La Quimera, una película de la italiana de apellido alemán Alice Rohrwacher, es una historia original, fresca, imaginativa, divertida, de la que prefiero no decir nada para no espoilerear y la verdad porque cuando las películas me gustan no tengo mucho que decir de ellas. Pero les pongo unas fotos.
Valentina o La Serenidad de la directora Ángeles Cruz parece a ratos un largo videoclip donde vemos muchas imágenes bonitas y sobre todo vemos mucho, mucho, a la niña Valentina que vive en una especie de paraíso mixteco. Eso sí la música es muy interesante, buena música, lo reconozco. Y digo paraíso mixteco porque se trata de un mundo ideal donde no hay conflictos y todo es felicidad. No hay ni basura. El único problema es la muerte, ya nomás que quitaran eso y sería todo perfecto. Pero por lo mismo es muy, pero muy aburrido. La historia es mínima, el papá de Valentina se ahoga en el río, claro que no se ve nada para no afectar la serenidad, y está como raro porque ese río no se ve como suficientemente grande para matar a alguien. Aguas engañosas. Entonces Valentina primero pasa por una etapa de negación del duelo. Una negación rara para una niña pues dice típicas frases de adulto como “Es que mi mamá está confundida”. Y después pasa por la etapa de tristeza. Al final hacen un rito y ya todo se arregla. Fin. Ese es todo el argumento. Que por otro lado está bien porque así si uno se echa una cabeceadita o un coyotito no hay que preocuparse por recuperar el hilo de la trama, no hay de qué ahora uno ya no sabe que pasó. Porque no pasa nada.
Llaman la atención las semejanzas con otra película mexicana muy reciente, también de una directora, Tótem. En las dos parece que las películas son sólo un pretexto para filmar a niñas, las dos tienen una trama mínima, en las dos se usa la muerte del padre para provocar emociones. Ambas parecen tener una obsesión con los insectos, hay muchas hormigas en las dos, y las texturas, en el caso de Valentina específicamente con las cortezas de los árboles Y las dos son aburridas.
Y ahora Mal vivir: La historia se trata de una adolescente que llega de visita al hotel de su abuela en donde vive la abuela, la mamá, la tía y hasta una sobrina de la abuela. Nos enteramos que la madre padece de neurosis y depresión y la hija vivía con el papá pues ella no puede hacerse cargo de ella por esa neurosis y depresión. Pero eso se nos dice, si no nos dijeran pues la señora no se ve tan mal. Definitivamente no es la señora diversión pero más bien parece una señora más. Para que veamos qué mal está la mujer le pusieron una perrita llavero que ella carga a todos lados como una especie de muleta emocional. Pero pues eso no es como para que no pueda ni estar con su hija. Que no mamen. El casi único chiste en las más de dos horas de este bodrio, es cuando llega la hija, ve a la perra y pregunta ¿Pues qué este nunca se muere? Y contesta la mamá: Es que este ya es otro.
Aquí tampoco pasa casi nada y uno se puede dormir tranquilo. No hay realmente una trama. Es de esas de tomas lentas y todo el chiste es ver que las relaciones madre – hija son malas. Y los clientes del hotel también se la pasan peleando igual que la familia de la dueña y las relaciones madre – hija de las huéspedes también son pésimas. Pero no pasa realmente nada. No hay una estructura de drama como tal con diferentes etapas. La película empieza con una toma de la alberca del hotel donde no pasa nada y al final la señora “neurótica depresiva” yace ahí muerta. Se ha suicidado.
Como en la anterior película es una muerte rara, no recuerdo que se haya tomado unas pastillas o algo para suicidarse, nomás queda ahí flotando. Otras aguas engañosas. Y por último vemos a su hija y su mamá en un sofá. Sin hacer nada. Final muy apropiado para esta cosa donde no pasa nada que recomiendo evitar como si fuera covid.
El colmo es que hay segunda parte de esto. Y también estará en la muestra.
Pero no es el caso, la película presenta una historia en donde la pesca funciona como metáfora de la pesca de otras cosas en la vida como el amor, o un papel en una película. De hecho Pequeños Peces es una historia de cine en el cine aunque no lo parece. Y eso es algo central en esta historia: así como no se puede ver nada en las aguas turbias del lago, en la historia nada es lo que parece al principio. Se trata en realidad de una historia divertida con un lado romántico y para no spoilerear nada sólo diré que inclusive un tema es conseguir un papel que unos productores de cine le quieren dar a una estrella de K-Pop.
El final me pareció especialmente bueno, de manera sutil, con un muy buen soundtrack de fondo y utilizando el tema de la pesca la película nos hace sentir como acaba todo pero sin enseñar nada, como si un pez hubiera picado y puede verse como mueve las aguas. Pero sin que se pueda ver.
Lo que no entiendo es porque se llama Pequeños Peces. De hecho sólo se ve que atrapan carpas gordas. Y tiene una muy bonita moraleja: Hay que cumplir las promesas que se hacen en la peda, ¡Sí señor!
Por lo menos en esta historia cualquier ideal de justicia queda muy en segundo plano. Lo importante es demostrar que se es bien macho y al igual que en la primer película de la trilogía, El Prisionero 13, no hay nada peor que mostrar temor ante la muerte. ¿Pero demostrarle a quién? En este caso el macho alfa es el General Francisco Villa, que aparece con porte de que vende barbacoa los domingos. Al principio pensé que era una mala actuación o un personaje mal delineado pero más adelante queda claro que se trata hacer una crítica a la violencia y por lo tanto ese Villa que parece tan común y corriente le viene bien a la historia.
