Confórmate y come galletas

Stranger than Fiction es una película que trata de ocultar en una narración compleja una historia que en realidad es sumamente tonta. Detrás de la escritora con un bloqueo, el tipo que descubre que es sólo un personaje de una novela, y que va a morir, y la profunda sabiduría del profesor Hibert sólo hay la muy de moda historia del tipo aburrido, rutinario y rígido que cononoce a una chica un poco loca que le rompe el esquema. Pero ni siquiera es una buena historia de ese tipo. O sea el personaje principal es un obsesivo del reloj y trabaja en la oficina de recaudación de impuestos, o sea es un esclavo del sistema y la chica loca es una rebelde. Sólo que su rebeldía es ridícula: Ella entro a estudiar derecho a Harvard, ese foco de insurrección (sic). Pero ahí se dió cuenta que lo suyo lo suyo era hacer galletas, así que dejó Harvard y puso una galletería, porque así es como ella combate al sistema. O sea, ahora resulta que Mrs Fields es más peligrosa que Carlos Marx. Y además ella no paga completos sus impuestos, aunque al final nos enteramos que lo que pasa es que no había deducido las galletas que regala, así que no era siquiera una evasora de verdad. Los otros dos personajes que acompañan a la pareja principal también nos dan una idea de la mentalidad cerrada de los creadores de esta película: Karl Eiffel es una novelista que trabaja en una oficina en un moderno edificio, o sea no hay que hacerle creer al público que hay gente que no va a una oficina a trabajar. Y el profesor Hibert tiene un panorama tan completo y esquemático de la literatura que después de unas cuantas preguntas puede saber que escritores pueden ser los autores de una determinada historia. Así que ya saben: No hay nada nuevo bajo el sol y todo mundo a pagar sus impuestos y comer galletas.

Guía del Viajero Intergaláctico Tatcheriano

Es una película que presenta no un país, no un planeta, sino toda una galaxia dominada por la peor de todas las burocracias: La de los vogones, unos Godínez (Mexicanismo para designar oficinistas) del espacio dispuestos a acabar con cualquier forma de vida inteligente en base a exigir original y tres copias de todo. Nada más de verlos a los vogones se les nota en la mirada de vaca muerta, las carnes gruesas y la forma lenta, ceremoniosa y desesperante de hablar que son creaturas de oficina a las que nunca les da el sol. Y ni siquiera el Presidente de la Galaxia puede contra ellos pues este es sólo un tipo narcicista con una buena sonrisa y una gran cabellera que es tan superficial que firmó la autorización para destruir la tierra creyendo que le estaban pidiendo un autógrafo. Burocracia maligna, políticos inútiles y lo único que funciona es una empresa privada capaz hasta de reconstruir planetas.

Con esa trama resulta significativo que la primera versión de la Hitchhikers Guide to the Galaxy haya aparecido por primera vez como una serie de radio, y paradójicamente, en una estación de la gubernamental BBC, en 1978. Justo un año antes del arribo de Margaret Tatcher al poder. El creador de esta franquicia, Douglas Adams, también estuvo encargado del guión para la película, aunque como se murió antes de que se filmara, hubo otro guionista que le hecho mano a la historia. Pero el tema de la burocracia era sin duda muy importante para Adams. Es uno de los dos únicos guionistas no pertenecientes al grupo de los Monthy Phyton que tiene créditos como guionista en esa famosa serie de TV, y el primero de esos créditos es por un sketch acerca de un doctor que le pide a sus pacientes que contesten formularios con preguntas absurdas mientras se desangran.

El número de la burocrática bestia

Numbers Station es una película de espionaje que me parece sólo nos puede gustar a los que nos gustan las películas de espionaje aunque sean malas. En Numbers Station el conflicto central es el mismo que puede tener cualquiera que trabaje en una organización burocrática pública, o privada, nada más que llevada al extremo. Es decir, el personaje principal, que no es un número sino una letra, R, tiene una vida completamente vacía. Es sólo una letra y no sabe para que hace lo que hace. Pero todo lo que hace está controlado por unos números fríos. Si la cifra es correcta tendrá que matar a alguien por ejemplo. No debe permitir que sus sentimientos interfieran para nada. Y no se imagina haciendo otra cosa. La película transcurre en un búnker tan frío e impersonal que de hecho complica seguir la trama pues todo se ve igual. No importan quienes son los malos o porque hacen lo que hacen, simplemente son los otros. Y de hecho tampoco importa que alguien sea de los nuestros, igual puede ser que haya que eliminarlos a ellos o a algún "cabo suelto" que estuvo en el lugar equivocado a la hora equivocada. Esta película me recordó mucho a El Precio de la Codicia.

Zombie storytelling

Mi Novio es un Zombie empieza con un muy buen monólogo en off, los pensamientos de un zombie mientras camina por el antiguo aeropuerto en donde viven puros zombies. Aquí todo entra dentro de lo que ya parece todo un género que crítica a la actualidad o modernidad como algo fantasmal, o en este caso, muerto viviente. Al igual que en Oblivion sobre todo, hay una nostalgia por el pasado predigital, y los recuerdos de los tiempos felices preapocalipsis zombie cuando todos estábamos vivos se presentan en viejos formatos. Además se relaciona "caminar como zombie" con que todo mundo camine embobado con sus gadgets. Por alguna razón las canciones de los ochentas me hicieron pensar "otra película con los 80´s como la época dorada y perdida". Aunque realmente no se porque pues si no mal recuerdo en otras películas apocalípticas con nostagia del vinil como "Buscando un amigo para el fin del mundo" y Oblivion los discos que salen no son ochenteros. En Oblivion creo que sí se ven algunos pero siento que es algo que quizá he captado de otras películas.

Y lo de situar el mundo zombie en un aeropuerto me parecíó una gran idea, porque si se trata de criticar la actualidad, lo de hoy son espacios como aeropuertos o centros comerciales, no las calles. Total que  parece que la idea original de la película era interesante: algo así como una versión contemporánea de la bella y la bestia, pero con un zombie haciéndole de bestia. Además del buen monólogo con que inicia la película, también la parte visual se ve prometedora, inclusive diría yo que la actuación del zombie promete. Desafortunadamente no tarda todo en irse al diablo cuando la película cae en una génerica y aburrida "monster story", que ni siquiera es de zombies, sino de los "boonies", o como se llamen, lo que prueba según yo que se traiciona la idea original. Ah y en una historia "diamorrr" muy cursi. En este blog he escrito varias veces que no hay películas de amor. ¡Pero así no! Esto es patético.

Iba a poner que como historia de mounstruos, esta es genérica intercambiable por insabora e indiferente pero la verdad es que no es intercambiable: Es muy mala. Me da la sensación que había una buena idea original y que el guionista entonces agarró algún manual para hacer guiones y hecho todo a perder. Y pienso en un manual porque la película pierde todo rastro imaginativo y pasa a ser una burda mezcla de lugares comunes. Tanto así que la comunidad postapocalíptica armada hasta los dientes usa balas contra los zombies. ¡Ah sí, es que debe haber balazos! Aunque eso no sirva contra zombies.

Y ya para acabar, ¿Han notado en cuántas películas recientes sale una hija con padre sobreprotector? Los Croods, Valiente, Hotel Transylvania, Hanna, Bienvenido a los 40, Pérdida de la Inocencia... Por algo será.

La capilla del vacío

Cosmópolis es un drama existencialista pero la duda existencial no es sobre la vida sino sobre el dinero. Eric Packer el personaje principal es una especie de Elon Musk que mira para abajo hasta al presidente de Estados Unidos: Le avisan que hay una amenaza de muerte contra el presidente y pregunta si no hay blancos más interesantes que los presidentes de Estados Unidos. Eso de querer matarlos se le hace pasado de moda.

A lo largo de la película diferentes personajes se preguntan que es el dinero. Queda claro que es información y que para Packer es poder y un escudo que le da seguridad y confort. Pero él por un lado es paranoico y quiere toda la seguridad posible pero por otro tiene un deseo como de liberarse de su vida, de la seguridad y la planeación, pero esto llega a ser un deseo de muerte: Mata a su jefe de seguridad, y sabe que lo quieren matar, le pide a una de sus guardaespaldas que le dispare con un taser, y se mete al cubil del que quiere matarlo en donde se dispara el mismo.

