Trabajadores de compañías petroleras con el corazón roto

Me parece que hay coincidencias interesantes entre Brett, el del Pañuelo Amarillo, interpretado por William Hurt y John Ottway, el personaje de Liam Neeson en The Grey. Como escribí en este post, Brett  representa a un obrero americano blanco y hay que añadir, a uno maduro, solitario y "conocedor de la vida". Ottway es un tipo de la misma edad que también trabaja para una compañía petrolera, también es un solitario que tiene recuerdos de una mujer que perdió y también es un tipo maduro y "sabio". Brett, al principio de la película, sale de la cárcel y Ottway dice que sabe que está con los suyos y empieza su lista de quienes son los suyos con exconvictos, fugitivos y "drifters", gente que va a la deriva. Me parece revelador que Brett representa a un exconvicto al que no se le ve como peligroso, o como víctima de alguna injusticia o algo así. Lo de que haya estado en prisión se presenta como algo de lo más normal. Y es que en Estados Unidos pues sí es como muy normal estar o haber estado en la cárcel. Según estas estadísticas con datos de 1991, (y desde entonces la situación ha empeorado) el 5.1 por ciento de los americanos purgará alguna condena en una cárcel estatal o federal. O sea más de una de cada 20 personas y el porcentaje sube mucho para hispanos, para hombres en general y no se diga para hombres negros que tenían arriba del 28 % de posibilidades de caer en una cárcel estatal o federal. Nótese que estas estadísticas ni siquiera incluyen a los presos en las cárceles de los condados. Si a eso se le agregan a quienes tienen a algún familiar cercano en la cárcel (Hay millones de niños con algún padre en la cárcel, ya hasta hay un personaje de Plaza Sésamo cuyo papá está encarcelado ), a los que están en libertad condicional, esperando juicio o fugados etc. pues resulta que las cárceles son una realidad para una proporción muy alta de los americanos.

The Grey por suerte es una película mucho más interesante que el pañuelo amarillo. La escena de la caída del avión, por ejemplo, me gustó mucho y en general me gustó la atmósfera de la película, y tiene suspenso que eso siempre es bueno, aunque la verdad los lobos no me parecieron muy realistas o una amenaza muy verosímil. Hubieran dicho que eran lobos transgénicos digo yo.

En Estados Unidos se habla de los lobos para referirse a una situación económica difícil, mantener a los lobos "afuera de la puerta" es evitar una crisis económica familiar o personal. ¿Se puede interpretar esta película como una metáfora de los problemas del proletariado americano? No sé, de cualquier modo lo que me pareció más interesante es un mensaje no tan sutil que hay en The Grey. Después del accidente del avión Ottway guía a un moribundo para morir en paz y le dice que piense en alguien a quien quiera para que lo guíe. Luego a lo largo de la película los sobrevivientes van contando a quién extrañan más, y en que es lo que creen. Pero Ottway parece un ateo, inclusive hay una escena en la que grita "Fuck faith" e increpa a Dios, que por cierto no lo ayuda. El caso es que todos se mueren menos él, él que no cree en el más allá, que parece que en lo que único que realmente cree es en un poema que escribió su padre acerca de sobrevivir y del gusto de pelear: tal vez sobreviva o tal vez no, pero al final, es el único que queda con una oportunidad. A los obreros con fe se los comieron los lobos.

La balada de amor del de las fotocopias y la de la tienda de uniformes

Al principio parece que Párpados Azules va a ser una comedia romántica. O rom - com que les dicen. Pero de hecho es una crítica de las comedias románticas, donde se nota que, para empezar, hicieron todo lo posible por evitar cualquier rastro de comedia. La historia comienza con una vieja contando una historia estilo Nicolás Maduro de que llegó un pajarito a avisarle que iba a encontrar el amor y al final la vieja dice de muy mal humor que ella inventó esa historia y manda a todos sus pájaros, literalmente, a volar. O a la chingada también podría decirse. Este par de escenas de la vieja (Ana Ofelia Murguía), enmarcan una historia con una pareja, Marina (Cecilia Suárez) y Víctor (Enrique Arreola), a la que cuesta trabajo describir como historia romántica. Quizá sólo si aceptamos que puede haber historias románticas deliberadamente frías. Historias de parejas en un tono naturalista que son comunes en el cine francés. Y que siempre incluyen escenas de sexo, digamos, cotidiano.

Con una fotografía preciosita de interiores, un ritmo semilento y una musicalización que me pareció interesante, incluyendo una aparición de la Sonora Dinamita tocando la de "Carmen se me perdió la cadenita", Párpados Azules se inscribe dentro de la ola de cine mexicano minimalista. Y me parece muy bien que se vaya contra las convenciones de la comedia romántica pero creo que se les pasa la mano al presentar a dos protagonistas tan simples, de hecho tan patéticos: un par de empleados solitarios sin nada que decir. Al final cuando deciden casarse pensé que una pareja así debería a toda costa evitar tener hijos para no propagar más el aburrimiento cósmico por el mundo.

