Delincuencia ecológicamente consciente

Van varias películas que presentan delincuentes con conciencia ecológica, y en general, tipos liberalesbuenaonda: La de Salvajes, otra sobre una familia que cultiva mota de alta calidad que no recuerdo el nombre y ahora la de Hit and Run. En la de Salvajes la contradicción entre meterse en violencia delincuencial y una personalidad ecologista - pacifista se manejaba con dos personajes opuestos que eran socios y uno era el violento y el otro el meditador pacífico. En el caso de Hit and Run, lo que sucede es que el personaje principal, que se llama Yul Perkins (aunque como está en un programa de protección de testigos se cambió el nombre a Charlie Bronson), era el chofer de una pandilla de asaltabancos pero ha dejado eso atrás y "cambió". La película aunque por el nombre y la publicidad parece una chase movie en realidad es una comedia romántica y, por lo que vi en algunas críticas, a algunos que esperaban una película de acción los decepcionó. Porque realmente el meollo de la historia es la relación entre Charlie/Yul (Dax Shepard) y su novia Annie (Kristen Bell). Ella es una maestra con doctorado en resolución no violenta de conflictos y él un tipo pacífico y articulado que le gusta resolver los problemas hablando y que está en un programa de protección de testigos porque fue testigo de un crimen pero en el que no tuvo nada que ver. Eso claro, es lo que le dice a Annie.

En este caso me parece que Charlie no es un asaltabancos creíble, ni tampoco Alex, el personaje de Bradley Cooper. Pero tampoco creo esa sea una falla tan grave de la película que obviamente presenta a unos delincuentes tolerantes, protectores de los animales y que prefieren el diálogo a la violencia para explotar las contradiccion cómicamente. Pero tampoco es imposible la existencia de personajes así. Una vez leí de un tipo en la Wired, que describían como de "sensibilidad hippie", ecologista etc. que manejaba un sitio de internet en donde los "ladrones de identidad" de tarjetas de crédito vendían los datos a los clonadores de las mismas. Sí, hay una especialización de estas funciones. En general entre los pequeños cultivadores de mariguana o los que venden drogas alucinógenas o los hackers seguramente hay mucha gente así. Pero hay otra cuestión que plantea esta película: ¿Los ecologistas/protectores de los animales/pacifistas/antimachistas etc. pueden volverse agresivos para imponer sus valores? Es lo que sucede en esta historia cuando el personaje de Alex con una pistola hace comer comida de perro a un tipo para que aprenda a no comprarle esa comida tan mala a su mascota. O en menor medida, cuando Annie califica burlonamente de violador a un tipo que trabaja en una gasolinería nomás por su pinta de macho.

De cualquier modo, la película, sin ser nada del otro mundo me pareció divertida. El estilo es de mucho diálogo y confusiones y situaciones chuscas entre delincuentes que hablan demasiado, muy a la Tarantino, pero creo que funciona. Y no puedo evitar contar esto que me dio mucha risa: los dos policías hombres que salen en la película (Tom Arnold y Jess Rowland ) resultan ser gays y tienen una aplicación que se llama "Pouncer" que les dice sí hay gays cerca en busca de sexo. Un dato curioso es que la pareja protagónica es pareja en la vida real y se nota que hay química real ahí.

El retorno de las brujas

En lo que va del año han salido 4 películas de Hansel y Gretel: la de Hansel y Gretel Cazadores de Brujas (aquí está el post), luego una Hansel y Gretel a secas, Hansel y Gretel Guerreros de la Brujería y de la que se va a tratar este post Hansel y Gretel se ponen pachecos, según mi traducción. Además vienen Hansel y Gretel 3D y ya se anunció la segunda parte de Hansel y Gretel Cazadores de Brujas. Yo creo que esta segunda parte ya estaba contemplada desde el principio, pues el final de la película parece la presentación de un equipo ampliado de cazadores de brujas como para una serie. De cualquier forma la película ha sido un gran éxito, por lo menos en México es la más taquillera en lo que va del año.

Bueno pero Hansel y Gretel se ponen pachecos es una stoner movie, con personajes que fuman mariguana, chistes sobre pachecos, humor muy simple, realmente sólo para verse estando uno muy simple; situaciones poco realistas, o muy imaginativas dependiendo si uno ve el vaso medio lleno o medio vacío y en general son películas muy para adolescentes. También suelen tener elementos de gore.

La película empieza con una secuencia de créditos que vienen en las etiquetas de frascos de mariguana medicinal y luego vemos a Gretel (Molly C. Quinn que recuerda a Simone Simmons la vocalista de Epica, sobre todo con la ropa "medieval"), y su novio que están probando una nueva clase de mariguana, la Selva Negra. El novio va por más Selva Negra a casa de la viejita que la siembra (nada menos que Lara Flynn Boyle, la de Twin Peaks). Ahí descubre una casita de dulce que la vieja le advierte que no toque, pero ella se va un momento y él, que  tiene monchis (las ganas furiosas de comer, sobre todo dulce, después de fumar mariguana), prueba un pedazo y adentro encuentra documentos del pasado nazi de la narcovieja. Como ya se imaginarán, poco después Ashton, que es como se llama el novio, estará amarrado en la cocina de la bruja que lo condimenta para cocinarlo en su horno estilo campo de concentración mientras le hace cosas muy desagradables.

Molly C. Quinn como Gretel...

Me llama la atención que a pesar de ser una película para pachecos, se puede leer como una alegoría contra la mariguana. La relación entre la bruja y su mariguana es muy clara, cuando Gretel al final quema a la bruja en su horno sus plantas también arden. Y la bruja le chupa la juventud a la gente, que se le pasa a ella. Además su plantío de mota es un laberinto; para no perderse Gretel va dejando Skittles en el camino así como en el cuento tradicional se usan las migajas de pan. Y en el fondo del plantío hay una jaula donde la bruja encierra gente. O sea las plantas de mariguana como bosque de perdición. Por otro lado nadie le cree a Gretel que sospecha de la vieja: Ni su hermano Hansel, ni la policía porque nadie cree que una vieja débil (¿mariguana típica?) pueda ser tan fuerte (¿mariguana fuerte?). También hay unos narcos mexicanos que se enfrentan a la vieja por andar vendiendo mota en su territorio; el negocio de la viejita es un negocio "boutique" de mariguana de alta calidad, como los que surten la mariguana "medicinal", y como tal se enfrenta a los narcos tradicionales, un conflicto similar al de Salvajes.

...y Simone Simons

Sacrificios a Kubrick

Stanley Kubrick es seguramente una de las más fuertes influencias del cine actual. La película española La Senda, o como le pusieron en México, El Camino del Diablo, es una prueba más. Esta película, al igual que la de Dream House del 2011 recuerdan demasiado a El Resplandor. Es evidente en ambas el intento de hacer algo parecido a esta película clásica. La principal piedra con que tropieza La Senda es confundir el absurdo y la incoherencia de la historia con transmitir una sensación de locura.