De hecho desde los créditos iniciales el director nos recuerda que al nismo tiempo de la revolución mexicana, en Europa rugía la primera guerra mundial, y advierte que nadie debe pensar que el salvajismo es una cosa mexicana. Y se vió leve porque para empezar todos los combatientes en la película son hombres, en realidad en la revolución pelearon muchos menores, por poner sólo un ejemplo de salvajismo que no suele salir en la historia y las películas.
Los protagonistas son seis tipos que salen de un pueblo para unirse a los villistas con alegría de niños que escapan con el circo. Al final sólo quedan dos que por la diferencia de edad podrían ser padre e hijo y el muchacho, "becerrillo" se enferma de viruela así que a su amigo le ordenan quemarlo, para lo cuál primero lo tiene que matar. Y la puntilla se la da Villa que ni siquiera se le quiere acercar por aquello del contagio como si el chiste fuera ser valiente sólo si están involucrados Colt o Smith & Wesson y frente a las demás muertes y muertos sólo se les corre, que esos no están invitados a la fiesta de las balas.
Lo que recuerda que en la primera guerra mundial se consideraba particularmente malas las muertes por armas químicas, que pues sí, es morir como mosco, y como dice un personaje en esta película él quiere morirse echando balazos. ¿Pero no dejan de ser muertos no? Que se haga esa diferencia hace pensar que no son los hombres los que bailan con cartucheras y los que suben con alegría carnavalesca a los trenes que los llevan al combate sino que son las cartucheras las que bailan con ellos y que la muerte es la verdadera maquinista de los trenes, que por cierto son otros protagonistas importantes de estas películas, tanto así que en el Compadre Mendoza la historia se inventa un ferrocarril en el estado de Guerrero, que estoy casi seguro nunca ha habido. Supongo que sin trenes en la revolución no habría sido posible movilizar a todos los impacientes por morir.
En la última escena el tren se lleva a los villistas a la batalla de Zacatecas y dejan al único sobreviviente de los seis que salieron del pueblo de San Pablo. Villa le ordena quedarse ahí pero él empieza a caminar de regreso decepcionado.
Difícilmente existe una película mexicana más importante que El Topo de Jodorowsky, porque con esa película inició el movimiento de cine de media noche en Estados Unidos.
En 1970 el dueño del cine Elgin de Nueva York, en ese entonces habían muchas salas independientes de grandes cadenas, vio El Topo en un museo y compró la película para pasarla en su cine a media noche después de las funciones normales.
Y fue un exitazo. Tanto así que John Lennon y Yoko Ono compraron la película, que le quitaron al Elgin y la pusieron en funciones corridas, ella sola, en un teatro de Broadway.
Otros cines empezaron a buscar películas raras para hacer lo mismo que el Elgin. El movimiento del cine de media noche duró hasta que llegaron las videocaseteras y los videocasetes, pero mientras duró aumentó enormemente las posibilidades del cine, echó para atrás la barrera de lo prohibido, de lo que es aceptable y por lo tanto de quienes son aceptados.
Los primeros éxitos de la media noche después del topo fueron La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, la película que detonó la cultura zombie, y Pink Flamingos de John Waters, cuyos atrevimientos siguen escandalizando hasta la fecha.
Las dos películas ya habían sido exhibidas sin mayor efecto de público, muy pocos las habían visto.
Pero encontraron sus fans a la media noche. Lo mismo pasó con El Show de Terror de Rocky, la película de culto por excelencia, la gente iba a verla cientos y hasta miles de veces, iban disfrazados y bailaban en la sala. Y antes de esa otra película de culto, la Guerra de las Galaxias.
Todo esto viene en este documental
https://ok.ru/video/3080908245663
Que acaba con Eraserhead, la última película de media noche del cine Elgin.
Sí, David Lynch también salió del agujero que el topo abrió por debajo de la industria cinematográfica en el Elgin de Nueva York.
Llama la atención que en el documental se dice que El Topo viene de la tradición del surrealismo europeo, y en un periódico americano que se alcanza a ver en el segmento de Pink Flamingos, alguien escribió que era lo más extremo desde El Perro Andaluz de Luis Buñuel, ese otro surrealista que hizo películas mexicanas.
Tiene sentido que una película mexicana surrealista haya sido la que tuvo este impacto en el cine mundial pues México parece que fue el país más importante para el surrealismo después de Francia. Aquí vivieron muchos de los surrealistas. Además de Luis Buñuel, están Remedios Varo, Leonora Carrington, Kati Horna, Wolfgang Paalen, Benjamin Péret, Gunther Gerzso y varios otros. México también tiene un lugar en la obra de Antonin Artaud aunque él no radico aquí sólo viajó por el país, y claro, el líder del surrealismo André Bretón fue amigo de Octavio Paz y declaró que México es un país surrealista.