Es el mismo caso de otras de las películas del "minimalismo mexicano": está bien que quieran cortar con todo lo que sobra, con cualquier asomo de vulgaridad o cliché. Que las hagan con su propio ritmo. Se nota un interés especial por la imagen y la fotografía que combinado con el ritmo lento provocan la sensación de ser historias que se arman a través de fotos fijas. De hecho Párpados Azules en lo poco que se permite divagar por fuera de su sobriedad narrativa es en que Víctor el protagonista quiere comprar un departamento y con imágenes de interiores: cuartos vacíos, cocinas etc. En esta historia ciertos edificios de la Ciudad de México típicos de algunas colonias como Roma o Narvarte tienen un lugar muy destacado. De hecho creo que lo mismo sucedía en El Sueño de Lu. Bueno, no es necesario buscar más ejemplos, hay un tipo de edificios, como de los 30´s, 40´s comunes en la Condesa, Roma o Narvarte que son favoritos del cine mexicano. En el caso de Párpados Azules es tal el protagonismo de las imágenes de interiores que pareciera que la historia fue sugerida por estos. Hasta aquí todo bien, pero lo que le critico a esta película es que al final parece que sólo quería restar y quitar todo lo sobrante. Pero...  ¿Qué es lo que sí quería contar?

Confórmate y come galletas

Stranger than Fiction es una película que trata de ocultar en una narración compleja una historia que en realidad es sumamente tonta. Detrás de la escritora con un bloqueo, el tipo que descubre que es sólo un personaje de una novela, y que va a morir, y la profunda sabiduría del profesor Hibert sólo hay la muy de moda historia del tipo aburrido, rutinario y rígido que cononoce a una chica un poco loca que le rompe el esquema. Pero ni siquiera es una buena historia de ese tipo. O sea el personaje principal es un obsesivo del reloj y trabaja en la oficina de recaudación de impuestos, o sea es un esclavo del sistema y la chica loca es una rebelde. Sólo que su rebeldía es ridícula: Ella entro a estudiar derecho a Harvard, ese foco de insurrección (sic). Pero ahí se dió cuenta que lo suyo lo suyo era hacer galletas, así que dejó Harvard y puso una galletería, porque así es como ella combate al sistema. O sea, ahora resulta que Mrs Fields es más peligrosa que Carlos Marx. Y además ella no paga completos sus impuestos, aunque al final nos enteramos que lo que pasa es que no había deducido las galletas que regala, así que no era siquiera una evasora de verdad. Los otros dos personajes que acompañan a la pareja principal también nos dan una idea de la mentalidad cerrada de los creadores de esta película: Karl Eiffel es una novelista que trabaja en una oficina en un moderno edificio, o sea no hay que hacerle creer al público que hay gente que no va a una oficina a trabajar. Y el profesor Hibert tiene un panorama tan completo y esquemático de la literatura que después de unas cuantas preguntas puede saber que escritores pueden ser los autores de una determinada historia. Así que ya saben: No hay nada nuevo bajo el sol y todo mundo a pagar sus impuestos y comer galletas.

Guía del Viajero Intergaláctico Tatcheriano

La Guía del Viajero Intergaláctico es una película que presenta no un país, no un planeta, sino toda una galaxia dominada por la peor de todas las burocracias: La de los vogones, unos Godínez (Mexicanismo para designar oficinistas) del espacio dispuestos a acabar con cualquier forma de vida inteligente en base a exigir original y tres copias de todo. Nada más de verlos a los vogones se les nota en la mirada de vaca muerta, las carnes gruesas y la forma lenta, ceremoniosa y desesperante de hablar que son creaturas de oficina a las que nunca les da el sol. Y ni siquiera el Presidente de la Galaxia puede contra ellos pues este es sólo un tipo narcicista con una buena sonrisa y una gran cabellera que es tan superficial que firmó la autorización para destruir la tierra creyendo que le estaban pidiendo un autógrafo. Burocracia maligna, políticos inútiles y lo único que funciona es una empresa privada capaz hasta de reconstruir planetas.

Con esa trama resulta significativo que la primera versión de la Hitchhikers Guide to the Galaxy haya aparecido por primera vez como una serie de radio, y paradójicamente, en una estación de la gubernamental BBC, en 1978. Justo un año antes del arribo de Margaret Tatcher al poder. El creador de esta franquicia, Douglas Adams, también estuvo encargado del guión para la película, aunque como se murió antes de que se filmara, hubo otro guionista que le hecho mano a la historia. Pero el tema de la burocracia era sin duda muy importante para Adams. Es uno de los dos únicos guionistas no pertenecientes al grupo de los Monthy Phyton que tiene créditos como guionista en esa famosa serie de TV, y el primero de esos créditos es por un sketch acerca de un doctor que le pide a sus pacientes que contesten formularios con preguntas absurdas mientras se desangran.

