Esta no es una película navideña

Duro de Matar (1988 Dir John McTiernan, guion  Jed Stuart y Steven E. de Souza basado en la novela Nothing Lasts Forever de Roderick Thorp) no es navideña pues la navidad no es algo central a la trama. Es sólo algo que se usa principalmente para darle a John McClane más "corazón", como dice el famoso director Joel Schumacher. Es decir para enfatizar su relación con su esposa y su familia. Y en general lo de la navidad le da personalidad a la película, es un diferenciador. Pero Duro de Matar ni siquiera se estrenó en temporada navideña sino en verano, como típicamente sucede con el cine de acción.

Esta película es una "heist movie", del género de los atracos pues. Es un guion que se pone de ejemplo de gran guion. A pesar de que se empezó a filmar cuando apenas tenía treinta y cuatro cuartillas. Dejaba un margen de flexibilidad, con los diálogos por ejemplo, que se escribían cada día antes de filmar. Pero por otro lado los guionistas fueron a conocer la locación, aún en construcción, mientras escribían. Tiene puntos de gran sofisticación, como que el último candado de la bóveda con los bonos que Gruber y su banda quieren robar sólo se puede desconectar desde afuera. Pero Gruber sabe que el protocolo a seguir en caso de ataques terroristas empieza con cortar la luz desde afuera y entonces ese candado lo va a desconectar el FBI.

Y la buena factura va desde ese guion hasta las actuaciones. Cada mirada dice algo y aporta a contar la historia.

Eso sí la película ensalza a los policías y a las armas a mas no poder. El compañero de vuelo de McClane queda atónito, por decir lo menos, al ver su pistola.

Pero los policías a nivel de calle tipo McClane o el sargento Powell son buenos. Ya el de arriba, el subcomisionado de policía es malo y pendejo. Pero nada comparado con los de más arriba, los del FBI, esos sí son unos brutos descerebrados. Como el alto ejecutivo Ellis, otro wey mamón y pendejo.

Los malos por supuesto son extranjeros y odian a América. En eso la historia no se aparta de las reglas no escritas.

En cuanto al villano, sólo podía haber villanos así en los ochentas: De traje y corbata, perfectamente peinado y rasurado sin un sólo pelo fuera de lugar. Lee Forbes, sabe de bonos y tiene una educación clásica según dice él mismo. Ellis, el encargado de negocios internacionales de la corporación Nakatomi lo reconoce como a un hombre de negocios como él, como a su par.

Y claro que pueden haber muchos villanos así, hijos de su neoliberal mamá. Pero la gente ya no cree que esas personas sean tan inteligentes. Pueden ser malos, pero listos no tanto.

Entonces hay un toque populista, en el sentido de que el poli y el patrullero negro devorador de twinkies pueden más que el villano con trajes hechos a la medida en Londres, el FBI, el subcomisionado de policía y hasta el conductor de televisión.

En cuanto al conflicto de los McClane, parece falso. Ellos dos se aman, no están divorciados. Luego entonces no hay una explicación de porque ella lo manda a dormir al cuarto de huéspedes o porque regresó al apellido de soltera. Sólo sabemos que los separó una compañía extranjera. Y de los japoneses; que primero atacaron Pearl Harbour y ahora le quitan la esposa a McClane. Pero él la rescata al final y se la lleva en limousine, dejando atrás la torre Nakatomi en llamas. Tomen eso elitistas extranjeros. Y feliz navidad.

El random pagüer

Aguas, análisis con exceso de spoilers adelante. Parallels (Dir. Christopher Leone, Guion Christopher Leone, Laura Harkcom 2015) nos presenta una realidad que se puede controlar desde una pantalla. La pantalla controla el aparato que controla el edificio, que cambia la realidad afuera del edificio, de forma aleatoria. O lo hacía hasta antes de que llegara el aparato. Con el aparato ya no habrá azar, desde la pantalla se podrá controlar el destino.

Es un celular en esteroides, el sueño de todos, una pantalla omnipotente que nos de poderes de dioses a los usuarios. Ya con esa tecnología se van a buscar una realidad donde la mamá muerta no esté muerta y así será todo tan fácil como para el personaje que acaba con el abogado corrupto en que se convirtió en una de esas realidades. Tan sólo dio un clic y envió documentos que acaban con su yo rico y corrupto de dicha realidad.

Pero al final aparece un poder superior. Resulta que una mujer veterana de los viajes entre realidades paralelas, no es realmente una mujer. Son tres, como las tres mujeres de los mitos griegos que se dedicaban a tejer los hilos del destino. Las tres iguales, seguramente cada una surgida de una realidad distinta y actúan en conjunto sin que nadie lo sepa.

Lo mejor es que estas mujeres toman decisiones jugando a piedra papel o tijera. Una de las más conocidas puertas, junto al tiro de dados y el detinmaríndedopingüecucaramacaratíterefue, al poder del azar, lo arbitrario, aleatorio y random. Algo que las computadoras, ni siquiera las matemáticas, pueden hacer: Dar un número realmente random, lo que hacen es dar números pseudorandom aunque digan lo contrario.

Y no importa de que generación sea la pantalla con complejo de omnipotencia, ninguna podrá contra las mujeres que juegan a piedra papel o tijera.   

El largo camino a la barbacoa

The Last Guest (ObliviousHD 2017 guion Mark H) es una película de hora y media hecha en Roblox, el famoso videojuego muy popular sobre todo entre niños.

Ya se hacen suficientes historias o películas en Roblox como para que se hable de Rollywood, y tienen una gran audiencia al parecer. The Last Guest es considerada un clásico de Rollywood, fue estrenada en 2017 y nada más en youtube tiene más de 96 millones de visitas. Hay estimaciones de más de 200 millones de visitantes en total para esta película que fue hecha por un usuario que empezó a hacerla cuando tenía 15 años y la acabó 4 años después.

La historia es un crudo reflejo de la mentalidad americana aunque con un toque liberal.

La cosa va así: Erase una vez en el mundo Roblox que los invitados estaban desapareciendo, nadie los quería, pero sobre todo había una organización terrorista, los tocinos, que los mataba.

Los usuarios de Roblox seguramente saben muchas más cosas sobre los invitados pero en el contexto de la película es simplemente un grupo minoritario. Y los tocinos son una mezcla de grupo supremacista blanco, todos traen una moto en la camiseta, lo que hace pensar en pandillas de motociclistas relacionados con estos grupos. Y además lo dicen, uno de los líderes dice que están para demostrar que son la raza superior.

Pero además los tocinos son un grupo terrorista como Al Qaeda o ISIS, el ejército de Roblox/Estados Unidos va a la guerra contra ellos en el desierto. Y también pueden meterse a casas en un típico suburbio americano a matar gente con pistolas. Lo que me recuerda que Marco Rubio el secretario de estado americano dijo una vez que la gente debía armarse por si los de ISIS atacaban sus colonias. 

Una declaración campeona del alarmismo, la paranoia y la estupidez.

Entonces, como los tocinos se meten a las casas de los invitados El Ultimo Invitado decide meterse al ejército. porque claro, a eso se dedica el ejército de Estados Unidos, a combatir a los que se meten a las casas a matar.

Pero El Ultimo Invitado no sólo vive en el mundo paralelo de los republicanos por la paranoia demencial. También por la desinformación, la posverdad y la mentira. Pero en este caso hay algo positivo: Unos tocinos se dan cuenta que han sido engañados y se cambian de bando.

Sin embargo, en lo que invitados y tocinos son iguales es en el culto a la fuerza. Cuando los padres del Ultimo Invitado mueren asesinados por los tocinos lo único que le dicen a su hijo es que siempre sea fuerte. Esa y otras frases similares se repiten muchas veces.

Cuando los tocinos toman el poder se vuelven un imperio con todo y circo romano, en donde los invitados, que están en un campo de concentración, deben combatir a muerte. Y a los jóvenes tocinos los hacen pelear entre ellos no hasta la muerte pero hasta que sólo uno quede en pie.

En una escena Jez, el hijo del líder tocino que se da cuenta que su padre mató a su mamá (porque ella lo estaba consintiendo y así no sería fuerte, según dice el padre), está platicando con un invitado, ya cuando está contra el padre y sus atrocidades y dicen que su sueño es hacer barbacoas los domingos con tocinos e invitados conviviendo en paz y comiendo todas las hamburguesas y salchichas que puedan. Lo que es una extraña visión del paraíso, como si no hubieran suficientes hamburguesas y salchichas.

Al final logran hacer estas barbacoas con tocinos e invitados conviviendo en armonía. ¿Pero cuánto podrá durar eso? Cuando surja cualquier problema los que sólo creen en la fuerza y en ser soldados de élite van a necesitar enemigos para dizque así solucionar la situación.

Y así la lucha por comer hot dogs y hamburguesas en paz no tendrá fin.  

 

Carta de odio a Superman

Es tal la cantidad de ataques a Superman en Hollywoodland (Allen Coulter 2006, guion Paul Bernbaum) que parece que los creadores de la película tenían un agravio personal con este personaje o más probablemente con las películas de superhéroes. Como que han de haber rechazado proyectos suyos para mejor hacer una película de superhéroes o algo así. También la Metro-Goldwyn-Mayer sale raspada pues aquí el jefe de ese estudio en los cincuentas sale de cornudo y asesino. 

Pero eso no es nada comparado con lo que pasa con Superman. Se supone que George Reeves, el actor que interpretó al hombre de acero en los cincuentas detestaba ese trabajo y al personaje. Que a todo mundo le parecía un trabajo y un personaje despreciable. La amante de Reeves, cuando él la corta, le dice que es para lo único que sirve. Que la gente se mofa de Reeves cuando sale en algún otro papel, por ser Superman. Y que ya no le quieren dar trabajos de actor por lo mismo.

