Cazadores malos/hervíboros buenos

Aunque en El Imperio de los Conejos (Seyfettin Tokmak 2024) aparecen perros veloces que persiguen a ágiles conejos en cacerías en la campiña turca, eso es lo único ágil de esta película que es más bien lenta. Tanto como los alumnos de la escuela en algún apartado lugar de Turquía cuando fingen estar lisiados para que así el gobierno les de dinero a ellos y al director de la escuela.

Esta película en la que por alguna extraña razón participa una productora mexicana, Mandarina Cine, y la cinefotógrafa Claudia Becerril Bulos, lo cual es seguramente la razón por la que El Imperio de los Conejos se presentó en el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara, presenta a los cazadores así lo sean indirectamente a través de sus perros, como lo piorcito. Igual que en El Rastro, la película de Agnieska Holland de la que escribí hace poco. De hecho Muzaffer, el cruel organizador de las cacerías es también el corrupto director de la escuela donde obliga a los alumnos a fingir que son lisiados. Pero Mussa, el protagonista, se escapa con la hija de Muzaffer y sus conejos, porque ellos aman a los conejos y colorín colorado. La anécdota es demasiado breve para una película de hora y media y por eso se va lenta casi como cine mexicano contemplativo. No tanto por supuesto, las películas mexicanas pueden ser muy extremas en eso. Pero lento.

Y no entiendo porqué si aquí el amigo Muzaffer, el macho alfa es tan malo, porque dice Mussa que sus conejos son un imperio con todo y conejo alfa emperador. Debería ser una comuna de conejos o una cooperativa. Mínimo una república conejil que practicara la equidad de género ¿Qué es esto? ¿fascismo de los hervíboros?

Todo mal.

Mamá, mamá, perdí el dinero de la renta

No, gracias, ya no fumo (Diego Toussaint 2025) película que se presentó en la Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2025 tiene un aire como a nueva ola francesa, empezando por el jazz de fondo, y se escucha de Sartre y Simone de Beauvoir. Y eso le da un aire a viejo, parece desactualizada. 

La historia presenta una especie de bohemia francesa pero en Guadalajara con todo y un personaje de joven mujer pintora. No la principal pero su amiga. Y el tema de los cigarros y la cigarrera como si las mujeres que fuman siguieran siendo algo desafiante. Nuria, la protagonista descubre que una cigarrera que supuestamente era del abuelo en realidad era de la mamá y entonces eso simboliza que hay algo en común entre ellas que Nuria ignoraba. Sólo faltó que la cigarrera estuviera llena de Gauloises y que junto a la cigarrera le descubriera a la mamá una minifalda.

Pero una mujer cuyo obscuro secreto es que fumaba es como del tiempo de mi bisabuelita q.e.p.d.

Y ni siquiera hay un toque sexual en la película como en una buena película de la "nouvelle vague". La protagonista tiene un wey con quien al parecer tiene una relación fría e indiferente. Eso sí, vive con dos amigas lesbianas y ella tiene una historia anterior con una mujer. Pero no hay pasión ni romance realmente, la única relación importante es la de la protagonista con su mamá porque no tiene para la renta y acaba regresando a vivir con ella. ¡Uy pero la mamá fumaba!

Aunque es una historia bien contada siento que no aporta al viejo tema de los jóvenes adultos que viven con roomies y no tienen dinero y no saben que hacer de su vida. Lo único sería que la historia sucede en Guadalajara.

Los sentimientos y la estrella de la muerte

Para este análisis de la película original de la Guerra de las Galaxias, que originalmente no era la cuarta parte de nada y no se llamaba "Una Nueva Esperanza", voy a usar únicamente lo que está en la película, sin tomar en cuenta otras películas, series o historias de la franquicia, pues para empezar, aunque algunas cosas de la "saga" fueran parte de la idea original, y sólo me interesa analizar aquí la idea original, es obvio que muchas otras cosas no lo eran. Inclusive hay muchas contradicciones, basta ver las declaraciones de George Lucas acerca de sus intenciones al crear estar guars para ver que estas van cambiando y se contradicen.

Se sabe que el guion de la película está estructurado a partir del análisis de Joseph Campbell de los mitos clásicos de héroes. Y lo mismo hizo Lucas con Rango, otro guion suyo.

Pero tampoco voy a escribir de eso.

Como recientemente vi Dune, me he dado cuenta de la relación entre ambas historias, algo que muchos han notado antes y de lo que he leído pero aún así me sorprendió ver tan claros guiños a Dune en Star Wars. Incluidos un par de referencias a la especia. Al arranque de la película C3PO le dice a R2D2 que los del imperio los van a mandar a las minas de la especia y más adelante Ben Kenobi le dice a Luke que no es cierto que su papá trabajaba en una nave carguera de la especia como le había dicho su tio. ¿Y cómo no pensar en los gusanos gigantes de Arrakis al ver el esqueleto de lo que parece una serpiente gigante en las dunas de Tatooine?

Las semejanzas entre ambas historias son muchas más, y más profundas, pero tampoco me quiero meter en eso. Esto se trata de la película original de Star Wars y nada más.

Lo que veo son dos cosas enfrentadas y cada una a su vez con sus contradicciones internas.

Por un lado está la tecnología humanizada y sus humanos robotizados y por otro la fuerza y sus lados bueno y malo.

También hay una contradicción política con una princesa/senadora, Leia, que era senadora en Alderaan, como si se tratara de una república pero monárquica. Esta contradicción sin embargo no afecta la trama de la película.

Entonces la pelea principal es entre la estrella de la muerte y la fuerza. Darth Vader dice que ni el poder de destruir planetas de esta estrella de la muerte es tan grande como la fuerza, pero vemos que él está subordinado al gobernador Tarkin, el burócrata mandamás en dicha estrella.

Entonces tenemos el poder tecnológico de la máquina y de la maquinaria burocrática que se enfrenta con la fuerza, con su lado luminoso porque su lado oscuro está a sus órdenes.

Pero así como la fuerza tiene un lado oscuro y débil, subordinado, la tecnología también tiene sus debilidades y así como se dice que el punto débil de la ciberseguridad suele ser el factor humano aquí la debilidad tecnológica queda representada por un robot humanizado, el quejumbroso C3PO que tiene su equivalente en la estrella de la muerte y su punto débil que hace que esta acabe explotando. Junto con Tarkin que se niega a evacuar a pesar de que le advierten que corre peligro.

El confía en su estación espacial pero esta es vulnerable a naves pequeñas, un error de diseño, de esos que suelen ser humanos. "La estación de combate está fuertemente resguardada y tiene más poder de fuego que la mitad de la flota imperial. Sus defensas están diseñadas contra un ataque directo a gran escala. Una nave pequeña puede penetrar la defensa externa." Explica un general rebelde.

¿Y qué es la fuerza? Lo que vemos es que es algo que se siente. Así que para efectos prácticos son los sentimientos. Y los sentimientos es lo único que no tienen las máquinas aunque puedan fingirlos.