Esta dispuesto a pagar lo que sea para comprar la capilla de Rothko. Una capilla, obra de Mark Rothko, que está completamente vacía y en lugar de imágenes tiene paneles negros. La capilla de la nada.

Al final el tipo está tan vacío como su exempleado que lo quiere asesinar para ser alguien pues dice que siente que la luz lo atraviesa de lo insignificante que es.

La película critica al dinero pero también a la izquierda. Hay una protesta anarquista y Packer y una de sus empleadas ven como un protestante se inmola. Y dicen que eso no es mas que una imitación, de los monjes vietnamitas que se prendían fuego durante la guerra. Además le dice al tipo con una toalla en la cabeza que lo quiere matar que no cree que se haya interesado nunca por los demás cuando este empieza a tirar rollo justiciero egalitario. Y parece que tiene razón pues este cuate dice que tiene muchas ganas de matar gente.

Packer, el joven magnate, no conoce el amor. Su esposa se sorprende al descubrir que tiene ojos azules. Nunca se los había visto.

Cosmópolis tiene una cosa como visionaria, se supone que Eric Packer ve lo que no ha pasado aún, y la historia misma tiene elementos un poco adelantados a su época. Como la información que llega a la limousine de Eric del "complejo" que parece inteligencia artificial. La forma en que hablan de las calles: "calles completas serán borradas" como adelantándose al waze y similares. Y los miles de millones que Packer Capital pierde en un día hacen pensar en la gran crisis financiera de 2008, que aún no sucedía cuando salió cosmópolis.

La "jefa de teoría" de Packer dice que antes el tiempo era dinero (como reza el viejo dicho de Benjamin Franklin "time is money"), pero que ahora el dinero es el tiempo. ¿Y si eso tan parecido al ser que es el tiempo es dinero y es algo tan elusivo como por ejemplo una criptomoneda dónde queda el ser?

Esta inmaterialidad de las grandes finanzas es un tema común en el cine sobre Wall Street. En Margin Call por ejemplo, un personaje cuenta que antes trabajaba como ingeniero construyendo cosas, recuerda un puente, y extraña hacer cosas concretas. Y como le dice alguien a Packer el dinero es el que quiere cosas. Jugando con esta idea quizás al dinero invisible es al que le gusta la capilla vacía de Rothko. O es el que pide el corcho para la limusina para aislar el ruido. A Eric le gusta el ruido, pero que de cualquier manera pidió el corcho para su capilla rodante porque es lo que debe tener una limusina, aunque ni aísle del ruido al joven magnate a quien para empezar el ruido ni le molesta.

Cosmópolis  tiene todos los ingredientes para entrar en la categoría "Recuerdos fantasmagóricos al final de la historia". Lo fantasmal se lo dan esos diálogos extraños, muchas veces incoherentes. Todos los personajes hablan con un estilo literario irreal que establece una distancia entre el propio personaje y su realidad; o sea hablan de lo que les pasa como si le pasara a otro. La historia misma es apocalíptica: como dice la "vendedora de teoría" puede que todo cambie ese mismo día. O como dice uno de los posters de la película "Cuando él muriera no moriría él. El mundo moriría". Además también, en cierta forma, tiene el elemento de la búsqueda de un recuerdo, de una época más simple y concreta, pues una gran parte de la historia es esta especie de odisea a través de Manhattan buscando una peluquería, que sólo al final nos enteramos que era la peluquería de la infancia de Eric Packer.

De hecho la frase "Un espectro recorre el mundo", que como expliqué en este post, da origen al genero musical del "fantasmismo" o "Hauntology" aparece afuera de la limousine de Packer en un gran tablero de LED´s de esos en que pasan textos con noticias. Sólo que la frase relacionada con el fantasmismo es del filósofo Jaques Derrida y se refiere al espectro del comunismo y aquí la frase completa dice que el espectro que recorre el mundo es el del capitalismo. ¿Qué no vivimos en el capitalismo? Pues hay quienes dicen que no, señalan que el sistema en el que vivimos ya no es el viejo capitalismo. 

This is 40

¿Porqué me gustó Bienvenido a los 40? No es mi tipo de película. El colmo es que acaba con una escena con Ryan Adams que no me gusta nada. ¿Nada más porque sale Megan Fox? Creo que no, me gusta el estilo abierto de Judd Apatow, esa cosa como de voy a dejarte entrar a que veas mi familia. Apatow a dicho que la película está basada en su vida personal y además salen su esposa y sus hijas interpretando a la esposa y las hijas de la película. También muestra apertura en sus personajes, a nadie se le hace el feo aquí: Lo mismo pueden entrar a la fiesta y al negocio una prostituta o a una mujer fea que ni coje; un papá mantenido o uno abandonador. O una estrella olvidada del rock, que es en la vida real una estrella olvidada del rock. Más allá de las escenas de plano de proctólogo parece que el director de verdad nos está dejando asomarnos a la vida íntima de ciertos personajes.

Claro que también se nota que Apatow tiene una política muy abierta en cuanto al guión y la edición. Una buena parte de la película se hubiera quedado en la sala de edición con cualquier otro. Y se nota que no es muy exigente tampoco con las ideas que se le ocurren para la historia. Ni con los chistes por cierto. Una película a la que se puede acusar de dispareja e informe, pero no tiene caso pues se nota que la idea de Apatow es precisamente no buscar algo demasiado perfecto, no filtrar mucho. En la película al personaje de Leslie Mann se le ocurre en un momento dado mejorar la alimentación de su familia, poner horarios para conectarse a internet y una serie de cosas así. Y al final llegan a la conclusión de que estaban mejor antes de intentar tantas "mejoras".

Una cosa interesante de este director es que se nota que deja improvisar a los actores y luego ya escoge lo que le gusta para la película. Debido a eso hay muchas escenas, y bloopers, en youtube de cosas que no salieron en la película. Como esta:

Bajo los suburbios

En Frankenweenie Tim Burton retoma, entre otros mitos cinematográficos, el del pueblo o lugar construido sobre un cementerio indio o tierra sagrada india. Este es un mito que según tengo entendido viene de películas como poltergeist y muchas otras, sobre todo de terror. También se supone que hay algo de esto en El Resplandor de Kubrick. Esto de estar sobre tierra sagrada, tomada a la fuerza despojando a los indios, provoca que en alguna aparentemente muy tranquila población sucedan hechos extraños y terroríficos. En el caso de Nueva Holanda, el típico suburbio americano en donde tiene lugar Frankenweenie, al mito de que se encuentra sobre un cementerio indio, se le agrega un cementerio de mineros muertos o una mina de oro llena de mineros muertos. Da lo mismo, el caso es que el lugar fue hecho gracias a la explotación y despojo de las almas enterradas abajo. Y curiosamente esta maldición se manifiesta en forma de muchos rayos que matan gente. O sea de la energía, y el símbolo de Nueva Holanda también tiene que ver con la energía pues se trata de un molino de viento sobre una colina. Como es de suponerse este símbolo deberá arder entre las llamas antes de que pueda triunfar el bien.

Y el mal no sólo está enterrado en las entrañas de este fraccionamiento, también está por encima de él pues el alcalde de Nueva Holanda es un tipo de esos que salen con antorchas a quemar brujar o inmigrantes ilegales; o perros como Sparky. También es un tipo obscurantista seguramente puritano y muy religioso que hecha al profesor de ciencia de la escuela primaria de Nueva Holanda. Y hace cantar a su sobrina el himno de Nueva Holanda y de sus casas que se pueden adquirir con bajas tasas hipotecarias. Por suerte para los habitantes de este lugar la cuenta de su riqueza y de sus fuentes de energía malhabidas les llegará en forma de una tortuga estilo godzilla, seamonkeys de agua dulce que mueren al hecharles sal, un gato-vampiro y otras cosas así y no de chicos suburbanos desquiciados armados con bombas o metralletas. No digo que las víctimas de atentados tengan la culpa de nada, conste. Desprecio totalmente a la gente que mata nomás por matar. Sólo digo que el equivalente en el mundo real, en los suburbios de verdad, de los monstruos, fantasmas y demás agentes del terror del cine son los ataques de los loquitos, y entre los loquitos van incluidos todos los terroristas.