Pero la serie de Superman, en la vida real, era muy popular. Ah pero sólo entre niños y gente que no podía salir de su casa según le espeta a Reeves su amante Toni Mannix, en el mismo diálogo final. Y qué niños, uno de ellos le quiere disparar con una pistola para ver si de verdad le rebotan las balas. La amante de plano le acaba dando a Reeves una pistola para que se protegiera de los fans. Pero eso no sirvió porque según Hollywoodland, Reeves se acaba suicidando por haber salido de Superman.

Y Hollywoodland pretende ser todo lo contrario de una película de acción: Seria, artística, sutil, con extraordinarias actuaciones, profunda. Pero no le sale. Para empezar Adrien Brody, que interpreta al detective Simo que se supone está investigando la muerte de Reeves, como de costumbre está sobreactuado. El tipo pretende que cada una de sus miradas, de sus movimientos, cada gesto, cada palabra que dice sea lo más inteligente, lo más cool, una pinche obra de arte cada vez que mueve un dedo. La exageración empieza desde su vestuario y peinado. Todos los demás policías o detectives que aparecen en la película salen con el pelo corto, y saco y corbata como en los cincuentas. Menos el detective Simo. En los cincuentas alguien con esa imagen sólo podría pasar por proxeneta.

Y el guion, es tan sutil que primero se vuelve confuso, empezando cuando vemos que Reeves no se suicidó ni lo mataron sino que fue un accidente. Sólo más adelante se entiende que es una de las posibilidades que Simo maneja en su cabeza. ¿Y cómo sabe él al final que se suicidó? Pues por sus poderes mentales, paradójicamente el filme antisuperhéroes nos dice a través de las supermiradas del superactor que Reeves se suicidó. Y también porque capta sutilísimos detalles en una película casera de Reeves. Caray ni Superman con sus superpoderes podría detectar la verdad de ese modo.

El final de sutileza exquisita es también totalmente absurdo. Se hace un paralelismo entre la película casera de Greeves y una película, también casera, de Simo, en la que él juega con su hijo y después de verla va con su hijo. Un final feliz, una reconciliación, pues la última vez que había visto a su hijo, Simo había llegado borracho. Pero Simo había llegado borracho por la culpa que le provocaba que un cliente suyo había asesinado a su esposa. El cliente lo contrataba para conseguir pruebas de que ella lo engañaba. Simo sabía que no era cierto, ella no lo engañaba. La propia esposa y la asistente de Simo le decían que ya no siguiera con eso, que le dejara claro al cliente que su esposa no le era infiel, pero Simo decía que mientras el cliente pagara él no pararía.

Entonces se supone que lo de Simo y lo de Reeves son cosas paralelas. Uno pudo haber evitado un asesinato y no lo hizo y el otro salía de Superman. Pero Simo tendrá otra oportunidad y Reeves no porque que grave salir de Superman. 

Que mamada.

El satélite sátiro y las ácidas pantallas alucinatorias

 

Al principio Horse Girl (Dir Jeff Baena guión Jeff Baena, Alison Brie 2020) parece que va a ser una aburrida rom com sobre la chica aburrida y solterona que encuentra al príncipe azul. Pero no. Lo que le sucede a la chica es que se vuelve loca y acaba ascendiendo a la madre nodriza.

No sólo a los geniecillos del silicon valley se les vuela la olla con conspiraciones que involucran alta tecnología. Es algo común. Le pasa a los adictos al fentanilo. Le puede suceder a cualquiera. De hecho en una escena muy al principio de Horse Girl, Sarah, la protagonista, sale a la calle y el primer tipo que pasa va diciendo incoherencias sobre los aliens y las conspiraciones y demás.

Y a muchos les ha pasado como al tipo que sale en una cita con Sarah, que hasta entonces parecía una mujer normal, y de repente empieza a contarle que ella es una clonación que los extraterrestres hicieron de su abuela y por lo tanto, ella y su abuela son la misma persona.

En Bugonia, Teddy y su primo Don, para purificarse y poder enfrentarse a los extraterrestres hacen entre otras cosas, ayuno de pantallas. Y quizá eso es lo que debía haber hecho Sarah, la chica-caballo pues a ella lo que le come el coco es la serie Purgatory. Y como no va a ser así, si seguramente esa serie la transmite el satélite sátiro, Dios de la tecnología. Ella lo sabe pues se mete a la matrix, el espacio en blanco en el cruce de realidades descubierto por los Wachowskis y así puede ver lo que el resto de los mortales no.

¿Porqué se está volviendo loco todo el mundo? ¿Es por estar encerrados en las pantallas todo el tiempo? Ese parece ser el mensaje de Horse Girl. Lo de Sarah podría ser hereditario; su abuela enloqueció, su mamá sufría depresión (otro desorden mental) y se suicidó. Su hermana está internada en una clínica. Pero la cosa empezó con la abuela, que decía que venía del futuro. Ese futuro tiene la culpa, ese en donde las interminables pantallas, como trip de ácido sin fin, nos amarran al satélite sátiro.

Hasta los extraterrestres sirven a este maléfico satélite que les ha dado el conocimiento tecnológico según explica Sarah. Y a su vez los aliens son los verdaderos introductores de la tecnología en la tierra.

Singularidad, satélite sátiro de las pantallas de plasma, marcianos que bailen el ricachá: ya llévenos o déjenos en paz. No nos deformen más. Ni nos clonen tampoco. Que muchos andan ya como perros buscando los monitos atrás de la tele. Llévenos con su líder o tiraremos las antenas del güifi y cubriremos nuestras cabezas y las de nuestras mascotas con gruesas capas de papel aluminio. O peor aún, con tejidos de estambre de colores protectores como lo hace Sarah. Están advertidos.

La dama y el chacal

Una relación perversa, la decimonovena película de la célebre directora de cine erótico Catherine Breillat (Directora de clásicos como Una chica de verdad. Y cuya más reciente película es Culpa y deseo.) es un caso excepcional en su carrera pues no es una cinta erótica. A menos de que los cheques sin fondo exciten a alguien. Es una historia autobiográfica y se puede decdir que tiene que ver con sexo. Pero con una cosa extraña del sexo.

Digamos que con la atracción de las mujeres por los chicos malos. Pero los malos que las tratan mal. Y en este caso además, sin sexo de por medio. Al menos no físicamente.

La historia empieza con una directora de cine que sufre un derrame cerebral. Y supuestamente todo esto le pasó a Breillart aunque a los personajes les cambió de nombre y entonces esta directora se llama Maud Shainberg.

Se supone que tarda bastante para medio recuperarse. Aunque la mitad de su cuerpo queda muerto según dice ella.

Entonces un día ve en la tele una entrevista con un famoso estafador. Un tipo que se ha robado más de cien millones de euros y que estuvo preso doce años.

Maud queda flechada. Es amor a primera vista por este sujeto al que sólo le falta la cicatriz en la cara para ser el estereotipo del delincuente y que según ella tiene mirada de perro apaleado. En todo caso será de chacal apaleado. Maud ordena a su equipo contactarlo pues quiere que actúe en su próxima película. Le dicen que ni siquiera es actor, otro le ruega que se aleje de él pues parece un asesino.

Pero ella dice que le encanta que sea un hombre primitivo.

A partir de entonces digamos que la historia es pornografía XXX del abuso autoinflingido.

Vilko, que es el nombre del artista de la estafa, le empieza a sacar dinero a Maud, que se la pasa escribiéndole cheques, que llegan a ser de cientos de miles de euros.

Y ni siquiera se ve que se besen o que cojan o algo físico, quizá por la hemiplejía de Maud. Vilko la trata bien y le endulza el oído a veces, otras no. El es casado y tiene un hijo durante el transcurso de la historia. A Maud la lleva a su casa con su familia como si fuera una amiga. Al final se muda con Maud pero duermen en camas separadas.

Y le exprime todo el dinero. A una mujer que ha triunfado en el difícil negocio del cine, tanto como para juntar algún capital. En una escena ella paga un millón y medio de euros en un sólo día a los que están remodelando su casa. Pero no puede con Vilko, que la despluma al grado de que ya cerca del final ella le dice que no tiene dinero para comer al día siguiente.

En la última escena cuando Maud reúne a su familia para pedirles dinero, uno de los familiares le dice "Pues ha de haber sido muy persuasivo al pedir". Y ella contesta "No, sólo me pedía y ya".

En fin, otro caso para Mujer, casos de la vida irreal.

Y eso que para entonces la Breillat ya era abuela. Y nunca hace la película con este tipo.

Definitivamente los chacales saben algo que los demás ignoramos. Casos así le dan la razón al personaje de Dostoyevski que dice que no deseamos lo que creemos que deseamos ni rechazamos lo que creemos rechazar. O a Bataille que decía que nuestro problema es el exceso y no la escasez. 

O quizá sólo nos falta barrio.

 

El diluvio que viene

Me sorprendió como en Bugonia, la nueva película de Yorgos Lanthimos que es un remake de Save the Green Planet! de Jang Joon-Hwang, se presenta una situación en la que si cambiamos "extraterrestres" por "singularidad" todo encaja perfectamente en cultos actuales. Cultos reales. La singularidad es un punto en el cual, según los más fanáticoss de la realidad artificial, una de estas inteligencias llega a un punto de aumento infinito y se convierte por lo tanto en un Dios para efectos prácticos.

Y supongo que para alguien que quiere hacer una historia de estos creyentes fanáticos de la singularidad, que se hacen llamar racionalistas y se dividen en diferentes tipos, lo más fácil para no tener que explicarle a todo mundo lo que es la singularidad es cambiar el término por extraterrestres.

Los racionalistas son gente como Teddy Gatz, el personaje de Bugonia que maneja una sofisticada terminología científica. Suelen ser prodigios de las matemáticas, la computación o la filosofía. Pueden trabajar en Wall Street o más probablemente en el Silicon Valley y estar graduados en las más reconocidas universidades. O ser autodidactas como Teddy. Uno de los líderes de este movimiento nunca llegó a la educación media.

