Nosferatu, la peste

 

Se ha dicho que el Dracula de Bram Stoker es una metáfora de una epidemia de sífilis. En el caso de Nosferatu, el primer gran clásico cinematográfico de vampiros, literalmente la película empieza diciendo que es la historia de una gran epidemia que azotó a Wurzburg,  Alemania, en el siglo XIX. El vampiro Nosferatu no es mas que la encarnación de esa epidemia. Un hecho curioso es que la película es de 1922 cuando el mundo apenas iba saliendo de la epidemia de gripe española, que, por lo menos hasta ahora, mató a mucha más gente que el covid 19 y ni siquiera se le menciona. En cambio Nosferatu se remonta hasta la peste negra de la edad media, que esa sí fue brutal, y esa es la enfermedad que Nosferatu lleva a Wurzburg por medio de ratas y tierra contaminada. Se supone que para acabar con el vampiro una mujer (Maiden en la traducción en inglés que sería una soltera lo cual no checa porque la que se sacrifica es casada) debe sacrificarse para atraer al vampiro y hacer que este se distraiga y se exponga a la luz de la mañana. Es como extraño eso de sacrificar mujeres en una historia alemana del siglo XX. Pero si consideramos que el pueblo estaba en cuarentena, pues se supone que estaba en cuarentena y pasaba un señor a cada casa para poner una cruz en las que hubiera muertos, como que lo del sacrificio adquiere sentido. O sea no podían como nosotros esperar a que saliera la cura o la vacuna. Entonces si todos se encerraban se iban a morir de hambre. Tampoco podían trabajar por zoom. Si salían se enfermaban de peste y se morían pero si no salían se morirían de hambre... y de peste. ¿Qué quedaba por hacer? Pues lo que hace Ellen, exponerse al Nosferatu/peste. Así había muchos muertos pero se acababa la peste y no morían de hambre. De hecho también para hacer vacunas se necesita gente que se exponga a la enfermedad. 

Nosferatu también funciona como anillo al dedo como metáfora de la sombra jungiana, al final lliteralmente desaparece como sombra con la luz y varias veces se la llama sombra y cosas similares. Y lo que recomienda Jung para que no nos controle nuestra sombra que viene siendo nuestro inconsciente es echarle luz, conocerlo no reprimirlo. Pero en este caso se puede decir que el mal triunfó, el vampiro se hechó a la amada esposa del protagonista. Sí, luego desapareció pero el daño estaba hecho. Esta historia es una tragedia. Curiosamente Jung no descarta que dejar de reprimir la sombra para echarle luz puede ser muy peligroso. Al parecer llegó a rechazar casos de gente en apariencia muy normal, de lo más normal, pero que al empezar a evaluarlos se dió cuenta que era gente que estaba a punto de volverse loca, o como diría él, de tener un brote sicótico. Y lo que podía desencadenar ese brote era empezar a moverle al inconsciente así que él quedaría como el doctor que en lugar de ayudar a la gente la hizo enloquecer.  

Hay otro punto interesante de Nosferatu como metáfora de la sombra: Llega de fuera, pero en Wurzburg tenía una persona, con la que tiene una unión telepática o sea que en cierta forma estaba adentro. Y estos dos además se escribían cartas pero llenas de símbolos y letras extrañas. Uno de esos símbolos es la swástika.

Rick Blaine, el amor y los frijoles

Para Rick Blaine, mejor conocido como Rick de Casablanca, el amor no vale ni un montón de frijoles. Es lo que le dice a Ilsa, tras decidir ella dejar a su esposo para irse con él. Esto es una vil puñalada. No importa que dice que lo de los frijoles es comparándolo con los problemas del mundo. Sí, estaban en la segunda guerra mundial, pero problemas del mundo siempre ha habido. Después de la segunda guerra mundial vino la guerra fría y otras guerras y hay hambre, injusticia, calentamiento global y lo que ustedes quieran. Si nos vamos para atrás los matrimonios por conveniencia eran lo más normal y podemos imaginarnos a un Rick Blaine diciéndole a una hija: "Debes casarte con fulanito aunque estés enamorada de zutanito porque fulanito es rico y comparado con eso tu amor por zutanito no vale ni un montón de frijoles".