Interpretación del tomatómetro

Quedé estupefacto, estupefacto les digo después de ver las calificaciones en Rotten Tomatoes de The Yellow Handkerchief y de Goats. El pañuelo amarillo, me pareció pésima, malísima ¿Y qué calificaciones tiene en Rotten Tomatoes? 67% de los críticos y 60% de la audiencia. En cambio Goats, sin ser la gran cosa, me parece una película muy disfrutable. Sus calificaciones: Críticos 20% y Público 41%.

Primera conclusión: Los críticos americanos son unos idiotas. No es la primera vez que lo noto, parece que suelo estar más de acuerdo con el público que con la crítica. Aún así me pregunto ¿qué está pasando aquí? ¿Cómo es qué el promedio de la opinión de más de 12 000 personas le da un 6 de calificación al pañuelo amarillo? Seis es apenas pasable, pero aún así es demasiado. Esta es una película aburridísima, muy lenta. Su ritmo llega al nivel de película francesa pretenciosa. Supongo que entra dentro del género de Road Movie, pero los personajes se la pasan parados, sin hacer nada, esperando algo: cruzar el río o que pase el camión. Es una road movie con el motor descompuesto. Y lo más irritante es que desde el arranque la película nos está avisando que debemos encontrar fascinante a Brett, el personaje de William Hurt. ¿Pero porqué? Pues quién sabe, pero vemos que es un tipo respetado en la cárcel, y que Martine (Kristen Stewart), inmediatamente cae rendida a sus pies. Pero es sólo un tipo cualquiera que no hace nada interesante. Y luego se supone que como espectadores debemos emocionarnos con la historia de May el gran amor de Brett. ¿Por? Pues supongo que porque sí.

¿Será tal vez que la calificación del público de Rotten Tomatoes no es muy representativa? Según  el sitio Box Office Mojo al pañuelo del sopor no le fue nada bien en taquilla, apenas recaudó en cines menos de 400, 000 dólares cuando su costo de producción fue de más de 15 millones. Pero no puedo hacer la comparación con Goats porque no encontré información de cuanto recaudó esta. Y eso, lo más probable es que signifique que ni siquiera salió en cines. Además en Rotten Tomatoes apenas 1550 usuarios la han calificado. O sea, lo más probable es que en efecto, el público prefiera el pañuelo amarillo a Goats. Esta como ya dije, no es que sea la gran cosa y estoy de acuerdo con alguna crítica que dice que el soundtrack es bastante malón. Cierto, y yo si le pudiera quitar algo sería la secuencia videoclipera con escenas de la vida en la academia privada Gates. Pero por lo menos aquí hay situaciones interesantes, humor; el personaje central Ellis tiene un verdadero conflicto pues los tres adultos más importantes en su vida parecen jalarlo cada uno en una dirección diferente: La madre new age que odia a su padre empresario, a quién Ellis apenas está conociendo y que es el polo opuesto del que ha sido su figura paterna hasta ahora, el jipioso "goat man". ¿Y qué tal su vecina Aubrey? Esa actriz, Adelaide Kane, es una bomba sexual. De hecho Goats tiene varios personajes secundarios interesantes.

La única explicación que le puedo encontrar a esto es que el público americano, y claro, sobre todo los críticos, sienten mucho mayor simpatía por un personaje como Brett, un blanco working class, rudo y honesto; que por los personajes de Goats, es decir una bola de gente rica y un hippie. Curiosamente en Goats ninguno de los personajes principales trabaja: Esta la mamá que es una rica heredera, su amante mantenido, el goat man que es un güevonazo, el padre que es un empresario que como acaba de vender su negocio parece tener mucho tiempo libre. Y Ellis y sus elitistas compañeros de escuela. De hecho el personaje más importante que trabaja es el de la actriz Dakota Johnson, Minnie, que no sale muy bien librada pues se prostituye para completar sus ingresos.

¿Será eso?

Efectos secundarios y otras tretas de acusados de aspecto engañoso

Efectos secundarios es una película con unas vueltas de tuerca inverosímiles que además comete el error de decirnos ella misma lo inverosímiles que son. Se supone que dos mujeres se ponen de acuerdo para matar al esposo de una de ellas, pero primero hacen que un siquiatra le recete unas pastillas que como efecto secundario provocan sonambulismo para que así la asesina sea declarada inocente por haber estado sonámbula al momento del crimen. Nada más que el dúo asesino sabe que, para empezar, el siquiatra deberá escoger entre su paciente o su carrera, tan lo saben que tienen lista información y fotos de otro caso del doctor en caso que sea necesario acabarlo de hundir. Entonces su plan maquiavélico supone que el doctor (Jude Law) escogerá defender a su paciente aunque, como le dice el fiscal, "si la culpable no es ella, entonces usted será el culpable, porque tiene que haber un culpable". Y aún cuando el doctor opte por decir que su paciente es inocente, resulta que según la abogada defensora de la paciente sólo en el uno por ciento de los casos los jueces aceptan argumentos como ese. O sea, reconozcamos que este par de asesinas es audaz, pues su plan tiene mucho menos de uno por ciento de posibilidades de funcionar y de que Emily (Rooney Mara) no acabe en la cárcel y aún así lo llevan acabo. Ah y además hay otra parte del plan: Hacerse ricas apostando a que las acciones del fabricante de las pastillas van a bajar cuando se sepa de este caso de sonambulismo, aunque ya hay información, que se encuentra en Yahoo, escrita por la propia Dra. Siebert (Catherine Zeta-Jones), la otra mujer asesina de esta historia, acerca del sonambulismo que provocan las pastillas.

Otra cosa curiosa es lo serio que se toma Emily su papel de enferma deprimida, no la actiz Roonie Mara, sino el personaje Emily pues al final descubrimos que ella nunca estuvo deprimida, todo era parte del plan. Pero en la película ella actúa como deprimida no sólo frente a quienes debe engañar sino frente al público de la película o frente a su marido cuando lo mata. ¿O sea ya si lo está apuñalando para que sigue fingiendo que está deprimida?

Al final creo que la película tiene un mensaje: Las circunstancias no existen. El Dr. Banks le explica al jurado que cuando mató a su esposo, Emily no tenía voluntad propia por estar sonámbula. Pero, sorpresa, resulta que sí la tenía, porque de hecho según dice ella misma al final, esas pastillas no le hacían nada. Hay una parte de la película en que parece que el tema va a ser como las compañías farmaceúticas manipulan a los doctores, y al público en general, para vender sus pastillas. Pero eso acaba por ser algo sin importancia, (si ni hacen nada) como no tiene tampoco mucha importancia lo que haya hecho el marido de Emily (Channing Tatum), que trabajaba en Wall Street y acabo en la cárcel; por cualquier tontería seguramente, pues en el fondo no es más que un hombre apuesto y trabajador, que perdona con facilidad y que ya pagó por lo que hizo (4 añotes en la cárcel).

Siento que detrás de esta película hay una de esas mentalidades que automáticamente se ponen en contra del acusado. Como sucede también en Jack Reacher, por ejemplo. Una mentalidad que no cree en atenuantes, o en que haya circunstancias que afecten a la voluntad. Y como en esta historia los chicos buenos de Wall Street y las compañías farmaceúticas salen bien librados y en cambio, unas lesbianas y un siquiatra que acostumbra defender a acusados salen tan mal, sospecho que extiende esta mentalidad no sólo a los juicios penales sino en general al juicio sobre los demás y piensa que la sociedad es una meritocracia más allá de las circunstancias etc.

El camino de una guerrera (del tubo)

Al igual que en otras películas recientes, en Dirty Girl la amistad es la máxima relación a la que se puede llegar y la prostitución versión cine xxx, o artista del tubo es vista por los personajes como algo sin nada de negativo o inclusive como un ideal. L@s strippers como símbolo de sensualidad, poder y libertad. Dirty Girl es en parte una road movie, que para tener ese toque retro tan de moda se ambienta en los ochentas, y hasta tiene pretensiones de musical ochentero. Danielle (Juno T), que se autodescribe como "La puta de la escuela" y su amigo por accidente Clarke (Jeremy Dozier), quien ha sido catalogado como 65% gay, 35% hetero por algún "terapeuta"; escapan de su pueblo y de su vida en busca del padre de Danielle, quien le dice a Clarke que se justifique diciendo que fue manipulado por su coño. En este viaje místico iniciático como era de esperarse conocerán en el camino a un personaje con profundos conocimientos, en este caso a un stripper que pide aventón a Las Vegas y pasaran ellos mismos por ese ritual de paso que es el debut en la pista. La escena está metida muy a fuerza: A los 2 amig@s los vienen persiguiendo porque dan una tarjeta reportada como robada y casualmente encuentran refugio en un club de strippers en donde justo en ese momento hay un concurso. Pero bueno, supongo que con los rituales de paso no se juega y hay que meterlos como sea, la escena me recordó cuando en Las ventajas de ser invisible el personaje principal también por extrañas circunstancias aparece creo que con medias y liguero en un teatro, siendo hetero. O sea hay que cubrir los requisitos rituales a como de lugar.