Y al final Luke, para acabar con la máquina más poderosa de todas, lo que hace es apagar su computadora. Un piloto antes de él usa su sistema para disparar por computadora y su tiro falla. 

Luke apaga la computadora y gana, Tarkin desconfía de la gente que le pide escapar, confía en la máquina y muere.

En la rebelión también hay un lado burocrático y una burocracia es una organización tipo máquina de las personas. Curiosamente el personal en la base rebelde tiene exactamente el mismo tipo de casco que el de la estrella de la muerte, lo único que cambia es el color. Pero al final los rebeldes uniformados, homogeneizados y burocratizados rinden pleitesía y homenaje a los muy individuales Luke, Han, Leia y Chewbacca.

Temporada de Cazadores

A "El Rastro", película de la directora polaca Agnieszka Holland codirigida con su hija Kasia Adamik, que se llevó un oso de plata en el festival de Berlín de 2017, hay que reconocerle el valor de expresar los verdaderos sentimientos de animalistas y veganos radicales: Les gustaría matar a los cazadores y a los que explotan animales de cualquier forma y los hacen sufrir. Y que ardieran las iglesias en donde digan que Dios les dio los animales a los hombres para hacer con ellos lo que quieran y además que los animales no tienen alma.

Pero la película se pasa de difusa: Aparte de los animales y la cacería de cazadores se habla de astrología, se mete el debate entre el determinismo y el libre albedrío y a William Blake y al espíritu revolucionario de los sesentas y todo esto y más con un exceso de personajes. Además el idioma no ayuda al público mexicano. Que si mataron a Kwzwyk o a Wzyky o Zwykw y a uno ya se le olvidó cuál era cuál y encima la narración utiliza muchos flashbacks lo que acaba siendo confuso.

Como El Rastro (que por cierto este título es una traducción del título de la película en inglés que no tiene nada que ver con el nombre de la película en polaco) se presentó en la inauguración de la cuarta Semana de Cine Polaco en México, edición dedicada a Agnieska Holland, había público polaco en la sala que se reía de cosas que los mexicanos no captábamos. Un personaje dice que su verdadero nombre es Swietopelk y los personajes en la película y el público polaco en la sala muertos de risa y los mexicanos con cara de what?. Como si fuera un albur en polaco o algo así.

La historia tiene algunos personajes muy acartonados como el nerd/hacker tímido y débil pero bueno. Por favor ahora los nerds controlan el mundo y son unos ojetes, basta ver a los que controlan las compañías tecnológicas.

Y luego está el extravagante entomólogo, o sea experto en insectos. Hace que la protagonista Janina, que odia que le digan Janina y nunca se explica por qué, acabe llorando también por los insectos.

Y los cazadores son tan pero tan malos que son mafiosos, corruptos, borrachos, golpean mujeres, tienen un burdel y controlan a la policía.

Al final la historia le acaba dando la razón al policía que le dice a Janina que le recuerda a su abuela que tiene siete gatos y también alimenta a los gatos callejeros y que es como ella una mujer mayor que vive sola insinuando que la soledad es la causa de su radicalismo animalista. De hecho Janina dice que sus perras son su familia. Y el final feliz consiste en que ella acaba formando una familia con otros amantes de los animales, todos víctimas de un modo u otro, que le ayudan a escapar cuando se descubre que ha estado matando cazadores. Y en esa nueva familia seguro nadie le dice Janina. Nueva familia y nueva identidad.

En la vida real mucha gente quisiera matar a los cazadores. A la película se le acusó de defender el eco- terrorismo y la Holland dijo que que bueno que la acusaran de eso. A mi por cierto me encantaría que los pájaros, como sucede en  El Rastro, les echaran colillas y quemaran las iglesias donde digan que los animales no tienen alma.

La Semana de Cine Polaco se presenta hasta el 1 de Junio en la Cineteca Nacional con películas de Agnieska Hollando como El Rastro, Actores de Provincia, Frontera Verde, Mr. Jones, Charlatán, Fiebre y Una Luz en la Oscuridad.

El adolescente en la tubería

El tema central de Adolescencia es el encierro físico y mental. No es una historia policiaca o detectivesca, un whodunnit o sea un ¿quiénlohizo? pues todo empieza cuando agarran al asesino. Es en todo caso más un ¿porquélohizo? Pero eso es algo que también se revela en el primer capítulo y a pesar que se dice que la serie es una denuncia contra la "manosphere", los tipos en internet que se presentan como gurús de la hombría, como el archicélebre Andrew Tate, en realidad el tema sólo se menciona como de pasada.

Aunque quedan claras las cosas concretas, los actos, por los que Jamie mató a Katie no se dan más explicaciones de porqué lo hizo. Pero eso parece deliberado: La policía busca el motivo del crimen, hay un capítulo completo dedicado a una entrevista entre Jamie y una sicóloga. La familia de Jamie tampoco entiende nada. Y la historia ocupa bastante tiempo en hacerle ver al espectador que era una buena familia.

Es como si deliberadamente dijeran que mató a su compañera porque se burló de él y ya. No hay más explicación. Esto contribuye a centrar el conflicto: Por un lado se trata del papá y su negativa a aceptar que su hijo es un asesino. Aún después de ver el video que lo prueba. El video que vemos los espectadores no es concluyente pero al final el papá, que lo vio completo, acepta que comprueba la culpabilidad de su vástago.

El hecho de que el crimen parezca irracional, inexplicable, nos coloca del lado del padre: No parece que Jamie sea un asesino pero sí lo es y el papá vio el video y sin embargo no lo puede aceptar hasta que el hijo le dice que se declarará culpable.

¡Fake news! gritó el adolescente y el crédulo padre decidió no creerle a sus ojos y a lo que en el fondo sabía. Al final, ante una realidad que los golpea, el padre fontanero, su esposa y su hija deciden ya no salir, encerrarse en la casa. Esto justo después de que los padres comentaron que ellos creían que el que Jamie nunca saliera de casa les parecía muy bien pues así estaba seguro. No podía sucederle nada malo encerrado en su cuarto. Y la personalidad de Jamie al parecer era como sus hábitos: Tímido, malo para los deportes, introvertido pero tenía explosiones de furia. Y se la pasaba en su cuarto pero en una de esas veces que salió la cosa explotó.

Y el encierro era doble: En su cuarto y también en la escuela, la que el detective dice que le recuerda un lugar de detención. Lo que en México llamaríamos los separos, el lugar donde te encierra la policía.

Jamie acabará más encerrado y ahora su familia tampoco quiere salir. Como debe saber el papá, pues dice su hijo que gana dinero principalmente de las emergencias de plomería, acumular presión puede ser contraproducente.

De hecho puede verse en toda la serie un tema como de tuberías y presiones. Empezando por los planos secuencia que es como meter toda la historia en cuatro tubos/capítulos. En el primer capítulo vemos un tubo burocrático: desde que detienen a Jamie hasta que le presentan las fotos y el video lo fueron detectando a su paso por la tubería vial.