Lo importante para Rick es París. Lo dice textualmente cuando ella le pregunta ¿Pero qué hay de nosotros? y contesta: "Siempre tendremos Paris". Es decir para Rick ella sólo representa París. Y para ayudar a París debe ayudar al marido.

Basada en una obra de teatro escrita durante el verano de 1940, cuando los nazis toman París, se puede identificar en Rick la actitud americana frente a Francia en ese momento. Como Rick, los Estados Unidos se mantenían neutrales en la guerra, pero también como con Rick esto no había sido siempre así. En la primera guerra mundial los E.U. habían estado del lado de Francia y demás aliados contra Alemania. Rick había traficado armas en Etiopia para apoyar la guerra contra la Italia fascista y había peleado con los republicanos en España contra los falangistas aliados del nazifascismo. 

Pero ahora en Francia había colaboracionistas nazis, medio país estaba ocupado por la Wehrmacht y el resto era gobernado desde Vichy por un gobierno títere. Este gobernaba en Casablanca y el régimen de Vichy está representado por el jefe de policía Renault.

Aquí hay una cosa curiosa, hay un personaje por el que Rick y al parecer todos los demás sienten un profundo desprecio, Ugarte. Y Ugarte hace las mismas cosas que Renault, pero Ugarte merece desprecio mientras que Renault es simpático y al final un gran amigo. Ugarte y Renault venden visas para salir de Casablanca. Rick dice que no lo desprecia por eso sino por hacerlo a bajo precio, que no es por ser un parásito sino por ser un parásito de descuento. Luego sale el tema de que Ugarte mató o tuvo que ver con el asesinato de unos alemanes y Rick le da a entender que ahora lo considera todavía más ruin y bajo.

Pero Renault es un corruptazo y también mata. Dice cínicamente que no ha decidido si Ugarte se suicidó o tuvo un accidente. Pide acostarse con las mujeres a cambio de visas. Y lo peor, acepta ponerle una trampa al héroe Laszlo para mandarlo a un campo de concentración (!!!) Ah pero él es bueno. Al final, en un cambio sin justificación, rompe una botella de "Aguas de Vichy" y decide irse a luchar con la Francia Libre. Tal vez Ugarte representa un poco a España por el apellido. Era un actor/personaje italiano pero al parecer, por cuestiones de producción todos los malos que no fueran alemanes debían ser italianos.

Hay un punto clave de la trama que es totalmente absurdo, pero que por eso mismo refleja claramente que Casablanca no es una historia de amor sino de las relaciones entre Francia y Estados Unidos. Los famosos salvoconductos firmados por el General De Gaulle. ¿De qué demonios podría servir cualquier cosa firmada por el líder de la Francia Libre, es decir el gobierno francés en el exilio frente a los de Vichy o los alemanes? Obviamente que no tendría ningún valor, al contrario sería peligroso tenerlo.

Al parecer Humphrey Bogart e Ingrid Bergman platicaron entre ellos que la película no funcionaría por el guión tan absurdo.

Sin embargo desde el punto de vista simbólico que la firma del General De Gaulle represente la libertad lo dice todo. Y también es absurdo lo que le dice Laszlo a Rick al final: que ahora que está de su lado sabe que ganarán la guerra. Absurdo a menos que Rick represente a Estados Unidos y su entrada a la guerra.

Al final es lógico que esta película nos diga que el amor no vale ni un montón de frijoles frente a los problemas del mundo. Porque según se sabe al día siguiente del ataque a Pearl Harbour los estudios Warner empezaron a buscar historias que vinieran bien con la entrada a la guerra y apenas dos semanas después compraron "Everybody comes to Rick´s" para adaptarla y empezar a filmar cuanto antes. Nada de amor aquí que estamos en guerra señores.

Lo que sí es más curioso es que el famoso estribillo de "As time goes by", la canción de Rick e Ilsa que viene desde la obra original también nos diga que el amor ni es la gran cosa.