El objetivo del viaje de Danielle y Clarke originalmente era conocer al papá de Danielle. Y eso no sale nada bien: Lo conoce, el papá se distrae un momento de preparar sus hamburguesas para hablar con ella y luego le pide que se vaya. Pero por alguna razón, quien sabe cual, Danielle regresa cambiada y le dice al director de su high school que quiere llevar una vida "más tradicional", whatever that means. Parece que nada se ha solucionado y todo ha sido inútil, aparte de que no logra establecer una relación con su papá, sigue con el problema del nuevo marido mormón de su mamá y bueno, nada ha cambiado realmente. Pero entonces... se mete a un concurso de talentos de su escuela y cantará la canción favorita de su amigo Clarke que fue enviado a un internado militar. Señoras y señores, ¡el nuevo final feliz! ¡El triunfo en un vomitivo concurso musical! A media canción, como era de esperarse, Clarke se aparece con su uniforme militar y le dice que ha sido muy popular con los alumnos, sus nalgas han triunfado. ¡Sus aventuras y aprendizaje no han sido en vano! Y yo que creía que nada podría ser peor que los finales de prom party...

El clon que se pasó al bando de los analógicos

1 Personaje atormentado por imágenes que le recuerdan que su mundo no es real.   

2 Personaje que debe morir, dar un salto de fe (En este caso cruzar a la zona de radiación que lo freirá por  dentro en segundos).

3 Hay que escapar de ser repeticiones/copias/clonaciones. 

Con estas características Oblivion puede entrar dentro del género de las películas sobre la modernidad fantasmagórica junto con Aeon Flux y El Origen. Además con El Origen comparte otras cosas. En Oblivion, Jack, el personaje de Tom Cruise acaba convenciéndose de que realmente es quien le dice Julia (Olga Kurylenko) que es, gracias a que ella le enseña su anillo de compromiso. En el caso del Origen se dice que el verdadero token del personaje de Leonardo DiCaprio, el objeto que usaba para saber cuando estaba en la realidad, era también su anillo de compromiso. Porque el token debía ser forzosamente individual por lo que el trompito de su esposa no podía servirle y además por la forma y los momentos en que Cobb toma el anillo. Además, claro, en las dos películas sale un Nueva York sin humanos.

En el caso de Oblivion la película puede leerse claramente como una metáfora de la lucha de un mundo analógico contra uno digital: Jack, un técnico de drones vive en una casa moderna, digital y minimalista entre las nubes, pero su corazón está abajo en una cabaña en un lugar natural, llena de libros y discos de vinyl. Un día Jack "baja", toma un libro y eso es lo que le hace pensar al líder de los humanos que Jack puede ponerse de su lado. Al menos este clon, piensa él, gusta de la vieja cultura y podría despertar, es decir recordar y ayudarlos contra la máquina clonadora, que hace pensar a Jack y y Victoria (Andrea Riseborough) y sus respectivos clones que trabajan para la humanidad cuando en realidad lo hacen para la máquina enemiga. Entre otras cosas, Jack luchará contra versiones de las naves TIE de Star Wars en laberintos/cañones al igual que en la guerra de las galaxias sólo que ahora las naves enemigas son drones robóticos.

Aunque ya después, analizandola, la historia parece tener varios huecos, a mi me gusto Oblivion. Eso sí, le quitaría el final - final, porque es obvio que el final natural de la historia es cuando explota el "tet" y no cuando un clon de Jack se reencuentra con Julia que se siente como un falso final feliz metido a la fuerza.

Pornografía dura y compromiso

Al principio About Cherry parece que va a ser la típica historia de explotación de la joven inocente que cae en las garras de la prostitución, drogas, pornografía etc. Pero no es así. De hecho, al final la película más bien acaba pareciendo una extraña historia de superación personal en el que la protagonista asciende en el mundo de la pornografía desde simple modelo de desnudos hasta directora de videos. Leyendo las críticas vi que a muchos no les gustó porque les parece que el personaje de Cherry/Angelina ( Ashley Hinshaw) parece una chica sin emociones, pendeja, fría. Poco creíble. Estoy de acuerdo que cuando su novio le reclama que acaba de hacer una escena pornográfica con un tipo y ella contesta que ese es su trabajo con cara de "No mames, no puede ser que me reclames por eso", parece no tener la menor idea de lo que eso implica para una pareja. Pero me parece creíble, no dudo que haya gente así. De hecho el guión de About Cherry lo coescribió una veterana del cine porno, Lorelei Lee, que también actúa en la película y al parecer se tomaron cuidado de presentar al mundo del cine porno de manera creíble, tanto así que el edificio en donde se supone que está la productora XXX de San Francisco fue realmente sede de un negocio del ramo.

Y en efecto Cherry parece no tener sentimientos, deja a su novio de Long Beach como si nada y tampoco se ilusiona con el personaje de Francis (James Franco) a pesar de que este parece ser Mr Right. Es fría y parece no tener ilusiones respecto al amor, pero para mi, eso no le quita credibilidad al personaje. De hecho, supongo que quienes se meten de actrices XXX estarán conscientes, unas menos otras más, que después de eso las relaciones románticas serán muy difíciles. Aunque hay casos de parejas de actores XXX que se conocieron en la "chamba" y luego se casaron y tienen hijos y toda la cosa.

Freaks contra farsantes

Los Angeles es famosa por ser una ciudad de freaks y en sus edificios de departamentos baratos al parecer puede encontrarse cualquier cosa menos lo "normal". Las criaturas de estos edificios son el tema de Small Apartments, la tercer película de Jonas Akerlund, exbaterista del grupo de black metal Bathory, y director de videos musicales, entre ellos uno de Madonna, Ray of Light, que parece fusil del de No controles de Café Tacuba. La primer película de Akerlund, Spoon, la odié desde lo más profundo de mi corazón pero me convencieron de ver esta y la verdad fue una muy buena sorpresa.

Para empezar al contrario de Spoon, aquí Akerlund no se pone descaradamente a imitar a sus ídolos, Guy Ritchie principalmente, y a meter los más gastados clichés del cine independiente noventero. Small Apartments tiene un elenco de lo más variopinto, o sea es una revoltura de lo más raro, como raros son los personaje principales de la película, Franklin Franklin (Matt Lucas excelente), y su hermano Bernard Franklin, así como sus vecinos el pacheco Johnny Balls (Johnny Knoxville) y su chava darketa Rocky (Rebel Wilson). La película nos presenta un mundo en donde si no eres un desadaptado muy probablemente tu vida es miserable, como le sucede al otro vecino, Mr Allspice (James Caan), que puede tildar de freaks a los otros pero es un tipo solitario y triste incapaz de romper la rutina. O eres un miserable, como es el caso del casero. Como suele suceder en el cine americano, por lo menos en el contemporáneo, los personajes quieren escapar. En muchos casos quieren irse a una gran ciudad y Los Angeles es la tierra prometida en muchos casos. Pero en esta película están en Los Angeles, que es una trampa según le dice su hermano a Franklin, así que hay que soñar con irse a los alpes suizos como hace él o con trabajar en un table de Las Vegas como la otra vecina, Simone. La película presenta a personajes que por más raros que sean; como Franklin o su hermano o el pacheco de Tommy Balls o Simone con su sueño de bailar en el tubo, son buenas personas. Son auténticos al menos. En el otro extremo están la mamá de Tommy, que fue una madre terrible pero que aún así su hijo la prefería antes, cuando era alcohólica, que ahora que se convirtió en cristiana. Y sobre todo está el Dr Sage Mennox (Dolph Lundgren) un farsante que vende libros para tener "fuerza cerebral" y todo en él es falso, desde su bronceado hasta sus poses. Y la historia le hecha en cara a este personaje las consecuencias de sus mentirosas teorías pues por su culpa el hermano de Franklin no se trato a tiempo un tumor cerebral y murió. Y ahora Franklin irá junto a él en el vuelo a Suiza y le asegura al doctor que será un vuelo muy largo. Yo sólo le quitaba a la película el final en que el personaje de Billy Cristal pone un cassette en donde Bernard Franklin le echa un choro a su hermano Franklin Franklin. Es como si el director no confiara en su historia y, por si las dudas, deja un mensaje buenaondita que sobra por completo.