Llama la atención lo obvio de las intenciones: Un tipo, Raúl (Gustavo Salmerón), en este caso no es un escritor sino un ajedrecista, se va a una cabaña aislada en las montañas con su mujer (Irene Visedo) y su hijo (Javier Montó). Detalle revelador: Raúl en vez de tener problemas con la bebida tiene problemas con su manera de fumar. Ya con esto último vemos que la cosa no pinta bien, fumar no agrega dramáticamente nada. Ah y también aparecen un par de niñas gemelas. Como ya podrán imaginarse, allá arriba se le van las cabras a Raúl.

Un detalle curioso es que hay un personaje, Samuel (Ariel Castro), que Raúl descubre que anda viéndose a escondidas con su mujer, y que se lleva mejor con su hijo que él. Samuel hace unas marionetas con las que se presentan obras de teatro guiñol. Pero las marionetas son como personajes vivientes pues al hijo de Raúl una de estas "le dice" cosas al oído, al parecer cosas malas de su papá.¿Y qué hace Raúl? Pues compra una de estas marionetas y además invita a Samuel a su casa para que pase con ellos la navidad y se cene el cerdo que él compró y su mujer guisó. Un sacrificio por los que sí hacen personajes vivientes aunque sean hechos según reglas preestablecidas, en este caso de la comedia del arte; Colombina, Polichinela, Arlequín etc.

Queda La Senda como nueva constancia de que lograr los efectos en el espectador de El Resplandor no es para cualquiera. Para Mayor Gloria de Kubrick, Amén.

No cliché left behind

Si algo no se propusieron los creadores de Indiferencia fue dejar indiferente al público. No, ellos querían deprimirlo y para ello usaron todo lo que había en su arsenal de lugares comunes. Para empezar todo sucede en una escuela. O sea van cinco películas seguidas que veo que presentan a escuelas y universidades como lugares deprimentes ( 1, 2, 3, 4) y no es que las esté buscando. Sin embargo esta es la que se lleva el premio. Es tan obvio que Indiferencia hace todo lo posible para hacer una película deprimente, venga o no al caso, que acaba siendo un poco ridículo. De hecho he llegado a la conclusión de que las historias lacrimógenas de maestros deben ser el equivalente gringo a las historias asiáticas de hermanos y de las sufridas madres y heroínas de las telenovelas mexicanas.

Para empezar la película tiene unos testimonios a cámara de maestr@s. Una por ejemplo dice que como hija de una maestra juró que nunca nunca daría clases y lleva 30 años haciéndolo. Abrir con testimoniales es como decirle al espectador que lo que va a ver es la dura realidad y mi me molesta esa pretensión en una obra tan abiertamente melodramática. En este caso darle un barniz de "realidad" al asunto es sólo un recurso más para redondear el efecto depresivo.

Indiferencia presenta a los maestros como seres caídos, al grado de que se preguntan ¿Y a ti qué te pasó, cómo acabaste de maestro? Aunque al mismo tiempo son unos héroes solitarios que tratan de ayudar a los jóvenes. El estelar es el personaje de Adrien Brody, el maestro de inglés suplente (todo un cliché los maestros de inglés) Henry Barthes. Lo que le pasó a Barthes fue que su padre lo abandonó muy chico, y luego su abuelo abusó de su madre y esta se suicidó. Ahora además cuida de este abuelo a quien ama a pesar de todo. Este está en un asilo donde lo tratan muy mal y luego se muere. Barthes está de suplente en una escuela en la que a la directora le acaban de decir que es su último año, contra su voluntad claro. Ella alguna vez fue una gran maestra pero ya no. Es que aquí todo debe ser decadente. Al igual que el resto de los maestros de ahí, la vida familiar de la directora es insufrible y convoca a una junta para avisar de su salida tirada en el piso. En esta escuela se aplica (pero seguro no funciona) el programa No Child Left Behind, y la película aplica esa política con los clichés así que el maestro Barthes rescata a una prostituta adolescente de la calle, que, claro está, no para de ofrecérsele pero él la rechaza. Ella acaba amándolo pero él debe separarse provocando torrentes de lágrimas. También hay una alumna lista pero gorda a la que los otros alumnos molestan, y su padre no la comprende y desprecia sus inclinaciones artísticas. Ella admira al profe Barthes y le pide ayuda y entonces están abrazados llorando cuando entra una maestra y los ve y piensa que él se está aprovechando de ella. La alumna después se suicida, Barthes llora otra vez. Barthes como indica el lugar común indie también aparece en segmentos de una especie de entrevista en los que habla frente a la cámara. Lentamente obvio, y dice que él no es lo que los alumnos necesitan, y que todo está jodido. Vemos que antes los padres iban a las juntas de la escuela pero ya no. Y también que los maestros se sienten invisibles. Excepto cuando los alumnos son super agresivos con ellos. Hasta les escupen. Y los padres también son agresivos. Los maestros aguantan vara, gracias a la indiferencia, a la distancia. De ahí el título de la película supongo. Pero otras veces explotan. Pero porque no soportan ver que los alumnos destrocen sus propias vidas claro está. Y no podía faltar el videoclip con canción indie de guitarrita lacónica en que Barthes y la prostituta adolescente pasan un buen rato disfrutando de los placeres sencillos de la vida, o sea comiendo helado. Las reglas del indie son muy estrictas por lo visto, y el videoclip no puede faltar. Al final se compara la escuela con la casa de Usher del cuento de Poe, una casa que se está derrumbando y que puede deprimir a cualquiera con tan sólo verla de lejos. Ah y Barthes también es "poeta" y hay dibujitos estilo gis en pizarrón, para darle toque más "artístico" a todo.

En fin, no se pierda esta película si le gusta ver historias con personajes con vidas tan deprimentes que hacen que casi cualquier otra en comparación parezca muy feliz.

Cracks

¿Cuál es fuerza más importante del mundo? Esto les pregunta Miss G (Eva Green) a sus alumnas de internado en la película Cracks. La respuestas de Miss G es "el deseo". Y así, entre frases que parecen de libro de superación personal e historias de sus supuestos viajes por el mundo se presenta como una mujer audaz y aventurera ante ellas. Curiosamente esta película, debut como directora de la hija de Ridley Scott, Jordan Scott, falla precisamente por falta de ambición. Es una historia situada en un internado británico en los años 30´s en un paisaje de colinas verdes y en una casona típica de historia detectivesca o de terror. Aunque no se trata de ninguna de estas dos cosas. La película en cambio se basa en la relación entre Miss G y sus alumnas, principalmente la "capitana" del grupo, Di (Juno Temple), que siente una gran admiración por G y luego como todo se altera cuando llega una aristócrata española, Fiamma, (María Valverde). Fiamma es todo lo que Miss G quisiera ser, ella la admira y desea, pero también surge una fuerte rivalidad entre ambas y hay celos y envidia por parte de las otras, sobre todo de parte de Di.

Si suena como a historia erótico lésbica pues tiene un poco de eso y eso de poco es precisamente uno de los problemas de la película. Está basado en una novela del mismo nombre y cracks signfica algo así como enamoramientos, o sea un crack es como un crush. Y parece que la novela es mucho más erótica que la película a la cual le bajaron mucho la temperatura. Y no nada más eso, también parece que en la novela hay un auténtico thriller/misterio acerca de lo que finalmente le hacen a Fiamma, algo que también queda reducido al mínimo en la película que parece hecha para rellenar tiempo en cualquier canal de películas. Curiosamente en rotten tomatoes Cracks tiene un 50% de aprobación, justo en la mediocre mitad.