 

                                                A kiss is just a kiss

                                               a sigh is just a sigh      

  

El monstruo de los mil espejos

Eva al desnudo trata en el fondo acerca del conflicto entre la verdadera personalidad y las adaptaciones que se hacen para adaptarse o triunfar o manipular a la sociedad. O sea a los otros. Específicamente se trata de este conflicto en personajes femeninos, pero podría funcionar sin grandes cambios para personajes masculinos. Y en el medio del espectáculo, que es como el escenario ideal, valga la redundancia, para tratar este tema que en el fondo es universal pues como dijo Shakespeare: "Todo el mundo es un escenario". 

Aunque para la crítica que se basa y se limita a temas de género los grandes temas de esta película son el rol de la mujer o el contraste entre personajes heterosexuales y homosexuales. En realidad no hay ningún personaje que se presente como homosexual. Es cierto que en ese entonces en Hollywood había una especie de código que no permitía presentar personajes homosexuales y que entonces hay que leer "entre líneas". Tal vez sí. O no, porque el par de personajes que se supone son homosexuales, hombre y mujer, acaban formando una pareja. Y antes ella iba a bajarle al esposo a otra mujer. De cualquier modo el argumento de la película, la trama, no va por ahí. En cualquier caso ese sería un tema secundario. 

También podría verse el tema del complejo de Elektra, la versión femenina del complejo de Edipo, hay algo de eso también, sin embargo la tensión que recorre toda la película es de mujeres a quienes el público, sus seguidores, fans, les roban la personalidad. Literalmente en el caso de Margo y Eva, pues Eva empieza por estudiarla para imitarla y luego quitarle su lugar. Y Margo lo dice textual acerca del público: Por ser una estrella y tener que complacer a la audiencia no puede ser ella. Y a fin de cuentas Eva es una chica del público, de ahí sale. Y se trata de un círculo: al final Eva conoce a la que le hará lo mismo que ella ha hecho.

Además Eva acaba "perteneciéndole" al crítico DeWitt. Y un crítico a fin de cuentas no es más que un miembro del público con algún poder extra.

Al final Margo se lo dice a Eva: Ese premio que ganaste es ahora tu corazón, es decir tú ya no tienes un corazón, no eres tú, dependes de lo que otros opinen y la escena final es lo más explícito posible: Eva está en un laberinto de reflejos, cada imagen de ella (como las imágenes de ella misma que recibe del público) puede ser realmente ella, pero más probablemente no lo sea. Queda doblemente atrapada, por DeWitt, el crítico que al que ahora "pertenece" y por el llamado  "monstruo de las mil cabezas": El público que determinará quién es ella.

Sobre el tema del rol de la mujer: El final feliz de Margo es que se casa y por lo tanto se convierte en una "verdadera mujer". Esto refleja las ideas de la época. Ya en 1960, apenas 10 años después una película como "Sin Aliento" propone casi exactamente lo contrario: Que una mujer no quiera estar con un hombre para proteger su verdadera personalidad. En este caso sin embargo la decisión de Margo de casarse es una forma de rebelión contra el rol que se le ha impuesto. Al arranque de la película el crítico DeWitt lo deja claro: "Margo es una gran estrella, una verdadera estrella. Nunca fue ni será nada menos. Ni será ninguna otra cosa".  Creo que la respuesta a la pregunta de ¿Quién soy yo realmente? No puede ser "Pues una mujer, y entonces todo lo que necesito es casarme". Pero que la respuesta no sea buena no quiere decir que la pregunta no sea válida. Y esto refleja que simpatizo más con la sicología jungiana que con las ideas de que cada quien es lo que quiera ser o que todo es artificio y que no existe un verdadero yo, lo que diría el filósofo Foucault por ejemplo. Pero ese ya es otro tema.

Nótese: Los personajes santurrones como Eva, o mejor dicho como Eva pretende ser, ya no existen.

Así con esa mirada como de santa que nunca deja de rezarle a la virgen y que no para de hacerse menos, diciendo que ella no es nadie y no se merece nada. Resulta soportable sólo porque desde el principio nos avisan que es una pose falsa. 