 

Amor y enfermedades serias

En The Sessions hay una historia sobre discapacidad y sexo (y amor) aunque en esta película sí se van al fondo del tema y no como en Metal y Hueso. Aquí hay un artículo interesante sobre las comedias románticas, que andan de capa caída, y ofrece una teoría muy interesante de porqué están de capa caída y de la razón por la cual podemos esperar más historias como estas dos o como Silver Linnings Playbook con sus personajes de caso siquiátrico. Lo que sucede, dice el autor, es que los conflictos típicos de comedia romántica; como diferencias de clase social, o las distancias, o la edad, la raza, o hasta estar casado con otro o comprometido ya no son barreras creíbles. Y sobre todo el sexo solía ser el final feliz y ahora tampoco es creíble la espera. Por eso, dice ahí, es que ahora las historias románticas suelen tener conflictos realmente serios. Como en The Sessions, por ejemplo. Y entonces son historias que no pueden ser tan cómicas.

Metal y hueso (y cualquier otra cosa que se pueda meter)

Amour, Amigos y ahora Metal y Hueso, son tres películas recientes en francés protagonizadas por parejas en que uno de los dos está lisiado de algún modo. Pero al menos en el caso de Metal y Hueso no se puede decir realmente que la película sea la historia de esta pareja porque más bien son dos personajes a los cuales los tres guionistas de la historia parece que les fueron amontonando pequeñas historias que llamaran la atención del público pero sin que haya un conflicto central o una gran historia que unifique las dos horas que dura la película: Es como una historia buffet, all you can eat: Esta la relación de Alain (Mathias Schoenaerts) con su hijo (Sam), Alain no tiene trabajo, llega a vivir con su hermana y su esposo, roba, trabaja en un antro, luego aparece Stephanie (Marion Cotillard) que trabaja con orcas, una orca le come las piernas. Alain tiene sexo casual en el gimnasio, luego viene la relación de Alain y Stephanie, recuperación de Stephanie a ritmo de Katy Perry. Y más: Peleas clandestinas ¿porqué no?, las tetas de Marion Cotillard aquí y allá, espionaje industrial, relación de sexo sin compromiso Alain - Stephanie, reconciliación de Stephanie con la orca, la cuestión de los lisiados y el sexo, crisis entre Alain y su hermana etc. Para cuando Alain está con su hijo en un lago congelado yo, no es por presumirles pero sabía que el niño se iba a ahogar porque pues ni modo que dejaran pasar esa oportunidad. Como si los guionistas no se hubieran puesto de acuerdo en una historia y entonces hubieran optado por hacer una revoltura con las ideas de todos. Y aún así hay cosas que dan la impresión que iban a formar otra historia, como todo el asunto de los perros, que parece como si lo hubieran cortado en la edición. Además se nota que querían una película para todo público sin excepción, así que hay desde peleas sangrientas y Katy Perry hasta música de Bon Iver y Lykke li, para los hipsters. Metal y hueso viene siendo el equivalente en cine de eso llamado Olla de pobres, hacer una sopa entre varios metiéndole a la olla más grande que se pueda todo lo que se encuentre. Pero en esta sopa no hay una buena carne, una historia bien contada del tamaño de la duración de la película.

Delincuencia ecológicamente consciente

Van varias películas que presentan delincuentes con conciencia ecológica, y en general, tipos liberalesbuenaonda: La de Salvajes, otra sobre una familia que cultiva mota de alta calidad que no recuerdo el nombre y ahora la de Hit and Run. En la de Salvajes la contradicción entre meterse en violencia delincuencial y una personalidad ecologista - pacifista se manejaba con dos personajes opuestos que eran socios y uno era el violento y el otro el meditador pacífico. En el caso de Hit and Run, lo que sucede es que el personaje principal, que se llama Yul Perkins (aunque como está en un programa de protección de testigos se cambió el nombre a Charlie Bronson), era el chofer de una pandilla de asaltabancos pero ha dejado eso atrás y "cambió". La película aunque por el nombre y la publicidad parece una chase movie en realidad es una comedia romántica y, por lo que vi en algunas críticas, a algunos que esperaban una película de acción los decepcionó. Porque realmente el meollo de la historia es la relación entre Charlie/Yul (Dax Shepard) y su novia Annie (Kristen Bell). Ella es una maestra con doctorado en resolución no violenta de conflictos y él un tipo pacífico y articulado que le gusta resolver los problemas hablando y que está en un programa de protección de testigos porque fue testigo de un crimen pero en el que no tuvo nada que ver. Eso claro, es lo que le dice a Annie.

En este caso me parece que Charlie no es un asaltabancos creíble, ni tampoco Alex, el personaje de Bradley Cooper. Pero tampoco creo esa sea una falla tan grave de la película que obviamente presenta a unos delincuentes tolerantes, protectores de los animales y que prefieren el diálogo a la violencia para explotar las contradiccion cómicamente. Pero tampoco es imposible la existencia de personajes así. Una vez leí de un tipo en la Wired, que describían como de "sensibilidad hippie", ecologista etc. que manejaba un sitio de internet en donde los "ladrones de identidad" de tarjetas de crédito vendían los datos a los clonadores de las mismas. Sí, hay una especialización de estas funciones. En general entre los pequeños cultivadores de mariguana o los que venden drogas alucinógenas o los hackers seguramente hay mucha gente así. Pero hay otra cuestión que plantea esta película: ¿Los ecologistas/protectores de los animales/pacifistas/antimachistas etc. pueden volverse agresivos para imponer sus valores? Es lo que sucede en esta historia cuando el personaje de Alex con una pistola hace comer comida de perro a un tipo para que aprenda a no comprarle esa comida tan mala a su mascota. O en menor medida, cuando Annie califica burlonamente de violador a un tipo que trabaja en una gasolinería nomás por su pinta de macho.

De cualquier modo, la película, sin ser nada del otro mundo me pareció divertida. El estilo es de mucho diálogo y confusiones y situaciones chuscas entre delincuentes que hablan demasiado, muy a la Tarantino, pero creo que funciona. Y no puedo evitar contar esto que me dio mucha risa: los dos policías hombres que salen en la película (Tom Arnold y Jess Rowland ) resultan ser gays y tienen una aplicación que se llama "Pouncer" que les dice sí hay gays cerca en busca de sexo. Un dato curioso es que la pareja protagónica es pareja en la vida real y se nota que hay química real ahí.

El retorno de las brujas

En lo que va del año han salido 4 películas de Hansel y Gretel: la de Hansel y Gretel Cazadores de Brujas (aquí está el post), luego una Hansel y Gretel a secas, Hansel y Gretel Guerreros de la Brujería y de la que se va a tratar este post Hansel y Gretel se ponen pachecos, según mi traducción. Además vienen Hansel y Gretel 3D y ya se anunció la segunda parte de Hansel y Gretel Cazadores de Brujas. Yo creo que esta segunda parte ya estaba contemplada desde el principio, pues el final de la película parece la presentación de un equipo ampliado de cazadores de brujas como para una serie. De cualquier forma la película ha sido un gran éxito, por lo menos en México es la más taquillera en lo que va del año.

Bueno pero Hansel y Gretel se ponen pachecos es una stoner movie, con personajes que fuman mariguana, chistes sobre pachecos, humor muy simple, realmente sólo para verse estando uno muy simple; situaciones poco realistas, o muy imaginativas dependiendo si uno ve el vaso medio lleno o medio vacío y en general son películas muy para adolescentes. También suelen tener elementos de gore.

