La suite presidencial de pacha mama

Cementerio de Elefantes (2008 Tonchy Antezana) es una película boliviana que cuenta la historia de Juve, un pobre diablo que vive en la calle desde los catorce años y que decide encerrarse en un cementerio de elefantes, es decir, en un cuartucho dentro de un bar lumpen a beber hasta morir. Sólo hay que pagar de antemano por el alcohol y los camilleros que se llevarán el cuerpo al final. En La Paz, Bolivia se nos dice que hay cuatro de estos cementerios de elefantes donde la gente puede ir a hacer su versión latinoamericana de "Leaving Las Vegas".

Claro que esto es lumpen, nada que ver con el glamour de la ciudad del pecado, aunque la factura de "cementerio de elefantes" no es tan mala. una historia lumpen pero de factura digna como el protagonista Juve que acabo comiendo de la basura pero que jamás pidió limosna que porque eso estaba por abajo de su dignidad.

Entonces Juve llega a un local y pregunta por la "suite presidencial" que es como se llama el cementerio de elefantes ahí y empieza a relatar su vida y también unas breves anécdotas de anteriores ocupantes de la suite.

Este lamento boliviano de Juve - cuya vida es más o menos, excepto al final, lo que uno se imaginaría de un personaje así, con su dósis de violencia, crimen y luchas de cholitas - es narrado por él mismo y dice beber para olvidar. Sobre todo su infancia. Aunque otras veces dice que lo que quiere es recordar. Y su recuerdo favorito es también de la infancia, un cumpleaños que dice es el único recuerdo feliz que tiene de niño.

Juve se pregunta si estaba predestinado a su vida y su final, o si las cosas pudieron ser diferentes. El mismo se responde al hablar de Marlene, su gran amor, que dice, pudo cambiar su vida. Pero ella se fue con otro y, al final,  regresa y pasan una noche juntos pero cuando él ya decidió encerrarse en la suite presidencial y su rumbo no cambia.

Por lo menos su final parece dictado no por el destino sino por la pacha mama: Juve traiciona a su mejor amigo, el "tigre" para que este sea sacrificado por los albañiles de una construcción y así asegurar que el edificio que están construyendo por la pacha mama no se caiga.

Lo de que las construcciones requieren un muerto para estar "aseguradas" es un mito al parecer bastante extendido. Es conocido en Europa y se aplica especialmente a puentes según tengo entendido. Claro, como leyenda antigua nada más. Y la pacha mama es tan sólo la versión sudamericana de una figura religiosa universal, la madre tierra.

Con los cien dólares que le dieron por su amigo Juve pudo rentar la suite presidencial. quizá si pudo tener otro destino pero decidió aceptar la lana de la pacha mama. Todo con tal de revivir un cumpleaños de su infancia. Un momento de felicidad que acabó siendo lo peor que le pudo pasar.

Un paseo por las catacumbas de la taquería del mal

Lowlife (2017 Ryan Prows) nos da buenas razones para pensar que "el monstruo", el luchador mexicano protagonista de esta película de bajo presupuesto quería ser en realidad el santo, pues se supone que es un luchador mítico. Pero conseguir los derechos de el santo es muy caro así que tuvo que ser el monstruo.

El monstruo sin embargo es barato y no sólo por lo del presupuesto. Para empezar es chaparro, al contrario de su padre y su abuelo, los monstruos que le anteceden y cuyos zapatos no puede llenar. Lo peor de todo es que los anteriores monstruos eran vengadores, defensores de los mexicanos, pero este monstruo en vez de hacer eso tiene un trabajo vergonzoso e indigno que consiste en llevar a los clientes con las mujeres que su gangsteril jefe gringo fuerza a prostituirse. Convirtiéndose así en un auténtico monstruo de los sotanos de la taquería angelina donde su jefe, y suegro,  tiene su negocio de prostitución y robo de órganos. Un taquero macabro. Pero gringo.

Tras una historia rocambolesca tipo Tarantino - wannabe, y sin embargo no carente de interés; en un elei underground que además de bajos y siniestros fondos taqueros está poblado de inmigrantes ilegales, adictos, exconvictos, delincuentes, gente que vende a sus hijas y quienes les roban sus órganos. Y con una mexicanidad extraña, llena de mitos pero intensificados en la que no se puede no cumplirle un deseo a una quinceañera, o quitarse una máscara de luchador una vez que uno se la pone. Al final el monstruo decide que dejarle su máscara a su hijo sería dejarle una carga, como la que a tenido que cargar él, inferior a su padre y a su mito. Siendo un supuesto héroe que defiende a los oprimidos que en el camino se pasó del lado del opresor/explotador por más que venda tacos. Como suele suceder.

Así que mejor le deja la máscara para que ayude a los mexicanos a un gringo. Mismo que necesita la máscara y el mito para tapar la suástica en su cara, que debió tatuarse para sobrevivir en la cárcel. Pero que ya habla de México como su tierra ancestral. Y al final opresores y libertadores quedan todos enmascarados y confundidos por igual.

Mamitis criogénica

El problema de "El Problemista" o también "Amigos Bizarros" (2023 Dir. Julio Torres) está claro: Tiene mamitis. Desde el principio nos explican que a Alex su mamá lo consentía mucho. Inclusive ella le hizo una especie de casa - castillo para jugar y el princeso pidió que tuviera escalinata para poder salir de ahí como cenicienta. Y claro, su mamá le puso la escalinata al ceniciento.

Ya de grande Alex quiere dedicarse a hacer juguetes y tiene ideas muy originales para hacer nuevas versiones de Barbie o de las muñecas Cabbage Patch, entre otros juguetes.

No estoy tratando de decir que el personaje parece gay, Alex es gay y en una escena para ganar dinero debe ir a limpiar el departamento a un fetichista de chicos sexys que limpian casas. Aunque él no quería hacer eso pero tiene que hacerlo porque el Bank of America de forma gandalla y abusiva como todo banco lo dejó sin un centavo por sobregirarse en su tarjeta.

El caso es que Alex es de El Salvador y está en Nueva York, lejos de su mamá, pues quiere trabajar en Hasbro, la compañía de juguetes, pero no lo contratan y para no convertirse en calabaza entra a trabajar a un lugar que se dedica a congelar artistas, la congelación criogénica, para que en el futuro puedan ser descongelados y vivir gracias a  futuros avances de la medicina.

Alex necesita el trabajo porque si no lo van a deportar. Pero lo despiden. Afortunadamente conoce a Elizabeth (Tilda Swinton) una vieja loca, que es como ella misma se describe, y Alex pa pronto le va cara de mamá y se le pega.

Al igual que su mamá salvadoreña, Elizabeth trabaja en el mundo del arte aunque no es artista como ella, sino crítica de arte o algo así. Además se dedica a cuidar maternalmente a Bobby (el rapero RZA) que está congelado esperando que haya una cura para el cáncer que padece y sólo entonces descongelarse.

Y hay otra cosa en la que la relación de Elizabeth y Bobby parece más bien maternal: El wey se dedicaba a pintar unos hórridos cuadros de huevos que, obviamente, a nadie le gustaban. Excepto a Elizabeth que porque los huevos representan algo que aún no ha nacido, el futuro como página en blanco y entonces como que decide acabar de empollar a Bobby y sus huevos.

También ayuda a Alex, le enseña como hacer que lo contraten en Hasbro: Poniéndose bien perra.

Y la mamá y el par de polluelos se reúnen más de trescientos años después: Mamitis eterna.

A pesar de lo que pueda parecer la película me gustó. Se siente original, fresca. Algo le han de haber visto Tilda Swinton, Isabella Rosellini que es la narradora y Emma Stone que participó como productora, además de la distribuidora A24; al proyecto de Julio Torres que como Alex el protagonista es salvadoreño, gay y vegano y ha trabajado en televisión, entre otras cosas nada menos que como escritor de Saturday Night Live.

Se nota en la película que Torres nos está contando cosas cercanas a su vida real y eso siento que hace que la historia se sienta actual.

Finalmente un dato curioso: Al final de los créditos se avisa que Bank of America ha bajado las penalizaciones por sobregirarse en la tarjeta, y que obligaron a la película a poner ese aviso.  

 

¿A quién le importa la luna?

 - ¡Pero cuántas piedras hay aquí! -

Esa es la frase que uno de los astronautas del Apolo 11 dice que planeaba decir al pisar la luna en "La Otra Cara de la Luna" (2024 Greg Berlanti) la comedia romántica que intenta tener además de romance una historia sobre la llegada del hombre a la luna. Las pélículas románticas o rom - coms, como se les dice en el negocio, son vistas casi sólo por mujeres, así que a veces meten un tema que les pueda interesar a los hombres y aquí se intentó meter la carrera espacial.

Pero puede verse desde el espacio que dicho tema a la guionista no le interesa en lo más mínimo.

Para empezar porque asume que es algo que no le interesa realmente a nadie. ¡Si sólo es un lugar lleno de piedras!

Sólo porque la astuta publicista - publirelacionita - mad woman Kelly (Scarlett Johansson) llega a ayudar se evita que los astronautas alunicen y digan que hay muchas piedras.

Y ni bonito está el suelo lunar como dice Lance, el gay amanerado chistoso de turno.

-¿Creen que queremos poner un hombre en la luna? - Pregunta Moe (Woody Harrelson), el mandamás del proyecto Apolo, a quien sólo le falta agregar - ¿Creen qué somos estúpidos? -

Este Moe, es un personaje revelador pues no es un funcionario normal de gobierno. Está por encima de todo y no se sabe cual es su puesto. No es de la Nasa, es del "deep state", de algo secreto, de la Cia o del supremo poder patriarcal, algo así, y me parece revelador porque sólo en estos tiempos conspiranoicos semejante jalada puede presentarse como algo "creíble".