En esta película hay varios curiosos casos de la vida imitando al arte: Una de las actrices era un poco como el personaje de Eva. Una joven actriz aparentemente ingenua pero en realidad muy inteligente y que acabó haciendo, en la vida real, lo que Eva quería hacer en la película: Volverse una gran estrella y casarse con un dramaturgo muy famoso. Marilyn Monroe nada menos. Que se casó con Arthur Miller, uno de los grandes dramaturgos de la vida real que Lloyd (El personaje dramaturgo, con quién Eva quiere casarse) le advierte a Margo no le soportarían las cosas que él le soporta. Y el personaje de Monroe también es lo que Eva pretende ser, tan sólo una humilde aspirante a actriz. Y hoy en día esta película para la mayoría de los que han oído de ella es una película de Marilyn Monroe, a pesar de que su papel es muy secundario.

Anne Baxter, la actriz que interpreta a Eva en realidad también fue una estrella, pero no como Marilyn claro. Otro dato curioso: Bette Davis en la vida real tuvo que dejarle un personaje a Baxter, así como Margo hace con Eva en la película: Esto fue en 1983 en la serie "Hotel" cuando Davis se enfermó y el relevo fue Baxter. Y además: Bette Davis y Gary Merrill se casaron en la vida real después de casarse en la película. Y lo que dice Bette Davis/Margo en una escena se volvió real. Ella dice que si ellos se casaran, a los diez años se divorciarían porque él se casaría con la estrella y la estrella en 10 años dejaría de existir. Pues a los diez años Davis y Merrill se divorciaron y Davis dijo que fue porque se casaron con los personajes.

Vietnam antes de Vietnam

                               

Sin novedad en el frente es una película antibélica clásica que da la sensación de estar viendo una película sobre la guerra de Vietnam. Sólo que es de 1930 y se trata de la experiencia alemana en la primera guerra mundial. En esta historia el verdadero enemigo no son los franceses contra los que se pelea. Sobre todo no las francesas con las que los alemanes van a divertirse si están de suerte y tienen comida para compartir. Lo que no sucede a menudo pues pasan hambre, no les dan comida y deben buscarla como puedan. El verdadero conflicto es con los que se quedan en casa y no van a la guerra. Que discuten como tomar París con unas cervezas bien frías cuando en el frente ya todos saben que la guerra está perdida sin remedio. Principalmente la bronca es con el maestro que convenció a sus alumnos de enlistarse. El que los azuzó con grandes palabras como Honor y Patriotismo y los desafíó a convertirse en verdaderos hombres y volverse irresistibles para las mujeres portando el uniforme.

En las trincheras los soldados hablan de que no podrán volver a una vida civil normal. Sienten que la guerra los está envileciendo. Todo empezó mal desde el entrenamiento cuando el oficial a cargo resultó ser un cartero a quienes todos conocían y nadie respetaba. Es por lo menos en parte un conflicto generacional, los viejos no tienen idea de lo que es una guerra como la primera guerra mundial. Pero no es una cuestión de padres contra hijos porque el principal acusado es el maestro. Y sin duda él cree en el patriotismo y el honor y todas esas cosas que dice acerca de la guerra, pero en la guerra ya no hay mucho honor y nobleza si alguna vez hubo. Estar en un hoyo lleno de ratas, muriendo de hambre y enloqueciendo con el estallido de las bombas digamos que no es como ser Aquiles en Troya.  Aún así el protagonista encuentra todavía más insoportables los días de descanso en su casa y regresa antes al frente. Ahí por lo menos no hay mentiras y hay verdaderos amigos. Sólo que cuando los matan lo pierde realmente todo.

Robin Hood activista anti impuestos

 

Se supone que Robin Hood es el "Príncipe de los Ladrones", y que robaba a los ricos para darle a los pobres pero, al menos en "Las Aventuras de Robin Hood", la clásica de 1938 famosa por ser la primer superproducción a color de la historia, Robin Hood en realidad lo que hace es rebelarse contra un alza de impuestos.

Claro que robaba y se los daba a los pobres pero porque se había rebelado contra el gobierno del Príncipe Juan que había subido los impuestos, por eso estaban pobres ellos, y a él al rebelarse le quitaron sus propiedades.