Para finalizar, una nota positiva: Al final del documental se dice que el cine de media noche desapareció. Pues por lo menos en México no, la tradición de los maratones nocturnos de cine arrancó en la Facultad de Ciencias de la UNAM, pasó al Centro Cultural José Martí, que durante su etapa más célebre se hicieron con películas de Jorge Grajales y Victor Dagón. Hoy en día se llevan a cabo maratones de cine de terror en lugares como el Panteón de San Fernando, en la zona de chinampas de Xochimilco o en la zona boscosa de Los Dínamos.
Afortunadamente las fuerzas de la oscuridad no son tan fáciles de vencer.
Y el guión que incluye personajes y escenas geniales como la mujer sordomuda que es la que se entera de todo primero, o el asistente borrachín del compadre Mendoza.
Además el tema de la película tiene una curiosa relevancia en estos tiempos por la violencia y el ambiente político que tenemos en el país.
Rosalío Mendoza es un hacendado que se hace amigo de un general zapatista, de hecho de un hermano del mismísimo Emiliano. Tan amigo que este general acaba siendo padrino de su hijo.
Pero un chiste que recorre la película es que en su hacienda cambian un cuadro de Emiliano Zapata por uno de Victoriano Huerta o de Venustiano Carranza dependiendo de quién los visite pues Don Rosalío tiene amigos en todos los bandos.
Esas escenas hacen que la hacienda de Rosalío parezca una oficina de gobierno cualquiera, y por eso es tan chistosa, pues como todos sabemos los burócratas y funcionarios suelen poner imágenes del Señor Presidente de la República donde este aparece como prócer máximo de la patria. Y en el momento en que cambia el Presidente cambian el cuadro por el del nuevo líder eterno.
Sin embargo esta mutabilidad no es, obviamente, exclusiva de los burócratas, sucede también entre los ricos como el compadre Mendoza o el empresario de la vida real Ricardo Salinas Pliego, que al principio del actual gobierno se declaraba enemigo de los fifís. Por poner sólo un ejemplo.
De hecho uno de los personajes más famosos de la literatura mexicana, Pedro Páramo nada menos, era también un hacendado que durante la revolución se aliaba con los rebeldes para protegerse. Y claro, esas alianzas también pueden traer buenos negocios.
Y obvio, andar jugando con dos o más cachuchas tiene sus riesgos, al hacendado Mendoza casi lo fusilan y cuelgan. Una situación que en estos tiempos debe darse cada día entre los que lidian con diferentes grupos del crimen organizado.
Un detalle interesante es que supuestamente después de que los zapatistas le ponen dinamita al tren en donde va la cosecha de maíz de Rosalío, este queda en la ruina porque además sus negocios en la Ciudad de México están quebrados. Apenas en la escena anterior en la que se habla de dichos negocios estos iban viento en popa. Es un cambio brusco y sin explicación. Pero si sus negocios en la ciudad no se hubieran arruinado su traición Don Rosalío sería aún peor, traicionaría al compadre que le salvó la vida por más dinero simplemente y no para evitar la bancarrota. Se le podría así dar una lectura más política al asunto. Quedó al final el tema de la traición más abstracto, más en general y no como un juicio a un hacendado y con él a su grupo social y al gobierno, aunque de todos modos les queda el sanbenito, sobretodo porque el régimen posrevolucionario mató a Zapata a traición.Y también en una hacienda. Pero así la historia se va más por el lado de presentar al tipo que para salvarse traiciona al amigo que le salvó la vida, al que además adoraban su esposa y su hijo. Y para meter a Jung al análisis, esta esposa representaría jungianamente el anima, es decir el alma de Rosalío.
Curiosamente esta historia funcionaría perfectamente como una precuela de la anterior película de Fernando De Fuentes, El Prisionero 13. En esa película Arturo Del Diestro interpreta a un coronel alcohólico que se lleva pésimamente con su esposa con la que tiene un hijo. Puede uno imaginarse que lo que le ofrecieron al compadre Mendoza fue darle un puesto en el ejército; en tiempos de la Revolución, muchos se volvieron hasta generales sin una carrera militar previa. Y que entonces es la misma persona unos años después. Entonces en esa película ella lo deja y se lleva al hijo. Años después hay un intento de revuelta y los soldados al mando de este coronel toman presos a los rebeldes, cuyo líder es interpretado por Antonio Frausto, el mismo actor que interpreta al general traicionado por su compadre Mendoza. La mamá de uno de estos presos soborna al coronel para que libere a su hijo. Al coronel se le ordena fusilar a los rebeldes y para que no se den cuenta que soltó a uno de ellos pide que agarren a otro para fusilarlo en su lugar. Agarran a su hijo sin que él se de cuenta y la cosa está a punto de terminar en tragedia griega, cuando de repente resulta que todo fue una especie de alucinación o sueño del coronel que en ese momento decide dejar de beber. Lo cuál es totalmente absurdo pues una cosa es ser borracho y otra ser un desalmado que ordena matar a un inocente para ocultar su corrupción. Por otro lado aunque llevado al extremo, como se hace en el género de la tragedia, perder al hijo después de perder a la mujer es lógico. Y funciona perfecta la historia como continuación de El Compadre Mendoza, pues al general rebelde lo querían mucho la esposa y el hijo y a este antes de fusilarlo el líder rebelde interpretado por Frausto lo trata de consolar.