Y hay casos de fanáticos de la singularidad que se vuelven asesinos. Como Teddy y su primo neurodivergente, o autista, Don, que es otra característica muy común entre estos autodenominados racionalistas. También las enfermedades mentales son muy comunes entre ellos. Se puede considerar al célebre Unabomber, como el precursor de estos genios asesinos. El Unabomber era un prodigio matemático que mandaba bombas y creía que la inteligencia artificial acabaría con nuestra especie. Por cierto Teddy Gatz también sabe de bombas. Y hay un grupo de racionalistas asesinos más reciente, los zizianos. 

Como los zizianos, Teddy Gatz es vegano y como obliga a su primo Don a hacer todo lo que él hace, Don también es vegano. Teddy se castró químicamente y luego Don tuvo que hacerlo también. Los zizianos también se castran pues la mayoría son transexuales. La líder, Ziz, es una mujer trans.

Y los zizianos y Teddy comparten el objetivo de salvar a la humanidad de una inteligencia superior, unos de la singularidad, otro de un emperador de la galaxia de Andrómeda. Y tanto Teddy y Don como los zizianos fueron víctimas de abuso, aunque según algunos zizianos ya el simple hecho de que los mandaran a la escuela fue un abuso terrible que debía ser castigado con la muerte.

Y hay otra coincidencia, los racionalistas hablan del problema de la "alineación" que significa lograr que la superinteligente inteligencia artificial sea buena para la humanidad y no su némesis.

Mientras que los de Andrómeda deben decidir si se puede corregir a los homo sapiens o es mejor ya cortar por lo sano y acabar con ellos.

Esta vez, a nadie le van a decir que construya un arca para el diluvio. 

Miénteme más Sydney

Edén (Ron Howard 2024) se basa en un hecho real del que hay por lo menos dos versiones distintas. Y la película cuenta sólo una de esas versiones aunque al final amablemente avisan en un título que hay otra versión de los hechos.

Entonces la historia se trata de que en 1929 un escritor, el doctor Friedrich Ritter y su pareja, Dore Strauch, se van a vivir a una isla desierta en el archipiélago de las galápagos. El objetivo de Ritter era escribir un libro para salvar a la humanidad que según él se encaminaba irremediablemente al abismo. El único contacto de la pareja con el resto del mundo era un barco que pasaba a dejar y llevar correo.

Pero Ritter mandaba textos que se publicaban en Europa y un día una familia, los Wittmer, padre, madre e hijo llegaron a la isla pues Heinz, el papá, se había vuelto admirador de Ritter. Pero no son bien recibidos. El doctor incluso le pregunta a Heinz ¿Pues qué no leíste que venimos acá para estar solos?

Y eso es lo de menos, según lo que cuenta Margret Wittmer, Ritter y Dore eran malas, terribles, pésimas personas.

Vemos a Dore que le dice al doctor que no le gustan los Wittmer, que Margret es sólo un ama de casa y Heinz sólo un burócrata.

La isla de por sí es un lugar donde no es fácil vivir, ni siquiera conseguir lo más básico como agua y comida. Y las cosas empeoran notablemente cuando llega una trepadora que se dice baronesa con su séquito de tres hombres. Y rápidamente adopta un perro de la isla al que bautiza como "Márquez De Sade".

Esta mujer resulta ser lo que se conoce científicamente como una perra del infierno y no por algo que tenga que ver con el sexo, que eso queda entre ellos y sus hombres, sino por otras cosas que acaban provocando que en la isla todos acaben muertos, incluyendo a la baronesa. Sólo sobrevivieron los Wittmer, incluyendo un nuevo bebé, uno de los hombres de la baronesa que se va antes, y Dore que logra regresar a Alemania.

Y aquí es donde yo dudo de la historia de Margret, que es en la que se basa la película, pues se me hace muy sospechoso que los Wittmer resultan ser unos santos entre puros demonios y algún despistado.

Como se imaginarán, lo que cuentan Dore y su esposo, que escribe una carta a un periódico de Ecuador antes de morir, difiere en el tema de quien mató a quién de lo que cuenta Margret. Y lo sabemos porque al final, la policía de Ecuador, el país al que pertenecen las galápagos, llegan por Heinz. Pero Margret los convence de que es inocente.

Y aquí viene lo interesante ¿Cuál es el argumento de Margret? En la película lo que vemos es que básicamente dice ¿Pues qué no ven que somos buenos? mientras amamanta a su bebé. Lo de que ¿pues qué no ven que nosotros no nos metemos con nadie? es absurdo. La policía acaba de llegar a la isla y no tiene modo de saber como se ha comportado nadie de los que viven, o vivían ahí. Aquí lo que hacen los escritores del guion, el propio director Ron Howard y Noah Pink, es pedirle al público que haga un juicio de los personajes independiente de los hechos. Entonces los Wittmer, un matrimonio con hijos tienen que ser mejores que Ritter y Dore, una pareja de intelectuales (¡A la hoguera!), y además sin hijos. No importa que Dore no pudiera tener hijos porque le habían hecho una histerectomía. Y no se diga la "baronesa", cuyo último trabajo en realidad había sido de cabaretera en París, y sus hombres.

Algunos diálogos en la película van preparando al público para aceptar sin chistar la versión de Margret, como cuando ella le dice a su marido que a ellos les está yendo mejor porque son una familia. O como cuando la baronesa dice que no quiere tener hijos porque los niños son asquerosos.

Y claro, además a Margret la interpreta Sydney Sweeney. Si yo fuera un policía también le creería cualquier cosa que me dijera. 

Un gurú en la celda

 

Just Breathe (Paul P. Pompa III 2025). Nick Bianco tiene problemas cuando se enoja. No se pone como el Hulk pero madrea gente. En su defensa habría que decir que se enoja por ofensas reales. No como otros.

Las visitas a un terapeuta no le sirven y acaba en la cárcel. Aunque bueno... se madrea a un mesero que dice que su novia es una cerda.

Afortunadamente para él, comparte celda con un tipo con el mismo problema y que ha buscado la solución en el zen y la meditación. Y parece que eso sí le sirve a Nick, sólo que cuando sale de prisión se enfrenta a un nuevo villano, su "Parole Officer", Chester, el oficial de libertad condicional que le toca. Creo que este es un nuevo tipo de villano, no recuerdo otra historia en donde uno de estos tipos sea el antagonista principal. Y no es un policía. Eso lo dice Nick cuando Chester dice que es un policía, él le dice que no, que es un parole officer. Y Chester es realmente el mejor personaje, uno lo acaba odiando realmente y eso tiene que ver con el personaje pero también con una gran actuación de un tal Shawn Ashmore.

Así que un negro preso por homicidio resulta ser un gurú de la paz y la meditación y Chester, un tipo muy sonriente, muy alegre, supuesto padre soltero y agente de la ley, es en realidad un nefasto que se dedica a extorsionar a los exconvictos. Y eso no es todo, al final resulta ser ya de plano un enfermo sicópata.

Eso sí, en esta película creen firmemente en las transformaciones de un día para otro. El papá de Nick es otro nefasto que no hace más que estar sentado frente a la tele tomando cerveza y su hijo no le importa un comino. Cuando Nick sale de prisión y regresa a casa ni lo voltea a ver. Pero un día dice: Hijo, me he dado cuenta que he sido un pésimo padre y voy a cambiar. Y desde ese momento se vuelve un amor.

Y Chester es tan malo pero tan malo que le sirve rebanadas gigantes de paste a la novia de Nick que está en terapia por desórdenes alimenticios.

Claro, la culpa nunca es de uno sino del cantinero. Pero cualquier día de estos dejaremos de tenerle miedo al éxito y ¡pum! cambiaremos de inmediato. Y si no, en la cárcel podemos encontrar algún alma caritativo que nos encamine, si hasta a algunas cárceles les dicen reformatorios, por algo será.

En el principio fue el rave

 

Sirat (Oliver Laxe 2025) nos mete de entrada en un rave pero de esos alternativos, rudos, llenos de siconautas con ambiente nómada, clandestino. De esos en el viejo espíritu de Goa Gil.

De hecho para las escenas del rave del principio los creadores de Sirat hicieron un rave de verdad, que convocara un tipo específico de raver, de esos que suelen volverse "travellers", los que viven en el camino viajando de un rave a otro. De hecho la clase de gente que creo los raves originalmente, como explico en la entrada de Goa Gil.

No recuerdo otra película ambientada en ese mundillo.

Entonces un título al arranque de la película que explica que en la cultura árabe Sirat es un puente entre el infierno y el paraíso, tan delgado como un cabello o como el filo de una espada, hace pensar en la sicodelia, en los buenos y los malos viajes.

Y vemos a Luis, un español que junto a su hijo menor busca a una hija perdida en este rave en Marruecos, repartiendo volantes con la foto de la hija entre la tribu de los que creen en el trance.

Parece una gran idea, adentrarnos en el continente africano y en ese mundo en donde, como es de esperarse entre quienes viven en el viaje terrenal y de conciencia, la gente suele perderse. Ir con Luis, un tipo normal y su hijo Esteban a buscar a la hija descarriada entre quienes se dedican a buscar el paraíso pero también suelen pasar alguna temporada en el infierno de un mal viaje.

Sólo que esa historia no nos la acaban de contar. Sirat acaba siendo una mala película de guerra. Nunca llegamos al puente entre el paraíso y el infierno. Sólo llegamos a opciones más simples entre la vida y la muerte. Y de la hija perdida ni quien se acuerde.

Me parece un desperdicio. Ni hubieran hecho rave. Y el personaje más interesante, con quien es más fácil conectar emocionalmente que es Esteban, el niño en un viaje fantástico con estos freaks primitivos modernos, es el primero en morir.

¿Y para qué conseguir a estos personajes, Jade, Josh, Bigui, Tonin y Stef, que no son actores sino auténticos travellers interpretándose a si mismos, con sus nombres de verdad, para acabar haciendo una especie de Zona de Miedo wannabe?