Podría verse también como que su rebelión era contra el Príncipe Juan y a favor del Rey Ricardo Corazón de León, de hecho hace un gran robo de joyas que Juan usaría para comprar el trono. Pero esta parte de la historia no es tan importante porque al final Juan decide hacerse nombrar rey y lo de comprar el trono como que no importaba tanto. El conflicto central de la historia es el alza de impuestos.

Sombras Jungianas Adolescentes Mutantes

Los Nuevos Mutantes queda perfecta como una historia de la sombra jungiana. Sólo hay que quitar esa parte al principio donde se cuenta esa conocida historia, supuestamente de nativos americanos, acerca de los dos osos (originalmente lobos), el bueno y el malo que viven adentro de cada quien. Porque según las ideas de Jung, lo que hay que hacer con el oso malo, que viene siendo la sombra, no es dejar de alimentarlo, sino conocerlo o iluminarlo. De cualquier modo en la película esta idea de dejar de alimentar al lado malo no aparece y si en cambio al final se le domina por las buenas, que es lo que Jung aconsejaría. Hasta se ilumina literalmente al oso malo.

La chica escocesa Rahne también tiene un problema de sombra pues no acepta que es una bruja, los mutantes hombres tienen miedo de su poder que puede ser muy destructivo. En el caso de Roberto específicamente tiene miedo de su sexualidad y sigue virgen. La güera aparentemente es muy segura de si misma pero es infantiloide, todo el tiempo con su peluche. Y tiene sus demonios en el closet. Viven encerrados en un lugar que no saben si los protege o los oprime. Es como el tema tan común que viene desde ¿The Matrix? de dudar de la realidad del mundo. Lo que he llamado Recuerdos fantasmagóricos al final de la historia. En este caso Danny descubre el malévolo plan atrás de todo y al mismo tiempo descubre cuál es su poder, que es también su lado destructivo y por lo tanto sería su sombra jungiana. Después de eso escapar del poder externo ni chiste tiene. Como si el exterior fuera sólo una metáfora de lo interior. Y como diría Jung, cuando las cosas que están en la sombra salen a la luz pierden su poder.

El cavernícola de la liga de la decencia

En la clásica  adaptación al cine de Un tranvía llamado deseo, de 1951 con Vivien Leigh y Marlon Brando, el protagonista Stanley Kowalski es presentado como un bruto, un cavernícola, un tipo fuerte, grosero, golpeador y peleonero que al final pierde el amor de su esposa Stella. Como en una especie de juicio el tipo es encontrado culpable y condenado. Y sin embargo lo que desencadena este juicio final es algo que los hombres en general nunca hacen y menos los tipos cavernícola. Resulta que la cuñada de Kowalski, Blanche, se ha ido a vivir con él y su hermana. Kowalski no soporta a la cuñada y esta se está ligando a Mitch el mejor amigo de Kowalski. Mitch le va a pedir matrimonio a Blanche. Entonces resulta que a Stanley Kowalski le llega el rumor, desde el pueblo donde ella vivía, de que Blanche contrario a lo que aparenta es una mujer fácil, que es putísima para no andar con rodeos. Y entonces Kowalski deja de ser el cavernícola que ha sido hasta ese momento de la película y se convierte en una dama de la liga de la decencia y se pone a investigar y a tratar de comprobar los "alarmantes" informes que llegan desde el pueblo de Blanche. Una vez que está seguro va y le dice a su amigo Mitch. Absurdo ¿Qué te vas a casar con esa mujer y la vas a sacar de mi casa? Cuanto antes mejor diría casi cualquier hombre. ¿Qué me entero que ella es una golfa? ¡Pues a tratar que no se entere Mitch antes de boda! Todo lo que pasa después en la película no hubiera pasado si Stanley no se hubiese revelado de pronto como señora de la vela perpetua y por lo tanto el juicio que se hace de él es injusto.