La película empieza con una secuencia de créditos que vienen en las etiquetas de frascos de mariguana medicinal y luego vemos a Gretel (Molly C. Quinn que recuerda a Simone Simmons la vocalista de Epica, sobre todo con la ropa "medieval"), y su novio que están probando una nueva clase de mariguana, la Selva Negra. El novio va por más Selva Negra a casa de la viejita que la siembra (nada menos que Lara Flynn Boyle, la de Twin Peaks). Ahí descubre una casita de dulce que la vieja le advierte que no toque, pero ella se va un momento y él, que  tiene monchis (las ganas furiosas de comer, sobre todo dulce, después de fumar mariguana), prueba un pedazo y adentro encuentra documentos del pasado nazi de la narcovieja. Como ya se imaginarán, poco después Ashton, que es como se llama el novio, estará amarrado en la cocina de la bruja que lo condimenta para cocinarlo en su horno estilo campo de concentración mientras le hace cosas muy desagradables.

Molly C. Quinn como Gretel...

Me llama la atención que a pesar de ser una película para pachecos, se puede leer como una alegoría contra la mariguana. La relación entre la bruja y su mariguana es muy clara, cuando Gretel al final quema a la bruja en su horno sus plantas también arden. Y la bruja le chupa la juventud a la gente, que se le pasa a ella. Además su plantío de mota es un laberinto; para no perderse Gretel va dejando Skittles en el camino así como en el cuento tradicional se usan las migajas de pan. Y en el fondo del plantío hay una jaula donde la bruja encierra gente. O sea las plantas de mariguana como bosque de perdición. Por otro lado nadie le cree a Gretel que sospecha de la vieja: Ni su hermano Hansel, ni la policía porque nadie cree que una vieja débil (¿mariguana típica?) pueda ser tan fuerte (¿mariguana fuerte?). También hay unos narcos mexicanos que se enfrentan a la vieja por andar vendiendo mota en su territorio; el negocio de la viejita es un negocio "boutique" de mariguana de alta calidad, como los que surten la mariguana "medicinal", y como tal se enfrenta a los narcos tradicionales, un conflicto similar al de Salvajes.

...y Simone Simons

Sacrificios a Kubrick

Stanley Kubrick es seguramente una de las más fuertes influencias del cine actual. La película española La Senda, o como le pusieron en México, El Camino del Diablo, es una prueba más. Esta película, al igual que la de Dream House del 2011 recuerdan demasiado a El Resplandor. Es evidente en ambas el intento de hacer algo parecido a esta película clásica. La principal piedra con que tropieza La Senda es confundir el absurdo y la incoherencia de la historia con transmitir una sensación de locura.

Llama la atención lo obvio de las intenciones: Un tipo, Raúl (Gustavo Salmerón), en este caso no es un escritor sino un ajedrecista, se va a una cabaña aislada en las montañas con su mujer (Irene Visedo) y su hijo (Javier Montó). Detalle revelador: Raúl en vez de tener problemas con la bebida tiene problemas con su manera de fumar. Ya con esto último vemos que la cosa no pinta bien, fumar no agrega dramáticamente nada. Ah y también aparecen un par de niñas gemelas. Como ya podrán imaginarse, allá arriba se le van las cabras a Raúl.

Un detalle curioso es que hay un personaje, Samuel (Ariel Castro), que Raúl descubre que anda viéndose a escondidas con su mujer, y que se lleva mejor con su hijo que él. Samuel hace unas marionetas con las que se presentan obras de teatro guiñol. Pero las marionetas son como personajes vivientes pues al hijo de Raúl una de estas "le dice" cosas al oído, al parecer cosas malas de su papá.¿Y qué hace Raúl? Pues compra una de estas marionetas y además invita a Samuel a su casa para que pase con ellos la navidad y se cene el cerdo que él compró y su mujer guisó. Un sacrificio por los que sí hacen personajes vivientes aunque sean hechos según reglas preestablecidas, en este caso de la comedia del arte; Colombina, Polichinela, Arlequín etc.

Queda La Senda como nueva constancia de que lograr los efectos en el espectador de El Resplandor no es para cualquiera. Para Mayor Gloria de Kubrick, Amén.

No cliché left behind

Si algo no se propusieron los creadores de Indiferencia fue dejar indiferente al público. No, ellos querían deprimirlo y para ello usaron todo lo que había en su arsenal de lugares comunes. Para empezar todo sucede en una escuela. O sea van cinco películas seguidas que veo que presentan a escuelas y universidades como lugares deprimentes ( 1, 2, 3, 4) y no es que las esté buscando. Sin embargo esta es la que se lleva el premio. Es tan obvio que Indiferencia hace todo lo posible para hacer una película deprimente, venga o no al caso, que acaba siendo un poco ridículo. De hecho he llegado a la conclusión de que las historias lacrimógenas de maestros deben ser el equivalente gringo a las historias asiáticas de hermanos y de las sufridas madres y heroínas de las telenovelas mexicanas.

Para empezar la película tiene unos testimonios a cámara de maestr@s. Una por ejemplo dice que como hija de una maestra juró que nunca nunca daría clases y lleva 30 años haciéndolo. Abrir con testimoniales es como decirle al espectador que lo que va a ver es la dura realidad y mi me molesta esa pretensión en una obra tan abiertamente melodramática. En este caso darle un barniz de "realidad" al asunto es sólo un recurso más para redondear el efecto depresivo.

Indiferencia presenta a los maestros como seres caídos, al grado de que se preguntan ¿Y a ti qué te pasó, cómo acabaste de maestro? Aunque al mismo tiempo son unos héroes solitarios que tratan de ayudar a los jóvenes. El estelar es el personaje de Adrien Brody, el maestro de inglés suplente (todo un cliché los maestros de inglés) Henry Barthes. Lo que le pasó a Barthes fue que su padre lo abandonó muy chico, y luego su abuelo abusó de su madre y esta se suicidó. Ahora además cuida de este abuelo a quien ama a pesar de todo. Este está en un asilo donde lo tratan muy mal y luego se muere. Barthes está de suplente en una escuela en la que a la directora le acaban de decir que es su último año, contra su voluntad claro. Ella alguna vez fue una gran maestra pero ya no. Es que aquí todo debe ser decadente. Al igual que el resto de los maestros de ahí, la vida familiar de la directora es insufrible y convoca a una junta para avisar de su salida tirada en el piso. En esta escuela se aplica (pero seguro no funciona) el programa No Child Left Behind, y la película aplica esa política con los clichés así que el maestro Barthes rescata a una prostituta adolescente de la calle, que, claro está, no para de ofrecérsele pero él la rechaza. Ella acaba amándolo pero él debe separarse provocando torrentes de lágrimas. También hay una alumna lista pero gorda a la que los otros alumnos molestan, y su padre no la comprende y desprecia sus inclinaciones artísticas. Ella admira al profe Barthes y le pide ayuda y entonces están abrazados llorando cuando entra una maestra y los ve y piensa que él se está aprovechando de ella. La alumna después se suicida, Barthes llora otra vez. Barthes como indica el lugar común indie también aparece en segmentos de una especie de entrevista en los que habla frente a la cámara. Lentamente obvio, y dice que él no es lo que los alumnos necesitan, y que todo está jodido. Vemos que antes los padres iban a las juntas de la escuela pero ya no. Y también que los maestros se sienten invisibles. Excepto cuando los alumnos son super agresivos con ellos. Hasta les escupen. Y los padres también son agresivos. Los maestros aguantan vara, gracias a la indiferencia, a la distancia. De ahí el título de la película supongo. Pero otras veces explotan. Pero porque no soportan ver que los alumnos destrocen sus propias vidas claro está. Y no podía faltar el videoclip con canción indie de guitarrita lacónica en que Barthes y la prostituta adolescente pasan un buen rato disfrutando de los placeres sencillos de la vida, o sea comiendo helado. Las reglas del indie son muy estrictas por lo visto, y el videoclip no puede faltar. Al final se compara la escuela con la casa de Usher del cuento de Poe, una casa que se está derrumbando y que puede deprimir a cualquiera con tan sólo verla de lejos. Ah y Barthes también es "poeta" y hay dibujitos estilo gis en pizarrón, para darle toque más "artístico" a todo.

En fin, no se pierda esta película si le gusta ver historias con personajes con vidas tan deprimentes que hacen que casi cualquier otra en comparación parezca muy feliz.