Alguien me dijo que Sirat refleja lo que pasó cuando el ataque de Hamas a Israel que incluyó un rave. De hecho parece que fue lo más visto de dicho ataque, lo del rave. Además Israel es uno de los países más aficionados al trance y al rave y muchos DJ´s de esta escena son israelíes. Y los quieren cancelar, circulan largas listas de DJ´s israelíes con supuestos vínculos con organizaciones sionistas.

Puede ser. De cualquier modo, que mal viaje.

El mar intravenoso

En Romería (2025) el personaje principal es Marina, que está basado en la propia directora de la película, quien en el 2004 viaja a la costa gallega donde está la familia paterna, con la que ella ha estado fuera de contacto. Debe ir por unos papeles para solicitar una beca para estudiar cine. Pero todo depende de los abuelos, que aunque no tienen tanto tiempo en pantalla son realmente los que sufren una transformación, los que tienen una anagnorisis, los que cambian en el relato. Esto porque tienen que aceptar que tienen una nieta de su hijo Alfonso, que fue adicto a la heroína y que murió de sida, igual que la madre de Marina.

Todas esas, verdades muy difíciles de reconocer para una pareja conservadora. Marina y los abuelos se ven por primera vez en el mar, ellos en un pequeño barco y ella en otro, en una romería, una especie de pequeña peregrinación , como el día de San Judas o algo así, pero en el mar, para recordar a los que han muerto en sus aguas.

El tema del mar recorre la película de principio a fin y la adicción de los padres de Marina se presenta como algo tan inevitable como las mareas. Lo dice Iago, uno de los hermanos de Alfonso, o Fon, que le explica a la sobrina que los abuelos ven el asunto como algo que Fon decidió pero que en realidad no fue así. Y que el "caballo", la heroína, simplemente arrasa.

Hay momentos en la película en los que el mar y la droga se entrelazan sutilmente. Fon, que también llegó a traficar caballo la sacaba del mar, de unas como trampas para cangrejos. Cuando la madre de Marina describe momentos de éxtasis con la droga usa metáforas marinas y vemos delfines y corales bajo las aguas.

Los padres de Marina cruzaron el Atlántico en su barco y llegaron hasta el Perú donde la meta final era un lugar en la selva para tomar ayahuasca, el famoso alucinógeno del amazonas.

Finalmente en una escena onírica, la madre y Marina se despiden de Fon que se va en su barco para no volver del mar intravenoso.

El océano, sin límite, profundo y peligroso como símbolo del éxtasis de la droga, o del éxtasis a secas. Y una romería para reconocer a los ahogados en las profundidades que no discrimine entre diferentes mares.

Una película de gran belleza y carga emocional.

La aspiradora del amor

Un fantasma para servirte (Ratchapoom Boonbunchachoke 2025) la cinta ganadora de la semana de la crítica de Cannes este año, explota el viejo tema de los fantasmas en las máquinas, como en Christine, la película que adapta una historia de Stephen King. Sólo que en este caso con propósitos de comedia. Y políticos. E incluye escenas subidas de tono de relaciones sexuales entre aspiradoras y humanos así como las más tradicionales de hombre con hombre y fantasma gay con hombre y no estoy seguro si también entre fantasmas hombres, ustedes disculpen pero yo ya estaba hecho bolas. Si usted siente que nadie lo comprende imagínese la mujer que vemos aquí cuyos familiares no la dejan en paz porque tiene dos hijos y uno está casado con un australiano y el otro con una aspiradora.

Y sin embargo esta película tiene un mensaje político de fondo, con cosas que seguramente nos eluden a quienes desconocemos los entresijos de la política Tailandesa, pero que tiene que ver con una masacre que ocurrió en el 2010. Hay un personaje que se supone es un importante funcionario del gobierno que recluta una fantasma para meterse a los sueños de la gente, detectar fantasmas metidos en esos sueños y luego con unos aparatos como de dentista pero del cerebro, sacarles, no las muelas, sino los recuerdos que atraen a los fantasmas de esos masacrados en el 2010 para que así, sin fantasmas que estén jodiendo, el recuerdo de esa masacre desaparezca.

Por cierto esta película usa ese estilo rígido, semilento, que es como poner un punto después de cada cosa que pasa. Así de que el personaje dice algo, punto, mueve la cabeza, punto, hace una expresión con la cara, punto, dice la siguiente cosa, punto. En este caso el estilo combina bien con el tono de comedia pues hace que los personajes se vean muy tranquilos y serenos hablando de lo más normal con algún enser doméstico, pero a mi me intriga como o porque este estilo se puso de moda. Es como cuando los platos dejaron de ser redondos y se pusieron cuadrados sin niguna explicación.

Sin salida

El mil usos (Roberto G. Rivera 1981, guión Ricardo Garibay) Es un lugar común en la narrativa de los que llegan a la Ciudad de México que acaban en la cárcel. Según cuenta el escritor Alvaro Enrigue, estaba leyendo novelas mexicanas de principios del siglo XX y en todas, sin excepción, los que llegaban acababa en la cárcel. Claro eso ya no aplica para nómadas digitales o turistas ocasionales sino para los que llegan huyendo de la miseria encandilados por las luces de la ciudad.

El mil usos, cuyo verdadero nombre es Tránsito, llega de un pueblo de Tlaxcala a la gran ciudad y pasa una temporada en el reclusur, una cárcel al sur de la ciudad. Y cuando lo sueltan no se quiere ir, prefiere la cárcel a la calle.

La película tiene al menos algunas tomas reales del reclusorio sur, lo que hace pensar que hubo colaboración con las autoridades y seguramente no sólo de la cárcel sino de la ciudad pues la película parece una deliberada pieza de propaganda para que los campesinos no vengan a la capital. El tema musical de la película dice "Ya no vengan para acá, quédense mejor allá, el distrito federal no es, no es lugar para llegar."

Esa cooperación explicaría porque en  El Mil usos el reclusur parece un club deportivo, con celdas espaciosas, poca gente y todo muy limpio y funcional. Sin problemas de ningún tipo. La única autoridad que aparece es un juez, que libera al mil usos y es un tipazo. Deja que Tránsito se quede con el uniforme del reclusorio porque no tiene ropa y se echa un discurso no sólo al mil usos sino a todos los campesinos en el que les dice que se queden en su tierra pues en la ciudad sólo les espera  "hambre, servidumbre y la cárcel."

Y aunque una cárcel tan bonita y confortable sería una tentación para muchos, no deja de ser revelador que un personaje prefiera la cárcel a que lo echen a las calles de la Ciudad de México. Es algo que no resulta inverosímil: Yo una vez escuché a una persona que vivía en la calle y que había estado en la cárcel que prefería la cárcel.

Pero ¿qué es lo atroz de la vida en la ciudad para Tránsito?

Vemos que al principio no tiene ni para comer, lo hacen trabajar y luego no le pagan lo acordado. Des pués consigue algunos trabajos más serios como de barrendero o en unos baños en donde hace de "limpiamugrosos" según dice el mismo. Además debe tener relaciones sexuales con la dueña de los baños, cosa que a él no le gusta pues al parecer las fantasías sexuales de dicha mujer implican golpearlo.

Al final, en una pulquería, escucha a unos tipos hablar de sus experiencias trabajando en el gabacho y se interesa pero otro tipo interviene y le dice que él ya estuvo tres veces en Estados Unidos y que son puras humillaciones.

Creo que ese es el meollo del asunto. Trabajos había pero Tránsito no dejaba de ser humillado. Al final se regresa al pueblo pero se había ido porque de plano ahí sólo lo esperaba la miseria. Pero al menos ahí era alguien y nadie lo humillaba.

Pornografía del estambre

Sueños (sexo y amor) (Dag Johan Haugerud 2024) es una muy bien hecha película noruega, en el sentido de que es una historia con mucha sutileza, muy literaria, en la que se puso mucha atención en el guion y no sólo fue cumplir los puntos de algún manual para guionistas de cine principiantes.

Es una comedia ¿pero cuál es el tema? ¿el amor y el sexo? Aunque eso dice entre paréntesis el nombre de la película y a primera vista puede parecer una comedia romántica creo que no lo es realmente.

En Sueños (sexo y amor) la protagonista Johanne que si no me equivoco tiene catorce años, escribe la historia de su relación con su maestra Johanna y le da esta historia a leer a su abuela que a la vez se la da a su hija, mamá de Johanne.

Ellas se preguntan si lo que escribió Johanne es real. Están de acuerdo en que está muy bien escrito. Y la abuela es poeta. Pero ni siquiera porque Johanne les dice que es real dejan de dudar.

Y yo como espectador me pregunto lo mismo que la mamá y la abuela ¿Esta es una historia de amor ó sólo finge amor?

Creo que lo segundo.

Primero está el tema del amor por las historias de amor. Johanne dice que todo empezó cuando leyó una historia de amor entre una chica y un hombre mucho mayor. Y el punto culminante es cuando este hombre le pone a ella una bufanda. De estambre seguramente.

Y entonces Johanne se enamora de una de sus maestras. Mujer, mayor y negra.

Entonces hay como un lado transgresor. Y la mamá y la abuela no dejan de comentar lo sexualmente explícito que es el relato de Johanne.

Sólo que luego nos enteramos que por sexualmente explícito se refieren a sus descripciones de la piel de Johanna rozando su sweater de estambre. En esta película hay estambre, bufandas y sweateres por todos lados, a Johanna le gusta tejer y le enseña a Johanne.

En realidad nunca pasa nada sexual entre las dos.

Entonces creo que hay dos cosas en que la historia es engañosa: Aparte de decir que la descripción de la piel rozando el estambre es algo sexualmente explícito está la cuestión del lesbianismo que sólo se menciona una vez.

Al principio ni la mamá ni la abuela ni Johanne dicen nada de que se enamoró de una mujer. Así como que en Noruega son tan open mind que ni lo notan.