En cambio los astronautas casi ni salen porque ¿pues qué chiste tienen?

Entonces se supone que el viaje a la luna es algo que a nadie le interesa y ese precisamente es el, supuesto, gran problema del programa espacial.

Por lo tanto Kelly es la heroína que hace posible la llegada a la luna, en una escena hasta le agradecen por haber hecho todo posible.

¿Y cómo lo logró? Haciendo que el público relacionara la gris y absolutamente carente de interés luna, con cosas que sí importan. Como relojes, cereales para el desayuno, jugos en polvo y ropa interior.

Creo que el único tema, que si fue un tema, valga la redundancia, en la carrera espacial de los sesentas y que sale en esta película, aparte de la obvia confrontación con la Unión Soviética y el lado propagandístico de todo el asunto, es el tema religioso.

En una parte de la historia Kelly y el coprotagonita Cole (Channing Tatum) van a ver a un legislador que no quiere darle presupuesto al programa y les dice que teme que los viajes espaciales afecten la fe la gente en la religión. Eso puede que si haya sido un tema. Yuri Gagarin, el primer astronauta de la historia declaró tras su primer vuelo espacial que había ido al cielo y no había visto ningún Dios.  Y hay un capítulo de los 60´s de la mítica serie Twilight Zone, que se ponía en tono Nietszcheano a preguntar si se podía seguir creyendo en Dios en la era espacial.

Pero en general todo el tema del viaje a la luna en esta película está más que chafita.

¿Y lo romántico?

Pues también. No hay alguna escena para recordarse, es una historia romántica hecha según las instrucciones. Como si fuera receta para hacer jugo con un sobre de Tang: La chica conoce al gran partido y se la pasa dándole lata, él la rechaza. Ella demuestra que puede ser útil, él la hace volar, esto suele ser sexo pero en este caso vuelan en un viejo avión. El demuestra tener un lado sensible, después la cacha en una mentira, parece que todo acabó pero ella le explica todo, se besan.

Creo que el único tema que realmente le interesaba a la guionista era el de la mentira y las personalidades falsas. Resulta que Kelly tenía un pasado de estafadora con múltiples personalidades.

Y el verdadero gran conflicto de la historia es que Moe ordena hacer una historia falsa de la llegada a la luna por si el viaje real falla y luego decide que pase lo que pase es mejor transmitir la historia falsa. Por si las moscas. Pero Kelly y Cole deciden pasar la transmisión real y engañar a Moe haciéndole creer que están transmitiendo la historia falsa.

Parece que lo que la guionista quería escribir realmente era una comedia de enredos. Y justificar las vidas falsas. Por algo le hace decir a Kelly que "todo mundo miente". Y Cole que siempre dice la verdad casi hace, por negarse a mentir, que todo se vaya al demonio.

Siento que es como si una persona gorda y chaparra, que está en su quinto matrimonio y se inventó una personalidad en internet donde es alta, delgada y virgen, va a conocer a un ligue en la vida real, a espaldas del marido, y en ese momento le piden que escriba un guión sobre la llegada del hombre a la luna.

Es que eso de las múltiples personalidades parece ser el tema cinematográfico del momento. 

Zombies bien adaptados socialmente

Prozac Nation (2001 dir Erik Skjoldbjaerg guión Frank Deasy y Larry Gross) es una película basada en la autobiografía de Elizabeth Wurtzel del mismo nombre, un libro que se relacionó con la generación x, aunque salió en 94, años después de Nirvana, el grunge y "Generación X", la novela de Douglas Coupland.

Y la historia se desarrolla en los 80´s cuando Wurtzel (Christina Ricci) estudiaba en Harvard y era una gran promesa del periodismo musical, ganando premios de periodismo y publicando en Rolling Stone.

Pero se estaba derrumbando por dentro. Al menos lo que se ve en la película es que su choque con el iceberg es cuando pierde la virginidad con un wey, y por un lado dice que ella quería que fuera algo muy especial con alguien especial. Pero organiza una gran fiesta para celebrar que ya no es virgen y ese wey se enoja. Y de ahí cae en una resbaladilla de drogas, problemas con todo mundo, una gran decepción amorosa, hasta un intento de suicidio.

Sin embargo parece que Elizabeth Wurtzel alias Lizzie, tiene perfectamente claro cuál es la causa de todos sus problemas: Su papá.

Un padre abandonador, un divorcio antes de que ella cumpliera dos años, la mamá que no deja de despotricar contra él y luego se vuelve demasiado posesiva y sobreprotectora con ella.

En fin, un tema muy generación x, el divorcio de los padres.

De hecho se presenta todo lo de su interés en escribir, en la música y el periodismo musical como algo motivado por los "daddy issues". Su interés por Lou Reed, quien por cierto hace una aparición en la película, que por la edad parece que podría ser su papá. Y en quien piensa mientras pierde la virginidad como alguien que ama y desea pero al mismo tiempo rechaza. Y su obsesión por Bruce Springsteen, otro ídolo bastante mayor que ella. Justo tratando de escribir de él se bloquea y para tratar de desbloquearse se droga tanto, que sus amigos le buscan ayuda profesional. Así aparece el personaje de la doctora Sterling (Anne Heche).

A ella le cuenta que lo primero que escribió fue un poema a su padre y que sabe que le teme al rechazo por culpa de él.

Es como si entendiera perfectamente cuál es su problema y la doctora no tuviera nada que decirle. Pero que de cualquier modo entender el problema no ayuda en nada.

Le dice a la terapeuta al principio que quiere ser una persona normal, de las que se caen, se ponen una curita y siguen caminando.

Ella le responde que si de verdad quiere pasarse la vida nomás poniéndose curitas. Pero al final cuando le receta Prozac para la depresión y le dice que es sólo para que se estabilice y que es algo temporal y dan el dato, ya de quien sabe cuándo, de que cada año en Estados Unidos se prescriben 300 millones de recetas de Prozac y otros antidepresivos, se entiende que no es que la gente se caiga y se pare como si nada sino que andan todos con "curitas".

Cuando en su etapa de desenfreno Elizabeth visita a su mamá, ella dice que llevó a su hija a Harvard y Harvard le está devolviendo una zombie.

Supongo que al final, ya como una más de la nación Prozac, ella seguía siendo una zombie, pero una zombie bien adaptada.

¿Pero qué tiene de malo el Prozac? Según Elizabeth Wurtzel, sentía como que no era ella, como si tuviera una personalidad falsa. Supongo que algo como haber elegido la pastilla azul de la matrix.

El remate feliz de la película es que dicen que Elizabeth, años después, escribió Prozac Nation que fue un súper éxito.

Y yo me pregunto entonces cuál podrá ser el remate feliz del libro.

Porque la historia no es sólo sobre la depresión, es deprimente. No es como una canción de The Cure depresiva pero bonita.

Al menos yo en la película no veo que pudiera haber hecho del libro un best seller. Todo es como deliberadamente gris sin chiste: La fotografía, la música, la dirección de arte. No aprovechan para nada ser una historia de época.

Además se siente como si la historia en lugar de ser contada fuera una exposición de puntos de una lista. Nos dicen, por ejemplo, cuál es la gran amiga de Elizabeth, pero nunca las vemos ser grandes amigas, sólo las vemos pelearse. Luego está su gran romance con Rafe (Jason Biggs). pero no se ve un gran romance, no hay alguna escena memorable. Y Biggs que era un actor muy popular, está totalmente inexpresivo con cero carisma y ninguna química entre los dos.

Parece como si fuera una historia larga que trataron de meter con calzador en la película o algo así.

De cualquier modo ¿Qué se puede esperar de una historia que acaba en que a la protagonista le recetan Prozac y colorín colorado este cuento se ha acabado?

El héroe y el destino

El viaje fantástico de Simbad o El viaje dorado de Simbad (1974  Dir. Gordon Hessler, guión Brian Clemens y Ray Harryhausen inspirado en las historias de Simbad el marino) es de una época en que el islam era considerado sólo otra religión igual que cualquiera sin las conotaciones que ahora tiene. Y entonces el héroe de esta película británica, Simbad el marino, podía hablar de alá como si sólo fuera otro nombre de un dios básicamente intercambiable.

El destino es el tema que recorre la historia de principio a fin, de hecho todo acaba en la "fuente del destino". Este puede ser ordenado por alá, o estar ya escrito, frase que se repite varias veces.

Desde la primer escena el destino se hace presente como un mounstrito volador con alas de murciélago que lleva un objeto de oro y los marineros de Simbad se preguntan si flecharlo o no pues según alguno eso sería de mala suerte. Ya con el objeto de oro Simbad ve en sueños a Margiana (Caroline Munro), la mujer predestinada para él.

Una tormenta desvía el barco de su camino y los lleva a Marabia. Según Rashid, un personaje que es el segundo de a bordo y se encarga de avisar a Simbad y de paso a la audiencia que hay peligros mortales adelante, sería peligrosísimo desembarcar ahí. Pero Simbad sabe que ahí está su destino, lo vió en su sueño - Algunos dicen que alá se comunica a través de sueños - le contesta a Rashid, y obviamente entonces deben desembarcar en Marabia.