El número de la burocrática bestia

Numbers Station es una película de espionaje que me parece sólo nos puede gustar a los que nos gustan las películas de espionaje aunque sean malas. En Numbers Station el conflicto central es el mismo que puede tener cualquiera que trabaje en una organización burocrática pública, o privada, nada más que llevada al extremo. Es decir, el personaje principal, que no es un número sino una letra, R, tiene una vida completamente vacía. Es sólo una letra y no sabe para que hace lo que hace. Pero todo lo que hace está controlado por unos números fríos. Si la cifra es correcta tendrá que matar a alguien por ejemplo. No debe permitir que sus sentimientos interfieran para nada. Y no se imagina haciendo otra cosa. La película transcurre en un búnker tan frío e impersonal que de hecho complica seguir la trama pues todo se ve igual. No importan quienes son los malos o porque hacen lo que hacen, simplemente son los otros. Y de hecho tampoco importa que alguien sea de los nuestros, igual puede ser que haya que eliminarlos a ellos o a algún "cabo suelto" que estuvo en el lugar equivocado a la hora equivocada. Esta película me recordó mucho a El Precio de la Codicia.

Zombie storytelling

Mi Novio es un Zombie empieza con un muy buen monólogo en off, los pensamientos de un zombie mientras camina por el antiguo aeropuerto en donde viven puros zombies. Aquí todo entra dentro de lo que ya parece todo un género que crítica a la actualidad o modernidad como algo fantasmal, o en este caso, muerto viviente. Al igual que en Oblivion sobre todo, hay una nostalgia por el pasado predigital, y los recuerdos de los tiempos felices preapocalipsis zombie cuando todos estábamos vivos se presentan en viejos formatos. Además se relaciona "caminar como zombie" con que todo mundo camine embobado con sus gadgets. Por alguna razón las canciones de los ochentas me hicieron pensar "otra película con los 80´s como la época dorada y perdida". Aunque realmente no se porque pues si no mal recuerdo en otras películas apocalípticas con nostagia del vinil como "Buscando un amigo para el fin del mundo" y Oblivion los discos que salen no son ochenteros. En Oblivion creo que sí se ven algunos pero siento que es algo que quizá he captado de otras películas.

Y lo de situar el mundo zombie en un aeropuerto me parecíó una gran idea, porque si se trata de criticar la actualidad, lo de hoy son espacios como aeropuertos o centros comerciales, no las calles. Total que  parece que la idea original de la película era interesante: algo así como una versión contemporánea de la bella y la bestia, pero con un zombie haciéndole de bestia. Además del buen monólogo con que inicia la película, también la parte visual se ve prometedora, inclusive diría yo que la actuación del zombie promete. Desafortunadamente no tarda todo en irse al diablo cuando la película cae en una génerica y aburrida "monster story", que ni siquiera es de zombies, sino de los "boonies", o como se llamen, lo que prueba según yo que se traiciona la idea original.  Ah y en una historia "diamorrr" muy cursi. En este blog he escrito varias veces que no hay películas de amor. ¡Pero así no! Esto es patético.

Iba a poner que como historia de monstruos, esta es genérica intercambiable por insabora e indiferente pero la verdad es que no es intercambiable: Es muy mala. Me da la sensación que había una buena idea original y que el guionista entonces agarró algún manual para hacer guiones y hecho todo a perder. Y pienso en un manual porque la película pierde todo rastro imaginativo y pasa a ser una burda mezcla de lugares comunes. Tanto así que la comunidad postapocalíptica armada hasta los dientes usa balas contra los zombies. ¡Ah sí, es que debe haber balazos! Aunque eso no sirva contra zombies.

Y ya para acabar, ¿Han notado en cuántas películas recientes sale una hija con padre sobreprotector? Los Croods, Valiente, Hotel Transylvania, Hanna, Bienvenido a los 40, Pérdida de la Inocencia... Por algo será.

La capilla del vacío

Cosmópolis es un drama existencialista pero la duda existencial no es sobre la vida sino sobre el dinero. Eric Packer el personaje principal es una especie de Elon Musk que mira para abajo hasta al presidente de Estados Unidos: Le avisan que hay una amenaza de muerte contra el presidente y pregunta si no hay blancos más interesantes que los presidentes de Estados Unidos. Eso de querer matarlos se le hace pasado de moda.

A lo largo de la película diferentes personajes se preguntan que es el dinero. Queda claro que es información y que para Packer es poder y un escudo que le da seguridad y confort. Pero él por un lado es paranoico y quiere toda la seguridad posible pero por otro tiene un deseo como de liberarse de su vida, de la seguridad y la planeación, pero esto llega a ser un deseo de muerte: Mata a su jefe de seguridad, y sabe que lo quieren matar, le pide a una de sus guardaespaldas que le dispare con un taser, y se mete al cubil del que quiere matarlo en donde se dispara el mismo.

Esta dispuesto a pagar lo que sea para comprar la capilla de Rothko. Una capilla, obra de Mark Rothko, que está completamente vacía y en lugar de imágenes tiene paneles negros. La capilla de la nada.

Al final el tipo está tan vacío como su exempleado que lo quiere asesinar para ser alguien pues dice que siente que la luz lo atraviesa de lo insignificante que es.