El segundo capítulo es la escuela que al detective le recuerda un centro de detención. Ahí se intenta que la adolescencia pase por un sistema de salones y pasillos, en los exteriores pasan entre barandales metálicos, como si fuera una masa alocada que quiere ver a Bad Bunny mientras los de seguridad intentan desesperadamente que pasen por las vallas sin dar portazo.

En el tercer capítulo el laberinto es la entrevista con la sicóloga, que debe sacar información sin presionar demasiado o ser demasiado directa. Tratando de guiar las palabras de Jamie sin que explote. Dándole queso al ratón (chocolate con malvaviscos) para que avance hacia la trampa. Cerrando un camino por aquí y abriendo otro por acá encamina la plática hacia el tema de la sexualidad, como buscando fugas de la masturbación. La mujer policía dice que la escuela huele a masturbación y la sicóloga quiere saber que ha salido de la tubería masturbatoria. Así hasta que el adolescente suelta la sopa. Como si el famoso dicho "sigue el dinero" para saber quién es el culpable que suele ser el que se benefició económicamente en el caso de adolescentes se transforme en "sigue el sexo".

Y finalmente está la familia que harta de la mirada ajena se siente atacada hasta por el que quiere apoyarlos. Sin escape, tratan de "resolver el día" sin ver más allá y sólo les queda el encierro y el pasado.

La Sirena de Pátzcuaro

Un Cuento de Pescadores (Edgar Nito 2024) nos presenta a la miringüa, una rubia deslumbrante que como la sirena de los mitos es la perdición de los navegantes. basada en un mito vivo de la zona del lago de Pátzcuaro,Michoacán, la miringüa, que en purépecha quiere decir olvido se le aparece a la gente y provoca que las personas se olviden de si mismas. lo que suele ser mortal.

El mito dice que es muy blanca ¿Cómo cadáver quizá? el caso es que en la película es rubia como monstruo escandinavo y llega a contaminar el lago con su maldad.

Esta fuereña sin embargo tiene una especie de avatar, una chava morena en la que se desdobla y con la que tiene una escena de pasión lésbica.

El lesbianismo también está presente en la historia de otras dos de las protagonistas de esta historia coral que se despliega en múltiples personajes. Demasiados según yo, lo que inclusive llega a confundir un poco. Y como además la fotografía, que es extraordinaria pero que es obscura para crear el ambiente obviamente, pero que  hace que uno, bueno yo por lo menos empiece con ¿Y la chava a la que le dan el machetazo cuál es? ¿Pero porqué no está vendada? ¿No es esa? ¿Pero porqué se odian esas dos? etc.

Creo que cuento de pescadores a pesar de haberse estrenado en el festival de Sitges especializado en fantasía y terror es más bien una película de arte que de terror en sí pues su atractivo está en la foto, el atmósfera que es más de misterio que de terror, las actuaciones, la dirección que tiene muy buenos momentos como en la escena del "baile de los viejitos" que está genial y eso que a mi jamás me han interesado esos bailes.

Pero el terror está diluido, no hay jump scares, es más como un elemento del ambiente. Pero eso no está mal.

Realmente lo único que le critico es la historia dispersa que le quita tensión. Podrían haber profundizado en las lesbianas. Con quienes empieza la historia cuando beben botellas cuyo licor se empalma con el agua del lago. Por poner un ejemplo.

Las laberínticas minas digitales de la soledad

En la película de Minecraft la soledad azota a los principales personajes. Empezando por Steve (Jack Black) representante de un jugador genérico e intercambiable del juego. Y Steve apesta según se nos dice en diferentes ocasiones, además no se cambia de ropa ¿Será que no se baña y descuida su presentación personal por no dejar de jugar?

Steve trabajaba vendiendo perillas y manijas para puertas y sentía que había perdido su alma en ese trabajo pero un día encuentra la perilla de la puerta del mundo de minecraft. Ahí se divierte mucho construyendo cosas pero se siente sólo. Hasta que encuentra a un perro. Perdón a un lobo. Y entonces ya vive feliz.

Pero, como si el mundo de minecraft fuera una droga Steve acaba cayendo en el lado obscuro, prisionero de una mujer que como síndrome de abstinencia lo esclaviza. A Malgosha sólo le interesa el dinero y comanda un ejército de zombicerdos, o cerdos que sin su dosis se vuelven zombis.

Al rescate de Steve llegan otros solitarios: Un chavo de secundaria y su hermana cuya madre acaba de morir (el padre ni se menciona) y que acaban de llegar a vivir a un pueblo nuevo y él debe ir por lo tanto a una escuela nueva. La hermana le da una pizza de papa para que reparta rebanadas y haga amigos pero Henry acaba siendo buleado.

Sin embargo conoce a Charly Monttana. Es decir a Garrett (Jason Momoa) que es como lo que los de Moderatto quisieran ser, un personaje digno de Spinal Tap, un glam metalero "bilingüe" que cree que habla español y cuyo instrumento no es una guitarra o un micrófono sino un juego "de maquinita" gracias al que se volvió gamer del año. En 1989. Desafortunadamente para él, parece que fue teletransportado desde los 80´s pero sin dinero y sin amigos.  

Ellos tres y Dawn, la primera persona que Henry y su hermana conocen en el nuevo pueblo entran al mundo de minecraft por el mismo portal que Steve.

La película es divertida y al menos para mí - que no me puse a aventar palomitas y refresco cuando Steve grita ¡Chicken jockey! y tampoco rompí ningún asiento como estaba haciendo el respetable público adolescente en los cines - lo más divertido fue el personaje de Garrett "El hombre basura" quien , si se supone que fue gamer del año en 1989 podría ser papá de Henry, por lo menos, pero resulta que es una locota de chamarra rosa con flequillos rosas también. En una escena dice que él es mejor "hermana" de Henry y no queda claro si mejor que su verdadera hermana o que Steve.

La película está llena de humor homoerótico como cuando los personajes de Black y Momoa deben pasar muy apretaditos por un túnel. Y en general la cosa es como de locas desatadas entre Garrett y otros personajes como el general chungus, un cochinito en papel de perra superficial y descerebrada.

Y Marlene la subdirectora de la escuela de Henry, interpretada por Jennifer Coolidge, en su típico papel de mujer divorciada y desesperada por sexo. Ella le cuenta a Henry que el amor en su matrimonio había acabado hacía veinte años pero no se habían divorciado por los perros.

Al final, después de derrotar a la tirana Malgosha y sus zombicerdos todos regresan al mundo y ya son muy amigos y muy felices. Podrían ir al cine en bola y aventar todo al grito de ¡Chicken jockey! 