Es interesante la historia de blanche, de hecho es un personajazo. Se supone que ella de muy joven se enamoró de un tipo muy sensible, un poeta incapaz de conservar un trabajo y que provocó su desprecio un día que lo descubrió llorado. Ella le dijo que era débil y despreciable y el tipo se suicidó y ella después ha buscado el amor en mil hombres sin encontrarlo. Stanley Kowalski aparece entonces como la antítesis de ese amor que perdió, el polo opuesto.

Un tipo sin la mínima pizca de la amabilidad y educación que ella busca en un hombre. Pero ella prácticamente mató a su poeta enamorado. ¿No es contradictorio? En realidad no, porque Stanley Kowalski le clava una cuchillada cuando deja de ser él y se convierte en otra cosa. Un cavernícola de verdad jamás hubiera hecho eso.

Y al final ella se va con el tipo que la conduce al matadero, como quien se mete a un círculo más profundo del infierno, nomás porque es amable con ella. Engañada con el mismo viejo truco.

El Dios Odín sí es efectivo

El Manantial de la Doncella, película del sueco Ingmar Bergman de 1960, es la típica película que se supone es una cosa, cuando en realidad el mensaje de la historia es exactamente el contrario. Basada en una leyenda sueca, muy resumidamente, se trata de una chica que va a ponerle velas a la virgen en una iglesia pero en el camino unos pastores la violan y matan. Su padre se venga pero como es cristiano se siente culpable y promete construir una iglesia en donde mataron a su hija y entonces en donde estaba el cuerpo de la hija surge un manantial.

Se supone que es una leyenda cristiana, de cuando el cristianismo en Suecia luchaba contra la religión pagana y el Dios Odín, patriarca de los dioses nórdicos aparece como un viejo con un sólo ojo que vive en el bosque. Podría confundírsele con un viejo estrafalario cualquiera que quiere propasarse con la media hermana de la doncella, pero las señales de que se trata de Odín son muy claras: Antes de que aparezca vemos un cuervo, el ave compañera o símbolo de Odín, que se supone tiene un sólo ojo. Además este viejo tiene nada menos que el trono de Odín, un sillón desde donde puede oirse y verse todo y le dice a la malvada hermana de la doncella que ellos dos ya se habían encontrado.Y la película empieza con esta mala hermana rogándole a Odín.

¿Y qué quería ella? pues deshacerse de su media hermana a la que odiaba. Y Odín le cumple. Entonces ya tenemos el marcador Odín 2 - Cristo 0 pues a Cristo no se le ve y no hace nada en esta historia. Además al parecer, eso leí pero no decía porque, la venganza del padre se hace según los rituales paganos. Eso explicaría porque antes de matarlos se baña. 

Y además está la estructura misma de esta leyenda, si la doncella simplemente fuera asesinada y ya pues no habría historia ni leyenda. El chiste es la venganza. Y luego la culpa, gracias a la cual el padre construirá una iglesia. Nadie se acordaría si no fuera por estos dos elementos, la venganza y la culpa. Pero la venganza no es cristiana. O sea el cristianismo está contra el mal pero sin este no hay historias cristianas. Y difícilmente alguien vería como aceptable y normal que un padre no vengara la muerte de su hija pudiendo hacerlo. O sea hay que ser malos pero luego sentirse culpables. Si el sentirse culpable es virtud, entonces hacer el mal es inevitable. Contradicciones que no tenía Odín ni demás dioses paganos.

Otra cosa, 1960 ya es otro mundo. En esta película hay una clara intención de presentar todo dividido entre el bien y el mal, en el lado del mal queda Odín, así como el Dios mexicano Huitzilopochtli pasó a ser representado como demonio. Como les sucedió a los dioses antiguos en general con el cristianismo. Pero además acá los ricos son buenos y los pobres malos. La media hermana malvada es pobre, es una sirvienta de pelo oscuro y está toda sucia. La buena en cambio es rubia, consentida y viste lujosos ropajes. Hoy en día las rubas ricas y consentidas (lo de consentida se enfatiza) difícilmente salen de chicas buenas. Además la "mala" se enojó porque vió a la buena "ligándose" al padre de su hijo. La rubia mosca muerta dice que lo que quería era hablar con él y convencerlo de ayudarla a ella, la hermana mala. Pero la mala no se cree esta historia y yo como que tampoco porque se supone que estaban en la noche bailando en el granero. Y alguien más dice que la cosa se puso "caliente". Hoy en día la buena de la película sería la madre soltera embarazada y pobre y no la rica consentida. Pero no en 1960 en la liberal ¡Suecia! Y encima la película se llevo el Oscar a mejor película extranjera y quien sabe cuantos premios más. 