La dirección equivocada

Me gustó 388 Arletta Avenue, una película canadiense, independiente por lo tanto, que entra dentro del género del found footage. Aunque el hecho de poder asignarle un género hace que no pueda ser tan original, por lo menos para mí está suficientemente interesante lo mismo la descomposición del personaje principal James (Nick Stahl), que la parte de misterio y tensión de esperar lo que hará a continuación lo que sea que esté detrás de las cámaras a través de las cuales vemos todo lo que sucede. Creo que es un acierto de la película nunca perder un tono de frialdad y distancia con los personajes pues al final de lo que se trata la historia es de un juego macabro cuyas víctimas sólo cometieron el error de vivir en la dirección equivocada, y no se trata, como piensa el personaje principal, de una venganza o algo personal. Aparece Mia Kirschner por cierto, aunque poco. 

El poli y su pareja

¿Para qué pagar los derechos de la novela de un muy popular escritor para luego hacer que un par de guionistas escriban algo qué no tiene nada, pero nada, que ver con la novela? Ese es el caso de Alex Cross, película "basada" en la novela Cross de James Patterson, escritor que en los últimos años ha vendido más libros que Stephen King, John Grisham y Dan Brown juntos. El guión de la película es de lo más genérico intercambiable, y creo que lo podrían hacer los estudiantes de cualquier taller de guionismo en un tiempo libre. Por lo que se puede ver lo único que respetaron del perfil del personaje de Patterson es que se trata de un psicologo experto en la "mente criminal" y que es un padre de familia. Aunque hasta el orden de los hijos se los cambiaron. Y lo que resulta ya de risa loca es que precisamente el conocimiento de la mente criminal le falla completamente a Cross (Tyler Perry) y por calcular mal, el asesino mata a su compañera de equipo Monica (Rachel Nichols), novia de su "pareja policiaca" Thomas (Edward Burns). Y a su esposa embarazada. O sea, se gastan una carretada de dólares, porque los derechos de Patterson no deben ser nada baratos, para adaptar una novela a la que le cambian todo excepto que se supone que el personaje principal es experto en la mente criminal. Lo hacen decir puras cosas sin sustento sobre la mente del asesino, asesino que por cierto opina que Cross dice puras pendejadas y al que ni siquiera respeta como profesional, y en el único momento en que el héroe sicólogo hace una predicción acerca del comportamiento del asesino...  falla por completo.

Quizá lo que pasa aquí es que el asesino es el que tiene razón cuando dice que Cross prácticamente pidió que matara a su esposa al ponerlo de malas diciendo tantas idioteces. ¿O sea si se supone que es un gran sicólogo no podría haber sido plan con maña? ¿Y además porqué estaban tan contentos Cross y Thomas al final, después de que perdieron a su esposa, y al hijo que esta estaba esperando, y a su novia respectivamente? Una cosa es estar resignados y otra estar contentos  pensando que ahora se irán juntos a Washington. Porque además curiosamente las dos mujeres amenazaban sus planes. Cross le había dicho a Thomas que su relación con Monica ponía en riesgo a los tres y que no mezclara la chamba con los sentimientos y a su esposa por otro lado no le gustaba el plan de irse a Washington. Y se supone que Cross era muy feliz con ella y con el nuevo bebé pero a este le llamó "freeloader", mantenido. Pero el final es super feliz con el poli y su pareja en un auto platicando de como ellos siempre han estado juntos y lo seguirán estando. Se nota que a los guionistas no les gustaba la novela original pero tuvieron que dejar algo del personaje aunque hicieron quedar a Cross como un sicólogo inepto y además le quitaron a la esposa y el hijo varón acabando con su familia ideal, para que al final no quedara realmente nada de la novela que "debían adaptar".

La película fue un fracaso y es inevitable preguntarse como es que  hay productores de Hollywood que  pueden cometer errores tan tontos. A la mejor son como el personaje de Jean Reno en esta película, un hombre de negocios aparentemente honesto al que supuestamente alguien quiere matar; pero en realidad él contrató al asesino para que matara a algunos de sus ejecutivos, haciendo creer que lo quería matar a él. Porque los ejecutivos sabían demasiado de sus tranzas. Quizá esta película le costo la chamba a unos ejecutivos de Hollywood, y eso tal vez era el objetivo de alguien. O se trataba de lavar dinero o evadir impuestos o algo. No lo dudaría ni tantito.

Veo gente pobre

¿Porqué hay gente que odió con toda su alma Beasts of the Southern Wild? Juzgando a partir de la pequeña muestra de las críticas destacadas de rotten tomatoes me parece que es un caso de desquiciamiento ante la presencia de gente pobre. Este es el caso de algunas personas que no soportan ver o siquiera que se hable de gente pobre. Pero es curioso; no es que se les haga feo, o que sea algo que dependa de lo que se diga de los pobres, ni siquiera es algo así como un odio de clase. Claro también hay de esos pero a los que me refiero son a quienes como que les friquea o desquicia tener que ver u oir acerca de los pobres siquiera. Los pone de nervios vaya.

Entre las críticas destacadas de rotten tomatoes hay tres a quienes no les gustó esta película. El primero hace una crítica mesurada de la película y dice que es de esas que a la crítica le encantan pero él nomás no les agarra la onda. Okey, está en su derecho. Bueno, pero noté que otra de las películas a las que dice que no le pudo agarrar la onda curiosamente fue Winter´s Bone, que también es una historia que sucede en un ambiente de pobreza.

Luego está este cuate, que al igual que yo, odió la cursilería de las envolturas de pollo. Bueno pero él dice, con otras palabras, que esta película básicamente es un instrumento propagandístico liberal. Que lo nota desde el lenguaje pues los personajes, dice él, no hablan como negros pobres del sur (de 5 años) sino como los liberales piensan que hablan. En esto no le puedo discutir pues mi inglés no da para distinguir esas sutilezas pero bueno... finalmente los guionistas son un par de blancos tratando de reproducir el lenguaje de unos negros con acento regional, incluyendo una niña de cinco años. Además este crítico hace unos señalamientos que parecen ya muy de interpretación personal. Por ejemplo, dice que la escena en donde vuelan el dique tiene el mensaje de que la sociedad es vacía e inevitable y que la gente del pantano es romántica y está condenada. Y que la primera mitad de la película es como la escena de Titanic en donde Rose baja a la fiesta de los pobres y que eso es gritar que la pobreza es muy divertida. Yo diría que no necesariamente. Le creo a los realizadores de la película que dicen que el origen de la historia es la relación de la guionista con su papá. Que primero escribió una obra de teatro acerca de un niño y su papá, y que este se muere al mismo tiempo que parece que el mundo se derrumba a su alrededor. Vaya, que es una cosa mucho más personal. Y luego llegó el director y cambió al niño por una niña y los puso en un contexto de mayor pobreza y desastre; lo que por cierto  le da más dramatismo al asunto. Pero el argumento de este crítico de que la película presenta una visión idealizada de la pobreza, de que los pobres son más buenos y sanos y viven con mayor "riqueza espiritual" sí me hizo dudar.