La banal inmensidad

Supongo que películas como La Inmensidad (Emanuele Crialese 2022) surgen cuando unos productores o en este caso el director convencen a alguien como Penélope Cruz de hacer una película. Y están muy contentos y si alguien dice "Oigan pero con todo el dinero que le ofrecimos a Penélope Cruz no nos va a alcanzar para nada más. Ni para el guionista." Y le han de decir ¡Bah el guionista! ¡Si tenemos a Penélope Cruz para que queremos un guionista! ¡Ja ja ja ja! ¡Un guionista dice! ¡Si tenemos una actriz inmensa! ¡Inmensa exactamente! Es más que la película se llame "La inmensidad". ¡Carajo, qué buena idea!

Y entonces le ponen a Penélope Cruz una familia: Un marido malo, pues se necesita un villano y si es hombre mejor. Dos hijas y un hijo pero que la hija mayor se identifique como hombre para estar a la moda.

Y ya está. la película es Penélope Cruz llorando, cantando, bailando etc. Le ponen diferentes situaciones para que veamos como interpreta todas las emociones. Así que en una de esas parece que se va a divorciar, después el marido embaraza a su secretaria. Hay fiestas, vacaciones, un incendio. Y está la hija a la que le gustan las chavas.

Pero todos los personajes acaban exactamente igual que como empezaron. Todo se trató de ver a Penélope Cruz como si necesitara muestras de su trabajo para llevar a los castings. Y el colmo es que Luana Giuliani que interpreta a su hija Adriana pero que dice que se llama Andrea actúa mucho mejor.

Si es usted fetichista de Penélope Cruz no se pierda La Inmensidad en la 77 Muestra Internacional de Cine de la cineteca

Nepotismo crítico

La película Armand: Una acusación peligrosa (Halfdan Ullman Tondel 2024) parece que llegó a la 77 muestra de la cineteca porque su director es nieto de Ingmar Bergman y Liv Ullman. Así lo dijo Nelson Carro director de programación de la cineteca. La película también se ganó un premio en Cannes pero la verdad es que es bastante malita.

Se trata de un niño de seis años que le pega a otro en la escuela y los papás de los niños deben ir a la escuela a hablar. Los espectadores nos quedamos dos horas encerrados en la escuela, como los papás. Para hacer la cosa más llevadera se deslizan posibles escándalos ¿Armand violó a Jon? ¡El niño de seis años violador! ¿El papá de Armand se suicidó? ¡Y la mamá de Jon era su hermana! Pero son claramente puros buscapies, distractores que no llevan a nada y a final de cuentas todo acaba en que Armand le dejó un rasguño en la cara a Jon.

Definitivamente este director no heredó el talento de su abuelo que se metía en grandes temas en sus películas: religiosos existencialistas, sicológicos. Esto realmente es el extremo opuesto. Creo que el caso de un director o directora que hereda su talento es bastante raro de hecho. El único caso que se me ocurre es el de francis Ford Coppola y su hija Sofia. Así que se me hace mala idea meter una película a la muestra porque el director es nieto de quiensabe quien.

Un perre víctime

En la película española Un Amor (Isabel Coixet 2023) un perre hermafrodite acaba con los competidores y queda como único dueño del corazón de la humana Nat.

La orgía de victimismo empieza con que Nat trabajaba en una oficina de atención a solicitantes de asilo víctimas de cualquier cantidad de cosas pero la verdadera víctima acaba siendo ella por oír a tantas víctimas. Hasta vemos como Nat es consolada por una mujer africana que solicitaba asilo.

Incapaz de aguantar más Nat huye y se va a vivir a un pueblo que no es más que un caserío según dice uno de los vecinos. Ahí Nat cae víctima del casero, hombre obvio, malo pero malo, grosero y violador. Pero él le regala al perre Seiso al que, o a la que, ni siquiera ha vacunado porque eso sería consentirlo/a. Y Seiso está lleno/a de cicatrices en la cara. Y en su alma seguramente también.

La casa que el macho opresor renta está llena de goteras que obvio él no va a arreglar pero un tal Andreas le ofrece a Nat arreglarlas a cambio de sexo. Nat se niega pero está lloviendo mucho así que acaba aceptando.

Consumado el mecánico y minimalista acto sexual Nat derrama una lágrima y entonces como que dice "de aquí soy" y empieza una relación con Andreas como para aprovechar la oportunidad de victimizarse.

Andreas quien ha de haber sufrido mucho pues no le interesa hablar ni nada que tenga que ver con emociones cuenta que su exesposa quería casa, vacaciones e hijos así que hay que imaginarse lo que sufrió con ella. Pero eso no es todo, un día Nat le cuenta como sufría por atender víctimas y Andreas se enfurece y le grita a Nat que su madre armenia y refugiada fue más víctima que nadie. Pero que no se quejó ni una vez.

Este gigantón sensibilito es una especie de shrek pero de plástico o cristal del fino. Otra cosa que lo hace enfurecer es que le cuenta a Nat que va a trabajar de topógrafo y ella le dice que no sabía que supiera de topografía así que se pone a gritar que si ella cree que sólo sabe arreglar goteras. En fin, el tipo es una herida en un mundo de jugo de limón. Y la relación aunque friísima acaba porque Andreas ya no puede, no lo soporta, no aguanta más.

Nat tiene otro pretendiente, un tipo que hace vitrales y es como un tipo sociable y normal así que ella lo acaba detestando. Y tiene una familia vecina, una pareja con dos hijas y buena situación económica. La casa de ellos es su casa de campo así que los ponen como súperdesagradables, amables pero insoportables. Al final el/la perre muerde en la cara a una de las niñas y la manda al hospital pero Seiso es la víctima porque, según Nat, la niña se metió a su casa.

Entonces Nat y Seiso se van del pueblo y el final es feliz porque se tienen une al otre y se irán muy lejos. A un pueblo en la playa seguramente no, que esos están llenos de gente según ha dicho Nat. De hecho después de la experiencia en ese pueblo quizá no quieran ir a otro y prefieran un lugar deshabitado. De otros humanos y otros perros.

Sí, el título parece referirse al amor de una mujer y su perre hermafrodite amigos.

Pueden ir a victimizarse y ver esta película en la 77 Muestra Internacional de Cine de la cineteca

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Un perro negro pinkfloydeano y callejero

Black Dog (Guan Hu 2024) es una gran película indie. Sólo que es china y no le pide nada al mejor cine americano o europeo. De hecho la historia sucede en un lugar, un pueblo en el desierto de Gobi que podría ser una locación desértica de Estados Unidos con un paisaje como de película de vaqueros.

El gran tema de Black Dog es la libertad simbolizada por las manadas de perros sin dueño que se supone hay en el pueblo de Chixia y sus alrededores desérticos. Y por Lang, que acaba de salir de prisión. Hay un perro especial negro y flaquísimo que las autoridades creen que tiene rabia pero lo que le sucede a Lang después de que este perro lo muerde es que ya no quiere que encierren a los perros.

Pero no quiero espoilerear Black Dog, sólo diré que el soundtrack es Pink Floy. Y la película no desmerece del soundtrack. Ahí nomás.