La película critica al dinero pero también a la izquierda. Hay una protesta anarquista y Packer y una de sus empleadas ven como un protestante se inmola. Y dicen que eso no es mas que una imitación, de los monjes vietnamitas que se prendían fuego durante la guerra. Además le dice al tipo con una toalla en la cabeza que lo quiere matar que no cree que se haya interesado nunca por los demás cuando este empieza a tirar rollo justiciero igualitario. Y parece que tiene razón pues este cuate dice que tiene muchas ganas de matar gente.

Packer, el joven magnate, no conoce el amor. Su esposa se sorprende al descubrir que tiene ojos azules. Nunca se los había visto.

Cosmópolis tiene una cosa como visionaria, se supone que Eric Packer ve lo que no ha pasado aún, y la historia misma tiene elementos un poco adelantados a su época. Como la información que llega a la limousine de Eric del "complejo" que parece inteligencia artificial. La forma en que hablan de las calles: "calles completas serán borradas" como adelantándose al waze y similares. Y los miles de millones que Packer Capital pierde en un día hacen pensar en la gran crisis financiera de 2008, que aún no sucedía cuando salió Cosmópolis.

La "jefa de teoría" de Packer dice que antes el tiempo era dinero (como reza el viejo dicho de Benjamin Franklin "time is money"), pero que ahora el dinero es el tiempo. ¿Y si eso tan parecido al ser que es el tiempo es dinero y es algo tan elusivo como por ejemplo una criptomoneda dónde queda el ser?

Esta inmaterialidad de las grandes finanzas es un tema común en el cine sobre Wall Street. En Margin Call por ejemplo, un personaje cuenta que antes trabajaba como ingeniero construyendo cosas, recuerda un puente, y extraña hacer cosas concretas. Y como le dice alguien a Packer el dinero es el que quiere cosas. Jugando con esta idea quizás al dinero invisible es al que le gusta la capilla vacía de Rothko. O es el que pide el corcho para la limusina para aislar el ruido. A Eric le gusta el ruido, pero que de cualquier manera pidió el corcho para su capilla rodante porque es lo que debe tener una limusina, aunque ni aísle del ruido al joven magnate a quien para empezar el ruido ni le molesta.

Cosmópolis  tiene todos los ingredientes para entrar en la categoría "Recuerdos fantasmagóricos al final de la historia". Lo fantasmal se lo dan esos diálogos extraños, muchas veces incoherentes. Todos los personajes hablan con un estilo literario irreal que establece una distancia entre el propio personaje y su realidad; o sea hablan de lo que les pasa como si le pasara a otro. La historia misma es apocalíptica: como dice la "vendedora de teoría" puede que todo cambie ese mismo día. O como dice uno de los posters de la película "Cuando él muriera no moriría él. El mundo moriría". Además también, en cierta forma, tiene el elemento de la búsqueda de un recuerdo, de una época más simple y concreta, pues una gran parte de la historia es esta especie de odisea a través de Manhattan buscando una peluquería, que sólo al final nos enteramos que era la peluquería de la infancia de Eric Packer.

De hecho la frase "Un espectro recorre el mundo", que como expliqué en este post, da origen al genero musical del "fantasmismo" o "Hauntology" aparece afuera de la limousine de Packer en un gran tablero de LED´s de esos en que pasan textos con noticias. Sólo que la frase relacionada con el fantasmismo es del filósofo Jaques Derrida y se refiere al espectro del comunismo y aquí la frase completa dice que el espectro que recorre el mundo es el del capitalismo. ¿Qué no vivimos en el capitalismo? Pues hay quienes dicen que no, señalan que el sistema en el que vivimos ya no es el viejo capitalismo. 

This is 40

¿Porqué me gustó Bienvenido a los 40? No es mi tipo de película. El colmo es que acaba con una escena con Ryan Adams que no me gusta nada. ¿Nada más porque sale Megan Fox? Creo que no, me gusta el estilo abierto de Judd Apatow, esa cosa como de voy a dejarte entrar a que veas mi familia. Apatow a dicho que la película está basada en su vida personal y además salen su esposa y sus hijas interpretando a la esposa y las hijas de la película. También muestra apertura en sus personajes, a nadie se le hace el feo aquí: Lo mismo pueden entrar a la fiesta y al negocio una prostituta o a una mujer fea que ni coje; un papá mantenido o uno abandonador. O una estrella olvidada del rock, que es en la vida real una estrella olvidada del rock. Más allá de las escenas de plano de proctólogo parece que el director de verdad nos está dejando asomarnos a la vida íntima de ciertos personajes.

Claro que también se nota que Apatow tiene una política muy abierta en cuanto al guión y la edición. Una buena parte de la película se hubiera quedado en la sala de edición con cualquier otro. Y se nota que no es muy exigente tampoco con las ideas que se le ocurren para la historia. Ni con los chistes por cierto. Una película a la que se puede acusar de dispareja e informe, pero no tiene caso pues se nota que la idea de Apatow es precisamente no buscar algo demasiado perfecto, no filtrar mucho. En la película al personaje de Leslie Mann se le ocurre en un momento dado mejorar la alimentación de su familia, poner horarios para conectarse a internet y una serie de cosas así. Y al final llegan a la conclusión de que estaban mejor antes de intentar tantas "mejoras".