Simbad y su gente tienen espadas, flechas y su astucia pero nada de magia, el único mago de la historia es el malévolo Koura. Por eso cada vez que Simbad dice "Confá en alá... pero ata tu camello" y de hecho con esa frase acaba la película, parece que lo importante para él es la parte práctica de atar a tu camello pues lo mágico tiene una como conotación negativa.

La única parte positiva del destino es lo de encontrar a Margiana, y ahí sí hay una crítica de la cultura islámica pues ella es una esclava y, según su dueño, no tiene ningún valor, pero Simbad se la lleva y le dice que ninguna persona puede ser dueña de otra.

Las otras cosas mágicas "positivas", los tesoros que buscan Koura por un lado, y Simbad con Margiana, sus marineros y el visir de Marabia por otro, en realidad no son tan positivas: Un escudo que protege a quien lo tiene haciéndolo invisible, que al final lo obtiene Koura y no le sirve para maldita la cosa. También poder y riqueza encarnadas en la corona del reino de Marabia pero esto se parece mucho al otro tesoro que es la juventud. Que, como resulta que usar la magia negra envejece, ese regalo mágico parece que sólo compensa el "envejecimiento mágico".

Y lo mismo el poder y la riqueza del reino de Marabia. Los dos personajes que se lo pelean, Koura y el visir parecen dos caras de la misma moneda. Uno es bueno y el otro malo pero tienen cosas en común: La magia negra de Koura que le quemó la cara al visir a él lo envejece aceleradamente. La máscara de oro con que se tapa el visir le da un aspecto más siniestro que el de Koura y los marineros se mofan de él diciendo que a él sí que se le subió el oro a la cabeza. Y sobre todo al final Simbad pudiendo quedarse con la corona de Marabia, prefiere dársela al visir y le explica a Margiana que no quiere ser rey pues ellos ni siquiera pueden casarse con quien quieren.

Eso lo dice en la fuente del destino en donde los héroes hicieron que este cambiara y Simbad consigue a la chica de sus sueños y el tonto y vago que hacía de hazmerreír de la historia logra ser considerado todo un marinero por Simbad.

Tal y como les dijo un oráculo con cara de demonio, que parece un holograma en una película de 1974 y que habla como una especie de Jorge Luis Borges de los mares fantásticos del cine de aventuras. Entre versos sobre el destino y la eterna lucha entre el bien y el mal les explicó a los aventureros que los pequeños hombres mortales pueden cambiar las cosas a pesar de todo.

El más allá y el más acá, inseparables por siempre

Ginger & Rosa (2012 dir y guión Sally Potter) presenta la historia de dos amigas que ya lo eran desde antes de nacer, vemos a sus madres, en 1945, que ya eran amigas y estaban por parir, estrechando las manos entre sus camas de hospital.

Son tan amigas que hasta lo relacionado con el sexo opuesto como que surge de su amistad, las vemos juntas cada una con un wey besándose y llendo más allá pero sin perder la complicidad a través de las miradas, estando con hombres sin dejar de estar juntas.

La gran prueba de la amistad no será que les guste el mismo wey, sino cuando Rosa empieza a andar con Roland el papá de Ginger.

Pero no sólo eso, cada una representa una postura opuesta ante la vida y la muerte, Rosa es cristiana y Ginger atea.

Leyendo un poco entre líneas hay una no tan sutil actitud de la guionista y directora Potter con respecto a estas dos posturas: A Rosa no le iba bien en la escuela y la mamá de Ginger (Christina Hendricks) decía que parecía una chica problema, que vaya que acabó siendo un problema para ella. Pero además mientras Ginger leía a T.S. Eliot y a Simone de Beauvoir, Rosa leía revistas bobas.

Pero la diferencia queda contrastada más radicalmente frente al tema del momento: Están en 1962, en la crisis de los misiles soviéticos en Cuba, el momento más caliente de la guerra fría, cuando el mundo estuvo más cerca de una guerra nuclear que acabaría con millones. Y mientras que ginger se mete al movimiento pacifista Rosa propone rezar.

Aquí creo que la historia cae en una trampa pues resulta que la gente ve la extrema preocupación de Ginger por la guerra como un autoengaño. Y que lo que realmente le afecta es lo de su amiga y su papá.

Pero eso de que estaba exagerando su preocupación es como un punto de vista que a nosotros, ahora, que sabemos que no hubo guerra nuclear en 1962, nos resulta fácil.

Pero en ese momento era perfectamente racional y propio de una niña o un adulto estar no sólo alarmado sino aterrorizado por la guerra. había un peligro real de que les cayera una bomba nuclear, no era histeria.

Sin embargo, al final, la historia le da la razón al ateismo de Ginger, que le viene de su papá.

Y en algo muy políticamente incorrecto, el papá ateo dice que él cree que hay que hacerle caso al amor, cuando aparezca, como aparezca, y justifica su relación con Rosa. Su forma de pensar quedaría condenada si se rompiera la amistad de Ginger y Rosa pero la historia le da la razóncuando su hija le escribe a su amiga y le dice que ellas seguirán siendo amigas por siempre pase lo que pase.

BFF!

Es una bonita película, con buena musiquita y sobre todo con Elle Fanning y su actuación, tan buena que poco después los Red Hot Chili Peppers la escogieron para el papel de la hija de Joe Albany, un pianista de jazz, y padre problema, en la película que produjeron sobre su vida llamada Low Down.

A nadie dejará de gustarle Elle en esos papeles de adolescentes aficionadas al jazz, sufriendo con esos padres hedonistas e irresponsables.

Disponible en Apple Tv, Prime Video

... y en OKRU https://ok.ru/video/8579405974099

Coraline con O y la telaraña de la identidad

Este próximo agosto se cumplen quince años del estreno de Coraline, película de stop motion basada en una historia de Neil Gaiman, nada menos. Y va a haber un reestreno en cines de celebración.

Coraline (2009 dir y guión Henry Selick) es una niña que llega con su familia a vivir a un lugar cerca de un pozo tan profundo que desde su fondo el día se ve como noche. Al revés pues. Y el tema de ver las cosas al revés será un tema muy importante en este cuento de hadas.

Coraline lo primero que hace al llegar es buscar el pozo con una rama zahorí, de esas con una horquilla que se dobla donde hay agua según dicen.

El tema del agua también recorre la película de principio a fin, como algo bueno y necesario. Un niño vecino le dice a Coraline "bruja de agua" y que seguramente ella viene de un lugar seco y por eso busca agua.

Este niño le avisa a Coraline que esta parada en la tapa del pozo y que se puede caer. Simbólicamente eso es lo que pasa más tarde. Sólo que el pozo a donde cae, y en donde todo se ve al revés, es una pequeña puerta en su nueva casa

¿Qué ve al revés? Pues a una araña la ve como una mamá amorosísima y a las ratas como simpáticos ratoncitos acróbatas. Y así todo.

Pero lo que parece bueno y bonito es sólo el queso de la ratonera y el dulce sabor de la telaraña está hecho a la medida de cada quien pues la araña espía a sus presas dándoles muñecas o muñecos que se parecen a ellos. O sea con los que se identifican.

Lo de la identidad es otro tema que recorre la historia. Ella se llama Coraline, algo así como coralillo en español. y le gustan los colores brillantes como los de las coralillos, pero todo mundo cree que se llama Caroline. Su vecino se llama Wybie que es la abreviación de Wyborn, que según Coraline es a su vez la abreviación de Why where you born? ¿Porqué naciste?

Cuándo él le pregunta a ella su nombre Wybie dice ¿Y a ti qué peso te cargaron encima?

En realidad el peso de Coraline no es su nombre sino que nadie escucha y le dicen Caroline y, según Wybie "Un nombre común como Caroline puede llevar a la gente a tener expectativas ordinarias sobre una persona."

Entonces a través de la muñeca con la que Coraline se identifica la araña la espía y puede ver que le gusta y que no. Como si fuera un celular. Y construye un mundo de fantasía para ella lleno de colores brillantes, estilo mundo de la pastilla azul matrixiana, donde sus padres la escuchan y su vecino Wymbie se calla.

Porque ese es otro tema de la historia, sus padres no la escuchan. Cuando Coraline le cuenta a su mamá que casi se cae en un pozo, la mamá ni caso le hace. Y ella es igual, en su mundo ideal Wymbie no habla.

El heroé de la película es un gato que ve y oye mejor que los demás según dice él mismo. No habla aunque puede hacerlo. Habla en el mundo fantástico, como una ficción.

O un sueño, el mundo de la araña y sus engaños aparece primero como un sueño. Pero la ficción también es importante en la historia, los Jones, es decir Coraline y sus padres comparten una casa dividida en tres departamentos con cirqueros, el señor Bobinsky y dos hermanas que son como cabareteras y acróbatas. Ellas le dan una piedra con un hueco enmedio a través del cuál puede ver las cosas como realmente son y con eso puede luchar contra la mujer araña que quiere quitarle sus ojos, como ha hecho ya con otros tres niños que le piden a Coraline los ayude a recuperar sus ojos y así, sus almas.

Estos ojos-almas están en el teatro de las hermanas, en el circo de señor Bobinsky y en el jardín de la casa que también tiene que ver con el arte, hasta dibujan en el caras con flores.

Coraline además debe rescatar a sus padres que también han caído en la trampa de sus muñecos mini- me.

Aquí hay simbolismos interesantes: Ni sus padres ni ella escuchan. Coraline dice que vienen de Pontiac, Michigan y sus padres acaban atrapados en una esfera de cristal adentro de la cual está algho referente a Detroit, Michigan, la ciudad de las automotrices fabricantes de los Pontiacs.

Y cuando uno vive en una burbuja no puede oir, ni ver la burbuja.