Además no se entiende bien si la historia fue un sueño o alucinación del coronel, esa escena está mal hecha y al parecer lo que pasó fue que los militares se enteraron que El Prisionero 13 los hacía ver mal y le ordenaron al director Fernando De Fuentes que la cambiara, porque él quería que fuera una tragedia estilo Esquilo.
Que por cierto en ese entonces el líder de los militares y del país no era el Presidente sino el "jefe máximo" Plutarco Elías Calles, que alguna vez ordenó fusilar a unos borrachos por no acatar sus reglas draconianas contra el alcohol cuando fue Presidente Municipal de Agua Prieta, Sonora..
Comúnmente cuando se habla de alguien que ha hecho mucho por el cine en un país se trata de una actriz o actor, un director o directora, o algún funcionario o empresario del cine. O algo así. Pero no de un cinéfilo.
Jorge Grajales es nuestro máximo experto en cine asiático pero el llamado “Rey del otro cine” domina muchos géneros y cinematografías.
Se puede decir que es un maestro y crítico entre otras cosas pero en el fondo, el origen de todo, es que es un cinéfilo fuera de serie, un cinéfilo extremo.
Platiqué con él con la idea de averiguar cómo alguien se puede volver famoso de tan cinéfilo. No llevaba preparadas las preguntas y que bueno porque una entrevista tradicional con un cuestionario nunca hubiera funcionado. El se puede extender mucho hablando y uno no puede ni quiere interrumpirlo pues tiene cosas muy interesantes que contar.
Así me entero que el último habitante del Hotel Virreyes, famoso por ser residencia de artistas de la ciudad, fue el cineasta punk Nick Zedd, que se negó a salir del hotel antes de su remodelación para convertirlo en un hotel fifí. Así que armó toda una campaña de resistencia con un reducido grupo de inquilinos, que implicó que Zedd tuviera que entrar y salir rapeleando por las ventanas de su habitación por no poder usar las puertas. Zedd, cineasta y artista multidisciplinario del underground neoyorkino logró llamar la atención de por lo menos algún medio de Nueva York, pero de ninguno de México, quizá, tal vez, pudiera ser, porque el hotel es de Carlos Slim.
También me entero que Jorge empezó odiando el cine oriental. Porque no le gustaban las películas de artes marciales y en ese entonces era un “cinéfilo mamador” y coincidía con los críticos que leía a los que se les hacían chafas esas películas.
Pero leyendo revistas del Tower Records de la zona rosa (Tienda que se extraña sin fin y más importante para la cultura que el conaculta) Jorge se enteró de las nuevas tendencias del cine asiático, en particular de la nueva ola de cine de Hong Kong y se propuso encontrar esas películas. Las primeras que se topó fueron dos películas de John Woo, en un tianguis de Cuautitlán Izcalli.
Cuenta que su búsqueda lo llevó a descubrir videoclubes japoneses en la Ciudad de México. El primero de ellos, un lugar prácticamente escondido adentro de una tienda de artículos japoneses de la colonia Roma. Que ni siquiera se veía estando ya adentro de la tienda. Hasta que vio a un tipo salir de una puerta y se asomó y encontró el videoclub con series y películas que sólo se habían visto en Japón.
Jorge ha traducido y subtitulado muchos de sus hallazgos, que no sólo busca en cualquier tienda o puesto de videos sino inclusive buscando a chinos o hindúes que han emigrado recientemente a la ciudad para preguntarles por ellas. Y entonces la plática se va a los avances tecnológicos en el tema del subtitulaje. Pero yo le pido que me platique de los legendarios maratones de cine extremo en el centro cultural José Martí que organizaba junto con un amigo.
El lugar, me cuenta, era realmente peligroso. Y vaya que debía serlo, la zona entre el metro Hidalgo y la alameda central no es un lugar donde uno quisiera estar a mitad de la noche hoy en día. Y en ese entonces recuerda Jorge, a fines de los noventas era todavía más peligroso, antes de las restauraciones/ remodelaciones del centro.
Ahí empezaron a hacer maratones nocturnos de cine extremo. En el José Martí ya hacían maratones nocturnos de cine pero no de cine extremo. La idea de Jorge y su amigo fue aprovechar la gran cantidad de películas poco comunes que ya tenían para hacer sesiones de “cine de medianoche” como habían empezado a hacer en algunos museos en Estados Unidos que no dejan que uno se quede dormido.
¿Qué tan extremas? Pues las películas que anunciaron en una de esas primeras ocasiones llamaron la atención de la mismísima secretaría de gobernación y recibieron llamadas telefónicas donde Jorge tuvo que explicar que no, no iban a pasar cine snuff ni escenas de canibalismo verdadero.
Esos maratones fueron tan exitosos que tuvieron que empezar a cobrar la entrada por la cantidad de gente que llegaba y que ya no cabía, cuando esos maratones antes habían sido gratuitos.
Platicamos de muchas cosas más, de las películas sobre la leyenda del Rey Mono, en la que también está inspirada Dragonball, de la historia de José Xavier Návar, el crítico de cine y música que durante años insistió en que existían versiones con desnudos de las películas del Santo, que fue tildado de mentiroso y farsante hasta que aparecieron esas películas, de los paralelismos entre el cine de Akira Kurosawa y el del Indio Fernández, de revistas mexicanas de ciencia ficción que circulaban en diskette y tantas cosas más que acabé por decirle que ya tenía material suficiente para un libro y no sólo para una nota.