Hasta que leí esta crítica de este tipo que realmente la odió desde el fondo de su alma. Para él fue una de las peores del 2012. Condescendiente, enfurecedora y ofensiva son algunos de los adjetivos que le merece. Y si al anterior le parecía una visión idealizada de la pobreza para este crítico los personajes son ignorantes, ineptos, analfabetas, y desean su propia muerte. El padre es irresponsable y abusivo, los trabajadores sociales tendrían tanto que hacer ahí. El pobre no podrá comer cangrejo otra vez después de ver como se los comieron en la película. Vio muchas escenas que ponían en peligro a menores, una lógica social equivocada y abuso infantil. Me lo imagino parándose en la sala gritando que pararan por favor y supongo que ha de haber tenido pesadillas durante una semana al menos. Que ni que, hay cosas friqueantes.

Ahora que en caso de que alguien leyera mi post sobre Anna Karenina podría pensar que a mí me pasa lo mismo nomás que al revés y que a mi me friquea la gente bien, o los aristócratas o ricos. Pero no, esa película me parece criticable pero no es una cosa de derecha - izquierda o pobres - ricos sino más bien es una cuestión de conservadurismo en el sentido de usar fórmulas caducas que no aportan nada nuevo. Lo mismo me sucede con Los Miserables, aunque se trate de revolucionarios y, valga la redundancia,  miserables.  

Beasts of the Southern Wild

Me gustó mucho Beasts of the Southern Wild, sólo le quitaría eso del tipo que ha guardado todas las envolturas de unas cosas de pollo que ha comido porque le recuerdan su vida. Eso es tan pero tan cursi que califica como rudeza innecesaria. Pero como es de todos modos tan poca crítica se va a la seccion de las sin crítica.

Sobre las ventajas de ser un alma bella y sensible víctima de los cerdos malditos

Aunque Las ventajas de ser invisible se me hizo entretenida cae en lo mismo que muchas otras películas de adolescentes o jóvenes adultos; hacer una especie de sopa espesa de sentimientos de victimización y culpabilidad sin llegar nunca al fondo de nada. Como mero pretexto para luego volverse "feel good movies". Digamos que son películas con personajes que pretenden estar tirados en el suelo; pero sin ensuciarse, para así luego sentir más bonito cuando se paran. Desde el título la película nos avisa que se trata de ver cuales son las ventajas de ser un "marginal". Y bueno podemos sospechar que no están hablando de marginales cualquiera. Si no pues no sería Charlie el protagónico: un marginal guapo, inteligente, con buen gusto y una familia unida con buena situación económica. Ah pero sería muy aburrido si todo fuera perfecto así que nos dicen desde el principio que Charlie tiene esqueletos en el clóset; está dañado, necesita cuidado y cariño el pobrecito. Sólo que esto le afectará hasta el final de la historia. Okey, esos terribles traumas que carga provocan que no haga amigos en su primer día en la escuela, sino hasta como el segundo. Pero bueno, nos vamos enterando de sus problemas: Primero, su mejor amigo se suicidó. Y el asunto se dice y no se vuelva a tocar el tema en toda la película. Esto porque de lo que se trata es de darle una pizca de drama a las cosas, pero sólo una pizca. Pues esta es otra película sobre dulces y bellos seres lastimados. Lo mismo sucede con la culpa que siente Charlie por haber provocado la muerte de su tía, como es simplemente una idea absurda, tampoco es tan grave. Ah pero la malvada tía abusó de él. Alguien tenía que hacerlo, si no el delicado ser nunca sería lastimado y su belleza no brillaría lo suficiente. Bueno pero él finalmente suelta la sopa, o sea confiesa y ya todo arreglado. En Hollywood confesar es lo importante.

El chiste era sólo tener los elementos suficientes para poder proclamarse héroe y además vencedor sobre los seres desagradables que lo habían victimizado igual que a su amiguita, la igualmente bella y dulce; Sam, que también nos dice, porque no nos consta, ha sufrido por culpa de los cerdos malditos. Claro que sin que el lodo le haya dejado mancha alguna.

Las escenas en donde usan una camioneta cual proa del Titanic para proclamarse Héroes con soundtrack de David Bowie, me provocaron una fuerte sensación de deja vu. Siento que he visto eso antes varias veces. De hecho ya me acordé de una, un documental que vi hace poco que usa la misma canción pero creo que debe haber más.

Creo que lo más rescatable de la película son algunos toques de humor o historias secundarias como la del personaje Patrick y su novio gay del equipo de futból americano o la historia del "noviazgo" accidental de Charlie con la vegetariana punk Mary Elizabeth.

Me llamaron la atención otras dos cosas de las que hablaba justo en Notas perfectas: Primero, otra vez una historia sobre adolescentes con música de varias décadas atrás. Esta película está situada en los noventas, pero incluye cosas como una escena de baile con Air Supply. Eso sí me sacó un ¡Por Yisus!. Y por otro lado esta es la cuarta película seguida que da una imagen depresiva de la vida escolar que veo. En este caso el protagonista Charlie hace la cuenta de todos los días que pasará en el high school como si fuera una condena.

Finalmente la película no es nada romántica, más bien como que presenta amig@s que llegan a tener sexo pero sin plantearse realmente nunca nada más. La amistad como límite de la relación de pareja, hay más de eso en otras películas, por ejemplo en One day, Siempre el mismo día.

Cero creatividad perfecta

Van tres películas seguidas que dan un panorama deprimente de las escuelas: De el high school, El maestro luchador, y de la universidad Chicas en apuros, cuyos personajes principales trabajan en el centro de prevención de suicidios de una, y ahora Notas Perfectas. Esta no sólo es deprimente para quienes el pop estilo boy band nos parece patético, así como la música de reality show;  música que se presenta como la dominante en las universidades. También para la protagonista principal de la película, Beca (Anna Kendrick) la universidad es algo odioso por lo que tiene que pasar pues la obliga su padre. No hay por ningún lado la emoción de entrar por primera vez a la universidad. Ni siquiera hace amigos, su roomate es una coreana mala onda con la que ni se habla y aunque se mete al grupo de canto a capela al final hay una parte en donde dicen que ni siquiera se conocen bien entre ellas. Beca lo que quisiera es irse a Los Angeles y convertirse en DJ, pero su papá le pide que pruebe la universidad aunque sea un año. Y él es el que esta emocionado de ¡Woooow, la universidad! , no su hija.

Tal vez haya una relación entre esto y un tema importante de la película: Este grupo de cantantes a capela, puras mujeres que tienen como rival a un grupo de puros hombres, cantan puras canciones viejitas. Su repertorio no incluye nada de este siglo de hecho. Esto es algo que se dice explícitamente. ¿No es deprimente una universidad donde los estudiantes están musicalmente fijados en el pasado? Tampoco se permiten improvisar. Hay un tipo que quiere dedicarse a hacer soundtracks y pone como ejemplos de películas con buenos soundtracks puras viejas como Rocky, La Guerra de las Galaxias y The Breakfast Club. Y en dos ocasiones vemos el final de The Breakfast Club, con la canción de Simple Minds, Dont you forget about me. La segunda vez, Beca ve el video mientras llora por este guey pero podría llorar igual o peor por la comparación entre la música de esa película y la suya. O en general por la diferencia entre una y otra.