Una cosa interesante de este director es que se nota que deja improvisar a los actores y luego ya escoge lo que le gusta para la película. Debido a eso hay muchas escenas y bloopers en youtube de cosas chistosas que no salieron en la película. 

Bajo los suburbios

En Frankenweenie Tim Burton retoma, entre otros mitos cinematográficos, el del pueblo o lugar construido sobre un cementerio indio o tierra sagrada india. Este es un mito que según tengo entendido viene de películas como poltergeist y muchas otras, sobre todo de terror. También se supone que hay algo de esto en El Resplandor de Kubrick. Esto de estar sobre tierra sagrada, tomada a la fuerza despojando a los indios, provoca que en alguna aparentemente muy tranquila población sucedan hechos extraños y terroríficos. En el caso de Nueva Holanda, el típico suburbio americano en donde tiene lugar Frankenweenie, al mito de que se encuentra sobre un cementerio indio, se le agrega un cementerio de mineros muertos o una mina de oro llena de mineros muertos. Da lo mismo, el caso es que el lugar fue hecho gracias a la explotación y despojo de las almas enterradas abajo. Y curiosamente esta maldición se manifiesta en forma de muchos rayos que matan gente. O sea de la energía, y el símbolo de Nueva Holanda también tiene que ver con la energía pues se trata de un molino de viento sobre una colina. Como es de suponerse este símbolo deberá arder entre las llamas antes de que pueda triunfar el bien.

Y el mal no sólo está enterrado en las entrañas de este fraccionamiento, también está por encima de él pues el alcalde de Nueva Holanda es un tipo de esos que salen con antorchas a quemar brujar o inmigrantes ilegales; o perros como Sparky. También es un tipo obscurantista seguramente puritano y muy religioso que hecha al profesor de ciencia de la escuela primaria de Nueva Holanda. Y hace cantar a su sobrina el himno de Nueva Holanda y de sus casas que se pueden adquirir con bajas tasas hipotecarias. Por suerte para los habitantes de este lugar la cuenta de su riqueza y de sus fuentes de energía malhabidas les llegará en forma de una tortuga estilo godzilla, seamonkeys de agua dulce que mueren al hecharles sal, un gato-vampiro y otras cosas así y no de chicos suburbanos desquiciados armados con bombas o metralletas. No digo que las víctimas de atentados tengan la culpa de nada, conste. Desprecio totalmente a la gente que mata nomás por matar. Sólo digo que el equivalente en el mundo real, en los suburbios de verdad, de los monstruos, fantasmas y demás agentes del terror del cine son los ataques de los loquitos, y entre los loquitos van incluidos todos los terroristas.

Interpretación del tomatómetro

Quedé estupefacto, estupefacto les digo después de ver las calificaciones en Rotten Tomatoes de The Yellow Handkerchief y de Goats. El pañuelo amarillo, me pareció pésima, malísima ¿Y qué calificaciones tiene en Rotten Tomatoes? 67% de los críticos y 60% de la audiencia. En cambio Goats, sin ser la gran cosa, me parece una película muy disfrutable. Sus calificaciones: Críticos 20% y Público 41%.

Primera conclusión: Los críticos americanos son unos idiotas. No es la primera vez que lo noto, parece que suelo estar más de acuerdo con el público que con la crítica. Aún así me pregunto ¿qué está pasando aquí? ¿Cómo es qué el promedio de la opinión de más de 12 000 personas le da un 6 de calificación al pañuelo amarillo? Seis es apenas pasable, pero aún así es demasiado. Esta es una película aburridísima, muy lenta. Su ritmo llega al nivel de película francesa pretenciosa. Supongo que entra dentro del género de Road Movie, pero los personajes se la pasan parados, sin hacer nada, esperando algo: cruzar el río o que pase el camión. Es una road movie con el motor descompuesto. Y lo más irritante es que desde el arranque la película nos está avisando que debemos encontrar fascinante a Brett, el personaje de William Hurt. ¿Pero porqué? Pues quién sabe, pero vemos que es un tipo respetado en la cárcel, y que Martine (Kristen Stewart), inmediatamente cae rendida a sus pies. Pero es sólo un tipo cualquiera que no hace nada interesante. Y luego se supone que como espectadores debemos emocionarnos con la historia de May el gran amor de Brett. ¿Por? Pues supongo que porque sí.