Cracks

¿Cuál es fuerza más importante del mundo? Esto les pregunta Miss G (Eva Green) a sus alumnas de internado en la película Cracks. La respuestas de Miss G es "el deseo". Y así, entre frases que parecen de libro de superación personal e historias de sus supuestos viajes por el mundo se presenta como una mujer audaz y aventurera ante ellas. Curiosamente esta película, debut como directora de la hija de Ridley Scott, Jordan Scott, falla precisamente por falta de ambición. Es una historia situada en un internado británico en los años 30´s en un paisaje de colinas verdes y en una casona típica de historia detectivesca o de terror. Aunque no se trata de ninguna de estas dos cosas. La película en cambio se basa en la relación entre Miss G y sus alumnas, principalmente la "capitana" del grupo, Di (Juno Temple), que siente una gran admiración por G y luego como todo se altera cuando llega una aristócrata española, Fiamma, (María Valverde). Fiamma es todo lo que Miss G quisiera ser, ella la admira y desea, pero también surge una fuerte rivalidad entre ambas y hay celos y envidia por parte de las otras, sobre todo de parte de Di.

Si suena como a historia erótico lésbica pues tiene un poco de eso y eso de poco es precisamente uno de los problemas de la película. Está basado en una novela del mismo nombre y cracks signfica algo así como enamoramientos, o sea un crack es como un crush. Y parece que la novela es mucho más erótica que la película a la cual le bajaron mucho la temperatura. Y no nada más eso, también parece que en la novela hay un auténtico thriller/misterio acerca de lo que finalmente le hacen a Fiamma, algo que también queda reducido al mínimo en la película que parece hecha para rellenar tiempo en cualquier canal de películas. Curiosamente en rotten tomatoes Cracks tiene un 50% de aprobación, justo en la mediocre mitad.

La dirección equivocada

Me gustó 388 Arletta Avenue, una película canadiense, independiente por lo tanto, que entra dentro del género del found footage. Aunque el hecho de poder asignarle un género hace que no pueda ser tan original, por lo menos para mí está suficientemente interesante lo mismo la descomposición del personaje principal James (Nick Stahl), que la parte de misterio y tensión de esperar lo que hará a continuación lo que sea que esté detrás de las cámaras a través de las cuales vemos todo lo que sucede. Creo que es un acierto de la película nunca perder un tono de frialdad y distancia con los personajes pues al final de lo que se trata la historia es de un juego macabro cuyas víctimas sólo cometieron el error de vivir en la dirección equivocada, y no se trata, como piensa el personaje principal, de una venganza o algo personal. Aparece Mia Kirschner por cierto, aunque poco. 

El poli y su pareja

¿Para qué pagar los derechos de la novela de un muy popular escritor para luego hacer que un par de guionistas escriban algo qué no tiene nada, pero nada, que ver con la novela? Ese es el caso de Alex Cross, película "basada" en la novela Cross de James Patterson, escritor que en los últimos años ha vendido más libros que Stephen King, John Grisham y Dan Brown juntos. El guión de la película es de lo más genérico intercambiable, y creo que lo podrían hacer los estudiantes de cualquier taller de guionismo en un tiempo libre. Por lo que se puede ver lo único que respetaron del perfil del personaje de Patterson es que se trata de un psicologo experto en la "mente criminal" y que es un padre de familia. Aunque hasta el orden de los hijos se los cambiaron. Y lo que resulta ya de risa loca es que precisamente el conocimiento de la mente criminal le falla completamente a Cross (Tyler Perry) y por calcular mal, el asesino mata a su compañera de equipo Monica (Rachel Nichols), novia de su "pareja policiaca" Thomas (Edward Burns). Y a su esposa embarazada. O sea, se gastan una carretada de dólares, porque los derechos de Patterson no deben ser nada baratos, para adaptar una novela a la que le cambian todo excepto que se supone que el personaje principal es experto en la mente criminal. Lo hacen decir puras cosas sin sustento sobre la mente del asesino, asesino que por cierto opina que Cross dice puras pendejadas y al que ni siquiera respeta como profesional, y en el único momento en que el héroe sicólogo hace una predicción acerca del comportamiento del asesino...  falla por completo.

Quizá lo que pasa aquí es que el asesino es el que tiene razón cuando dice que Cross prácticamente pidió que matara a su esposa al ponerlo de malas diciendo tantas idioteces. ¿O sea si se supone que es un gran sicólogo no podría haber sido plan con maña? ¿Y además porqué estaban tan contentos Cross y Thomas al final, después de que perdieron a su esposa, y al hijo que esta estaba esperando, y a su novia respectivamente? Una cosa es estar resignados y otra estar contentos  pensando que ahora se irán juntos a Washington. Porque además curiosamente las dos mujeres amenazaban sus planes. Cross le había dicho a Thomas que su relación con Monica ponía en riesgo a los tres y que no mezclara la chamba con los sentimientos y a su esposa por otro lado no le gustaba el plan de irse a Washington. Y se supone que Cross era muy feliz con ella y con el nuevo bebé pero a este le llamó "freeloader", mantenido. Pero el final es super feliz con el poli y su pareja en un auto platicando de como ellos siempre han estado juntos y lo seguirán estando. Se nota que a los guionistas no les gustaba la novela original pero tuvieron que dejar algo del personaje aunque hicieron quedar a Cross como un sicólogo inepto y además le quitaron a la esposa y el hijo varón acabando con su familia ideal, para que al final no quedara realmente nada de la novela que "debían adaptar".

La película fue un fracaso y es inevitable preguntarse como es que  hay productores de Hollywood que  pueden cometer errores tan tontos. A la mejor son como el personaje de Jean Reno en esta película, un hombre de negocios aparentemente honesto al que supuestamente alguien quiere matar; pero en realidad él contrató al asesino para que matara a algunos de sus ejecutivos, haciendo creer que lo quería matar a él. Porque los ejecutivos sabían demasiado de sus tranzas. Quizá esta película le costo la chamba a unos ejecutivos de Hollywood, y eso tal vez era el objetivo de alguien. O se trataba de lavar dinero o evadir impuestos o algo. No lo dudaría ni tantito.

Veo gente pobre

¿Porqué hay gente que odió con toda su alma Beasts of the Southern Wild? Juzgando a partir de la pequeña muestra de las críticas destacadas de rotten tomatoes me parece que es un caso de desquiciamiento ante la presencia de gente pobre. Este es el caso de algunas personas que no soportan ver o siquiera que se hable de gente pobre. Pero es curioso; no es que se les haga feo, o que sea algo que dependa de lo que se diga de los pobres, ni siquiera es algo así como un odio de clase. Claro también hay de esos pero a los que me refiero son a quienes como que les friquea o desquicia tener que ver u oir acerca de los pobres siquiera. Los pone de nervios vaya.

Entre las críticas destacadas de rotten tomatoes hay tres a quienes no les gustó esta película. El primero hace una crítica mesurada de la película y dice que es de esas que a la crítica le encantan pero él nomás no les agarra la onda. Okey, está en su derecho. Bueno, pero noté que otra de las películas a las que dice que no le pudo agarrar la onda curiosamente fue Winter´s Bone, que también es una historia que sucede en un ambiente de pobreza.

Luego está este cuate, que al igual que yo, odió la cursilería de las envolturas de pollo. Bueno pero él dice, con otras palabras, que esta película básicamente es un instrumento propagandístico liberal. Que lo nota desde el lenguaje pues los personajes, dice él, no hablan como negros pobres del sur (de 5 años) sino como los liberales piensan que hablan. En esto no le puedo discutir pues mi inglés no da para distinguir esas sutilezas pero bueno... finalmente los guionistas son un par de blancos tratando de reproducir el lenguaje de unos negros con acento regional, incluyendo una niña de cinco años. Además este crítico hace unos señalamientos que parecen ya muy de interpretación personal. Por ejemplo, dice que la escena en donde vuelan el dique tiene el mensaje de que la sociedad es vacía e inevitable y que la gente del pantano es romántica y está condenada. Y que la primera mitad de la película es como la escena de Titanic en donde Rose baja a la fiesta de los pobres y que eso es gritar que la pobreza es muy divertida. Yo diría que no necesariamente. Le creo a los realizadores de la película que dicen que el origen de la historia es la relación de la guionista con su papá. Que primero escribió una obra de teatro acerca de un niño y su papá, y que este se muere al mismo tiempo que parece que el mundo se derrumba a su alrededor. Vaya, que es una cosa mucho más personal. Y luego llegó el director y cambió al niño por una niña y los puso en un contexto de mayor pobreza y desastre; lo que por cierto  le da más dramatismo al asunto. Pero el argumento de este crítico de que la película presenta una visión idealizada de la pobreza, de que los pobres son más buenos y sanos y viven con mayor "riqueza espiritual" sí me hizo dudar.