Y lo interesante, o preocupante, es que esta tendencia retro en la música no es algo nada más de Notas Perfectas. En realidad lo que la película hace es reflejar una tendencia retro muy fuerte que existe en la música actual. Simon Reynolds, uno de los críticos musicales más importantes que existen, escribió un libro al respecto y también tiene un blog completo dedicado al tema. Ahí habla de cosas como la tendencia a tocar las canciones completas de un disco  en orden o  a recrear conciertos famosos lo más fielmente posible. ¡Eso les gustaría a las chicas a capela! No creo que sea casual esta vision depresiva de las escuelas y esta fijación musical con el pasado. Y ya por último, no entiendo como es que películas tan comerciales como esta, le dan un protagónico a alguien como Anna Kendrick, que ni es guapa, ni muy simpática. Que hace una actuación tan fría. 

Anna Karenina y el Conde Vronsky ¡en exclusiva!

Todos los suscriptores de la revista Hola! y la Caras corran a ver Anna Karenina: Valses, joyas, grandes vestidos, abrigos de piel y sombreros con plumas. ¡Por algo es la película que se ganó el Oscar al mejor vestuario! Además la historia se desarrolla casi todo el tiempo como si fuera una obra de teatro para que ustedes se sientan como en la ópera rodeados de gente elegante. El principio puede ser un poco confuso así que los que no estén familiarizados con Anna Karenina pueden ver en la wikipedia quienes son familiares de quién. Hay un poco de juego formal, es decir, de repente, por poner un ejemplo, un personaje pasa a la parte trasera del supuesto "teatro" donde se lleva a cabo esta obra, pero ¡no es el teatro, es otra casa! No vayan ustedes a confundirse, que eso es sólo para que puedan decir que es una película que arriesga, que es "audaz", una puesta al día interesante y bla bla bla. Pero no se espanten que no deja de ser en el fondo más que una telenovela pero con buenas actuaciones e imágenes de postal. Eso sí, sólo como precaución no olviden tomar mucho café sobre todo para aguantar bien la parte final.

El estilo cinematográfico como excipiente cbp

Como en las medicinas, que en la caja siempre dicen en la lista de ingredientes: Excipiente cbp, que es en lo que va la sustancia activa. Puede ser la tableta, pastilla o lo que sea. En el caso de Moonrise Kingdom la sustancia activa es una historia completamente retro, no sólo por suceder en 1965 sino que la historia en si misma es típicamente una historia infantil o juvenil, dígamos puberta, de hace décadas. En una muy rápida ojeada a algunas de las críticas vi que algunos encontraron en ella rastros o ecos de La Laguna Azul o de El Señor de las Moscas. Yo digo que el personaje del policía parece salido de Tiburón. Y seguramente se le pueden encontrar muchísimos más, y más directos, sospecho que principalmente de la televisión, como por ejemplo de los programas de los 70´s de Disney de acción viva. (Y el personaje principal es huérfano, ¡podría trabajar para Disney!)  El caso es que esta historia si no fuera presentada con un estilo tan alejado de lo convencional, y por lo tanto del estilo que consideramos intuitivamente como "natural", sería muy ridícula. Pero el estilo nos hace estar conscientes todo el tiempo que no debemos tomarla tan en serio. Y no es que eso esté mal, de hecho me gustó la película.

Y no sólo se necesita esta distancia para aceptar una historia retro, si no que parece que hoy por hoy sólo así pueden pasar historias de amor.

Y claro que el estilo nunca será una cosa neutra. Como diría MacLuhan, el medio es el mensaje y en este caso el estilo Wes Anderson no podría ser intercambiado por otro sin que eso alterara el resultado. En este caso el estilo rígido, de las actuaciones, los encuadres, de diálogos y movimientos de cámara, me recuerda que el mundo de Moonrise Kingdom es el mundo de cuando los papás no eran "amigos" de sus hijos. Y que la revolución sexual y el 68 y la sicodelia y todo eso apenas iba a suceder. Y que en ese entonces todavía los hombres en las películas generalmente usaban saco con hombreras y corbata bien anudada y parecían moverse y hablar con protocolo y orden, como robotitos, como en las películas del Santo. Y me imagino que si el Jefe de Scouts de los Exploradores Khaki hiciera una película, sería justo como esta.

Elogio del vago

Aunque la película se llama The Master, el personaje principal no es el amo y maestro del culto llamado en la película "La Causa", que se refiere a la dianética - cienciología, y su fundador Ron Hubbard; sino a un tipo que estuvo en la marina en la segunda guerra mundial y que digamos que no tiene rumbo, hace unas bebidas bastante raras y es medio borrachín e inestable. Dígamos que está a la deriva en la vida. Me puse a investigar que tan basado en algún personaje de la vida real está este Freddie Quell (Joaquin Phoenix) y resulta que, aunque se le pueden encontrar semejanzas con tipos que tuvieron que ver con Hubbard, es más bien ficticio. Al contrario de los otros personajes como el alter Ron Hubbard, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), o su esposa Peggy Dodd (Amy Adams), o su hijo. Que sí están claramente basados en los personajes de la vida real. 

O sea que The Master, es en esencia una fábula acerca un vago, que llega a un grupo liderado por un tipo que se pretende guía de la humanidad y que, aunque cae bajo la órbita de este sujeto durante un tiempo, logra zafarse y seguir vagando libremente. Freddie Quell es entonces otro de los personajes a la deriva que tuvimos en las películas del 2012 junto al Dean Moriarty de On the Road, y el naúfrago Pi que tampoco sabe si la figura dominante que tiene enfrente lo salvará o destruirá.

Cuando vi que la película se trataba de la dianética tuve ganas de correr, pero me aguante y como vi que más bien se trataba de criticarla pues ya la acabé. Pero a fin de cuentas no me gustó. Supongo que esto tiene mucho que ver conque a la dianética o cienciología, (prefiero dianética porque es más corto) no sólo la considero una patraña sino una patraña de mucha güeva. No me interesa en absoluto. Pero independientemente de eso esta película no tiene gran ritmo o tensión dramática  Y por último, es sumamente pendejo el título que le pusieron en México, "The Master, todo hombre necesita un guía" Justo el mensaje contrario de la película.

El corredor sin prisa

¿Qué la falta a Premium Rush? Algo le falta al personaje protagónico. Y a su pareja. El problema es que Wilee (Joseph Gordon-Levitt) no tiene ningún problema. Su vida es perfecta, es cierto que un tipo le da lata y quiere ligarse a su novia, pero ella lo rechaza así que eso no deja de ser una cuestión menor. Como le dice el villano de la historia, el policía corrupto Bobby Monday (Michael Shannon), que ese sí es un buen personaje y además Shannon lo interpreta de maravilla: Wilee en realidad no tiene vela en ese entierro y en cambio él está jugándose el pellejo. El villano es el personaje más simpático e interesante de esta película y en el fondo es su historia: Nada hubiera pasado si no fuera por él. Para este policía la cuestión es de vida o muerte. En cambio el mensajero Wilee sólo trata de ayudar a la ex compañera de cuarto de su novia, que acaba de conocer.