Al final queman a los muñecos espías, el gato le arranca los ojos a la mujer del mal y por fin los padres acaban con su trabajo en sus computadoras y salen al jardín a donde no querían ir por la lluvia. Ahora todos quieren agua y la reparten en grandes vasos de colores.

 

El es un asesino, un policía encubierto, un profesor, un coach de vida y también le puede dar una plática motivacional a tu equipo de ventas... ¡y está enamorado!

Así como suena de absurdo y revuelto, así está Cómplices del engaño, la nueva película de Richard Linklater (Hit Man 2023 dir. Linklater guión Linklater y Glen Powell basado en un artículo de Skip Hollandsworth). Y todavía me faltaron atributos del personaje principal, el profesor de sicología y filosofía Gary Johnson (Glen Powell) que también es experto en aves, en tecnología, es tech support de la policía pero también sabe como deshacerse de un cadáver, entre muchas otras cosas claro.

El problema es que no es una comedia, es drama, con toques de humor pero drama.

Y además Cómplices del engaño tiene un mensaje: Tú eres un constructo social o sea no hay un verdadero tú y puedes ser lo que quieras.

Para que veamos que Gary sabe lo que dice salen de su boca los nombres de Nietzsche, Platón, Descartes y Kant. Explica la teoría del id, ego y superyó de Freud y vemos su librero rebosante de títulos y especialmente colocada encima de una mesa la autobiografía de Jung "Recuerdos, sueños, pensamientos."

Escuchamos que las características de la personalidad pueden cambiarse rápidamente en unos días y parece como si la sabiduría de Freud y Nietzsche estuviera detrás del discurso motivacional de Gary Johnson. Aunque ninguno de ellos habló nunca de que la personalidad podía cambiarse en unos días. Ni Jung claro, pero usan sus términos, como extrovertido e introvertido, para decir cosas qué él jamás diría.

Regresando a lo dramático pareciera que una de las formas en que la película intenta decirnos que la personalidad puede cambiarse fácil, rápido y sin dolor es a través de los personajes que Gary interpreta en su segunda chamba de policía encubierto. Pero eso no funciona porque algunas de sus caracterizaciones salen ridículas.

El colmo es que el cambio que un personaje suele tener entre el principio y el final de una historia queda como perdido, trivializado pues sabemos que Gary, profesor nerd - normie que conquista a la chica sacando su lado de pistolero del viejo oeste, podría mañana sacar su lado femenino, o de negro cubano, o de lesbiano al que le atraen las enanas, o sicópata o de gallina café.

¿Y qué decir de la protagonista? Madison (Adria Arjona) arranca como sufrida mujer que no puede escapar de su malvado marido. En la siguiente escena que es como al día siguiente ella ya es una mujer felíz e independiente. Porque Gary le dijo que dejara al marido. Nunca se le había ocurrido, ni se lo habían dicho, pero pues se lo dijeron y ¡púm! que cambia su vida y se vuelve feliz al instante.

El resultado es que Gary y Madison son personajes sin sustancia con los que no se puede establecer realmente una conexión emocional. Agreguense además otros absurdos de la trama como que Gary se encarga de que todos los que quieren matar a alguien vayan a la cárcel, excepto si se trata de una mujer joven y bella y al final se siente como que uno ha visto una historia más tonta que de costumbre con un discurso de remate que parece para motivar vendedores de algún multinivel.

Y si no me creen pueden ver Cómplices del engaño en su cine favorito porque está en cartelera.

Akira y la bomba inmobiliaria que arrasó Tokio

Aunque Akira (1988 dir Katsuhiro Otomo guión Katsuhiro Otomo, Izo Hashimoto) la película súperclásica de culto, No-Hay-Más salió en 88 se le nota que está basada en un manga que empezó a salir en el 82 pues contiene todos los tópicos de los escenarios distópicos de la época. Empezando por los gladiadores en moto a la mad max 2, la ciudad decadente en estado semisalvaje a la warriors o escape de nueva york, la escuela de rufianes y el mesías. Aunque este es un mesías peculiar sumamente peligroso. Un niño, Akira, de un grupo de 4 niños con extraños poderes desarrolla un poder destructivo tal que se carga a Tokio en una explosión como de bomba nuclear sólo que en lugar de formarse un hongo nuclear se forma una burbuja.

Eso se supone que pasó en 1988 pero la historia se situa 31 años después cuando parece que un adolescente Tetsuo, está desarrollando poderes como los de Akira.

En realidad el problema empieza por un político corrupto de la ciudad, Mr Nezu, cuando organiza el rapto de uno de los niños compañeros de Akira, que le pega los poderes a Tetsuo.

Aquí llama la atención que una niña del grupo de los extraños niños con superpoderes, Kiyoko, tiene un sueño en donde los brillantes rascacielos de Neo- Tokio, que son como el leit motiv de la película, en lugar de ser brillantes torres de luces, algunas incluso parecen brillar como oro, son en el sueño sombras que se caen sobre la gente.

De este modo se hace una conexión entre una guerra mundial - pues se supone que Akira con su burbuja de destrucción que arrasa con Tokio provoca la tercer guerra mundial - y los rascacielos de Neo-Tokio.

Lo que hace pensar que ella está hablando de lo que pronto pasaría en Japón en la vida real: Una burbuja especulativa gigantesca que llevó los precios de los bienes raíces japoneses a niveles de locura, tan sólo el Palacio Imperial de Tokio llegó a valer tanto como todos los bienes raíces del estado americano de California.

Mr Nezu, el politico corrupto dice en un dialogo que Neo-Tokio es como una fruta podrida con la que habria que acabar para que surgiera una nueva semilla

Y aunque parezca increible algo similar decían los funcionarios japoneses que provocaron la burbuja inmobiliaria fuera de control, que era para que cuando explotara provocara tal crisis que el pueblo japonés tuviera q aceptar las reformas de mercado que los funcionarios decian eran necesarias

Solo que les pasó como a Tetsuo que perdió el control de sus poderes, y al tipo que anunciaba la llegada del mesias Akira que acabo muerto. Cuando la burbuja inmobiliaria japonesa explotó acabó la era del gran crecimiento económico japonés. 

Pueden ir a ver Akira el cine en el mes de la ciencia ficción en cinemex.

Un mesías en Sodoma

Año Uno (2009 dir. Harold Ramis guión Harold Ramis, Gene Stupnitsky, Lee Eisenberg) es una comedia en donde Jack Black interpreta a Zed, un mal cazador de una tribu de cazadores y recolectores, que recorre rápidamente algunas historias de la biblia y nos dice que no le hagamos caso.

Zed y su cuate el recolector Oh, hijo de Ooh (Michael Cera en su típico papel de cheems pero en humano), son poco apreciados en su tribu. Aunque se supone que ahí en donde vive la tribu es el paraíso, con todo y árbol del fruto prohibido. A la mejor sí es un paraíso sólo que hay un wey tipo bully, jefe de los cazadores y la tribu.

Que quiere con la misma mujer que Zed, Maya (June Diane Raphael).

Zed, frustrado porque nadie lo respeta, Maya piensa que es un bueno para nada, come del fruto prohibido, lo cachan y lo corren de la tribu.

Y así, acompañado de Oh viaja y conoce a Caín y Abel, al patriarca Abraham y su hijo Isaac. Ven por primera vez una rueda.

Finalmente llegan a Sodoma, la mítica ciudad del pecado, que al igual que Las Vegas está enmedio del desierto. No tiene un Caesar´s Palace pero las fuerzas del orden parecen soldados romanos. También hay orgías y otras cosas de estilo romano. Esta Sodoma además es como un Egipto pues la tribu de Zed y Oh ha sido llevada ahí esclavizada. Zed los liberará claro está, pero en el momento de la liberación dirá que no es un mesías, que no crean en esas cosas, cerrando así la merecida mofa que hace de los mitos judeocristianos.

Esta nueva versión de "Clásicos de la Biblia" cuenta con un elenco multiestelar, además de los ya mencionados sale Juno Temple como hermana de Zed y objeto amoroso de Oh. También sale Olivia Wilde como hijastra del malvado rey de la ciudad hermana de Gomorra que le dió su nombre a la sodomía.

Y por cierto, la película tiene su pizca de investigación. El gran sacerdote de Sodoma lee las visceras, un método adivinatorio muy común en la antigüedad en cercano oriente y en Roma.

Fan del Breakfast Club salva a su prepa de una masacre

Heathers (1988 dir. Michael Lehmann guión Daniel Waters) es una muy buena comedia negra. Destacan especialmente sus diálogos. 

Se trata de Veronica (Winona Ryder), una buena chica, que entra al grupo de las mean girls, las populares de la prepa. Que todas se llaman Heather, menos ella. La Heather número uno en especial es tan mala que está llevando a la gorda de la prepa al suicidio.

Es una verdadera fascista que piensa que el mundo sería mejor eliminando a todos los que ella considera perdedores. Verónica en cambio le dice que si no vio Breakfast Club y lo bonito que es  cuando todos son amigos.

Al igual que en la anterior película de la que escribí aquí en el blog, Buffalo 66, se hace mofa de la afición al futbol americano. Los jugadores del equipo de la escuela, obvio, son la contraparte masculina de las Heathers.

Sin embargo los y las populares no son los únicos criticados aquí. El wey que pide donaciones para los niños de Africa se clava la lana y la maestra hippy que quiere que todos se tomen de la mano y expresen sus emociones en realidad sólo quiere salir en la tele.