Black Dog se presenta en la 77 Muestra internacional de Cine de la cineteca

Coitus interruptus

Toxic (Saule Bliuvaite 2024) es una película lituana muy interesante sobre dos amigas adolescentes, Marija y Kristina que pasan el verano portándose mal, lo que resulta entretenido, y además quieren entrar a una agencia de modelos, que por lo que se ve en Toxic, siendo las lituanas rubias grandotas debe ser común que se vayan de modelos o edecanes a otros países. Pero las cosas que hacen para ser modelos son realmente extremas. Tanto así que vomitar la comida es lo de menos.

A los que nos hemos preguntado porque las modelos deben ser tan flacas, si a nadie, o casi nadie, le gustan tan flacas esta película ofrece una pista: Resulta que si suben de peso las regresan a Lituania y deben pagar por los gastos de la agencia, lo que puede resultar en una deuda que deberán pagar por años.

¿Y entonces que pasa con Marija y Kristina? ¿Acaban siendo modelos en Paris o Japón? pues quiensabe porque la película acaba abruptamente. termina pero sin final. Está muy interesante la historia de estas chicas y su amistad sería buena idea que algún día acabaran la película.

Toxic se presenta en la 77 Muestra Internacional de Cine de la cineteca.

García Márquez a la orilla del Támesis

Bird ( Andrea Arnold 2024) aunque por un lado muestra un realismo duro pues se trata de la vida de Bailey, una niña de doce años preocupada por su hermano y hermanas a quienes les tocó vivir con el padrastro violento y por la nueva madrastra que ella teme le hará oír a Harry Styles y le querrá dar órdenes.

Pero Bailey tiene una rebeldía y una seguridad contagiosas y tiene a los animales: Desde gaviotas y caballos hasta los insectos. De hecho su papá "Bug" tiene el cuerpo lleno de tatuajes de insectos y un sapo al que le gusta Coldplay.

Hay un personaje llamado Bird al que Bailey ayudará a buscar a sus padres. Que por cierto el papá de Bird es interpretado por uno de los Sleaford Mods. Pero Bird más bien parece salido de una historia de gabriel García Márquez. Así que el realismo trae un toque mágico sólo que inglés en vez de latinoamericano.

A final de cuentas Bird es una película con mucha energía. Presenta una realidad ruda y conflictiva pero libre y llena de animales mágicos. Y tiene un soundtrack fenomenal que incluye entre otros a Burial, los Sleaford Mods, Blur, Coldplay y The Verve. Estos últimos clasificados como "música de papás" según Bailey.

Bird se presentara en la 77 Muestra Internacional de Cine de la cineteca.

El llamado de la selva

Zafari (Mariana Rondón 2024) es una obra maestra latinoamericana. Aunque según su directora la idea era ubicar la historia en un país latinoamericano indeterminado, lo primero que uno piensa es que se trata de Venezuela. Quizá el acento de los actores lo delata. Pero en todos los países tenemos algo de eso que retrata Zafari. A saber, la transformación que hace que las bestias salvajes sean las que van a ver a los animales al zoológico. Y que la fauna sea la que debe temer que algún humano se les meta en la jaula.

Aquí el proceso de desdomesticación, feralización, asalvajamiento o como se diga sucede en la clase media. A una familia a la que lo único que le queda del nivel de vida que tenía es la alberca de su edificio. Se van quedando sin agua corriente o sin luz. Que regresa, pero están como la rana en la olla de agua que se va calentando. Tampoco hay papel de baño, los vecinos del edificio han ido abandonando sus departamentos para salir del país. A fuera es tan peligroso que les da miedo salir.

Zafari es una película divertida, cautivante, sexy, inteligente y con humor. Redonda, con actuaciones sobresalientes y se presentará en la 77 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

No hay trama

No nos moverán (Pierre Saint-Martin 2024) me recuerda a Mulholland Drive por dos cosas, primero porque en las dos sale un personaje llamado "El Vaquero". Y los dos se visten de vaqueros y arreglan problemas, pero principalmente esta película me hace pensar en el "Club Silencio" de esa película. Ese en donde nos advierten que no hay banda, no hay orquesta. Y vemos a una mujer que parece cantar de maravilla pero se cae y la música continúa y se cae el teatrito de la cantante.

No nos moverán tiene una fotografía maravillosa, grandes actuaciones, la protagónica Luisa Huertas está estupenda, el que interpreta al personaje de Sidarta, José Alberto Patiño también. Tiene muy buenos diálogos. Pero no hay una buena trama, no hay una buena historia y al final, como la cantante del "Club Silencio" la película se cae.

Aunque la verdad desde el principio hay algo sospechoso. ¿Porqué hacer una película sobre la masacre del dos de Octubre del 68, la masacre de Tlatelolco, en estos tiempos? Aunque cada año en la manifestación del dos de Octubre en la Ciudad de México se sigue gritando que "dos de octubre no se olvida", la verdad es que el tema no está olvidado pero ya no tiene carga emocional. Los protagonistas principales ya están todos muertos. Y la prueba de que ya a nadie le importa es que la izquierda, la que hizo del dos de octubre su bandera, llegó al poder y llegó con gente que estaba en el bando represor. Políticos como Porfirio Muñoz Ledo, Alejandro Gertz Manero y Manuel Bartlett fueron destacados Echeverristas. López Obrador, no fue un destacado echeverrista, pero entró al PRI en el gobierno de Luis Echeverría. Claudia Sheinbaum se dice "hija del 68" pero su secretario de seguridad pública y uno de sus colaboradores más cercanos Omar García Harfuch es nieto de quien fue secretario de la defensa en el 68. Quedan por ahí líderes de los estudiantes como Pablo Gómez que hace mucho es un político rico y corrupto.

Pero sobre todo, hablando de masacres y represión ha habido muchísimas desde ese entonces. ¿Y cuál es la pertinencia de hablar del 68 en estos tiempos en que madres en colectivos, o ellas solas, buscan a sus hijos desaparecidos, sin saber siquiera dónde quedaron, y en su búsqueda van descubriendo hornos crematorios mientras son atacadas por el gobierno?

Pero bueno, se le puede dar el beneficio de la duda a la película y pensar que tal vez hay un ángulo interesante, algo que no se ha dicho sobre el tema.

Hay sin embargo un anticipo del pésimo final cuando al principio de la película a Socorro, la protagonista, le tocan la puerta de su departamento y le dan los documentos con el nombre del soldado que mató a su hermano en el 68. Eso es completamente inverosímil, ya parece que va a estar registrado en la defensa el nombre del soldado específico que mató a un estudiante específico. ¿Y qué caso tendría matar a un tipo que sólo obedecía órdenes y que ya debía tener unos setenta años mínimo, pues la historia se sitúa en el 2018?