Sólo la mamá, que en un principio se preguntaba si debía demandar a la maestra por abusar de su hija pasa rápidamente a animar a su hija publicar su historia para volverse "una escritora queer". Y la hija pregunta que a poco ya es queer. Y eso es todo. Se pretende que el lesbianismo no es tema. Hasta que algo pasa al final.

Entonces muy liberales pero quieren demandar por todo. A pesar de que la hija explica que ella se enamoró primero y que ella fue a buscar a la maestra a su departamento y a fin de cuentas no pasó nada, sólo tejían y tomaban té. Y el colmo es que ya al final, para publicar el libro la mamá va con Johanna. Y entonces Johanna es la que dice que Johanne fue la que abusó de ella porque sentir esas cosas sobre la piel y el estambre es un abuso. Un total absurdo en que ya hasta los pensamientos son un abuso.

Y en otro tema Johanne se pone de lado de la abuela que es religiosa contra la mamá que no lo es y cuando pasa por un barrio musulmán de Oslo dice que le encanta que ahí la gente se una alrededor de un Dios. Como pensando en burkas de estambre.

¿Entonces es una historia conservadora o liberal? ¿Transgresora o ñoña?

Yo digo que ñoña - conservadora con tendencia a poner demandas. Pues es en un contexto en que el lesbianismo ya está muy normalizado. Aunque no tanto como se pretende. Porque en realidad lo de Johanne y Johanna no es amor. Johanne no sufre cuando la relación, es decir sus visitas a Johanna para aprender a tejer, acaban. Dice que sí pero no se ve que sufra. Y Johanna menos. De hecho cuando la mamá va a hablar con ella ¿y a quién se le ocurre mandar a la mamá a hablar con la examada? Eso no suena liberal sino más bien falso. Ahí no hubo amor, más bien una buena escritora. Y Johanna dice que ella no notó que Johanne estuviera enamorada de ella, que quizá sólo al final notó algo y que por eso la mandó a volar.

Después Johanne va con un sicólogo que por todo lo que le pasó. El sicólogo con toda razón a mi parecer pregunta ¿Pues qué te pasó? Te enamoraste, cosa que le pasa a todos, luego publicaste un libro y ya.

Sólo que para ese momento se supone que Johanne ya tiene un novio. Y en la última escena vemos que el novio, único personaje masculino de la película, le vale madres. Ella se encuentra a una mujer que había conocido por Johanna y salen chispas entre ellas y se van juntas y del novio que la estaba esperando, literalmente la estaba esperando en la calle, ni quien se acuerde.

¿Entonces tenía un novio que no le importaba en lo más mínimo y ese no era un tema para tratar con el sicólogo? Quizá andaba con él intentando que le gustaran los hombres o algo así.

El mensaje sin embargo es claro. Ese final es lesbianismo militante. Y está bien, pero que no finjan que no, que no se hagan las que ni cuenta se dan de la homosexualidad y el lesbianismo. Que el lesbianismo ñoño-conservador salga del closet de los sweateres de estambre.

Aunque pensándolo bien si sólo va a salir para poner demandas está bien que se quede ahí.

Por cierto en  la última película noruega de la que escribí también está el tema de demandas absurdas. Parece que andan aburridos por allá.

Atrocidad iraní

Ella y su hijo (Saeed Roustayi 25) es verdaderamente terrible y no porque la película esté mal hecha o carezca de interés sino porque creo no haber visto nunca una película con un mensaje tan misógino y machista.

Para explicar porque la veo así necesito contar la película, cosa que generalmente trato de no hacer pero no veo otro modo.

La historia se trata de Mahnaz, una viuda iraní que tiene un hijo, Aliyar, de 14 años y una hija menor Neda. Vive con ellos, con su madre y su hermana menor Mehri.

Mahnaz trabaja como enfermera en un hospital donde conoce a Hamid y se hacen novios.

Poco antes de la boda, en una reunión en la que las familias de ambos se estaban conociendo, Hamid ve a Mehri, la hermana menor, cancela la boda y dice abiertamente que ya vio que le gusta más Mehri y prefiere casarse con ella.

Y apenas Mahnaz se entera de esto cuando la llaman del hospital porque su hijo Aliyar, que se había quedado junto con su hermana Neda en casa del abuelo, el padre del esposo fallecido, se cayó de una ventana. Aliyar muere. Los suegros dicen que se suicidó por el nuevo matrimonio de su mamá. En realidad saltó de la ventana porque el abuelo le estaba dando cinturonazos y amenazaron a Neda, la hermana que vio todo, para que no diga nada.

Luego a Mehri, la hermana de Mahnaz, se le hace buena idea ir a buscar a Hamid, el tipo que repudió a su hermana, comprometerse con él y luego embarazarse y casarse con él. Y da a luz un hijo al que le pone Aliyar, cosa que Mahnaz le había pedido que no hiciera.

La madre de Mahnaz y Mehri desde un principio se pone a favor de esta última.

Hamid además, con la ayuda del suegro, y Mahnaz ya ha descubierto como murió realmente su hijo y que los abuelos amenazaron a Neda para no decir nada, intentan quitarle a Neda.

Así que en la última escena cuando Mahnaz toma al hijo de Mehri y Hamid, hay tensión y como no, uno esperaría que tirara al bebé por la ventana y que les prendiera fuego a la hermana, a la mamá y a Hamid por todo lo que le han hecho. Pero no, Mahnaz se derrite de amor por el bebé y Hamid la mira complacido como pensando "Vaya, después de todo Mahnaz no es tan mala". Es inaudito el mensaje de que una mujer debe aguantar absolutamente todo. 

Ah pero la película no sólo se presenta en la Muestra Internacional de la Cineteca de México, también estuvo en Cannes, que porque denuncia la situación de las mujeres. Perdón pero la trama no es una denuncia es un mensaje atroz.

Guía del perro sonriente a la 78 Muestra Internacional de la Cineteca

 I.- El caos como método

Nouvelle Vague (Richard Linklater 2025). Es el final de los cincuentas en París y entre los cinéfilos se habla de Bonjour Tristesse, la adaptación del director Otto Preminger de la novela de Francoise Sagan estelarizada por Jean Seberg y de Los 400 golpes, la película de Francois Truffaut que recién se estaba estrenando. Truffaut era el más reciente crítico de cine de la revista Cahiers du Cinemá en dirigir una película, como ya lo habían hecho Claude Chabrol, Jacques Rivette y Eric Rohmer. Vemos por cierto la redacción de esta famosa revista en la que los críticos escriben en sus máquinas compartiendo una gran mesa.

De todo el grupo sólo falta un crítico suizo de nombre Jean Luc Godard en dirigir un largo, pero un productor que es parte de la camarilla, Georges de Beauregard, a quien apodan Beau Beau, está dispuesto a apoyarlo.

Cuando hablan de lo que van a necesitar Godard dice que para hacer una película sólo se necesita una pistola y una chica. Pero cuando le enseña a Beau Beau a la chica que quiere, una foto de Jean Sebert en la portada de los Cahiers, el productor le dice que ella es un imposible.

Pero consiguen a Jean Sebert.

Lo primero que vemos de la filmación de Sin Aliento, A Bout de Souffle, es que a Godard lo hubieran expulsado de una escuela de cine pues de entrada rompe con la primera y máxima regla de dichas escuelas "Jamás por ningún motivo filmarás sin tener antes un guión".

Afortunadamente Godard no tiene que presentar una carpeta por quintuplicado a ningún comité. Mucho menos cambiar sus planes porque los productores siguen un algoritmo que les dijo que ahora el público quiere otra cosa. O tallerear sus guiones una y otra vez con supuestos expertos.

Pero que Godard no usó guion para Sin Aliento ya lo sabía, lo que me sorprendió fue su forma de trabajo: Casi no repetía tomas y hasta podía desentenderse de la continuidad y el eje de visión. Se tomaba las cosas con calma, de hecho en esta recreación de Linklater parece que la mayor parte del tiempo de filmación lo pasaban en los cafés de París. De ahí se iban a filmar y parece que no tardaban mucho en regresar a algún café.

Se tomaban días libres y muchas medias jornadas de trabajo, que a veces según Beau Beau consistían en sólo dos horas de filmación. A él por supuesto eso no le gustaba, incluso hay una escena en la que tras encontrar a Godard jugando con una maquinita de pinball se pelean y ruedan por el piso de un café. Por algo dice Linklater que la Nouvelle Vague ha sido lo más parecido al punk que ha habido en el cine.

Al final sin embargo Godard y Beau Beau siguen siendo igual de amigos y Sin Aliento no sólo fue un éxito de crítica y de taquilla. Es considerada la película que inaugura el llamado cine alternativo. Y es interesante ver un director que no es el típico energúmeno, un tirano por necesidad que exige a su equipo extenuantes jornadas de trabajo, siempre estresado y de mal humor, sino que está tranquilo y ni siquiera deja de leer y escribir nomás porque está filmando.

Eso sí, si conseguir a Jean Sebert parecía imposible, conseguir a una actriz que le haga justicia... eso sí no se pudo.

Si les gusta Sin Aliento o películas en blanco y negro con buen jazz, con personajes que no dejan de citar citas citables propias o de otros artistas o escritores no se pueden perder Nouvelle Vague.

II.- Un micrófono para Mengele

La desaparición de Josef Mengele (Kirill Serebrennikov 2024) Es una especie de biopic del criminal de guerra Josef Mengele, centrada principalmente en sus largos años como prófugo de la justicia en sudamérica, pero también con algo del tiempo en que ejerció como "El Angel de la Muerte" en el campo de concentración de Auschwitz.

Es interesante todo lo que revela sobre la tolerancia con el nazismo en la Alemania de la posguerra y en sudamérica. Hace poco escribí aquí de ese tema con motivo de un documental que salió sobre el dictador paraguayo Alfredo Stroessner. 