¿Será tal vez que la calificación del público de Rotten Tomatoes no es muy representativa? Según  el sitio Box Office Mojo al pañuelo del sopor no le fue nada bien en taquilla, apenas recaudó en cines menos de 400, 000 dólares cuando su costo de producción fue de más de 15 millones. Pero no puedo hacer la comparación con Goats porque no encontré información de cuanto recaudó esta. Y eso, lo más probable es que signifique que ni siquiera salió en cines. Además en Rotten Tomatoes apenas 1550 usuarios la han calificado. O sea, lo más probable es que en efecto, el público prefiera el pañuelo amarillo a Goats. Esta como ya dije, no es que sea la gran cosa y estoy de acuerdo con alguna crítica que dice que el soundtrack es bastante malón. Cierto, y yo si le pudiera quitar algo sería la secuencia videoclipera con escenas de la vida en la academia privada Gates. Pero por lo menos aquí hay situaciones interesantes, humor; el personaje central Ellis tiene un verdadero conflicto pues los tres adultos más importantes en su vida parecen jalarlo cada uno en una dirección diferente: La madre new age que odia a su padre empresario, a quién Ellis apenas está conociendo y que es el polo opuesto del que ha sido su figura paterna hasta ahora, el jipioso "goat man". ¿Y qué tal su vecina Aubrey? Esa actriz, Adelaide Kane, es una bomba sexual. De hecho Goats tiene varios personajes secundarios interesantes.

La única explicación que le puedo encontrar a esto es que el público americano, y claro, sobre todo los críticos, sienten mucho mayor simpatía por un personaje como Brett, un blanco working class, rudo y honesto; que por los personajes de Goats, es decir una bola de gente rica y un hippie. Curiosamente en Goats ninguno de los personajes principales trabaja: Esta la mamá que es una rica heredera, su amante mantenido, el goat man que es un güevonazo, el padre que es un empresario que como acaba de vender su negocio parece tener mucho tiempo libre. Y Ellis y sus elitistas compañeros de escuela. De hecho el personaje más importante que trabaja es el de la actriz Dakota Johnson, Minnie, que no sale muy bien librada pues se prostituye para completar sus ingresos.

¿Será eso?

Efectos secundarios y otras tretas de acusados de aspecto engañoso

Efectos secundarios es una película con unas vueltas de tuerca inverosímiles que además comete el error de decirnos ella misma lo inverosímiles que son. Se supone que dos mujeres se ponen de acuerdo para matar al esposo de una de ellas, pero primero hacen que un siquiatra le recete unas pastillas que como efecto secundario provocan sonambulismo para que así la asesina sea declarada inocente por haber estado sonámbula al momento del crimen. Nada más que el dúo asesino sabe que, para empezar, el siquiatra deberá escoger entre su paciente o su carrera, tan lo saben que tienen lista información y fotos de otro caso del doctor en caso que sea necesario acabarlo de hundir. Entonces su plan maquiavélico supone que el doctor (Jude Law) escogerá defender a su paciente aunque, como le dice el fiscal, "si la culpable no es ella, entonces usted será el culpable, porque tiene que haber un culpable". Y aún cuando el doctor opte por decir que su paciente es inocente, resulta que según la abogada defensora de la paciente sólo en el uno por ciento de los casos los jueces aceptan argumentos como ese. O sea, reconozcamos que este par de asesinas es audaz, pues su plan tiene mucho menos de uno por ciento de posibilidades de funcionar y de que Emily (Rooney Mara) no acabe en la cárcel y aún así lo llevan acabo. Ah y además hay otra parte del plan: Hacerse ricas apostando a que las acciones del fabricante de las pastillas van a bajar cuando se sepa de este caso de sonambulismo, aunque ya hay información, que se encuentra en Yahoo, escrita por la propia Dra. Siebert (Catherine Zeta-Jones), la otra mujer asesina de esta historia, acerca del sonambulismo que provocan las pastillas.

Otra cosa curiosa es lo serio que se toma Emily su papel de enferma deprimida, no la actiz Roonie Mara, sino el personaje Emily pues al final descubrimos que ella nunca estuvo deprimida, todo era parte del plan. Pero en la película ella actúa como deprimida no sólo frente a quienes debe engañar sino frente al público de la película o frente a su marido cuando lo mata. ¿O sea ya si lo está apuñalando para que sigue fingiendo que está deprimida?

Al final creo que la película tiene un mensaje: Las circunstancias no existen. El Dr. Banks le explica al jurado que cuando mató a su esposo, Emily no tenía voluntad propia por estar sonámbula. Pero, sorpresa, resulta que sí la tenía, porque de hecho según dice ella misma al final, esas pastillas no le hacían nada. Hay una parte de la película en que parece que el tema va a ser como las compañías farmaceúticas manipulan a los doctores, y al público en general, para vender sus pastillas. Pero eso acaba por ser algo sin importancia, (si ni hacen nada) como no tiene tampoco mucha importancia lo que haya hecho el marido de Emily (Channing Tatum), que trabajaba en Wall Street y acabo en la cárcel; por cualquier tontería seguramente, pues en el fondo no es más que un hombre apuesto y trabajador, que perdona con facilidad y que ya pagó por lo que hizo.

