y su abuela. Son cosas que sí pasan..

Es una historia entretenida que incluye una antigua superstición china acerca del demonio junto con cosas más contemporáneas como una abuela que le gusta coquetear y que está metida en el tráfico de migrantes, relaciones extramatrimoniales, el aborto y también una suricata y el ya mencionado oscuro secreto pero lo más importante es la niña, quien es el sabor principal en esta sopa de noodles. Y no es que quiera estereotipar la comida oriental que sé que es mucho más que ramen, fideos chinos y noodles pero los noodles ocupan un lugar muy importante en la historia. A eso se dedica la familia y es la comida favorita de I Jing.

Entonces la cosa va desde el abuelo y sus ideas absurdas sobre los zurdos y por lo tanto sobre su nieta, pasando por las madres solteras que deben ganarse la vida y enfrentar los prejuicios sociales. Es la lucha contra el oscurantismo ¿Podrá entrar la luz? ¿Por dónde se las ingeniará para entrar?