En esta película, que por cierto es una curiosa coproducción Francia- Alemania-Uruguay-México y es dirigida por un ruso, esta denuncia con la tolerancia del nazismo está más centrada en la propia Alemania de la posguerra y en Argentina.

Pero claro la denuncia es principalmente el personaje de Mengele mismo, un tipo que usó humanos como conejillos de indias para sus experimentos y que obliga a su hijo adulto a cortarse el pelo porque está muy largo o que dice que oir que hablen alemán mal pronunciado le da dolor de cabeza. Ni él ni su millonaria familia reconocen haber hecho nada mal y están convencidos de haber actuado por una causa superior. Y aquí veo un peligro: Que esta película que se presenta como una denuncia contra un genocida sea vista por algunos como lo contrario. Porque es como prestarle un micrófono a un vociferante nazi y no se puede asumir, sobre todo en estos tiempos, que todo mundo sabe que lo que dice está mal.  No faltará el que piense ¡Caray, qué tipazo era Mengele!

Sí, al final vemos que se casa con una brasileña que no parece nada aria y hasta acaba teniendo un cuñado negro. Y la boda parece una ceremonia típica de la cultura afroamericana. Pero eso no evitará que haya gente que piense que este nazi tenía razón. 

La miel envenenada

Le Assaggiatrici ó Las Catadoras de Hitler (Silvio Soldini 2025) está basada primeramente en el relato de una mujer que en el 2012, a los 95 años de edad, y poco antes de morir, confesó que durante la segunda guerra mundial se dedicó a probar la comida de Hitler antes que él, para comprobar que no estuviera envenenada.

No es la primera vez que escucho de un dictador que hace eso, Fidel Castro era otro que hacía probar su comida antes a otros, según alguna versión.

Y no era sólo una mujer, eran siete que formaban el equipo de catadoras en el búnker de Hitler conocido como "La guarida del lobo".

Es una película entretenida centrada en el personaje de una mujer rebelde que, gracias a esa rebeldía sobrevive. Y no es porque se negara a comer. Eso no era opción. A ellas las escogieron por vivir en el pueblo más cercano al búnker y un día llegaron soldados por ellas para llevarlas a su nuevo trabajo sin preguntarles su opinión. Al principio regresaban a sus casas cada día pero después del atentado contra Hitler quedaron internadas.

Al principio parece un buen trabajo, la comida ya escaseaba y a ellas les pagaban sólo por comer. Las atendía el chef de Hitler que les platicaba intimidades del Fuhrer, como que Hitler era vegetariano porque una vez fue a un matadero y ver a los hombres con botas chapoteando entre la sangre le pareció insoportable. De ser cierto eso, entonces lo que pasó fue que se vio a si mismo en el espejo del matadero y como dice el dicho "lo que te choca te checa".

Los maridos de las mujeres estaban en el frente, o eran jóvenes viudas ya, y estaba la que no podía conseguir novio porque todos los hombres del pueblo en edad de ser sus novios se habían ido a la guerra.

Sólo estaban los oficiales nazis.

Rosa, la protagonista, se hace amante del teniente que está al mando de los soldados a cargo de ellas, un tal Ziegler, que es casado y se ven en el granero en casa de los suegros de ella, con quienes vive. Aunque su marido está "perdido en combate", es decir muerto casi con toda seguridad.

Es muy interesante el modo en que se da este romance prohibido, en tiempos en que hasta un aborto se castiga con pena de muerte. Y Ziegler es un tipo de miedo. Luego en la intimidad resulta ser más simpático, hasta imita a Blondi, el perro de Hitler, pero cuando le cuenta a Rosa las atrocidades que ha cometido le repugna y se pelean. Ella le dice que él sólo obedece y lo deja.

Al final de la guerra Hitler ha abandonado el búnker, los soviéticos están a punto de llegar y sólo Ziegler puede salvarla ¿lo hará?

Es una historia de esas en donde nada es lo que parece. Al principio todo el mundo ahí está seguro que Alemania ganará la guerra. Hay sorpresas esperando.

Las rocas también lloran

Acabé muy decepcionado con La Máquina, la película de Benny Safdie que ahora trabajó sin su hermano Josh.

Esperaba algo mejor de uno de los directores de Uncut Gems, una película que he visto nombrar entre las mejores películas de lo que va del siglo, y creo que con justa razón. Entonces una película de uno de los hermanos Safdie, con Emily Blunt y además sobre un luchador de artes marciales mixtas prometía bastante. Esperaba volver a sentir esa sensación que me dejó Uncut Gems de haber visto una obra maestra, un peliculón. O al menos como la también muy buena Heaven Knows What.

Pero no. Aunque La Máquina logra captar la atención, es interesante y uno está esperando ver que pasa, al final decepciona porque no hay una buena historia. Lo que cuentan se puede resumir como "Erase una vez un luchador invencible pero al final por discutir mucho con su novia perdió un torneo muy importante."

Y no exagero, en la última pelea que vemos de Mark Kerr (Dwayne Johnson) lo están pateando en el piso y a alguien se le hizo buena idea mezclar imágenes de sus problemas con Dawn (Emily Blunt), para explicar porque Kerr no se movía, no hacía nada.

La última escena de la película en la que vemos al verdadero Mark Kerr, de compras en el súper y luego cargando las bolsas para subirlas a su camioneta e irse es patética ¿Eso qué?

Mientras lo vemos peleando y preparándose para las peleas y demás, como si tuviéramos un full backstage pass para torneos de artes marciales mixtas, la cosa es interesante. Y parece que la pelea final será entre Kerr y su mejor amigo Coleman. Y además está la adicción de Kerr a los opioides y otras cosas para el dolor.

Pero lo de la relación con Dawn... una típica pareja que se pelea por puras estupideces, por todo y por nada, desde un principio me hizo ducar que la película fuera a sacar algo bueno de ahí.

De hecho la historia de Coleman, un luchador ya en su segundo aire, a quien ya lo ven como próximo al retiro, pero que acaba ganando el torneo Pride del 2000, parece más interesante que la de Kerr.

Pero eso sí, así como en Uncut Gems Adam Sandler demostró que no sólo puede hacer pélículas muy populares, pero la mayoría muy malitas, sino que también puede hacer un gran papel, en La Máquina Dwayne Johnson me parece que hace una muy buena actuación. De luchador brutal que suele darle rodillazos en la cara a sus rivales pero que tiene un lado sensible y además con un estilo amable casi como de Christoph Waltz en Django desencadenado. Sí, la roca también llora.

Total que me parece otro caso en que un director, que suele trabajar con su hermano, dirige una película en solitario y la cosa no sale bien. Estoy pensando en la infumable Honey Don´t de Ethan Coen, sin su hermano mayor Joel. Ni porque la protagonista es Margaret Qualley la película se salva.

Ah y la música de La Máquina es malísima.

El monstruo sin amor

El Frankenstein de Guillermo del Toro se centra en las relaciones padre - hijo o padre - creatura. Y eso me recuerda a otro clásico de la ciencia ficción, Blade Runner. Ahí vemos que el creador limita los años de vida de sus replicantes, que es el conflicto central, y en este Frankenstein los verdaderos problemas empiezan cuando Víctor, como le dice el monstruo, tiene una especie de depresión post parto después de dar a luz a su creaturo.

La relación entre él y el monstruo recuerda la suya con su padre sólo que él sí aprendía y el monstruo no. Quien sabe que habría pasado si Víctor hubiera "manchado" el apellido del padre. Después vemos que el monstruo sí aprende pero sólo lo que le interesa.

Creo que la frase que mejor define la trama es cuando al final el monstruo le dice a Víctor: "La misma marea que me creo ahora te destruye." Frase que también funciona para Harlander, que, al menos en esta película, es realmente un cocreador del monstruo. El también luchó para crearlo, no hubiera sido posible sin él y al final, cuando quiso evitar su creación pagó con su vida.

Víctor estuvo necio en hacer su monstruito. Sólo para acabar encadenándolo, golpeándolo, intentar matarlo y no darle una compañera porque no se fuera a reproducir.

Y así como en Blade Runner un replicante le acaba sacando los ojos a su creador, como los cuervos del famoso dicho sobre criar cuervos, el monstruo acaba matando a Víctor. Pero la cosa no es tan sencilla como en el dicho sobre los cuervos. En este caso la moraleja más bien dice que quien crie cuervos, replicantes o seres ensamblados de diferentes cuerpos debe dejarlos salir, vivir y reproducirse o la misma energía creadora se volverá contra él.

El problema de Víctor no parece ser haber creado vida sino querer destruirla y todo porque el hijo no aprende palabras. Pero vemos más adelante que Elizabeth, amante de los insectos, y por lo tanto desprejuiciada, logra que aprenda una nueva palabra. Después un ciego incapaz de ver la fea apariencia del monstruo no sólo puede hacer que aprenda palabras sino convertirlo en un voraz lector.

Elizabeth juega el papel de conciencia de Víctor y le advierte, con otras palabras, que el camino del infierno está hecho de buenas intenciones. O supuestas buenas intenciones. Y vemos que al doctor que dice estar a favor de la vida y contra la muerte, en realidad la muerte de los otros le es indiferente. Como cuando con los condenados a la horca actúa con la frialdad del que busca refacciones para el coche. Y se lleva los cuerpos de los caídos en la guerra sin pensar en los que buscarán esos cuerpos con desesperación.

Porque a Víctor no lo motiva ninguna buena intención, sólo su ego. De hecho en las novelas de Mary Shelley sobre Frankenstein, que en realidad son tres versiones con cambios importantes entre ellas, de 1818, 1923 y 1831, Víctor es una pésima, mala, terrible persona.

Al final vemos que hay alguien que logra aprender en cabeza ajena. El capitán del barco que desiste en su intento de llegar al polo norte para así no arriesgar a su tripulación. Quizá no quiere acabar como Víctor Frankenstein. O como la creatura que vaga por el desierto helado en la más absoluta soledad.