De hecho ya hay un documental sobre Jorge “El Rey del otro cine” que se puede ver en youtube https://www.youtube.com/watch?v=g9_U1CoIeUo para saber más de este cinéfilo fuera de serie que tanto ha ampliado nuestros horizontes cinematográficos.
En el caso de Humo se trata de un niño en el contexto de un campo de exterminio en la Alemania nazi. El niño habla como tarado y sólo piensa en su mamita. Hasta le comparte de sus pocas papas que tiene para comer.
Visualmente es muy bonita, muy bien hechecita y endulza al holocausto no sólo por lo visual sino también por la historia. Dudo muchísimo que en los llamados campos de la muerte los niños pudieran retozar en el pasto con sus mamás.
En el caso de Tótem a una niña se le está muriendo su papá de alguna enfermedad incurable y al final el papá se muere. Esa es toda la historia.
Nos enteramos que se va a morir desde la primer escena y hasta que vemos que ya se murió en la última estamos como espectadores al estilo “mosca en la pared” como invitados invisibles en la casa del abuelo, dónde vive el papá y donde sus hermanas le preparan una fiesta. Llega toda la familia, los amigos y al final se hace la fiesta para el moribundo.
En realidad casi todo lo que vemos no es más que una típica familia en su vida cotidiana. Y decir que se trata de ver la cotidianidad es quedarse corto. Al igual que el personaje del abuelo que aparece podando un árbol bonsái a la directora de esta película parecen encantarle las cosas más pequeñas. Y banales. Las hormigas en la pared, los caracoles en el jardín, que si la niña se tarda mucho cagando, que si la copa menstrual.
Sí, las actuaciones son excelentes, de la niña protagonista para empezar, y al igual que en el caso del cortometraje se nota una producción muy cuidada que da una sensación de gran realismo a la familia y a la película. Uno se queda con la sensación de que sí, esa parece una típica familia mexicana de clase media, y le reconozco su dosis de humor e ingenio.
Pero prefiero las películas que cuentan una gran historia. Denme crimen o pornografía o acción o aventura o misterio, siquiera personajes que no sean comunes o corrientes, alguna situación que salga de lo ordinario. Porque para ver la vida cotidiana de alguna familia preferiría quedarme en mi casa o ir a la de algún familiar.
Las películas de ¡Aaaaay que lindo, aaaaaay que tierno! Me dan mucha ¡Aaaay que güeva!
Todo, todo el tiempo en todas partes: Casi como un nuevo teléfono ya no móvil sino subcutáneo. El nuevo modelo se inyectará (sin dolor), y se activa realizando actos que para cualquier observador son absurdos pero que son dictados por las computadoras del "alfaverso", el universo superior. Así que flojitos y cooperando que esto está inclusive por arriba de ChatGTP.
Y lo que sucede cuando se activa la app trascendental, o trascendente, de este sistema de nueva generación es como lo que dicen que sucede cuando uno se muere: Se ve toda la vida de uno pasar en un instante. Y después de eso las posibilidades se vuelven infinitas. Claro, gracias a los sistemas del alfaverso pero también al poder de la mente ¿si no qué iban a decir los gurús de la autoayuda?
Hay sin embargo inconvenientes como las distracciones constantes de estar en el alfaverso o estarse conectando y desconectando con "la mejor versión de uno mismo" o estar en quien sabe que otro universo multitaskeando además con una relación o alguna otra cosa presencial.
Pero no hay de que preocuparse porque llegará una supervillana a darle sentido a la existencia.
¿Y para qué todo esto? ¿Tantos universos, posibilidades, una dona de chocolate maléfica, alta tecnología y demás? ¿De dónde viene y a dónde va este enfrentamiento entre el bien absoluto y el mal absoluto? ¿A dónde la lucha por salvar a todos los universos?
Inclusive se toca el tema que el bien es el límite y el mal lo ilimitado, que es parte de la filosofía de Baruch Spinoza* (Y quizá de otros) pues en esta película, Evelyn, la madre, descubre que todo es posible sólo para enterarse que su hija por ese mismo hecho de que todo le es posible se volvió una supervillana sin moral.
Dejando a un lado el tema de límites y moral tan fuera de lugar aquí, lo que sí es más fácil de deducir es un tema más de "economía" por decirlo de algún modo.
Que tanta riqueza de universos y posibilidades hace que un universo o un millón de ellos no valgan nada y que todo de igual. Eso sí se ve en la película que llega a un punto en que se estanca en un diálogo deprimente. Como en un caso de maniacodepresión o bipolaridad o de euforia por drogas y depresión post bajón.
Hay además otros temas mezclados en esta maloliente sopa de todo:
El tema del mesías o la mesías, la persona que se espera que llegue y arregle todo.
La nostalgia como esperanza de que todo vuelva a ser como antes.
El efecto mariposa: La idea de que un pequeñísimo cambio casi imperceptible, el aleteo de una mariposa, se llegue a convertir en un huracán y lo cambie todo.
El giro copernicano: Entre tantas cosas con que se intenta rellenar, fallidamente, las más de dos horas de la película está lo de que cuando se creía que la tierra era el centro del universo y el humano era el amo de la tierra y por lo tanto del universo las cosas tenían sentido pero desde que se vio que la tierra es la que gira alrededor del sol (El giro copernicano) todo pierde sentido y empeora con cada nuevo descubrimiento.