Y luego está el outsider, el nuevo en la escuela, que en el guión dice que debe tener un aire jamesdeanesco y se llama Jason Dean (Christian Slater) que quiere volar la escuela poniendo dinamita bajo el gimnasio mientras todos están congregados practicando los ritos mágicos para obtener la caspa de ganador, es decir las porras. Se sienten vibras premonitorias de la masacre de Columbine y todas las que han venido después que ya se volvieron costumbre.

 

Secuéstrame pero no me dejes

Buffalo 66 (!998 dir. Vincent Gallo guión Vincent Gallo y Alison Bagnall) es una auténtica obra maestra que presenta una historia de diferentes personajes que se puede decir están secuestrados o presos. Billy Brown (Vincent Gallo) sale de la cárcel pero sigue atrapado por su odio a un pateador de los Bills de Buffalo a quien quiere darle un tiro antes de suicidarse. La afición por su equipo de futbol es para él peor que la prisión.

Sólo el amor puede salvar a Billy y no hay tiempo de pedir permisos.

Hay dos temas tabú que salen a relucir en la película: La mamá que odia al hijo y la mujer que se enamora del tipo que se la lleva por la fuerza. Hay incels, humor, una canción de King Crimson, sale Christina Ricci y también se puede ver a Rosanna Arquette. Una historia original, perfecta. 

El Dios Miope

En Blade Runner (dir. Ridley Scott, guión Hampton Fancher, David Peoples, basado en una historia de Phillip K. Dick.) los ojos representan el alma pues observándolos al hacer la prueba Voight - Kampff se puede saber si alguien es humano o replicante.

La película abre con un close up de un ojo y la pirámide del nuevo Dios-Humano que no es un faraón sino el fundador de la corporación Tyrrell fabricante de los más avanzados modelos de replicantes.

Que sin embargo es muy limitado en su visión, por lo que tiene que usar gruesos lentes, y también en el amor por sus creaturas a quienes sólo deja vivir sólo unos pocos años, lo que facilita tenerlos como esclavos.

Su castigo será que le arrancarán los ojos.

¿Pero porqué habría que darles más vida a los replicantes?

Porque han visto cosas que los humanos no podrían ni creer: Naves ardiendo sobre el hombra de Orión, rayos c en la puerta de Tannhauser.

Es una lucha entre las creaturas de los viejos y los nuevos dioses que culmina en el amor de Rachel (Sean Young) y Deckard (Harrison Ford) que supera el problema del poco tiempo, lo trasciende.

Planetas del mal

Una curiosidad de El Planeta de los Vampiros (1965 dir. Mario Bava guión Barry Sullivan, Norma Bengell, Angel Aranda) es que no sale ningún vampiro. Lo que hay son unos entes, que son como luces, que se apoderan de los cuerpos de los muertos. O sea para hablar en estrictos términos técnicos son entes con poder zombificador. Pero no sólo eso también pueden apoderarse de la voluntad de los vivos. Y sale a relucir la palabra "inconsciente".

Parece sin embargo que el propio planeta, que se llama Aura, es malo. Para empezar atrapa a los tripulantes de las naves espaciales que serán zombificados a través de la gravedad pero no una gravedad "normal" sino una como gravedad manipulada. Los viajeros del espacio sin duda expertos en esos temas, dicen nunca haberse topado con algo así.

Es un planeta de donde sale una señal, cuál canto de sirena, pero las naves que se acercan no pueden ver nada. Hasta que es demasiado tarde.

Creo que puede ser considerado un antecedente del planeta Solaris (Solaris 1972) que atrapa a la gente gracias a su acceso a la mente, descubre las debilidades de cada uno y les receta sueños que funcionan como pastilla azul de la matrix.

Por otro lado lo de revivir muertos y usarlos en conflictos interplanetarios ya se había visto en Plan 9 del Espacio Exterior.

Es como si el Planeta de los Vampiros fuera un eslabón entre la súpercampy película de Ed Wood y la super artística Solaris de Tarkovsky.

El planeta Solaris seduce a la gente, como un vampiro, pero no sale ningúno. En Plan 9 tampoco hay "técnicamente" vampiros, pero sale Bela Lugosi, uno de los más famosos intérpretes de Drácula de la historia y Maila Nurmi, mejor conocida como "Vampira", que se viste como vampiresa, parece vampiresa, tiene colmillos de chupasangre. Pero se comporta como zombi en la película, como una zombi disfrazada de vampiro.

Parecen dos casos de películas que traen pegado el tema de los vampiros, pero sólo eso pues en realidad se trata de zombis. Y de planetas malignos. Como en la astrología.

Solaris ya no necesita vampiros ni zombis, pues el ente maligno que se mete a la mente de las personas y los atrapa como sirena, es el planeta mismo.

Muerte de un perfeccionista

Los dos personajes principales de Un Día de Furia (dir. Joel Schumacher, guión Ebbe Roe Smith) tienen mucho en común pero destinos opuestos. Bill Foster (Michael Douglas) se suicida prácticamente haciendo que Prendergast (Robert Duvall) lo mate. Este en cambio acaba sonriente en una fiesta infantil.

Los dos han perdido hijos, el de Prendergast murió y Bill no puede ver a su hija pues tiene una orden de restricción que le puso su esposa que le impide acercarse a ella o a su hijo.

Ambos se han quedado sin trabajo, a Bill Foster lo despidieron y el sargento Martin Prendergast está en su último día de trabajo tras solicitar su retiro anticipado. Al final dice que sigue siendo un policía así que quizá se quede.

Bill está en su día de furia pero vemos que es un tipo educado, con buenos modales, que tiene serios problemas con su exposa pero nunca la ha golpeado, es escrupuloso para pagar sus compras y dice que siempre ha hecho lo que le han dicho que tiene que hacer.

A ninguno de los dos les gusta como va el mundo.

Pero mientras que Prendergast es un tipo adaptado Bill ya lo ha perdido todo, su caminata desde que abandona su coche en un embotellamiento hasta que cae muerto en el mar es su paseo de despedida.

¿Pero porqué Prendergast se adapta y Bill no? En la película hay muchas señales de que el problema de Bill es el perfeccionismo. En cambio Prendergast es un tipo flexible.

Desde el arranque de la película vemos que a Bill Foster pequeñas cosas lo están sacando de quicio: el tráfico, el calor, la gente en los otros autos, las calcomanías en sus coches, un garfield pegado a una ventana.

Después una lata de coca cola que le quieren vender a 85 centavos cuando a él le parece que debería costar 50 centavos. Y el dependiente de la tienda ni siquiera pronuncia bien "cents".

Cuando Prendergast inspecciona el cuarto de Bill le llama la atención su limpieza y orden. Bill es un ingeniero y tiene muy bien ordenados instrumentos como compases para su trabajo.

En otra parte de la casa al sargento le llama la atención una jirafa de vidrio a la que le parece que se le ha derretido el cuello, la mamá de Bill le aclara que tiene el cuello así porque está tomando agua.

El, al contrario de Bill, es flexible como esa jirafa.

Se va a retirar antes a pesar de que no recibirá completa su pensión para irse a vivir a un supuesto lago que según él no es más que un montón de lodo pero a su esposa le gusta.

Sus compañeros le rellenan un cajón con arena para gato con todo y cacas pero él lo toma con humor. también le hacen un pastel donde escriben su nombre, pero incompleto.

Y ha dejado que crean que es un poli con miedo también por su esposa que prefiere que él trabaje en un escritorio.

Es flexible pero con límites, cuando la esposa le dice que se está desangrando porque la arañó el gato le pone un alto. Pero después a un tipo que le falta el respeto a su mujer y le da un puñetazo.

Es un poli mal pagado y tiene que lidiar con escoria todos los días, en eso están de acuerdo él y Bill, la gente es escoria.

Pero él se adapta, Bill no, y se muere.

El FICUNAM y su altarcito a la Santa Muerte

Según Maximiliano Cruz director artístico del FICUNAM este es un festival dedicado al cine crítico y no para películas que buscan que la gente salga a comprar la "merch" de la peli. Y que bueno que sea así porque de cualquier modo esas películas que quieren vender merch no creo que las prestarían tan fácil para el FICUNAM.

Pero la definición de cine crítico no es tan fácil. Están los que dicen que arte que no es innovativo formalmente es conformista/conservador/ prohegemónico etcetcetc (Estas etcéteras son anticonformistas) pero ya sabemos lo que sucede cuando se busca la inovación formal por sí misma. En lo personal recuerdo a una excompañera de banca que quería hacer una película toda de cabeza, o sea con el piso arriba y lo de arriba abajo - porque nadie lo había hecho -. Y en el FICUNAM ha habido mucho de eso, el director anterior Roger Kozas, el "sueños" Kozas llegó a poner cosas como una película donde se ve a gente durmiendo. Que el colmo es que eso no tiene nada de innovador, Andy Warhol hizo una película que consistía en ver durante horas a un poeta amigo suyo durmiendo.

También se puede entender al cine crítico como el cine de denuncia. Pero eso tampoco aclara las cosas del todo. Y pongo dos ejemplos, tan sólo como eso, ejemplos, de controversias, dentro de la izquierda, de lo que se puede entender como cine de denuncia. Uno es el filósofo marxista, Zizek. Ajonjolí de todos los moles críticos, que dice que la obsesion identitaria de nuestro tiempo es una parte del sistema y por lo tanto feminismos, elegebeteísmos, antigordofóbicos, antiislamofóbicos, antifobifobicos y demás están luchando a favor del sistema y no contra él. Conste eso dice él no yo. Y luego está Mark Fischer, alias K Punk; el filósofo, crítico cultural, bloguero y demás; tan de moda actualmente pero que estaba en contra de la cultura de la cancelación. Es decir contra la idea de pedir la cabeza de cualquiera que haga un comentario racista o misógino o sexista o clasista o lo que sea.