Las mutaciones del mal

 

Fuhrer Ex (Winfried Bonengel 2002) es una película alemana basada en la autobiografía de un exneonazi de la vida real que nos presenta a Heiko y Tommy, dos amigos que vivían en la Alemania comunista en el 86. En ese tiempo y lugar, según nos enteramos, no ir a trabajar se castigaba con cárcel. Así que para tener unos días de vacaciones Heiko y Tommy se lastiman, se hacen cosas que parecen muy, pero muy dolorosas para que les den justificantes médicos y quedar libres por lo menos unos días del trabajo. Aunque ellos lo que quieren es irse a Australia, en donde puede hacerse lo que sea según dice Tommy.

No sabemos exactamente que edad tiene el par de amigos. Ya trabajan pero Heiko aún es virgen. Hasta que conoce a Beate. Pero son mayores de edad porque a Tommy lo mandan a la cárcel, no a la correccional, por quemar una bandera. De ahí regresa violento y nazificado y se coge a Beate. Heiko los ve y llora desconsolado. 

Heiko en cuestiones de raza es de lo más alivianado, puede escuchar a su madre coger con un negro toda la noche y saludar amablemente al negro a la mañana siguiente. Esto es importante por lo que viene después.

A pesar de que Tommy se cogió a su novia, y en un momento dado Heiko cree que se dió a su mamá también, siguen siendo amigos y son atrapados intentando cruzar la frontera, para irse a Australia, y acaban en la cárcel.

Aquí viene una primera revelación y es que cualquiera pensaría que Tommy es un mal amigo, y Beate una mala novia. Pero en la cárcel vemos que Tommy sí es un buen amigo que se arriesga por Heiko. Y Beate sí quiere a Heiko, lo extraña y lo va a visitar. Lo de la infidelidad de Tommy y Beate frente a la realidad de la cárcel se ve como una cosa sin importancia.

Heiko acaba juntándose con los nazis, a los que detestaba. Vemos que no tenía opción, ya lo habían violado, lo habían metido a un calabozo donde se estaba volviendo loco y necesitaba un grupo de apoyo. Tommy escapa de prisión.

Y entonces viene otro cambio, que nos hace ver al violento neonazi Tommy como un corderito. Resulta que tras la caída del muro de Berlín, Heiko sale de prisión pero como un neonazi realmente duro, muy ideologizado y violento. Ahora junto a él Tommy parece un pacifista. Heiko a vuelto a ver a Beate y quiere que los tres salgan juntos a divertirse pero Beate ahora rechaza a Heiko por nazi.

La parte más dura de Heiko se rebela cuando en un ataque de su grupo de neonazis a unos como anarquistas punks, una niña, que era su vecina, y de Tommy, acaba muerta. Heiko ni se inmuta, dice que ella se lo merece por juntarse con esa gente.

Después, el líder neonazi, Friedhelm, le ordena a Heiko matar a Tommy. Resulta que en la cárcel, Tommy, para ayudar a Heiko, aceptó ser unformante de la Stasi, el servicio de seguridad de la Alemania comunista. Y debía decirles todo sobre Friedhelm. Tras el fin de la Alemania oriental, la comunista, todos los archivos de la Stasi salieron a la luz y Friedhelm se entera de la traición de Tommy.

Al final Heiko no se atreve a jalar el gatillo pero otros neonazis matan a Tommy y Heiko ahora llora desconsolado con el cadaver de su amigo entre sus brazos.

En la última toma vemos a Heiko caminando ya despojado de su apariencia neonazi y se que nuevamente para él los buenos y los malos han cambiado. Como antes cambió con respecto a Beate y Tommy, o hacia el violento asesino con quien compartió celda, que resultó ser un buen tipo de quien se hizo amigo. O con el preso que primero lo salvó de una violación sólo para violarlo él mismo después.

Tal vez ahora sí llegará a Australia.

Rashomon en la vecindad

 

Con una estructura tipo Pulp Fiction de historias engarzadas, El Callejón de los Milagros (Jorge Fons 95) presenta a partir de un juego de dominó en una mesa de cantina, diferentes personjes e historias anudadas como después lo hará Amores Perros y como lo hizo en 1950 el director japonés Akira Kurosawa en Rashomon. Aunque en ese caso las historias no son exactamente iguales pues los narradores mienten y no se sabe quién dice la verdad. De cualquier modo a esa estrategia narrativa se le conoce como "Efecto Rashomon".

Entonces en El Callejón de los Milagros empezamos con Rutilio, dueño de una decadente cantina en el centro de la Ciudad de México y a quien ya no le gusta coger con su esposa y prefiere a los jovencitos. Cuando su hijo, Chava, se madrea al Jimmy, el amante del papá, es cuando realmente arranca la historia central de la película que es la relación entre Alma y Abel. Tan es así que la homosexualidad de Rutilio, cuya esposa califica en un principio como una tragedia, deja de importar. La esposa sigue con Rutilio como si nada, igual que sus amigos; el Jimmy desaparece y no volvemos a saber de las pasiones homoeróticas del cantinero. Lo que ya está muy exagerado es que el hijo que estaba tan en contra de la homosexualidad del padre y que tiene que irse a Estados Unidos huyendo de la furia del papá, y también porque no sabe que pasó con el Jimmy, si lo dejó vivo o muerto, pues le pone a su hijo Rutilio, y regresa tan campante al final a ver al papá como si nada hubiera pasado.

Pero bueno, eso era el pretexto para que veamos que Abel, el enamorado de Almita es tan fiel, noble y buen amigo, que interrumpe la pachequiza que se está poniendo con ella, que por fin le está haciendo caso, parece que ahora sí se le va a hacer a Abel después de tanto tiempo, cuando llega Chava, le dice que se vaya con él al gabacho y Abel se va.

¿Entonces no la amaba?

Sí pero Chava le hizo ver una cosa: Para andar con ella "en serio" necesitaba más dinero.

Porque Alma es como una mercancía en aparador. De hecho por andar viendo los aparadores de joyas del negocio de Don Fidel acaba siendo comprada. En una situación de cazadora cazada don Fidel le regala unos aretes "de Pakistán" y va con la Chata, la mamá de Alma, a pedirle que le de a su hija como esposa.

Aquí la película deja ver su origen, una historia del egipcio Naguib Mahfouz, pues algo así quizá podría suceder en El Cairo en los años cuarentas, en donde se sitúa la historia original. Los matrimonios forzados, incluso de niñas, son algo que sucede en comunidades marginadas de México, pero ya parece que una chilanga de los noventas se va a casar con un viejo sólo porque su mamá se lo ordena. Eso y el detalle de que las joyas que regala Don Fidel son de Pakistán le dan un aire oriental a la historia.

Alma quiere perder la virginidad y para eso Abel resulta demasiado ñoño, lo que a Alma no le gusta. Además ella, y su mamá, quieren dinero. Parece que a Alma le conmueve el enamoramiento de Abel pero no es que ella lo ame. Al menos no tanto como para llevarle la contraria a la mamá cuando le dice con quien casarse.

Don Fidel se muere antes de la boda y entonces llega el fresa del mal Jose Luis que un día ve a Alma parada en la calle con su amiga Maru y se la acaba llevando.

No podía ser un fresa del bien porque si un wey del barrio está enamorado de una mujer, el fresa sólo puede quererla como prostituta. Llamémosle el "Efecto Peña Nieto" el Presidente que según la imaginación popular sacó a su esposa de un catálogo de prostitutas. Se nota que demasiados weyes caritas y con varo le han bajado la vieja a tantos mexicanos que el inconsiente nacional prefiere suponerlos malvados a todos. Y quiere vengarse aunque sea a través de interpósitas personas.

Y no habrá milagro que cambie el destino de Alma y Abel porque en este callejón de los milagros lo único milagroso es el dinero: Abel realmente nunca tuvo una oportunidad, pues no había sistema de apartado para Alma, a la solterona Susanita el dinero la lleva al amor. Ella misma lo dice: gracias a que le prestó dinero a Chava, este estuvo dispuesto a hacerle "el favor" y eso, dice ella, le abrió la puerta del amor. Aunque ese fue sólo un primer pago, luego tuvo que darle más a Güicho que se casó con ella. La relación de Rutilio con el Jimmy parece la típica de sugar daddy con chavito sin lana y además, cuando Alma desaparece hasta la mamá parece tomarlo con calma, no como si hubiera perdido a una hija, más bien como si le hubieran robado una cosa. Una que el pobretón de Abel le estaba "mosqueando". Eso dice la mamá, la Chata, que Abel era como una mosca sobrevolando el producto a la venta.

Maru la amiga de Alma, y después Chava, saben donde está ella y no le dicen a la mamá. Como si la Chata no pareciera tan angustiada como para decirle donde está su hija. O como si no tuviera caso pues como ella ya no iba a poder ofrecer a Alma a algún viejo billetudo pues ya ni importancia tenía.

Es muy notorio este desinterés, tanto así que Abel al enterarse de la desaparición de su prometida pregunta porque no la están buscando, porque están todos tan tranquilos.

Me parece que El Callejón de los Milagros es en el fondo una historia anacrónica aunque traiga ropajes nuevos, como vieja que quiere engañar vistiéndose a la moda. Lo de moda es por supuesto el efecto Rashoman que Quentin Tarantino acababa de poner de moda cuando salió por primera vez El Callejón de los Milaros. También la tolerancia en el callejón con la homosexualidad de Rutilo. La primera reacción del hijo y la esposa es muy negativa pero luego se les pasa. Además un policía comenta que su esposa le fue infiel con desinterés como de swinger. Y se fuma mariguana, algo todavía con aire liberador en los noventas.