Creo que la propia película me da la razón en que la venganza de Socorro es absurda, pues no lo mata y se planta la duda de que el soldado al que le iba a dar un balazo fuera el asesino de su hermano. Además pusieron en el papel del soldado a un tipo no tan viejo pues sería grotesco poner a una persona tan grande en una situación que parece de tortura.

Hay otra venganza en la historia que es como grotesca: Socorro mata al gato que mató a la paloma que ella piensa es el espíritu de su hermano. Socorro parece que en vez de buscar justicia quiere sangre.

Entonces se puede pensar "Ah bueno, el mensaje de la película es que no hay que vengarse". ¿Pero qué es esto una película o estamos en misa?

Hay una subtrama reveladora, el hijo de Socorro no tiene trabajo y vive con su esposa argentina en el departamento de Socorro. La esposa argentina harta de la situación se regresa, embarazada, a Argentina, sin despedirse del esposo siquiera. Y lo que le dio la puntilla para tomar tal decisión parece ser que fue que Jorge, el marido, le dio a su mamá los ahorros que tenían. Que Socorro usa para su plan de venganza. O sea Socorro hasta pierde al nieto por su absurdo plan. Y me parece que los realizadores de No nos moverán, como Socorro, pierden la oportunidad de contar una buena historia por ocuparse de un tema que ya no viene al caso. Desde hace mucho. 

En la última escena Socorro se come un pan quemado. Su hermana siempre le pone pan quemado en la mesa  cosa que ella detesta pero al final se lo come. Y uno como espectador se siente como Socorro, nos han dado a comer una historia que ya es puro pan quemado.

No nos moverán se presentará en la próxima 77 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

El Dios deforme

En La Sangre Enemiga (Rogelio A. González 1971) Sara, el personaje de Meche Carreño parece que está buscando un hombre completo entre los peregrinos de mago de Oz. Le tocan en suerte un amante joven y apuesto pero impotente, un tipo sin corazón, un galán fuerte y musculoso pero con retraso mental y su esposo: Viejo, deforme y también impotente.

Con un guion coescrito por el director Rogelio A. González y Luis Spota, La Sangre Enemiga al parecer fue un éxito en taquilla lo que sorprende un poco pues es una historia bastante oscura que parece una mezcla de los Freaks de Tod Browning con Otelo, de hecho el personaje de Esteban interpretado por David Reynoso es una especie de Otelo freak y todo esto en un ambiente que recuerda a Los Olvidados. Y a Los Olvidados no les fue nada bien en taquilla. Es de sospecharse que el éxito fue por Meche Carreño y sus desnudos constantes.

La primer semejanza con Los Olvidados es el ambiente de pobreza pero hay otra conexión más profunda. Mientras que en la película de Buñuel es notoria la ausencia de figuras paternas, en La Sangre Enemiga el problema es un mundo sin hombres completos.

Y es una tragedia en el sentido de que las desgracias de Sara no parecen tener salida, como en las tragedias griegas. Además es como un destino heredado de su madre a quien ella de niña vio también debajo de una fila de hombres pasando por su cama. Otra tragedia, un choque de trenes en el que murió la mamá, deformó a Esteban que tomó a la hijastra como nueva mujer.

Por cierto, la siguiente película de Meche Carreño dirigida por el mismo Rogelio González, La Inocente, toca temas similares, hay otro caso de retraso mental pero hay una madrastra en la historia en vez de padrastro.

Este padrastro y luego "esposo", las comillas son porque al final nos enteramos que no están casados cuando él le propone matrimonio, este personaje Esteban es el que revela el origen del sino trágico de Sara. Porque resulta que él sí es un buen padre, de su hijo retrasado Sergio. Y cuando descubre en pleno acto a Sara y Sergio decide no hacerle nada a su hijo pero a Sara la arroja al fuego. La figura paterna se confunde con un Dios que perdona o mata.

Ya antes, después de que Esteban mata a un amante de Sara vimos su mirada enloquecida en acercamientos a sus ojos de tono surrealista. Un tono similar a cuando Sara por fin disfruta un orgasmo entre imágenes de un halo solar.

El sexo antes de eso era sólo dolor para Sara, ella lo dice. Y que tenía miedo del placer como si supiera que después del placer la esperaban las llamas.

Entonces Esteban es una figura paterna pero que se vuelve verdugo de la hijastra. En La Inocente se presenta el otro lado de la moneda, la madrastra malvada. Y los personajes sin padre o madre acaban trágicamente en estas historias.

Pero antes de que alguien piense que Esteban cela a Sara por amor, hay una escena muy importante en la que Esteban le pregunta a su compadre o amigo, interpretado por el Indio Fernández nada menos, que si no quiere con Sara. Este primero se niega, pero acaba aceptando.

Y este compadre le acaba de conseguir un trabajo a Esteban, que no es un detalle menor.

A Alma, la amiga de Sara, su padre padrastro o algo así, un músico ciego, la golpea y parece que la viola cuando ella quiere irse con su novio. Sin duda porque desacompletaría su equipo de cirqueros ambulantes.

La ve como su propiedad. Y a Esteban lo que lo enfurece no es que Sara le ponga el cuerno, sino que coja con otros sin su permiso. Como si no fuera una cosa de él.

Por eso ella buscaba el placer aunque le provocara dolor. Era su única posibilidad de escape aunque también podía ser su perdición.

La maldad de las madrastras

¿Porqué será que en la ficción las madrastras casi siempre son malas? Las excepciones, las madrastras buenas, parece que sólo salen en la pornografía.

Supongo que la explicación es que poner madrastras malas es la forma políticamente correcta de poner malas madres.

En "La Inocente" (Rogelio A. González 1972) una película mexicana sale una madrastra muy pero muy mala. Pero muy buenota, interpretada por Lorena Velázquez nada menos. Y Meche Carreño interpreta a Constancia, una muy mala madre, aunque como es de imaginarse por el nombre de la película, ella es buena e inocente. Sólo que es retrasada. Otra idea tan arraigada como la de las madrastras malas: Que los tontos son buenos y los listos malos.

Aquí a Constancia le faltó oxígeno al nacer según dice el doctor y entonces ya puede ser mamá pero mentalmente tiene como siete años más o menos.

Claro que un problema neurológico no hace que una persona sea un niño o niña perfectamente normal sólo que con más edad. Aquí el supuesto retraso funciona como truco narrativo para presentar un personaje con un desarrollo interrumpido, una inmadurez grotesca.

Entonces la película es la historia de dos familias vecinas, por un lado un tal Juan, su padre y su malvada madrastra y al lado, una madre viuda y su hija Constancia.

Juan se la pasa en la casa de al lado, Constancia lo quiere mucho y la mamá le dice que para ella él es de la familia.

Enfatizando la relación entre las dos familias sus casas para efectos prácticos están conectadas por una escalera por la que Juan sube desde su casa a un cuarto en la parte de arriba de la casa vecina.

Un día, después de tener un problema con la madrastra, Juan sube a ese cuarto y viola a Constancia. Ella primero se ve muy afectada, pero luego parece que lo que la afectó fue que se rompió el vestido y un poco más adelante ya perdonó a Juan.