Yo en lo personal critico a los que critican mi estilo de crítica de cine que porque esta debe de ser sobre las actuaciones, la realización, el lenguaje cinematográfico y en resumidas cuentas sobre lo audiovisual y sólo lo audiovisual dejando fuera a la historia, la trama y por lo tanto al guión. Que porque eso es ponerse literario con el cine y eso es pecado mortal. Además de que es tentar, y eso lo es lo menos, a los viejos demonios sicoanalíticos y con ellos a los del yo y del ser. Que Foucault nos proteja.

De cualquier manera, aunque cuando se pone la crítica por delante de las películas a mí me da desconfianza, fui a ver algunas de las películas que compiten en la sección Ahora México del FICUNAM. Una me gustó mucho, "El Mirador", una película con una estructura narrativa original pero sin dejar de contar una historia.

Otra que me sorprendió fue "Río de Sapos", un documental que es un altarcito audiovisual a la Santa Muerte. No me sorprendió el documental en sí sino que estuviera en festival de "cine crítico".

Porque no es una visión crítica o histórica o antropológica del culto a la Santa Muerte. La propia productora del documental lo dijo en la sesión de preguntas y respuestas tras la función de prensa. Que no querían hacer un documental antropológico. Se nota. Que querían hacer algo más personal, más visceral. Pues lo lograron.

Así que la Santa Muerte no sólo ya entró a morena, también a la UNAM vía su festival de cine. Es un altar... perdón documental que tardó años en hacerse y contó para su realización con la ayuda de numerosas fundaciones nacionales y extranjeras, incluyendo una fundación árabe que aparece como coproductora.

Independientemente de lo que cada quien opine o piense de la Santa Muerte yo me pregunto ¿En dónde está aquí el lado crítico?

Yo no lo veo, pero encuentro otra evidencia para alimentar mis sospechas de que atrás de quienes ponen lo crítico por delante en temas artísticos siempre se esconde un aspecto arcaico.

Como ya dije fui a algunas de las películas de la sección Ahora México del FICUNAM pero a otras no pude ir. Y antes de una función, de las que sí fui, la comisión federal de electricidad avisó antes de empezar que iban a cortar la luz así que la función se suspendió. En otro par de ocasiones no pude llegar por las manifestaciones de la CNTE. Lo que me recordó la sesión de preguntas después de "Río de Sapos". Una reportera preguntó cuál había sido la experiencia sobrenatural más impactante durante su producción. Asumiendo que al hacer un documental sobre la Santa Muerte habrá sucesos sobrenaturales difíciles de explicar. La productora dijo que varios pero destacó que cuando intentaban hacer una toma con un dron que debía volar hasta parase enfrente de la imagen cadavérica siempre fallaba algo. Hasta que decidieron pedirle permiso a la Santa Muerte y entonces sí, la toma salió a la primera. Pero que como esas muchas cosas hasta en la postproducción donde ni el quicktime funcionaba si no se le pedía permiso antes a la "niña blanca".  

Entonces lo entendí: No pude ver bien las pelis del FICUNAM porque antes no le pedí permiso a los antiguos espíritus de la crítica posmoderna.

Es obvio.

Entrele al narco y solucione los problemas de infertilidad e infidelidad de su matrimonio

Es bien sabido que los hombres con aspecto de que acaban de salir del reclusorio, o que van que vuelan para allá, tienen mucho éxito con las mujeres. Pero lo que Brawl on Cell Block 99 (2017 dir y guión Craig Zahler) nos presenta va más allá: La historia va de un matrimonio a punto de dejar de serlo. Ella (Jennifer Carpenter) le ha estado poniendo el cuerno y además no han podido tener hijos.

Entonces él (Vince Vaughn ) anuncia que le va a entrar al narco ¡Y pum! Lo siguiente que sabemos es que ya dejaron su casita y viven ahora en una casota y esperan una bebé, la "koalita".

Bradley el marido es ahora un súper amoroso futuro padre que ni siquiera deja que la koala, la mamá de la koalita, corte una ensalada con un cuchillo porque no se vaya a cortar.

Pero las cosas se van a complicar, como de costumbre, y Bradley acabará peleando, con los puños, por su koalita.

Es una historia que mantiene el interés y la tensión de principio a fin, con buenos diálogos. Además tiene algo de tono crudo pero realista atractivo. Pero sólo algo y no hasta el final. Ya para cuando Bradley cae en una cárcel de máxima seguridad y el director de esta carcel (Don Johnson) sale a recibirlo a la calle la cosa ya es totalmente fantasiosa.

Tanto así como cuando al final la koala se pone el celular en la barriga para que Bradley hable con la koalita.

Sí, son muy divertidas las películas de madrazos cuando están bien hechas.

Pero detesto el mensaje de que todo lo hacen por amor, casi siempre, a una niña. Parece que ni siquiera dan permisos para poner a un niño en vez de a una niña.

Me recuerdan a los políticos que dicen que roban por amor a su familia. 

Los he oído.

No, los políticos corruptos no son así por amor y no hay narcos que en el fondo sean caballeros medievales, que dizque no se meten con los "civiles" y que son de lo más honorables.

Los malandros no van a ser brutales con unos pero dulces contigo.

Ah, y otro tip: Antes de comprarle una nueva casa a una esposa infiel habría que pensar si así se salvará el matrimonio o si sólo se está poniendo mejor la escenografía para los encuentros con los amantes.

Héroes pornográficos contra los ancestros asesinos

Pearl (Dirección Ti West, guión Ti West y Mia Goth) es una precuela de X (Dir. y guión Ti West) y son dos películas que presentan una historia conjunta de guerra generacional sin tratarse de generaciones específicas. En Pearl, la protagonista (Mia Goth ) que da nombre a la película es una joven mujer cuyo esposo Howard (Alistair Sewell) se fue a la primera guerra mundial dejándola sola en la guerra contra su madre (Tandi Wright) y el bulto de su padre (Matthew Sunderland), que está completamente paralizado.

En X el conflicto es por un lado entre Pearl (Mia Goth otra vez ) y Howard (Ahora interpretado por Sthepen Ure) que quien sabe qué generación serán. Se supone que Howard fue a la primera y a la segunda guerra mundial. Los que pelearon en la segunda guerra mundial son llamados la generación G.I. o también la "greatest generation" aunque como Howard estuvo también en la primer guerra mundial supongo que es de una generación anterior.

Pero el pleito ahora es con unos boomers, y su jefe. Aquí Mia Goth interpreta a la Pearl anciana y también a Maxine, una joven con muchas semejanzas con la joven Pearl. Y aquí la vieja Pearl es la villana. Una villana muy peculiar. Y el pleito generacional es a muerte. Muerte estilo slasher clásico: Jovenes llegan al bosque, tienen sexo y aparecen, son dos en este caso, unos psicópatas asesinos.

Y el bosque es el tenebroso territorio rural de los fanáticos de los teleevangelistas.

Entonces la precuela nos cuenta que le pasó a Pearl, que pasó de ser una joven soñadora a ser una asesina. Una asesina amargada además.

El esposo por cierto no es importante más que como una especie de instrumento de ella.

La historia de Pearl presenta al menos dos niveles, en el externo Pearl odiaba su vida trabajando en la granja familiar bajo el yugo de su madre puritana e inflexible y cuidando a su padre - bulto.

Nos enteramos que su primer plan para escapar era casarse con Howard, que venía de una familia con mejor posición económica. Pero en vez de que él se la llevara a su mundo, Howard lo que quería era irse a vivir al de ella, es decir trabajar en una granja. Y después se fue a la guerra aunque lo pudo haber evitado.

El segundo plan era que el proyeccionista de cine del pueblo se la llevara a Europa. Cosa que tampoco sucede.

Generalmente aquí es donde se pone alerta de spoilers pero como se trata de una precuela no tiene mucho caso: Después de ver X sabemos que el plan de Pearl de ser una bailarina tampoco va a funcionar.

Y hay también una historia interna, sicológica, de Pearl.

Por un lado ella se siente especial, una estrella, que merece más de la vida y que quiere ser vista.

Por otro lado odia que la vean, está acomplejada y la envidia la corroe.

Este lado obscuro está representado por cierto regalo que le dan que se acaba pudriendo, por sus padres, especialmente después de muertos, y por su gusto por "alimentar al caimán".

Esta historia sicológica de Pearl es realmente la central y no lo externo pues como le dice el proyeccionista de cine "pasando la puerta hay un camino que lleva a Nueva York."

En X la joven soñadora que quiere que la vean pero odia que la vean es Maxine. Sólo que su sueño no es bailar (según la mamá de Pearl "con putas de la ciudad") y que la vean en salas de cine. Maxine quiere ser una estrella porno y que la gente vea sus películas en las videocaseteras que están empezando a salir.

En los años setentas Pearl aparte de haberse vuelto anciana se la pasa viendo teleevangelistas lo cual no evita que mate ni ha detenido su bisexualidad, tema que parece claramente puesto para decir que no sólo a los jovenes les da por esas cosas. Pero que no aparece en la precuela.

Lo que si parece quedar explicado en la precuela es la razón por la que a ella no le gustan las rubias.

Pero para eso mejor vean las películas.