¿Y en qué acaba todo esto? ¿Cuál es la respuesta?
Pues llorar.
Al final todo acaba en un sentimentalismo de lo más barato y empalagoso posible.
Resulta que todo fue para que corran ríos de lágrimas como en una telenovela venezolana. De las cursis, y que la madre y el abuelo acepten a la hija/nieta lesbiana.
Que siempre fue lo único importante aquí. Y que los universos infinitos chinguen a su madre.
Ah, y también que se abracen la mamá y el papá, llorando claro, pero eso ni chiste tiene pues desde el principio se ve que el marido es sólo un perrito chihuahueño faldero. Pero sin carácter. Y mandilón.
*Etica demostrada según el método geométrico
La película empieza con un tipo, que no vuelve a aparecer, diciendo que la moral es una cosa de ricos. Luego vemos la historia de este carnicero al que todo en la vida le ha salido mal, desde que nació puede decirse, y pierde su carnicería porque lo meten a la cárcel por agarrar a cuchilladas a un tipo por violar a su hija. Sólo que se equivocó, nadie la había violado, fue una confusión. Ella acaba en un orfanatorio y él la abandona y ella ni le habla.
Todo esto se explica con títulos y fotos fijas al inicio de la película que en la realidad se trata principalmente de ver a este tipo sin trabajo, viviendo en los bajos fondos y escuchar su diálogo interno. Pero todo eso está muy bien, tiene una atmósfera de novela negra o Bukowskiana, muy dura, muy underground. Para los que nos gustan esas cosas está muy bien.
Pero la situación que se plantea, de un tipo sin ninguna salida no me parece muy real. No creo que en Europa las cosas sean así. De hecho hay una inconsistencia, se supone que este tipo nace en 1939 y la historia se desarrolla en 1980, o sea que este tipo tendría como 40 o 41 años. Pero dice que tiene 50, y se ve como de 50. Como que se ajustaron las fechas para que coincidieran con alguna recesión económica, y que al papá del protagonista lo hayan podido matar los nazis por comunista. Para aumentar el malditismo, para que su situación desesperada suene más creíble. Y justificar lo que hace después. Pero, ya sabemos que es lo que a los cineastas franceses les gusta. Y quieren justificarlo.
El tema es central en Oppenheimer. En una escena Edward Teller, el "Padre de la bomba H" llega con los científicos que están haciendo la bomba nuclear y les enseña unas ecuaciones donde explica que la explosión podría acabar con la atmósfera de la tierra. Oppenheimer va a hablar con Albert Einstein del asunto y cuando detonan a trinity, la primer bomba nuclear, Oppenheimer apuesta diez dólares a que no acabarán con el mundo.
En la escena final de la película Oppenheimer regresa a hablar con Einstein y le dice que cree que sí desencadenaron algo que puede acabar con el mundo, pero ya no se refiere a una sola bomba que pueda hacerlo, sino a la carrera nuclear.
En Plan 9 from Outer Space, no se menciona por supuesto a Edward Teller o a ningún científico, pero los extraterrestres que llegan a la tierra vienen porque la capacidad de hacer explosiones de los humanos podría acabar con el universo, y mencionan específicamente que ya hay bombas capaces de incendiar la atmósfera terrestre.
Y el plan 9 de los extraterrestres es muy interesante: Se van a poner a resucitar muertos a ver si así les hacen caso. Llámenlos zombies o vampiros, pero creo que hay algunas religiones por ahí que también se basan en resucitados.
El barrio es bueno y sabio y su justicia justa a diferencia de la justicia oficial. Le brinda protección a sus hijos gracias a la corrupción se dice al principio, pero no puede evitar que los cuatro amigos acaben en un reformatorio. Y es algo que pasa seguido, tanto así que en el argot del barrio se les dice sleepers a los que han estado en un reformatorio. La protección no es tan buena como para evitar que los del barrio caigan en el reformatorio o en la cárcel. En una escena uno de los chicos le pregunta al padrecito, que también estuvo en el reformatorio si acaso tiene algún amigo que no esté en la cárcel. El papá de uno de ellos dice que con todo el tiempo que él estuvo en la cárcel, no es necesario que ahora su hijo se vaya al reformatorio. También hay mucha violencia intrafamiliar. ¿Tendrán que ver unas cosas con otras?
¿Y que enseña el barrio? A ser fuertes, para que no se los coman vivos, según esto. Paradójicamente la última vez que alguien les dice a los monaguillos que sólo estaba tratando de hacerlos fuertes, se trata de uno de los guardias del reclusorio que los violaba , golpeaba, torturaba y demás. Otro de esos guardias se volvió catequista. Eso suena coherente. ¿Y qué es lo peor que les hacen en el reclusorio? No sabemos, sólo se nos dice que fue en su última noche ahí y que los obligaron a rezar mientras les hacían cosas y se burlaban de sus rosarios y estampitas religiosas. Eso sí ya fue el colmo.