Sólo que Juan saliendo de ahí tomó un coche y se mató en la carretera. Como por la culpa de haber violado a Constancia. O como si matarse hubiese sido su plan para escapar de la madrastra. El caso es que la violación le sirve a la historia para presentar a Constancia como mamá. Que resulta pésima. Para no contarles el final sólo diré que Constancia prefiere a una muñeca que a su hija.

Y así, "la inocente" acaba siendo una especie de contraparte de su vecina: En una casa la mujer buena que físicamente puede procrear pero incapaz de ser una madre y en la casa de al lado una mujer sin hijos pero malvada. Como dos caras de la misma moneda. La ausencia de instinto materno ¿inmadurez o maldad?

Por cierto un soundtrack muy interesante, organo setentero y rock, que se conjunta perfectamente con el ritmo de la película. Y un dato curioso, Rogelio González también es el director de la mucho más famosa película El Inocente, con Silvia Pinal y Pedro Infante.

Por el Mulholland drive de los sueños rotos

La ilusión pesadillesca en Mulholland Drive empieza en un alegre concurso de baile de Jitterbug. Un estilo popular en los treintas y cuarentas. Tras ganar el concurso, a Betty Elms, más adelante llamada Diane Selwyn, se le ocurre que quiere ser actriz en Hollywood como una tía suya. Como para recordarnos que muchos y muchas han llegado bailando a Hollywood, David Lynch le puso a Betty de casera en Los Angeles a Coco, un personaje interpretado por Ann Miller, una veterana del Hollywood clásico que fue descubierta cuando trabajaba de bailarina en un centro nocturno y quien tuvo su primer papel importante como pareja de baile de la también famosa bailarina Ginger Rogers. Y es a Coco a quien Betty, ya como Diane, le cuenta que fue tras ganar ese concurso de Jitterbug que quiso ser actriz.

Bueno, Betty toma la carretera del mal por el baile pero también por dos viejillos del demonio que están con ella en ese concurso fatídico y que la dejan hasta el aeropuerto de Los Angeles. Tras despedirse, esta pareja se interna en la soleada capital mundial del entretenimiento muertos de risa a bordo de una limusina. Pero del otro lado del sol, de la risa y de la ilusión otra limusina sube lentamente por la serpenteante Mulholland Drive a través de la oscuridad. Después nos enteramos que la cabeza de la pasajera, una mujer de pelo negro que va en silencio en la parte trasera y de la que no sabremos el nombre hasta mucho más adelante, tenía precio. Por eso lo que sigue después de que el chofer se detiene y le apunta con una pistola puede ser un último sueño antes de morir, una ilusión final. En esa ilusión esta mujer ama a Diane Selwyn, es decir a Betty Elms.

Y esa ilusión acaba en el “Club Silencio”, que seguramente se llama así pues según decía Lynch, el necesitaba silencio total para inspirarse. En ese lugar se caen las ilusiones. "No hay banda". No hay música viva. Es sólo una ilusión nos repite el presentador. Betty primero tiembla de miedo y acaba por encontrar, en su bolsa, la clave que la llevará a la verdad: Que Rita, como se hace llamar la mujer de negra cabellera que ella ama y que no recuerda su nombre, es en realidad Camilla Rhodes, quien la traicionó y la humilló. Así que la mandó matar. ¿Pero qué más se puede ver en el Club Silencio? Yo creo que una cosa que se revela, no lo más importante de la película definitivamente, pero una cosa que se ve son las raíces hispanas de Los Angeles y por lo tanto de Hollywood.

Son raíces que se hunden en el pasado, un pasado al que nos lleva la película de diferentes maneras. Empezando por la protagonista que llega por el concurso de jitterbug, un estilo de baile que estuvo de moda más de medio siglo atrás. Y la ropa de Betty también parece con décadas de retraso. Inclusive cuando ya Betty se ha transformado en Diane por un momento parece que viajó atrás en el tiempo cuando vemos su cocina que se ve tan antigua.

Y está la película dirigida por el director Adam Keshner, “The Sylvia North Story” la que estelariza Camilla Rhodes, que se sitúa como en los cincuentas o sesentas. Además un auto que está estacionado en los estudios de Paramount Pictures a donde Betty va a hacer una audición salió en la clásica Sunset Boulevard, una película de 1950, una favorita de Lynch. Y está el personaje de “El Vaquero”, entre otras cosas.

Pero regresando a lo hispano: Que una actriz originaria de Los Mochis Sinaloa, Laura Elena Harring Martínez, interprete un personaje que toma el nombre de Rita por Rita Hayworth, considerada la más famosa actriz americana durante la segunda guerra mundial, pero que en realidad se llamaba Margarita Carmen Cansino, otra bailarina, que al principio de su carrera bailaba en centros nocturnos de Tijuana y que participó en películas mexicanas de los años treintas parece demasiada coincidencia. ¿Pero no es exagerado hablar de raíces hispanas de Hollywood? Basta con seguir el hilo de Rita Hayworth/ Margarita Cansino un poco para descubrir más cosas: Quien la descubrió dando un show de baile en Tijuana, fue un músico español, Xavier Cugat, que entre otras cosas es famoso porque supuestamente Rodolfo Valentino, la máxima estrella Hollywoodense de la época silente, decía que no podía hacer sus famosas escenas románticas si Cugat no estaba en el set tocando música.Silencio" con el presentador que habla en español, inglés y francés. Lo del francés quizá porque la película iba a tener su estreno en Cannes. Quizá por eso también la tía de Betty supuestamente se había ido a Francia y tenía en su mesita de noche un libro titulado “Tout Paris”.

Además está el personaje de la cantante Rebekah del Río que canta la misma canción que la cantante chicana de la vida real Rebekah Del Río. Que además es presentada como “La Llorona de Los Angeles”, y como todos sabemos en México, la llorona es un personaje mítico mexicano. Aunque para mí lo más revelador es que lo último que dice Rita, antes de dejar de ser Rita y convertirse en Camilla Rhodes, lo dice en español. Cuando regresan del club silencio, antes de abrir el cubo azul - caja de pandora Rita busca a Betty y le pregunta: ¿Dónde estás? En español. Resulta muy pertinente que esta raíz hispana de Hollywood se asome en una película de David Lynch pues además de su amor por el Hollywood clásico, su carrera arrancó tras los pasos del chileno Alejandro Jodorowsky.

Su primer película, Eraserhead, salió a la luz gracias al movimiento de cine de media noche que empezó con "El Topo" de Jodorowsky1. Difícilmente existe una película mexicana más importante que El Topo de Jodorowsky, porque con esa película inició ese movimiento. En 1970 el dueño del cine Elgin de Nueva York, en ese entonces habían muchas salas independientes de las grandes cadenas, vio El Topo en un museo y compró la película para pasarla en su cine a media noche después de las funciones normales. Y fue un exitazo. Tanto así que John Lennon y Yoko Ono compraron la película, que le quitaron al Elgin y la pusieron en funciones corridas en un teatro de Broadway.