A mí me gustó más X, me gustó mucho de hecho, Pearl menos pero es buena de todos modos y si ven X van a querer ver Pearl. Y habrá que ver MaXXXine, que se estrena el 5 de Julio para saber que sucede con esta aspirante a estrella porno. Ti West sin duda es un cineasta con el don para contar historias. Y además al parecer también puede hacerlas película en tiempo récord.

Son producciones de A24 especialistas en encontrar nuevo talento y parece que Ti West, junto con Mia Goth, han pegado con tubo con estas peliculas.

Espejismos en el desierto

El Mirador (Dirección Diego Hernández, Guión Diego Hernández y Melissa Castañeda 2024) película que compite en la sección Ahora México del FICUNAM 2024 podría ser descrita como una docuficción dentro de una docuficción... que al final además rompe la cuarta pared.

Es una ficción con actores que se representan a si mismos haciendo una película de docuficción. Ficción que envuelve una ficción en donde hay un documental en el que se buscan testigos de la violencia en Tijuana. Especialmente testigos de la balacera en "la cúpula". Una balacera histórico alrededor de una construcción en forma de cúpula.

Y es una "love letter" a Tijuana. La frase la dice un personaje que producirá una docuficción sobre esa ciudad. Considerando la fluidez entre realidad y ficción que hay aquí como con un muro fronterizo poco sólido dividiéndolas, pues eso de la "love letter" parece quedar muy bien como descripción de las intenciones reales.

Sólo que la Tijuana de El Mirador parece a primera vista intercambiable con muchos lugares, la realidad que presenta no es muy diferente de la de otras partes de México y seguramente también de fuera del país.

Empezando por los personajes: Un empleado de call center y una chofer de Uber. Que quieren ser actores.

Pues no son perfiles particulares de Tijuana y la violencia tampoco lo es.

Lo que resulta más particular lo revela otra ficción dentro de la ficción: En un ejercicio de improvisación los personajes deben interpretar una pequeña historia que suceda en el desierto, en una maquiladora y en Hollywood.

Esos sí que son temas de la frontera: El desierto, las maquiladoras y el sueño americano.

Y nos habla de los personajes que están en el desierto, trabajan en un call center, que es como una maquiladora moderna y el agua que buscan es vivir en un edificio con alberca como el productor de la película dentro de la película o el oro de las inversiones de la educación para invertir en criptomonedas que se obtiene haciendo que otros inviertan en esa educación en criptomonedas. O la fama y la fortuna en la actuación.

Y las cosas parecen ir bien pero hay hoyitos inquietantes como el hoyo en la ventana del baño de una casa cerca de la cúpula. Una adolescente que era niña cuando fue la famosa balacera se da cuenta que es un hoyo de bala. Pero su familia dice que el hoyo lo hizo una piedra. Historia que ella sabe que es absurda. O el hoyo en el carter del coche de la chofer de Uber por donde se le sale el aceite. O como la llamada que hace el empleado del call center a una persona acerca de una deuda y le dicen que no saben de que está hablando y cuando quiere hablar con su jefe acerca de eso resulta que no hay nadie.

Hoyos en la realidad del desierto. Pero los balazos son muy reales. El agua en cambio siempre puede ser un espejismo en el juego de espejos de El Mirador.

Mounstruosidad mata bonitez horrífica

Según yo, la interpretación de Eraserhead como sueño puede ser la siguiente: Los mounstritos y el mounstrito bebé que son como gusanos o espermatozoides pero con cara de animal sin piel son productos de la cabeza de eraserhead. El primero aparece saliendo de su boca. Queda la duda de si tuvo sexo con la mujer con la que procreó al hijo mounstrito. Porque más bien salió de su boca. Sus órganos son los pollos "hechos por el hombre". De hecho el mounstrito necesita vendas para amarrar sus órganos, es un mounstrito artificial. ¿Y qué monstruos salen de la cabeza? Los pensamientos. Las cabezas en esta película son explosivas, desbordadas, como el pelo de eraserhead, como la cabeza del mounstrito. Frente a los entes que salen de la cabeza está la mujer del radiador, que los aplasta. Ella es el cielo, una luz cegadora. "En el cielo no hay problemas" canta ella. Pero también es deforme. Es como si los monstruos de la cabeza reprensentaran las pastillas roja y ella la pastilla azul de The Matrix. Por feos que sean los gusanos sin piel, la mujer del radiador que se presenta como escape, parece una trampa, una salida a un camino sin retorno.

El demonio extraterrestre y la mujer prohibida

Battlefield Earth (2000) Campo de Batalla: La Tierra /Batalla Final: Tierra. Dir. Roger Christian, Guión: David Shapiro y Corey Mandell basada en la novela de L.Ron Hubbard, es una película ganadora de una buena cantidad de premios, como peor película. De hecho es considerada uno de los grandes fracasos de la historia del cine, y es que es una gran producción que cuenta mal una mala historia. Además es una típica película de los ochentas, con salvajes a la Conan, postapocalíptica a la Mad Max, y también con salvajes que viven entre rejas entre las ruinas de viejas ciudades estilo Escape de Nueva York. Y con un elegido para luchar contra un enemigo con superioridad tecnológica a la Terminator. Pero sin llegarle ni a los talones a ninguno de esos clásicos. De hecho la novela original de Ron Hubbard, el señor dianética, se publicó en el 82 y la película salió hasta el 2000.

El colmo es que se anunció que la película sería "como Star Wars, sólo que mejor" y es evidente que imita a la guerra de las galaxias. Desde la música, la batalla para destruir a la estrella de la muerte, la destrucción completa de un planeta, tema que también sale en películas como Oppenheimer o Plan 9 del espacio exterior, de las que escribí aquí.

Sólo que en lo de destruir un planeta completo esta historia se sitúa en el lado opuesto de star wars pues ahí los malos los planetas de los buenos y aquí es al revés. Y lo van a hacer quemando la atmósfera con un arma nuclear, posibilidad que se explica en Oppenheimer.

Otra cosa en común con star wars es que ahí, el padre, ( que por cierto vader es padre en holandés, no es necesario estirar mucho la liga para interpretar a Darth Vader como un padre negro) le corta la mano a su hijo Luke y aquí Terl (John Travolta) se la corta a su asistente y aprendiz, el negro (Forest Withaker) Ker.

Y este es apenas uno de los temas "edípicos" de la película pues aquí el Luke Skywalker se llama Johnny Goodboy (Barry Pepper) que se le rebela al anciano líder de su tribu. Y Terl es castigado por meterse con la hija de un poderoso político, lo que hace que también se rebele y para eso primero debe quitar el poder a su decrépito y corrupto jefe directo.

Pero para acabar con sus superiores necesita la ayuda de los de abajo. Aquí el personaje principal no es el Luke Skywalker región 4 Johnny Goodboy. Esta es la historia de Terl. Por algo es el personaje que interpreta Travolta que fue uno de los productores de la película y su principal impulsor. Y claro está, Terl es la cara que acapara los posters y toda la publicidad de la película.

A nivel historia Johnny Goodboy y los rebeldes no habrían podido hacer nada si no fuera porque Terl decidió educar a Johnny para sus propios fines.

En realidad la historia es la de Terl, descendiente de un ilustre linaje según sus propias palabras, que fue educado para "conquistar galaxias" y que por meterse con la hija de un poderoso político es castigado con un puestucho secundario del que no lo piensan mover. 

Para arreglar su situación Terl planea robarse una gran cantidad de oro pero para eso necesita al "animal humano" Johnny y hace algo que está prohibidísimo: Pone a Johnny en una máquina que mete conocimiento directamente en su cabeza. Curiosamente un famoso libro medieval, el Ars Notoria, prometía hacer lo mismo: Meter conocimiento directamente en la cabeza de la gente, en el Ars Notoria venían los rituales que había que hacer para conseguir el "conocimiento total" y sobre todo las imágenes que había que ver para que el conocimiento fluyera mágicamente, como la luz que se mete a la cabeza de Johnny desde la máquina de los psychlos. Uno de los que atacaron al Ars Notoria fue el famosísimo Santo Tomás de Aquino, el santo patrono de los intelectuales católicos y doctor de la Universidad de París. Y no parece una simple coincidencia.  En el siglo XIII la Universidad de París empezaba a destacar y sus egresados progresaban económicamente y por eso seguramente el Ars Notoria se volvió popular entre la gente que no podía ir a la Universidad.  Que era inaccesible, absolutamente incosteable para la mayoria. Y aquí en esta historia el aristócrata Terl no para de hablar de la Academia, en donde sacó muy buenas notas y donde fue el mejor tirador y explica que por lo tanto es injusto que no lo asciedan de puesto. Inclusive ya al final sin saber que Johnny ahora tiene el poder le dice que su cabeza acabará colgada en un muro de la academia.

Pero es que claro, una máquina que mete conocimientos automáticamente en la cabeza no puede ser buena para los egresados de las academias. Pero el necio Terl no hizo caso y acabó mal, prisionero de los que aprendieron sin graduarse. Y de su subalterno negro, al que decía estar entrenando.

Al principio de la historia a Johnny le explican que una estatua es nada menos que un Dios que se enamoró de una humana. Lo cual estaba prohibido así que lo convirtieron en estatua por desobedecer. Terl acabó sin un brazo y preso y su desgracia también fue por meterse con una mujer prohibida, aunque él no era Dios, sino demonio, al menos según los humanos.

Acaba siendo muy paradójico una historia tan edípica de parte de Ron Hubbard, enemigo de la siquiatría, tanto así que aquí a los "demonios" les puso "psychlos."