Ellos pensaron en hacerse sacerdotes de chicos y ¿que es lo que más les llamaba la atención? Escuchar confesiones. Una vez dos de ellos se metieron al confesionario y una mujer les confesó que se acostaba con casados, ellos creían que ella pensaba que estaba hablando con un sacerdote pero al final les dice: Muchachos, gracias por escucharme. Engañadores engañados, como deben haber tantos en el barrio, que es el gran mercado de los chismes, chismelandia, la meca del chisme y de los timos y fraudes como se dice en la película. En fin, que dejar que otros los hagan fuertes y oír chismes puede ser engañoso. Y lo que sirve para hacer el bien es lo mismo que para hacer el mal, como da a entender King Benny cuando dice que el Padre hubiera sido muy buen sicario pero se fue con el otro bando. Eso sí, uno de los monaguillos se vuelve fiscal pero decide irse a vivir al campo y dejar toda esa mierda atrás. Porque el que la verdad del barrio sea engañosa no quiere decir que la del sistema de justicia sea mejor.
Todos los hombres aquí son malos, faltaba más, y la película está entrecortada para ganar premios en festivales aunque por momentos no se entienda lo que pasa. Como cuando la madre destapa una tubería con un líquido y corte a: La hija menor perdió un ojo por exponerse al líquido por culpa de Kevin (¡¿?! ¿cuándo? ¿cómo?) Pero como la edición es de "Arme usted el rompecabezas" y sale Tilda Swinton además de Jonny Greenwood de Radiohead en los créditos, sin importar que las canciones del soundtrack estén bastante malitas y no aporten nada, se supone que esta película es una fina salsa artística, cuando en realidad es sólo una mala catsup.
Esta película originalmente llamada "El pequeño cuarto trasero" en Reino Unido y Hour of Glory en Estados Unidos (Y en Argentina "Su Peor Enemigo") es un clásico británico en donde los civiles son los villanos. Así como en la típica película antibélica los generales suelen ser los villanos en esta que no es antibélica, de hecho es de poco después del fin de la segunda guerra mundial y se le nota cierto odio a los alemanes, los malos son los civiles. Los enemigos sólo dan como el escenario bélico. ¿Pero pues que hacen los civiles? Están relegados al pequeño cuarto trasero, al que se refiere el nombre de la película y ahí lídereados por un científico se dedican a grillar, al engaño, la vanidad, la insidia y la corrupción etcétera etcétera. Uno de ellos no deja de hablar por teléfono con su novia, mientras otro parece preocupado sólo por la alfombra de la oficina y les quieren endilgar a los militares, por algún oscuro motivo, un cañón que los militares dicen no les sirve de nada.
Ah y claro, los de ese pequeño cuarto no están solos, participan en su maldad políticos importantes incluyendo a un ministro. Nuestro héroe, Sammy, trabaja en esa oficina y es un experto entre otras cosas en bombas, y claro, no participa de la maldad civil. Su novia tampoco es mala y también trabaja en esa oficina, pero un día le exige a Sammy que les plante cara ante sus intrigas. Como Sammy no lo hace lo deja. Y Sammy, que de por si tiene problemas con la bebida porque perdió una pierna y su prótesis le duele y lo único que le quita el dolor es el whisky, pues las pastillas le caen mal, se pone hasta atrás y apenas puede responder cuando lo llaman para desactivar una bomba.
Pero desactiva la bomba heroicamente y al mismo tiempo los militares toman el control de las cosas, ponen su propia oficina de investigación e invitan a Sammy, al que le ofrecen darle un grado militar. Así ya como militar su novia lo recibe de nuevo, con una botella de su whisky favorito.
Así, el volverse militar resulta ser una especie de graduación, o iniciación en la "verdadera masculinidad" para Sammy, y no es el único punto en que se pone a los militares como hombres de verdad frente a los civiles. De hecho otro civil experto en bombas de la oficina es una especie de nerd tímido nervioso cuya esposa lo engaña con otros. Y por ahí aparece una palabreja, "boffin", que al parecer es como una versión antigua e inglesa de nerd. Curiosamente la película está basada en la novela, del mismo nombre, de un tal Nigel Balchin que trabajó en la guerra como investigador al servicio de los militares. Y en alguna parte leí que era experto en... computación. Debió ser un experto muy precoz de la computación.
Un "astromatemático" se va a vivir a una granja en Inglaterra junto con su joven esposa inglesa, pero a algunos hombres del pueblo no les gusta que les haya quitado a esa chica, pues ella es de ahí, y en general como que no les gusta el nerd americano. Nada extraño hasta aquí, como es sabido, en el cine americano, los británicos suelen representar a los extranjeros, extraños o villanos muy frecuentemente, pues son de otro país pero con la ventaja de que hablan inglés.
Ese es el escenario de arranque de "Straw Dogs" o "Perros de paja", película del 71 del muy reconocido director Sam Peckinpah.
Al final el matemático se revelará como un hombre capaz de defenderse, de ponerse violento y de usar su ingenio para matar a varios hombres. Y se da un contexto en que eso significa una especie de encuentro con su bruto interior, y que eso significa un final feliz.
Lo que sucede es que en la localidad había un tipo de apellido Niles, a quien consideraban en el pueblo un pervertido que no querían que se acercara a mujeres o niños. ¿Qué pasaba con Niles? ¿Era un pedófilo, un violador? Al parecer su problema es ser un bruto, un tipo de baja inteligencia. Eso se puede deducir porque mata a una mujer, la asfixia, sin querer, por idiota.