¿Pero entonces no es un problema ser un simple mensajero y quedar abajo en la cadena alimenticia? Ah pero es que este es un mensajero ya con título de abogado, nomás que le da flojera vestirse de traje y trabajar en una oficina. Al final dice que no hay ninguna prisa para empezar a ejercer ¿En serio? En su currículum no se va a ver nada bien ese trabajo después de graduarse. Puede costarle caro en el mercado laboral. ¿Y para qué gastó miles y miles de dólares estudiando derecho si no le gusta usar traje? ¿Es tan rico que salió de una escuela de leyes de Nueva York sin deudas?

Podrían haberlo dejado en que el güey era un simple mensajero y ya, un chino freak de la velocidad o algo así, pero el caso es que el tipo tenía que ser perfecto. Tanto así que pierde interés. Y Joseph Gordon-Levitt definitivamente es un miscast. Pero bueno, ¿sí ya cayeron en el cliché del tipo ideal con el protagónico, porqué entonces no le ponen una vieja buenona siquiera? Lástima, porque la idea de la acción bicicleteril sin duda es buena, muy actual; y me gustó la trama del policía que se arruina apostando en el juego chino Pai Gow y todo lo relacionado a la mafia china.

El huevo de la serpiente

Película del 77 del director sueco "super culto" Ingmar Bergman, que representa una rareza en su carrera pues se considera a El huevo de la serpiente su único intento de hacer una película taquillera, inclusive podría decirse que hollywoodense pues aunque fue filmada en Berlín con algunos dialogos en alemán (A dónde Bergman se había ido pues en Suecia lo buscaban por evasión de impuestos), la película la produjo nada menos que Dino de Laurentiis. Y, si eso suena raro, el estelar es verdaderamente bizarro: David Carradine, mejor conocido como el maestro Kwai Chang Caine de la uberpitera serie de televisión Kung Fu. Actor y maestro del arte del churro, ya homenajeado por Tarantino en Kill Bill y además autor de un libro de Selector de filosofía Kung Fu, que venden en los cajas de los Vips .

La película sucede en Noviembre de 1923 en Berlín, cuando Alemania tras ser derrotada en la Primera Guerra Mundial sufre una crisis económica devastadora y los nazis aparecen por primera vez en escena. El personaje de Carradine, Abel Rosenberg, es un trapecista de circo desempleado y alcohólico. Además americano y judío. Un día llega a la pensión en donde vive con su hermano Max y descubre que este se ha dado un tiro. Busca a la exesposa de Max, Manuela, (Liv Ullman, actriz fetiche de Bergman) que es otra ex trapecista ahora metida de cabaretera y prostituta y acaban viviendo juntos. Aunque sin que haya nada entre ellos. Al final Rosenberg descubre que la nota que ha dejado su hermano acerca de un envenenamiento a la sociedad se refiere a unos experimentos con humanos que están haciendo en un hospital. Dicho así, podría parecer que El huevo de la serpiente es una especie de thriller, pero no. Para empezar Bergman es un director que hace películas muy lentas y la película tiene muy poco de detectivesco y apenas alguna acción. Más bien la mayor parte del tiempo vemos a Abel y Manuela viviendo en un Berlin deprimente asolado por la pobreza. Con toques de color de cabaret y prostíbulo, aunque estos tampoco se ven tan alegres.

Y las actuaciones son como muy raras. El personaje de Carradine, al igual que los demás, es un tipo como inexpresivo, que hasta para hacer algo que debería ser tan impulsivo como aventarle una piedra a una ventana se toma mucho tiempo. Y está tan engarrotado que ni siquiera puede soltar un golpe cuando le pegan después de eso. Además sus movimientos corporales son como de títere. Pero estos personajes son inexpresivos la mayor parte del tiempo y luego tienen arranques descontrolados. Si a esto le agregamos que la película no tiene mucha música o sonido incidental el resultado es que el ritmo es en gran parte como de largos y lentos pasajes de silencio y lentitud, en los que uno se puede dormir, interumpidos por gritos destemplados y llanto.

Leí en alguna crítica que a Bergman le faltó hacer la conexión entre estos experimentos en un hospital y el hecho de que el campo de concentración de Auschwitz fue planeado o ideado por médicos. Suena como una idea interesante pero en la película estos experimentos no son lo central. Porque para los propios personajes encargados de los experimentos lo más importante es el surgimiento de Hitler. Y además se presenta al nazismo como la motivación principal de Rosenberg, de su miedo, de su ir y venir entre botellas y cigarros. El "escucha" una maquinaria, que simboliza lo que viene, que le destroza los nervios. La película se plantea, obviamente, como denuncia del nazismo y las condiciones de crisis que lo hicieron posible. Pero los personajes que hablan de Hitler lo hacen en términos apocalípticos o mesiánicos, como una cosa religiosa. Para bien o para mal. Y el personaje principal, a pesar de que este mal que está naciendo no lo afecta directamente, aparece ya destrozado por él, porque está desempleado sin necesidad pues le ofrecen trabajo y dinero. Y es alcohólico pero no lo era antes de llegar a Berlín. Y dice que probablemente se volvió alcohólico por sentir que en Berlin no lo quieren. ¿Pero si es americano porque no se va simplemente? Es como si el mesías del mal que surge lo destruyera por dentro y a la distancia.

O sea pura mitificación del nazismo que es lo contrario de lo que uno quiere hacer si se trata de analizar, o criticar o denunciar algo. Pero pues Bergman lo que hacía era películas sobre artistas, cirqueros, cabareter@s y sus demonios interiores y en este caso necesitaba meter un tema taquillero para juntar lana para pagar sus impuestos.

Eso sí la fotografía de Sven Nykvist, director de fotografía de cabecera de Bergman, y uno de los más famosos de todos los tiempos, es excelente. Y bueno, por lo menos Ingmar Bergman no hizo lo que Michael Haneke en La Cinta Blanca que ofrece desentrañar profundos misterios sobre el surgimiento del nazismo nada más como gancho para la taquilla y luego ni siquiera toca el tema.

Jack & Diane

Esta película se va a la categoría de "Me gustó mucho y no puedo o me da hueva analizarla". Sólo un dato curioso: Riley Keough, la chica macha es nieta del rey del rock Elvis Presley. Y se parece mucho al abuelo y se liga a la chula de bonita de Juno Temple Y tierne muy buen soundtrack la peli.

 

¿En qué se le nota a Lo Imposible que es una película latina?

Pinchi mundo, no mire mijo

Bueno, pues en que es una película sobre el tsunami de Asia del 2004 en que nunca se dice la palabra tsunami. Me explico: Yo digo que una de las cosas que nos caracterizan a los latinos, y Lo Imposible es una película española nomás que con actores anglos, es el narcisismo. O sea vivimos seguros de que el mundo gira a nuestro alrededor. Eso claro, los que nos damos cuenta de que existe un mundo afuera. En el mejor de los casos nuestro narcisimo abarca a la familia, más allá lo demás y los demás como que se vuelven medio irreales. O bueno, serán reales pero eso tampoco es como para que nos importen. Y me llamó la atención que en la película nunca se dice "tsunami". O sea ninguno de los personajes pregunta siquiera ¿qué pasó? Tampoco se da algo semejante a un panorama de la situación general. Ni se presenta el punto de vista de los rescatistas o demás gente que estaba ayudando. Todo es los Bennett y los que se cruzan en su camino. Es cierto que los Bennett son buenos y ayudan a otros, pero bueno... eso era a fuerzas, ni modo que los presentaran como malos. Pero para mi que esa total falta de contexto o interés de los protagonistas o de los creadores de la película en el panorama general delata narcisimo.