Pero tenemos una protagonista que parece no tener capacidad de decisión, hace lo que le dicen. Nadie estudia, Alma y Maru como que deberían ir a la prepa o algo así pero su educación no es tema. Y aunque el centro de la Ciudad de México es un lugar que parece atrapado en el pasado ni ahí ni en otra zona de la ciudad se podría encontrar en los años noventas un burdel como el del proxeneta Jose Luis, como de principios del siglo pasado. Los burdeles con pianista han de haber desaparecido con Agustín Lara décadas antes.

Agreguésele la música y la dirección de arte tan apolilladas. En México si estamos atrasados, pero tampoco tanto.

 

Respeto y crimen

Sangre por Sangre (Taylor Hackford 93) es un clásico del cine chicano que prsenta la historia de tres jóvenes chicanos emparentados entre ellos. Paco y Cruz son de la pandilla de los vatos locos y el primo milkweed quiere ser vato loco también. Pero milkweed es hijo de mexicana y americano y salió de piel blanca (fluorescente dice su primo Paco) y es rubio de ojo azul. Entonces para ser de la pandilla debe atacar a los de la pandilla de los tres puntos. Porque los tres puntos grafitearon una pared de los vatos locos lo que es una falta de respeto.

Al final de cuentas la violencia desencadenada por dicha falta de respeto termina con un muerto, Cruz con una lesión en la espalda cuyos dolores lo llevan a la heroína, Paco debe meterse a los marines, cosa que no quería, para evitar la prisión y milkweed acaba en la cárcel de San Quintín. Ah pero los vatos locos lo acaban aceptando.

Sólo que ya en la cárcel Miklo, que es el verdadero nombre de milkweed, entra a un grupo criminal más pesado, "la onda", en donde le enseñan que lo único que importa en la vida es el respeto y que hay que estar dispuesto a morir por él.

Sangre por Sangre como que quiere presentarse como la historia de los encuentros y desencuentros entre Paco, Cruz y Miklo a lo largo de los años pero en realidad este último es el personaje principal, los otros dos tienen un protagonismo mucho menor.

También la película quiere vendernos la hermandad de los vatos locos, cuyo lema es "vatos locos forever" y la unidad de la familia latina pero lo que vemos no es muy familiar. Por un lado los personajes hablan mucho de la familia pero apenas al arranque de la historia Miklo se pelea a golpes con su papá y no sabemos que pasa con su mamá desde que entra a San Quintín, pasa ahí nueve años y sale sólo para regresar muy poco después.

¿Y la hermandad? Al final nos enteramos que al líder de la onda lo mandó matar otro de la onda, en realidad se matan, se roban, se traicionan y se hacen de todo entre ellos.

Ah pero los vatos locos se pelean pero se reconcilian, después de años Cruz y Paco se vuelven a hablar y Cruz convence a Paco de perdonar a Miklo, que ya perdonó a Paco que le dio dos balazos que le costaron una pierna. Así que es de suponerse que Paco aceptará la oferta de cooperar con Miklo, que ahora es el líder de la onda y entro al negocio de las drogas. Y como Paco acabó de detective de Los Angeles dice Miklo que pueden apoyarse mucho uno a otro.

No pos sí, esas sí son amistades.

En realidad la película cuenta la historia de como milkweed pasó de no ser aceptado en una pandilla callejera de chicanos a ser el líder de una pandilla carcelaria chicana, que está lista para entrar en grande al negocio de las drogas.

Lo de la hermandad, la raza y la familia es puro rollo que sueltan los personajes. Pero sorprende como se pretende que el final feliz de Miklo es que su compañero de celda, el "magic", le jure fidelidad como líder de la onda. Estando en una celda en donde ni siquiera pueden estirar los brazos de lo angosta que es. Y de donde Miklo difícilmente va a salir pues cuando le dieron la libertad condicional no soportó un trabajo y unas condiciones que sólo iban a durar tres meses. Ah pero no lo respetaban así que intentó un asalto.

En sangre por sangre la vida y la libertad nada valen lo único es el enfermizo respeto.

Mirada de demonio

 El Fantasma del Convento (Fernando De Fuentes 1934) es una película con un título engañoso pues no se trata de un fantasma esctrictamente hablando. En todo caso es un convento fantasmal y de cualquier modo la historia es más de momias y del demonio (le dicen "el mal") que de fantasmas.

Aunque podrían haber guardado la sorpresa para el final, desde un principio la película misma hace el spoiler de que todo va a suceder en un convento abandonado en donde no vive nadie. Por eso y varias otras pistas muy claras sabemos que los monjes de ahí están muertos. El final está más que cantado, pero supongo que tuvieron que elegir entre crear una atmósfera, que esa sí está muy bien lograda; es una atmósfera como de... convento de monjes muertos... y si pareciera convento de vivos para luego dar la sorpresa pues no sería lo mismo.

Pero el meollo de la trama es el sexo, que los monjes apenas y se atreven a mencionar, pero no hay que culparlos: Uno de los monjes sucumbió a la tentación de la carne, antes de meterse de monje, de hecho se enclaustró con estos monjes "del silencio" para expiar su pecado. Pero a pesar de su conducta ejemplar se lo llevó el demonio y los monjes llevan siglos, sí, siglos, rezando por él pero satanás no lo suelta.

Aparte de que todos los monjes están muertos hay otra cosa que queda muy clara en esta historia: El demonio es una mujer, joven y atractiva. Lo sabemos pues exactamente lo mismo que le pasó a Fray Rodrigo, el monje cuya alma se llevó el demonio, está a punto de sucederle a Alfonso, uno de los tres que llegaron al convento, además de él, Eduardo y Cristina, un matrimonio. Eduardo y Alfonso son mejores amigos pero Cristina y Alfonso se desean mutuamente.

Y Cristina se le está ofreciendo descaradamente a Alfonso. Por suerte para él la luz de la mañana regresa todo a la normalidad, a tiempo para salvarlo.

Alfonso en la tenebrosa noche le dijo a su amigo Eduardo que su esposa estaba rara, como endemoniada. Y Cristina ya al día siguiente dice que en la noche se sintió rara. Pero es demasiado tarde, ya nos dimos cuenta que El Fantasma del Convento quiere convencernos de que las mujeres son demonios.

Sangre y Tierra

Los Niños del Maíz (Fritz Kiersch 84) un clásico del folk horror nos presenta una deidad que surge como por debajo de la iglesia protestante. En el pueblo de Gatlin, Nebraska, la iglesia (protestante) anuncia un sermón acerca del Maíz y Dios. Gatlin es una isla en un mar de maíz y hasta hay una pareja de navegantes cuyo automóvil encallará en Gatlin. No serán devorados por sirenas pero los niños del lugar los querrán crucificar por fuereños. 

Tal y como está escrito en los mandamientos del horror, a la pareja, Vicky y Burt, les advierten en una gasolinería decrépita que no se paren en Gatlin, que ahí no les gusta la gente de fuera, pero, como también es de ley, el hombre, Burt, no hace caso.

Hay otra señal interesante: Al igual que en Masacre en Texas, desde antes de llegar a la gasolinería/portal del infierno, los viajantes de la carretera vienen oyendo señales ominosas por el radio. En este caso no pueden sintonizar otra cosa que no sean predicadores fanáticos. A la lista de gente que se irá al infierno según el predicador: homosexuales, fornicadores y usuarios de droga, Burt y Vicky burlonamente le agregan a los graduados de la Universidad y a los que ven la televisión pública, es decir la televisión educativa. Dando a entender quienes no escuchan a esos predicadores. Y por cierto otra similitud con Masacre en Texas es el tema de la gasolina. En Gatlin todos los adultos son asesinados, excepto el de la gasolinería, al menos al principio. 

Si en la mitología americana la carretera es el lugar de búsqueda o perdición espiritual, la peregrinación para encontrarse a uno mismo o el camino al infierno, la radio era antes del internet lo que avisaba lo que venía adelante.

En Gatlin está el predicador de un ente relacionado con el maíz. Pero también con el cristianismo, del que toma las crucifixiones y la iglesia del lugar. Además del estilo bíblico del predicador que era un predicador cristiano. Como sabemos en México, los dioses del maíz no son nada nuevo. Este ente es una típica deidad de sociedades agrícolas, de las que dicen "¿Quieres ayuda con tu cosecha? pues sacrifícame unos humanos." Y viene de la tierra es "El que camina detrás del surco". Como si los fieles de Gatlin de tanto rezar por las lluvias (De la sequía sólo queda el anuncio del sermón sobre Dios y el maíz pero en el cuento original de Stephen King se habla más al respecto) hubieran despertado una deidad primitiva. 

Pero lo que me resulta más interesante del ente "Que camina detrás del surco" es que es un Dios de sangre y tierra. Dice uno de los líderes de la secta que es un Dios de sangre y sacrificios, y pide sacrificios pero además no acepta a los de afuera, como Burt y Vicky, lo que lleva a pensar en otro significado de sangre, significado que suele ir unido a la tierra. Los principios "sangre y tierra" en inglés se refieren a posturas políticas extremistas, como el nazismo, que enfatizan lo que en México llamaríamos la raza y el territorio (o tierra).

Y no hay duda de que "el que camina detrás del surco" está relacionado con la tierra, de hecho se le ve como tierra que se levanta y se mueve, además su maizal es sagrado y la tierra donde hacen las crucifixiones igual.

Todo esto hace pensar en el radicalismo que hay actualmente en Estados Unidos. En especial el de derecha. Un radicalismo racista, sectario, uno de cuyos líderes más populares, Charlie Kirk, dijo una vez que si era por el derecho "sagrado" (¡Sagrado, no mamar!) a tener armas podía aceptarse que hubieran víctimas inocentes, que eran como sacrificios por este sagrado derecho.

¿Y cómo empezó a difundirse este radicalismo político encarnado ahora en el trumpismo? Claro, siempre ha existido, ¿pero como fue que creció tanto que acabó cooptando al partido republicano? Según leí en algún lado fue por la radio digital en los noventas que empezó a crecer. Y como es bien sabido las comunidades más trumpistas son las rurales y las de fundamentalistas cristianos.