El señor Heineken no tiene con quien echarse unas frías

El Caso Heineken ( 2015 Dir. Daniel Alfredson, guión William Brookfield basado en la novela de Peter R. de Vries)  es lo que se llama una "heist movie", el género de las películas de atracos. En este caso se trata de un secuestro. Aunque para tener dinero para hacer el secuestro del magnate de la cerveza Heineken como dios manda primero tuvieron que asaltar un banco. No querían parecer una banda pequeña, querían que la policía creyera que eran de la mafia o de la organización terrorista alemana Baader - Meinhof que porque con ellos no se meten.

La película busca despertar en el espectador la simpatía por los audaces criminales. Los polis casi ni aparecen. Y los secuestradores no son tan malos, tienen familia, de hecho la historia empieza con tomas del bebé de uno de ellos (Como es bien sabido los solteros somos considerados desechables). Además primero intentaron hacer negocios lícitos, sólo que había una crisis económica, eran socios de una empresa que quebró y no tenían acceso a crédito porque unos paracaidistas, okupas, squatters, tenían invadido el edificio de su propiedad que podían dejar como garantía. Después de que tras intentar desalojar a golpes a los invasores, fueron ellos los que quedaron detenidos, decidieron irse por el camino del mal. 

Pero no lastimaron a nadie. Al señor Heineken (Anthony Hopkins) le daban de comer lo que les pedía, le llevaban libros para que no se aburriera y hasta le ponían música de su agrado. Además de que planearon muy bien su golpe.Y encima de todo eran amigos. ¿Cómo no los va uno a querer? El señor Heineken inclusive le dice al líder de la banda, Cor (Jim Sturgess) , que le envidia eso, que tiene buenos amigos, que porque en la vida no se puede tener mucho dinero y muchos amigos, como si el hombre detrás de la cerveza Heineken no tuviera con quien echarse unas chelas.

En la vida real, cuatro años después de que salió esta película, Willeem Holleeder, el personaje que interpreta Sam Worthington fue senteciado por mandar asesinar a Cor, que era su cuñado, (SPOILER adelante) de echo se supone que a ellos dos los agarran porque Cor le llama a su esposa embarazada, la hermana de Willeem. Algo que él le había advertido que no hiciera. Según se dice al final de la película la policía nunca logró encontrar todo el dinero del rescate que fue el mayor de la historia hasta ese momento. Pero quizá Cor debió hacer caso al señor Heineken y mejor escoger tener amigos.

El pájaro petirojo del amor y el escarabajo de la locura

La historia de terciopelo azul ( Dirección y Guión David Lynch 1986) es de contrastes y símbolos muy nítidos. Claramente definidos. Como las cercas bien pintadas de Lumberton. Y sus flores de colores firmes.

La manguera que se atora es como el sistema cardiovascular del que riega que está a punto de descomponerse y dejar de funcionar.

Y tan claro como los detalles es la historia, que en el fondo se trata del contrate entre el amor, simbolizado por los pájaros, la propia Sandy Williams el personaje de Laura Dern nos lo dice al contarnos su sueño de los pájaros; con los escarabajos.

¿Pero que significan estos insectos? Podría ser la violencia pero no creo, esa más bien está representada por el fuego. Que se prende cuando Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan ) golpea a Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Y en otros momentos de violencia.

Los escarabajos aparecen primero cuando el padre de Jeffrey cae al pasto tras lo que parece un accidente cardiovascular, y son como una revelación. Vemos lo que había estado velado bajo el pasto, las flores y las bardas blancas. Y son apenas el anuncio de lo que está escondido detrás de esa América de bomberos sonrientes y canciones melosas como el terciopelo azul.

Jeffrey jugará al detective, o más bien, al fumigador de plagas. El "bug boy" encargado de los insectos y buscando en los rincones de la cocina va a encontrar violencia, corrupción, pero sobre todo locura.

Justo en el departamento de la cantante de la inocente, melosa y nostálgica Blue Velvet.

Esa combinación de violencia y suavidad que acostumbra Nicolas Winding Refn ya estaba en terciopelo azul. En la cantante exquisita a la que le gusta que le peguen, en el matón Jack Booth (Dennis Hopper) que llora con las canciones románticas y llama cartas de amor a los balazos. Y en ese personaje bizarro, pero genial, Ben, el "elegante", el "suave" Ben (Dean Stocwell en una actuación tan breve como inolvidable), que parece un opiómano no sólo imperturbable sino tieso como momia pero que no por eso deja de sorrajarle un puñetazo a Jeffrey.

La locura sin embargo me parece es aquí la madre de todos los escarabajos, la violencia y la corrupción parecen secundarias a su lado.

Ella es la que se esconde detrás de los terciopelos rojos que se agitan inquietantes, la que aparece en la sala rojiza de Dorothy.

La locura representada por Jack Booth y Dorothy Vallens es el gran escarabajo que se comerá al final el pájaro del amor pero no porque sea su contrario. Más bien es su comida, como la tierra para los pastos de los jardines de Lumberton. O de América. O del mundo.

El demonio que rezaba el rosario

Hellboy (2004) podría ser considerada una película católica. Empieza con un personaje al pie de un cristo crucificado empuñando un rosario frente a las fuerzas del mal y al final ese mismo rosario salvará a Hellboy de ser vencido por las fuerzas infernales.

Además contra los demonios también se usan reliquias que están en balas - relicarios que incluyen agua bendita. 

Y para empezar, lo de poner demonios a trabajar para alguien, o para uno, era algo común en la iglesia católica. Bueno, claro, no hacer eso, sino decir que hacían eso. A los religiosos que ofrecían esos trabajos de magia negra, los historiadores ahora les llaman necromancers clericales. Aunque no sólo en el catolicismo hubo esa costumbre, al parecer lo de esclavizar y obligar demonios a servirle a la gente viene del judaísmo y en general del antiguo medio oriente. Lo de los demonios que se incuban como larvas o gusanos también es algo de lo que ya se hablaba en la edad media, eso viene en De Operatione Daemonum, un libro sobre demonios del siglo XI de un tal Michael Sellus, texto que parece haber influído en el Necronomicón de Lovecraft.

En lo que respecta a las reliquias; rendir culto, y esperar milagros, de los huesos de cristo o de algún santo o de cualquier cosa que fue de ellos, o con la que estuvieron en contacto, como lo de la lanza con la que se hirió a cristo en la cruz es, claro está, una especie de fetichismo que también sale a relucir en esta película cuando en el museo de reproducciones resulta que había una escultura que no era una reproducción, era original, y en esa precisamente, venía un demonio escondido.

Aprovechando el viaje se mitifica a Hitler, que no pudo estar en una sociedad ocultista de aristócratas pues no era un aristócrata. Y luego eso de que murió hasta los años cincuentas...

Al final toda la película queda enmarcada en un tema como de superación personal, la historia del demonio que se convierte en hombre. Pero lo que se es no se puede cambiar. Es una cuestión de lógica. Si lo que se es deja de ser pues es que no era. Por eso los transexuales dicen que el género no es real y los que hablan de la autoestima y la autosuperación dicen que uno es lo que cree que es o sea que tampoco creen en un verdadero ser. La filosofía posmoderna niega también la existencia del ser.

Pero Hellboy se supone que sí es un demonio ¿cómo qué se convierte en hombre?

Que no mamen.

La virtud del que nunca pasa la pelota

La Sociedad de la Nieve comienza con una escena de un juego de rugby en donde a un jugador por más que le gritan que pase el balón sigue corriendo y hace perder el juego a su equipo. Al final, este jugador personalista, Roberto, junto con otro, Nando, serán la última esperanza del equipo, los Old Christians, que jugarán por su vida frente a la cordillera de los andes.

El héroe de la película sin embargo es Nando pues además de que él y Roberto son los que tienen mejores piernas y por eso son los que salen en busca de ayuda, Nando es el que logra ver la salida.

Como el jugador que ve por donde hacer la anotación.

Mientras otros se sacrifican por el equipo: 

"Muchachos me voy a morir, pueden comerme si tienen hambre, no hay pex. Comed de mi carne y bebed de mi sangre que no hay fijón."

Hay un tema religioso que recorre la película, un tema que empieza por lo que NO sucede en la película, que es que ninguno de los Old Christians recurre a la religión enmedio de su predicamento. Ni siquiera Numa, a quien tienen que sacar de misa para que se una al grupo en el viaje. Y que así pasa de oir de las tentaciones de Jesús en el desierto con arena, calor infernal y demonio, al desierto helado donde lo tentará el canibalismo. Algo que no está prohibido en los evangelios. Al revés, eso de comerse a Cristo suena como a un resabio de esa antigua práctica.

Entonces nadie reza. Al contrario, alguien dice que ya no cree en "ese" Dios. En otro diálogo otro sobreviviente le pide a los mayores que no hablen de fe frente a los de menor edad como si eso fuera fatal.

Es una película que se la pasa tratando de dar un mensaje trascendente. Se entiende esa tentación tratándose de una historia que funciona como una especie de experiencia cercana a la muerte. Y para quienes daban por muertos a los perdidos, como una resurrección.

Pero eso de que el sentido de la vida somos nosotros los que estuvimos en la montaña luchando por la vida no tiene sentido. En cambio, si en lugar de buscar mensajes sobre la trascendencia y el más allá, vemos lo que dice la experiencia de ese equipo de rugby sobre la sobrevivencia en el más acá, entonces la moraleja es clara: Que esos jugadores mamones y engreidos que nunca pasan el balón, que fallan una y otra vez, pero que son los que hacen las anotaciones, que esos son los indispensables.