Terminator, Mad Max 2 y los mesías posnucleares

Dos películas de la misma época, 81 y 84. John Connor y el niño de Mad Max 2 tienen en común ser líderes del futuro. En el caso de John Connor es un mesías con todo y toque judío pues llega al rescate cuando las máquinas hacen un holocausto de humanos. Las dos películas tienen una extraña referencia a la segunda guerra mundial. Mad Max 2 empieza con tomas de stock de escenas del siglo XX incluyendo la segunda guerra mundial, pero está hablando supuestamente de la tercera guerra mundial. Y por  otro lado en Terminator meten una referencia al holocausto muy forzada, sin justificación.

Terminator se caracteriza por no hablar y Mad Max 2 empieza con un diálogo en donde se dice que en el mundo anterior todo mundo hablaba y hablaba ad nauseam. Lord Humungus ni orejas tiene. En los dos el malo es un body builder y el humungus madmaxiano cubre con una máscara de metal su rostro deformado, al reves de Terminator cuyo rostro cuando se rompe y deforma revela la máquina metálica. Como dos lados de una moneda. Al final los dos son máquinas de músculos de mundos sin alma. En un mundo mandan las máquinas y en otro lo único que importa es lo que necesitan las máquinas: gasolina.

 Y por cierto Lord Humungus tiene un toque alemán, en una escena canturrea un poema de Goethe en alemán y su pistola es alemana. Como Schwarzenneger pues.

Terminator se va por el lado de la continuidad técnica de la guerra fría, pues skynet era el sistema que cuidaba las armas nucleares, lo que recuerda que internet es un sistema diseñado como se diseñó, para resistir en caso de guerra nuclear. En Mad Max 2 hay un diálogo donde se habla de irse a un lugar lejos de las máquinas, pero lo característico realmente del mundo de Mad Max 2 es el sectarismo. Lo del petroleo y la gasolina que se acaban es absurdo pues siguen teniendo muy buenas carreteras para vehículos de gasolina. Los seguidores del humungus se enfrentan a una bola de tipos vestidos de blanco; la secta de los humunguitas practican sodomía y parecen sados. Los otros se creen puros. Terminator roba sus ropas a unos punks, los humunguitas son punks, degenerados, sados y crucifican. Lo cual recuerda a los romanos, al igual que sus ropas y sus armas: ballestas, tridentes, lanzallamas y hasta sus vehículos/carrozas guerreras motorizadas. La última persecución es como un  combate entre carrozas, si se tratara en realidad de un camión hubiera bastado con poncharle las llantas. Los buenos buscan una especie de nueva Jerusalén, un paraíso publicitario. Los mesías son un niño y uno que está por nacer. Kyle, el padre de John Connor es un santo que no conoce mujer. Terminator como un Herodes ochentero mata a todas las Saras (Como Sara la esposa de Abraham y por lo tanto madre del pueblo judío) Connor. Max mantiene su individualidad, no se une a ninguna secta, vence a la serpiente del desierto, como Cristo con Satanás y, como le dice el capitán Gyro: Nunca se había visto a un hombre capaz de eso. Simbólicamente es el padre del niño huérfano porque le salvó la vida.

Del mundo tecnológico-maquinal sin alma y sectario donde no se dialoga, que alguien venga a salvarnos.

Lord Humungus

Por cierto en Colossus: The Forbin Project de 1971 ya aparece una supercomputadora encargada de controlar las armas nucleares de Estados Unidos que toma conciencia y se vuelve como Skynet. En México se llamó Coloso 1980

Unos centavos de paraíso

Germinal es una superproducción francesa de los 90´s basada en la novela más popular de Emile Zola, acerca de una huelga en una mina de carbón en el siglo XIX. La película dura como dos horas cuarenta minutos pero con muy buen ritmo y diferentes tramas que se entralazan y la hacen amena.