Siento que detrás de esta película hay una de esas mentalidades que automáticamente se ponen en contra del acusado. Como sucede también en Jack Reacher, por ejemplo. Una mentalidad que no cree en atenuantes, o en que haya circunstancias que afecten a la voluntad. Y como en esta historia los chicos buenos de Wall Street y las compañías farmaceúticas salen bien librados y en cambio, unas lesbianas y un siquiatra que acostumbra defender a acusados salen tan mal, sospecho que extiende esta mentalidad no sólo a los juicios penales sino en general al juicio sobre los demás y piensa que la sociedad es una meritocracia más allá de las circunstancias,

El camino de una guerrera del tubo

Al igual que en otras películas recientes, en Dirty Girl la amistad es la máxima relación a la que se puede llegar y la prostitución versión cine xxx, o artista del tubo es vista por los personajes como algo sin nada de negativo o inclusive como un ideal. L@s strippers como símbolo de sensualidad, poder y libertad. Dirty Girl es en parte una road movie, que para tener ese toque retro tan de moda se ambienta en los ochentas, y hasta tiene pretensiones de musical ochentero. Danielle (Juno Temple), que se autodescribe como "La puta de la escuela" y su amigo por accidente Clarke (Jeremy Dozier), quien ha sido catalogado como 65% gay, 35% hetero por algún "terapeuta"; escapan de su pueblo y de su vida en busca del padre de Danielle, quien le dice a Clarke que se justifique diciendo que fue manipulado por su coño. En este viaje místico iniciático como era de esperarse conocerán en el camino a un personaje con profundos conocimientos, en este caso a un stripper que pide aventón a Las Vegas y pasaran ellos mismos por ese ritual de paso que es el debut en la pista. La escena está metida muy a fuerza: A los 2 amig@s los vienen persiguiendo porque dan una tarjeta reportada como robada y casualmente encuentran refugio en un club de strippers en donde justo en ese momento hay un concurso. Pero bueno, supongo que con los rituales de paso no se juega y hay que meterlos como sea, la escena me recordó cuando en Las ventajas de ser invisible el personaje principal también por extrañas circunstancias aparece creo que con medias y liguero en un teatro, siendo hetero. O sea hay que cubrir los requisitos rituales a como de lugar.

El objetivo del viaje de Danielle y Clarke originalmente era conocer al papá de Danielle. Y eso no sale nada bien: Lo conoce, el papá se distrae un momento de preparar sus hamburguesas para hablar con ella y luego le pide que se vaya. Pero por alguna razón, quien sabe cual, Danielle regresa cambiada y le dice al director de su high school que quiere llevar una vida más tradicional, lo que sea que eso signifique. Parece que nada se ha solucionado y todo ha sido inútil, aparte de que no logra establecer una relación con su papá, sigue con el problema del nuevo marido mormón de su mamá y bueno, nada ha cambiado realmente. Pero entonces... se mete a un concurso de talentos de su escuela y cantará la canción favorita de su amigo Clarke que fue enviado a un internado militar. Señoras y señores, ¡el nuevo final feliz! ¡El triunfo en un vomitivo concurso musical! A media canción, como era de esperarse, Clarke se aparece con su uniforme militar y le dice que ha sido muy popular con los alumnos, sus nalgas han triunfado. ¡Sus aventuras y aprendizaje no han sido en vano! Y yo que creía que nada podría ser peor que los finales de prom party...

El clon que se pasó al bando de los analógicos

Oblivion es una de esas historias de la modernidad fantasmagórica. Tiene un personaje atormentado por imágenes que le recuerdan que su mundo no es real. El personaje debe dar un salto de fe, en este caso cruzar a la zona de radiación que piensa lo freirá por dentro en segundos. Y tres, hay que escapar de ser repeticiones/copias/clonaciones. 

Con estas características Oblivion puede agruparse junto con películas como Aeon Flux y El Origen. Además con El Origen comparte otras cosas. En Oblivion, Jack, el personaje de Tom Cruise acaba convenciéndose de que realmente es quien le dice Julia (Olga Kurylenko) que es, gracias a que ella le enseña su anillo de compromiso. En el caso del Origen se dice que el verdadero token del personaje de Leonardo DiCaprio, el objeto que usaba para saber cuando estaba en la realidad, era también su anillo de compromiso. Porque el token debía ser forzosamente individual por lo que el trompito de su esposa no podía servirle y además por la forma y los momentos en que Cobb toma el anillo. Además, claro, en las dos películas sale un Nueva York sin humanos.

En el caso de Oblivion la película puede leerse claramente como una metáfora de la lucha de un mundo analógico contra uno digital: Jack, un técnico de drones vive en una casa moderna, digital y minimalista entre las nubes, pero su corazón está abajo en una cabaña en un lugar natural, llena de libros y discos de vinyl. Un día Jack baja, toma un libro y eso es lo que le hace pensar al líder de los humanos que Jack puede ponerse de su lado. Al menos este clon, piensa él, gusta de la vieja cultura y podría despertar, es decir recordar y ayudarlos contra la máquina clonadora, que hace pensar a Jack y y Victoria (Andrea Riseborough) y sus respectivos clones que trabajan para la humanidad, cuando en realidad lo hacen para la máquina enemiga. Entre otras cosas, Jack luchará contra versiones de las naves TIE de Star Wars en laberintos/cañones al igual que en la guerra de las galaxias sólo que ahora las naves enemigas son drones robóticos.