Estaba sintiéndome mal por ser tan insensible y en vez de conmoverme con la historia ponerme a "buscar el negrito en el arroz", pero afortunadamente encontré que no soy el único. Por ejemplo esta columnista estuvo después del tsunami ayudando como voluntaria en Sri Lanka y dice que le molestó que la película no mostró lo que le pasó a tantos. En los comentarios otros incluso van más lejos y dicen que no les gusta que se usen este tipo de tragedias para sacar dinero o que deberían haber donado las ganancias de la película para las víctimas. También se menciona otra cosa importante: En esta película y al parecer en otras sobre el tsunami, parece que la tragedia afectó sólo a turistas. En efecto, en la película aparecen sólo un par de víctimas locales, como si fuera un gesto forzado de corrección política. En realidad el tsunami afectó a mucha más gente local que a turistas y de diferentes formas. En esta película nadie pierde su casa o su medio de vida.

Ah y otro dato interesante que viene ahí; la película funcionó muy bien en países como Mexico y Brasil, no tanto en Estados Unidos.

¿En dónde jugarán las almas en pena?

Parece que no hay lugar para nuevas almas atormentadas en las cabañas de los bosques. Según podemos ver en una película tras otra, las almas en pena del siglo XIX siguen ocupando todas las cabañas disponibles y no le dejan espacio a las nuevas generaciones. Este sobado cliché del alma del XIX en la cabaña del bosque aparece, parodiado, en La Cabaña en el Bosque.

Reconozco que Mamá tiene cosas buenas, que Jessica Chastain está muy bien, al igual que las dos niñas Victoria y Lily ( Megan Charpentier e Isabelle Nelisse). Y se dice que para un director es de lo más difícil trabajar con niñ@s actores. Escenas como cuando vemos a la niña pequeña en un plano abierto jugando con algo que la levanta, son sin duda aciertos del debutante director argentino-español Andrés Muschietti. Pero la buena realización no alcanza a compensar una historia tan derivativa, con varios hoyos en la trama (como que los personajes se pierdan en el bosque tras derrapar su coche en la nieve), y acaba siendo otro caso de un fantasma caduco. Creo que en el corto que dio origen a la película se puede encontrar una pista de lo que falló en esta historia. La mamá original, no era una alma del siglo XIX, parecía más actual, como que esa casa contemporánea era su casa. Pero como decía en este post sobre Hansel y Gretel, al parecer nadie se quiere meter con las mamás. Así que una salida es alejar a esta lo más posible, hasta el siglo XIX, quitándole toda actualidad.

La revolución ya huele a naftalina

Los Miserables es una antigüedad. Empezando claro, por la música. Independientemente de gustos, no se puede negar que la música de Los Miserables no es muy actual que digamos. O sea, es una película que la hubieran podido hacer hace muchos años y no el año pasado y ni quien se diera cuenta. Pero creo que más allá de la música o de la época hay una cuestión de fondo, creo que esta idea de la revolución y de los estudiantes que toman las barricadas ya está caduca. En la película se mezcla a la redención revolucionaria con la religiosa, algo que por supuesto es una contradicción. Contradicción que supongo hace aceptable la historia para la audiencia conservadora. Y claro, también con una "redención" amorosa. Pero independientemente de eso yo creo que el modelo revolucionario de estudiantes y barricadas ya está agotado. Los últimos movimientos estudiantiles que hemos visto como el "OccupyWallStreet" o los indignados de España no han logrado mucho, si es que han logrado algo. En el movimiento que me tocó de cerca, el YoSoy132 de México, noté una aire muy como de revival del 68. Es decir algo como de repetición consciente. Y como dijo Marx, en la historia los hechos y personajes suelen repetirse, la primera vez aparecen como tragedia y la segunda como farsa. Ah y claro, también están las revoluciones en el mundo árabe impulsadas por fundamentalistas religiosos, como antes había sucedido en Irán. No es que yo esté en contra de los cambios, pero creo que el viejo modelo revolucionario ya no da más. Y creo que es una de las razones por las que Los Miserables a tantos nos puso a dormir.

Vi "El Vuelo" y vi la luz y vi que el alcohol es la respuesta

A ver...  si un piloto es tan hábil para pilotear borracho que puede hacer aterrizajes casi milagrosos y salvarle así la vida a mucha gente ¿Cuál es su problema? ¿Qué lo pueden meter a la cárcel si le demuestran que tenía alcohol y cocaína en la sangre? Pues no, porque el sindicato de pilotos le pone un abogado muy bueno. ¿Qué tiene problemas con su exesposa e hijo? Pues él estaba ya con otra, una azafata muy buena a la que quería y la ex y el hijo apenas aparecen en la historia. O sea en una película de más de dos horas saldrán dos minutos, no pueden ser tan importantes.

Bueno, pero tiene que decir que su azafata se acabó el vodka del avión y eso no es cierto, no podría decir eso enfrente de... ¿De quién? La azafata murió y no vemos a ningún familiar o siquiera un amigo de ella rondando, podría ser que nadie se enterara de su sucia mentira. Al menos no hay nadie que el guionista o director de esta película nos presenten a los espectadores. Bueno ¿pero vemos que una mujer lo deja por borracho no? Pues si, una prostituta heroinómana que el piloto salva de vivir en la calle y al otro día ya lo está jodiendo con su forma de beber. O sea, podría conseguirse fácilmente otra prostituta heroinómana que no joda tanto.

Lo que El Vuelo nos presenta como el gran gran problema de este tipo es que nomás no puede decir que es alcohólico. Ese es el absurdo conflicto central de esta película. Ah ¿pero cuál es la solución? Pues el alcohol. Gracias a que se pone una borrachera épica que ni la cocaína le baja (él lo dice: Estoy borracho en este momento), el alcohol le da valor para aceptar su alcoholismo y entonces ya todo se arregla y se irá a vivir tranquilamente a una cárcel con cómodas celdas y amplios jardines.

A bullshit business

Me gustó Argo mientras la estaba viendo pero cuando me puse a ver cuales fueron las diferencias con la historia verdadera ya no me gustó tanto. Ya me suponía que lo de la salida del aeropuerto era para crear tensión, o sea a fin de cuentas inclusive podrían haberle ordenado al avión que regresara en vez de perseguirlo con patrullas. Pero me enteré, entre otras cosas, que la operación en realidad fue llevada a cabo principalmente por los canadienses y que la CIA sólo tuvo un papel secundario, el embajador de Canáda, Taylor, todavía vive y dijo eso. Y también me enteré que nunca le dijeron a los americanos que tenían que irse de la embajada de Canadá. Y que primero se refugiaron en la embajada británica y que los de Nueva Zelanda también los ayudaron. No como en la película que dicen que británicos y "kiwis" se negaron a ayudarlos. En realidad, acabaron en la embajada de Cánada porque llegaron a la conclusión de que era la más segura. Según Ben Affleck esas cosas las cambiaron por necesidades dramáticas de la película. Para que pareciera que en los americanos estaban solos y no tenían ningún lugar a donde ir. Ajá. Para mí que eso refleja una característica de los gringos que me cae particularmente mal: Siempre minimizan a sus aliados. Y que casualidad que el papel de los canadienses en la película acaba ajustándose al estereotipo que les ponen los americanos: Son buena onda pero medio inútiles. Ah, y el verdadero Tony Mendez era mitad mexicano, uno del supuesto equipo de filmación se suponía que era latinoamericano, imagino que Méndez. ¿Porqué no usar a un actor latino entonces?