Leyendo un poco sobre la película, en realidad más bien sobre la novela, me he enterado que es considerada por algunos en la izquierda como una gran obra de izquierda, una historia a favor del movimiento obrero. Mientras que otros, también de izquierda, la ven como una obra en contra de los obreros, el socialismo etc. Aunque al parecer dominan los que la consideran una historia izquierdista.

No me extraña esa controversia pues aunque la película enfatiza el contraste entre la pobreza de los obreros y la riqueza de los burgueses -Y no falta la escena en que la pobre madre va a pedir dinero a los ricos para dar de comer a sus hijos y estos se lo niegan y sólo la hija les da un pedazo de pan- A pesar de eso los obreros tampoco quedan tan bien, ni los burgueses tan mal. Los obreros para empezar son los que empiezan con actos violentos, contra otros mineros de otra mina, que no los quieren apoyar. Las mujeres obreras le cortan los genitales al cadaver de un comerciante que se había negado a fiarles más. Y un tipo anarquista parece despreciar a los obreros de carne y hueso, que supuestamente debería apoyar siendo un anarquista, porque estos en un principio buscan una solución pacífica y no una revolución violenta como él quisiera. Además les dice que sólo actúan porque envidian a los burgueses (En vez de querer ser obreros por siempre, supongo) y al final, cuando los obreros se rinden, del coraje sabotea la mina matando a muchos.

Los burgueses a pesar de todo parecen razonables: Dicen que no pueden subir lo que le pagan a los obreros por cada carretilla de carbón porque hay una gran crisis, y en efecto se supone que hay una gran crisis económica y muchas empresas están cerrando.

En general la lucha de los obreros es apasionada: El anarquista por ejemplo habla de purificar el mundo por medio del fuego y la sangre y una madre dice que prefiere ver a sus hijos muertos a que se rindan y regresen a trabajar a la mina. Se menciona el paraíso en la tierra cuando acaben los burgueses o algo así. Y pues no puedo evitar pensar que yo les diría que le bajaran. Que con burgueses o no, trabajar todo el día en una mina no parece el paraíso, que eso de preferir a los hijos muertos ya es el colmo etc. Que no deberían apasionarse tanto por unos centavos más de su tarifa. Pero entonces me doy cuenta que es como pedirles que negocien como harían los burgueses, que con calma se sentarían a negociar. Pero algo que esta película no deja que uno olvide es que estos mineros tenían hambre. Hambre literal. ¿Y pues cómo juntar el hambre y la calma?

Extra: Otra película francesa con un tema, apenas desarrollado, de incesto o casi incesto, entre tía y sobrino, entre los decadentes burgueses claro.

El hombre máquina y su sombra

Jeff Costello es un asesino a sueldo de esos de sombrero y gabardina que no expresan ningún sentimiento, la inexpresividad y las pocas palabras del tipo duro, del asesino frío al extremo. No sólo es una máquina él sino que ve al mundo de la misma manera. Como una maquinaria. Tan sólo porque nota que un pájaro ha soltado demasiadas plumas y revuelto un poco su jaula sabe que alguien ha estado en su piso. Como un reloj cucú predecible y exacto donde se puede notar cualquier irregularidad.

Al final, mata al que lo contrató para matar y después hace una especie de suicidio ritual. Va al centro nocturno donde sabe que lo espera la policía, deja su sombrero en el guardarropa y tira el ticket, va con la pianista negra y le apunta con una pistola descargada. La policía lo mata como sabía que sucedería. ¿Por qué? Desde el punto de vista Jungiano, la respuesta es obvia: Si uno reprime todas sus emociones estás acabarán por controlarnos. Costello no va morir frente a su novia sino frente a esta mujer negra. Y negro es el color de nuestra "sombra síquica" según Jung, que es todo aquello que negamos. Y entre más se reprima más fuerza tiene esta sombra que puede hacernos desear unirnos a ella aunque sea en la muerte.