Sin saber que Niles ha hecho eso, nuestro matemático y su esposa lo atropellan accidentalmente y lo llevan a su casa para atenderlo. Los hombres con quienes el matemático Sumner ya ha tenido problemas llegan por Niles, para saber que pasó con la chica que se fue con él. Pero son muy violentos y entonces Sumner pinta su raya y dice en mi casa mando yo y ustedes no entran ni se llevan a Niles. Aunque su esposa también le pide que lo entregue ante un violento asedio.
Al final el nerd americano se va en coche con Niles, y parece que es su mejor nuevo amigo.
Según algo que leí Sam Peckinpah era un director que decía abiertamente que un verdadero hombre no puede dejar de ser violento. Como dato curioso, en la novela en que se basa la historia "The Siege of Trenchers Farm" o El Asedio a la Granja Trencher, el protagonista en vez de ser un matemático es un escritor que escribe un libro titulado "Un hombre completo".
Pero si uno no supiera que la película es de Peckinpah. Director de por si asociado con violencia por sus películas, independientemente de lo que haya dicho alguna vez, lo que llama la atención de Perros de Paja ahora, no es la violencia entre los hombres sino la violencia contra las mujeres especialmente contra Amy, la esposa. Porque antes de la batalla final ella es violada por dos de los hombres del pueblo. Al parecer en su momento la escena de la doble violación fue censurada, pero al cortar algunas tomas parecía que Amy disfruta la violación. Entonces mejor la dejaron como estaba.
Y sin embargo lo que más llama la atención es que ella no dice nada después, tan sólo una indirecta que le lanza a su esposo y que él no capta. O sea la violan a punta de escopeta pero ni que fuera para tanto.
A la violencia del nerd se le podría hallar justificación porque aunque él sabía que los otros a final de cuentas lo que querían era saber donde estaba la chica que se había ido con Niles, él no sabía que Niles la había matado, ni sus antecedentes. Y sí sabía que quienes venían por él eran nefastos.
Además su esposa le había dicho que era un cobarde que no podía tomar partido o luchar por algo. Demostró valor y además cuando él así lo quiso, no cuando se lo pidieron.
Entonces eso podría justificarse pero el colmo es que Niles también quiso abusar de su esposa y Sumner tampoco se enteró de eso y se va muy feliz con él, dos idiotas contentos. Probablemente se echaran unas chelas celebrando que el nerd encontró su lado idiota.
Eso sí, es una historia bien contada. Y eso nadie lo puede negar.
En esta película, los nazis pierden, acaba con ellos el héroe americano como es de esperarse. Pero si se tratara de calificar la simpatía y atractivo, los nazis ganan de calle. Uno de ellos, el científico Albert Vogel, además de ser un genio capaz de construir una bomba nuclear, es el personaje más atractivo y simpático, por mucho. Y no me gustan los nazis nada. Por eso me llama la atención que se los presente tan atractivos. El gringo a pesar de ser el personaje principal, es un tipo gris, triste, gana porque tiene que ganar sin demostrar ningún ingenio, astucia, humor o cualquier otra cualidad. También hay una mujer israelita vengadora y a ella, se la mata en el guión sin ningúna consideración. Al final el gringo gana, gracias a que usa un coche bomba fabricado por el nazi Vogel y el gran remate es que se fuma un cigarro con su cara triste con el trasfondo de la destrucción. Con esos héroes como no querer a los villanos.
Cocaine bear es una típica "monster movie" adicionada con un toque de película de narcos idiotas. Con acción y suspenso pero más que nada con comedia. Y aunque salen kilos y kilos de cocaína no deja de parecer que la película clasificada para adultos va dirigida también a un público infantil. ¿Cocaína enfrente de los niños? Parece que sí, hay dos madres con sus hijos, es decir la osa y sus oseznos y una mamá con su hija que con su amiguito se mete unos buenos pericazos. Y además de protagonistas infantiles y madres hay muchas cosas digamos "tiernas" en Cocaine bear. Para empezar está ambientada en los ochentas, o sea hay un elemento nostálgico. Y también hay un perrito con moños rosas, narcos y villanos llorones y sensibles, y un abuelo narco malo pero que debe cuidar a su pequeño nieto. Es como si eso que parecía tan temible en los ochentas, la cocaína, no fuera nada que una madre no pudiera arreglar. Y que frente a cosas como el fentanilo, pasa a ser una cosa de niños.
Un dialogo al final lo resume bien, cuando el niño que se comió un puñado de coca le pregunta a la mamá de su amiga:
- ¿Tendremos que ir a rehab?
- No, no pueden ir a rehab porque están castigados.
O sea el mocoso ya hasta quiere irse al rehab como la gente grande ¿pues qué se ha creído?
Y por cierto, ya viene "Attack of the Meth Gator", el lagarto en metanfetaminas.
Con semejante conciencia no es de extrañarse que el croupier al final decida que su adicción a ver a la gente perder dinero no es tan mala, ni lo de codearse con criminales en el lado peligroso de la noche. Que deje la idea de ser escritor y se consiga una novia también croupier, que trabajó de prostituta y que dice que ambos trabajos son el infierno pero al menos de croupier sabe en donde está parada.
Buena película noventera, que logra dar la impresión al espectador de estarse asomando a la cara oculta del mundo de los casinos.