La película sí menciona que la CIA primero organizó un golpe de estado en Irán y algunas otras cosas no muy halagadoras para los americanos. Okey, les reconozco eso. También en Mátalos suavemente el propio Brad Pitt dice cosas que uno no está acostumbrado a oir en películas americanas. Bueno, que bueno que haya algo de autocrítica. También hay algo de humor autodirigido a Hollywood, sobre todo el personaje de John Goodman se burla de guionistas, directores y en general del medio del cine. ¡Pero le faltaron los actores!

Le reconozco cosas buenas a Argo, los diálogos son bastante buenos y tiene humor y buen ritmo y la recreación de época es muy interesante. Pero a final de cuentas la cuestión es: ¿Qué tanto se vale distorsionar la historia para hacer una película? Por casualidad he visto dos películas seguidas, esta y Zero Dark Thirty en que curiosamente las "necesidades dramáticas" ayudan a dar una buena imagen de los chicos buena onda de la CIA. No se trata de ponerse en plan de "Muera el imperialismo" pero si lo que quieren es contar historias que no se salgan de los parámetros Hollywoodenses pues mejor que se pongan a imaginar historias nuevas en vez de abusar de las historias "basadas" en hechos reales.

En la película dicen que en Hollywood todos se ganan la vida mintiendo, que el cine es "a bullshit business" y yo pensé ¿bueno, porqué insisten en eso? Pero cuando uno se pone a ver las diferencias entre las películas "basadas" en la vida real y las verdaderas historias como que eso empieza a tener sentido. Y ya para concluir, confieso que no había visto a Ben Affleck y me pregunto si siempre es así de inexpresivo o esto fue algo especial.

Zero Dark Thirty, reflejo en un espejo oscuro

De acuerdo a Kathryn Bigelow, la directora de Zero Dark Thirty,  este título se refiere al término militar que se usa para las 12:30 horas, la hora del ataque a la casa de seguridad donde estaba Osama Bin Laden. Pero que también se refiere a la oscuridad y secrecía en que se llevó a cabo su búsqueda durante diez años.

Y en efecto, el largo proceso para dar con la ubicación de Bin Laden sigue siendo información clasificada, de lo único que sí se ha dado información oficial es del ataque en el que lo mataron, la operación llamada “Lanza de Neptuno”. ¿Pero entonces como es que nos dicen al principio de ZDT que la película está basada en hechos reales? Pues es que eso de basarse puede ser un término tan elástico.

Lo que se sabe de la búsqueda de Bin Laden es en gran medida información no oficial, que fuentes anónimas han ido soltando a lo largo del tiempo. Y estas versiones están llenas de contradicciones. Lo único que se ha dicho oficialmente, y en parte precisamente por la polémica que ha causado en Estados Unidos esta película, es que de los interrogatorios en que se torturaron prisioneros no se sacó información útil para ubicar a Bin Laden. Esto lo han dicho expresamente el director de la CIA, Michael Morell, y los miembros de las comisiones del congreso de inteligencia y de fuerzas armadas, demócratas y republicanos. Entonces si no se sabe mucho acerca el cómo, menos aún acerca de quienes. Así que el personaje principal de ZDT, la agente de la CIA Maya, (Jessica Chastain) puede considerarse un personaje totalmente ficticio. De hecho una agente de la que sí se sabe algo, que murió, Jennifer Mathews, y que precisamente porque murió en un bombazo se reveló su información, parece ser la inspiración de la agente Jessica de esta película. A la que le toca el bombazo cuando iba a reunirse con un tipo de Al Qaeda que supuestamente les estaba pasando información.

Y de este personaje del que sí se sabe algo pues resulta que no se parece nada a la verdadera agente según tres ex agentes de la CIA retirados, Nada Bakos, Cindy Storer y Marty Martin que consiguieron permiso oficial para revelar cierta información. Las revelaciones de estos tres agentes junto con las investigaciones del periodista Peter Bergen serán la base de un documental llamado Manhunt, sobre la búsqueda de Osama, que está programado para estrenarse en el festival Sundance de este 2013. Bergen es asesor en temas de seguridad nacional de la cadena CNN y ha publicado ya dos libros sobre Al Qaeda y Bin Laden, además de que puede presumir de haber conocido personalmente a Osama pues organizó una entrevista con él en el 97 para la CNN.

Lo que vayan a revelar estos personajes en este documental pues no lo sabemos pero ya dijeron que es lo que opinan de Zero Dark Thirty:  Los exagentes han dicho que es una película entretenida pero que no refleja lo que son las labores de inteligencia. Y Peter Bergen ha dicho, entre otras cosas, que le hubiera gustado ver en la película que el dato más importante que se obtuvo en interrogatorios, el nombre del encargado del ataque a las torres gemelas, Khalid Sheikh Mohammed, se consiguió interrogándolo normalmente, sin torturas. 

Algo que se puede deducir fácilmente es que la búsqueda de Bin Laden no ha de haber sido una empresa tan solitaria llevada a cabo casi que a contracorriente por solo una o un personaje, que se enfrentó como David contra Goliat contra burócratas a quienes no les interesaba agarrar a Osama. O sea esa historia de una individualista que luchó contra el sistema es tan Hollywood, que hace rápidamente sospechar que a la realidad le haya dado la gana parecerse tanto a un típico guión de cine comercial. Y hay varias cosas que se conocen que no embonan con la sufrida historia de la agente Maya, como por ejemplo que haya batallado tanto para convencer a sus jefes, puros hombres y políticos del mal, que al parecer nomás no querían ir por Bin Laden. Esta operación tuvo todo el apoyo necesario, como no iba a ser así si fue el mayor éxito en cuanto a popularidad del gobierno de Obama en su primer periodo. De hecho la operación “Lanza de Neptuno” fue coordinada por uno de los almirantes más importantes de la Armada y hasta se construyó una réplica de la casa de Bin Laden en donde los SEALS fueron a practicar. 

Maya es un personaje muy solitario, que no solo no parece no tener una familia y al que tampoco le ponen ninguna pareja, sino que ni siquiera interactúa mucho con otros personajes. Más bien interactúa todo el tiempo con pantallas, la vemos comiendo sola y sobre todo al final se va sola, llorando, en un gran avión, en una escena que transmite una sensación de soledad muy fuerte. 

Tal vez, han dicho algunos críticos, este personaje de Maya, refleja en parte lo que ha sido la lucha de la directora Katheryn Bigelow por abrirse paso en el medio de los directores de películas de acción, dominado por los hombres. O quizá es sólo un personaje cuya soledad en un medio frío e impersonal conecta con la vida de muchos y muchas.