Hasta que leí esta crítica de este tipo que realmente la odió desde el fondo de su alma. Para él fue una de las peores del 2012. Condescendiente, enfurecedora y ofensiva son algunos de los adjetivos que le merece. Y si al anterior le parecía una visión idealizada de la pobreza para este crítico los personajes son ignorantes, ineptos, analfabetas, y desean su propia muerte. El padre es irresponsable y abusivo, los trabajadores sociales tendrían tanto que hacer ahí. El pobre no podrá comer cangrejo otra vez después de ver como se los comieron en la película. Vio muchas escenas que ponían en peligro a menores, una lógica social equivocada y abuso infantil. Me lo imagino parándose en la sala gritando que pararan por favor y supongo que ha de haber tenido pesadillas durante una semana al menos. Que ni que, hay cosas friqueantes.

Ahora que en caso de que alguien leyera mi post sobre Anna Karenina podría pensar que a mí me pasa lo mismo nomás que al revés y que a mi me friquea la gente bien, o los aristócratas o ricos. Pero no, esa película me parece criticable pero no es una cosa de derecha - izquierda o pobres - ricos sino más bien es una cuestión de conservadurismo en el sentido de usar fórmulas caducas que no aportan nada nuevo. Lo mismo me sucede con Los Miserables, aunque se trate de revolucionarios y, valga la redundancia,  miserables.  

Beasts of the Southern Wild

Me gustó mucho Beasts of the Southern Wild, sólo le quitaría eso del tipo que ha guardado todas las envolturas de unas cosas de pollo que ha comido porque le recuerdan su vida. Eso es tan pero tan cursi que califica como rudeza innecesaria. Pero como es de todos modos tan poca crítica se va a la seccion de las sin crítica.

Sobre las ventajas de ser un alma bella y sensible víctima de los cerdos malditos

Aunque Las ventajas de ser invisible se me hizo entretenida cae en lo mismo que muchas otras películas de adolescentes o jóvenes adultos; hacer una especie de sopa espesa de sentimientos de victimización y culpabilidad sin llegar nunca al fondo de nada. Como mero pretexto para luego volverse "feel good movies". Digamos que son películas con personajes que pretenden estar tirados en el suelo; pero sin ensuciarse, para así luego sentir más bonito cuando se paran. Desde el título la película nos avisa que se trata de ver cuales son las ventajas de ser un "marginal". Y bueno podemos sospechar que no están hablando de marginales cualquiera. Si no pues no sería Charlie el protagónico: un marginal guapo, inteligente, con buen gusto y una familia unida con buena situación económica. Ah pero sería muy aburrido si todo fuera perfecto así que nos dicen desde el principio que Charlie tiene esqueletos en el clóset; está dañado, necesita cuidado y cariño el pobrecito. Sólo que esto le afectará hasta el final de la historia. Okey, esos terribles traumas que carga provocan que no haga amigos en su primer día en la escuela, sino hasta como el segundo. Pero bueno, nos vamos enterando de sus problemas: Primero, su mejor amigo se suicidó. Y el asunto se dice y no se vuelva a tocar el tema en toda la película. Esto porque de lo que se trata es de darle una pizca de drama a las cosas, pero sólo una pizca. Pues esta es otra película sobre dulces y bellos seres lastimados. Lo mismo sucede con la culpa que siente Charlie por haber provocado la muerte de su tía, como es simplemente una idea absurda, tampoco es tan grave. Ah pero la malvada tía abusó de él. Alguien tenía que hacerlo, si no el delicado ser nunca sería lastimado y su belleza no brillaría lo suficiente. Bueno pero él finalmente suelta la sopa, o sea confiesa y ya todo arreglado. En Hollywood confesar es lo importante.

El chiste era sólo tener los elementos suficientes para poder proclamarse héroe y además vencedor sobre los seres desagradables que lo habían victimizado igual que a su amiguita, la igualmente bella y dulce; Sam, que también nos dice, porque no nos consta, ha sufrido por culpa de los cerdos malditos. Claro que sin que el lodo le haya dejado mancha alguna.

Las escenas en donde usan una camioneta cual proa del Titanic para proclamarse Héroes con soundtrack de David Bowie, me provocaron una fuerte sensación de deja vu. Siento que he visto eso antes varias veces. De hecho ya me acordé de una, un documental que vi hace poco que usa la misma canción pero creo que debe haber más.

Creo que lo más rescatable de la película son algunos toques de humor o historias secundarias como la del personaje Patrick y su novio gay del equipo de futból americano o la historia del "noviazgo" accidental de Charlie con la vegetariana punk Mary Elizabeth.

Me llamaron la atención otras dos cosas de las que hablaba justo en Notas perfectas: Primero, otra vez una historia sobre adolescentes con música de varias décadas atrás. Esta película está situada en los noventas, pero incluye cosas como una escena de baile con Air Supply. Eso sí me sacó un ¡Por Yisus!. Y por otro lado esta es la cuarta película seguida que da una imagen depresiva de la vida escolar que veo. En este caso el protagonista Charlie hace la cuenta de todos los días que pasará en el high school como si fuera una condena.

Finalmente la película no es nada romántica, más bien como que presenta amig@s que llegan a tener sexo pero sin plantearse realmente nunca nada más. La amistad como límite de la relación de pareja, hay más de eso en otras películas, por ejemplo en One day, Siempre el mismo día.

Cero creatividad perfecta

Van tres películas seguidas que dan un panorama deprimente de las escuelas: De el high school, El maestro luchador, y de la universidad Chicas en apuros, cuyos personajes principales trabajan en el centro de prevención de suicidios de una, y ahora Notas Perfectas. Esta no sólo es deprimente para quienes el pop estilo boy band nos parece patético, así como la música de reality show;  música que se presenta como la dominante en las universidades. También para la protagonista principal de la película, Beca (Anna Kendrick) la universidad es algo odioso por lo que tiene que pasar pues la obliga su padre. No hay por ningún lado la emoción de entrar por primera vez a la universidad. Ni siquiera hace amigos, su roomate es una coreana mala onda con la que ni se habla y aunque se mete al grupo de canto a capela al final hay una parte en donde dicen que ni siquiera se conocen bien entre ellas. Beca lo que quisiera es irse a Los Angeles y convertirse en DJ, pero su papá le pide que pruebe la universidad aunque sea un año. Y él es el que esta emocionado de ¡Woooow, la universidad! , no su hija.

Tal vez haya una relación entre esto y un tema importante de la película: Este grupo de cantantes a capela, puras mujeres que tienen como rival a un grupo de puros hombres, cantan puras canciones viejitas. Su repertorio no incluye nada de este siglo de hecho. Esto es algo que se dice explícitamente. ¿No es deprimente una universidad donde los estudiantes están musicalmente fijados en el pasado? Tampoco se permiten improvisar. Hay un tipo que quiere dedicarse a hacer soundtracks y pone como ejemplos de películas con buenos soundtracks puras viejas como Rocky, La Guerra de las Galaxias y The Breakfast Club. Y en dos ocasiones vemos el final de The Breakfast Club, con la canción de Simple Minds, Dont you forget about me. La segunda vez, Beca ve el video mientras llora por este guey pero podría llorar igual o peor por la comparación entre la música de esa película y la suya. O en general por la diferencia entre una y otra.

Y lo interesante, o preocupante, es que esta tendencia retro en la música no es algo nada más de Notas Perfectas. En realidad lo que la película hace es reflejar una tendencia retro muy fuerte que existe en la música actual. Simon Reynolds, uno de los críticos musicales más importantes que existen, escribió un libro al respecto y también tiene un blog completo dedicado al tema. Ahí habla de cosas como la tendencia a tocar las canciones completas de un disco  en orden o  a recrear conciertos famosos lo más fielmente posible. ¡Eso les gustaría a las chicas a capela! No creo que sea casual esta vision depresiva de las escuelas y esta fijación musical con el pasado. Y ya por último, no entiendo como es que películas tan comerciales como esta, le dan un protagónico a alguien como Anna Kendrick, que ni es guapa, ni muy simpática. Que hace una actuación tan fría.