Aunque ya después, analizándola, la historia parece tener varios huecos, a mi me gusto Oblivion. Eso sí, le quitaría el final - final, porque es obvio que el final natural de la historia es cuando explota el "tet" y no cuando un clon de Jack se reencuentra con Julia que se siente como un falso final feliz metido a la fuerza.

Topo

Topo es una película japonesa del 2011 que cuenta la historia de un adolescente en el escenario post terremoto/tsunami /accidente nuclear de Fukushima de aquel año y pone las historias en paralelo: El desastre nacional y la vida de Sumida, el adolescente de 14 años que vive con su mamá alcohólica y pérdida y cuyo papá sólo llega a madreárselo. Pero aunque en el fondo es una historia de superación tiene más diferencias que semejanzas con lo que sería una historia estilo Hollywood. Aquí por ejemplo vemos a unos papás que son unos verdaderos hijos de puta: El papá de Sumida le dice que quiere que se muera para cobrar un seguro y la mamá de Keiko, la enamorada de Sumida, le construye una horca a su hija para que se suicide, además de que le quiere robar sus ahorros para apostar.

Y la relación de Sumida y Keiko es muy rara. Una cosa que vemos mucho en esta película que difícilmente  podría verse en una película americana es que Sumida se la pasa madreandose a Keiko. Otra cosa extraña es que vemos un Japón que se parece un poco al México pobre, con japoneses pobres que viven en tiendas de campaña, ladrones de carteras, padres abusadores, locutores de televisión que hablan de Japón en términos de "somos lo peor", delincuentes con grandes cadenas etc. Aunque a fin de cuentas el personaje principal está rodeado de gente como sus vecinos o su admiradora Keiko dispuestos a todo por ayudarlo. Y hasta cuando decide ponerse a matar gente sólo quiere matar gente mala. (Aunque se encuentra con asesinos random, de esos que tanto hay en EU aunque los de Japón deben conformarse con cuchillos cebolleros para sus matachinas).

Keiko además le pide a Sumida, aunque lo ama profundamente, que se entregue a la policía. En otros países nadie piensa en entregarse como forma de lavar culpas. O sea hasta un loco asesino quiere hacer algo por la sociedad y la sociedad se preocupa por él aunque esto también puede verse como un atosigamiento, como meterse en la vida ajena; a Sumida sus ayudadores lo tienen harto. Y los protagonistas son estudiantes de secundaria que no sueñan con ser ricos ni famosos ni viajar por el mundo ni ser muy exitosos sino ser una pareja normal, de hecho al menos en la traducción la palabra es convencional. Keiko se enamora de Sumida porque él quiere ser convencional, quiere continuar con el negocio familiar de renta de lanchas que dice no lo hará muy feliz pero tampoco infeliz. ¿O sea los japoneses a los 14 años quiere ser un "adultos respetables" ?  En fin, un cine diferente que sólo se que no acabo de entender.

Pornografía dura y compromiso

Al principio About Cherry parece que va a ser la típica historia de explotación de la joven inocente que cae en las garras de la prostitución, drogas, pornografía etc. Pero no es así. De hecho, al final la película más bien acaba pareciendo una extraña historia de superación personal en el que la protagonista asciende en el mundo de la pornografía desde simple modelo de desnudos hasta directora de videos. Leyendo las críticas vi que a muchos no les gustó porque les parece que el personaje de Cherry/Angelina ( Ashley Hinshaw) parece una chica sin emociones, pendeja, fría. Poco creíble. Estoy de acuerdo que cuando su novio le reclama que acaba de hacer una escena pornográfica con un tipo y ella contesta que ese es su trabajo con cara de "No mames, no puede ser que me reclames por eso", parece no tener la menor idea de lo que eso implica para una pareja. Pero me parece creíble, no dudo que haya gente así. De hecho el guión de About Cherry lo coescribió una veterana del cine porno, Lorelei Lee, que también actúa en la película y al parecer se tomaron cuidado de presentar al mundo del cine porno de manera creíble, tanto así que el edificio en donde se supone que está la productora XXX de San Francisco fue realmente sede de un negocio del ramo.

Y en efecto Cherry parece no tener sentimientos, deja a su novio de Long Beach como si nada y tampoco se ilusiona con el personaje de Francis (James Franco) a pesar de que este parece ser Mr Right. Es fría y parece no tener ilusiones respecto al amor, pero para mi, eso no le quita credibilidad al personaje. De hecho, supongo que quienes se meten de actrices XXX estarán conscientes, unas menos otras más, que después de eso las relaciones románticas serán muy difíciles. Aunque hay casos de parejas de actores XXX que se conocieron en la "chamba" y luego se casaron y tienen hijos y toda la cosa.