Otros cines empezaron a buscar películas raras para hacer lo mismo que el Elgin. El movimiento del cine de media noche duró hasta que llegaron las videocaseteras y los videocasetes, pero mientras duró aumentó enormemente las posibilidades del cine, echó para atrás la barrera de lo prohibido, de lo que es aceptable y por lo tanto de quienes son aceptados. Los primeros éxitos de la media noche después de El Topo fueron La Noche de los Muertos Vivientes de George A. Romero, la película que detonó la cultura zombie, y Pink Flamingos de John Waters, cuyos atrevimientos siguen escandalizando hasta la fecha. Ambas películas ya habían sido exhibidas sin mayor efecto en el público, muy pocos las habían visto.

Pero encontraron sus fans a la media noche. Lo mismo pasó con El Show de Terror de Rocky, la película de culto por excelencia, la gente iba a verla cientos y hasta miles de veces, iban disfrazados y bailaban en la sala. Y la última película de media noche del cine Elgin fue Eraserhead. Sí, David Lynch también salió del agujero que El Topo abrió por debajo de la industria cinematográfica en el Elgin de Nueva York. Además se puede establecer una relación, una genealogía por decirlo así, entre El Topo, Pink Flamingos y las películas de Lynch con la tradición surrealista, que como se sabe tuvo una rama mexicana muy importante que incluye al principal director de cine surrealista, Luis Buñuel.

Además la primer película de gran presupuesto que pudo dirigir, Dune, fue un proyecto que durante un tiempo estuvo bajo la dirección de Jodorowsky y que Lynch finalmente dirigió. Y además se filmó en México. Pero de Dune hablaré más adelante. Regresando a Mulholland Drive, de acuerdo con la trama el mensaje principal de la película es otro. Así que lo que vemos al elevarnos por encima de las luces de Los Angeles es que detrás del cine hay una mafia. Es un mensaje similar al que encontramos en las más famosas películas del género negro o neo noir, y Mulholland Drive es considerada neo noir, que tienen a Los Angeles como escenario.

Específicamente hay que mencionar a Chinatown de Roman Polanski y la adaptacion al cine de L.A. Confidential, la novela de ese autor quintaesencialmente angelino, James Ellroy. En Chinatown y L.A. Confidential las historias como cortinas rojas lyncheanas nos dicen que Los Angeles fue construida gracias a, o por medio de, la corrupción. Y que detrás de las fachadas de respetabilidad la realidad es que ahí todo se maneja a través de mafias, lo mismo la policía que el gobierno de la ciudad, pero también los medios y hasta los que explotan a las aspirantes a actrices. De hecho Chinatown está basada en un caso de corrupción de la vida real que involucra al señor William Mulholland, el que le da el nombre a Mulholland Drive.

Así Mulholland Drive la película, viene siendo como una versión onírica y que habla más específicamente del negocio del cine, pero que transmite ese mismo mensaje de las historias de género negro angelinas: Una mafia mueve los hilos del poder, en la película de Lynch la mafia la encabeza el señor Roque, un enano paralítico con una cabeza diminuta. Quizá por esa parálisis es que salen tantos remakes, refritos y la repetición sin fin de viejas fórmulas. Nótese como este paralítico tiene atrás de él las mismas cortinas rojas del Club Silencio. Donde no hay orquesta. Todo está grabado. No hay banda.

Tímidamente los vampiros tímidos

Vampira humanista busca suicida (Ariane Louis-Seize 2023) es una nueva historia sobre vampiros ñoños en donde la mordida de contagio vampírico ocupa el lugar del sexo. Pero al final lo logran y pasan de ser una pareja virgencita de vampira hipersensible que si fuera humana seguro sería vegana. Con humano que prefiere morir que soportar que le digan que huele a queso. Sí, le dicen que huele a queso y quiere morir aventándose desde una altura no tan peligrosa. Pero es una comedia así que su búsqueda de la muerte es alegre y con buen ánimo. Inclusive aparece un grupo para depresivos y suicidas colorido y con depresivos de buen humor. Será por el Prozac.

Al final los dos ya son vampiros y se han vuelto darks.

También la música es ñoña.

El Papa jarocho

En Cónclave la historia imagina que la política en la iglesia católica es más o menos como la política americana. "Me siento en una convención política americana" dice un cardenal de hecho. Hay un candidato conservador al papado, el cardenal Tedesco, al que sólo le falta una cachucha roja que diga "Make The Vatican Great Again".

Y están los liberales, uno de ellos, el cardenal Lawrence, inclusive da un discurso en contra de la certidumbre que dice, es el peor enemigo de la tolerancia. Esto a pesar de que empieza su discurso diciendo "En estos tiempos de incertidumbre". Y no se refiere a que sean buenos tiempos.

Dudo mucho que alguien de la iglesia católica pudiera decir algo así. Realmente están en contra de la incertidumbre y a favor de sus supuestas certidumbres. Ese mismo personaje también dice haber perdido la fe en la oración. Y nos enteramos que el Papa, con cuya muerte empieza la película había dicho que ya no creía en la iglesia. Esas confidencias tampoco son nada creíbles. En general la historia es como el sueño de opio de un católico liberal mal informado que piensa que en el fondo el catolicismo tiene valores liberales.

Lo que sí me puedo imaginar más fácilmente es a un cardenal como Tedesco, el Trump wannabe, un personaje racista, para quien el problema es el relativismo en donde la religión católica y las otras son lo mismo y contra el que clama gritando y pidiendo una guerra religiosa. Los he oído decir que ya hay que tomar medidas radicales, es su forma de decir violentas, contra el aborto.

Pero es una historia entretenida con buena intriga política en un contexto muy particular, un cónclave católico cuando todos los cardenales de la iglesia quedan encerrados sin poder salir hasta que escojan a un nuevo papa. Y el final es muy sorprendente es una sorpresa final que muchas películas intentan hacer pero no les sale bien, pero aquí sí funciona. Sólo diré que en este caso el conflicto a favor y en contra del relativismo resulta ser tan sólo una fachada del conflicto del catolicismo contra las mujeres. En una escena un aspirante liberal a papa dice que está a favor de la homosexualidad, del divorcio y de abrir el clero a las mujeres. Y uno de los cardenales que lo apoyan dice que eso sí no. Lo de las mujeres no. Pero el caso es que gracias a un veracruzano, arzobispo de Afghanistán y hermafrodita, algo de femenino se cuela al trono de San Pedro. Sería una dulce venganza después de siglos pues según los evangelios apócrifos, es decir los no oficiales, y en especial uno conocido como el evangelio de María, María Magdalena era la más importante de los y las seguidoras de Jesús y además queda claro que eran amantes. Inclusive en alguno de estos evangelios se especifica que Jesús y María Magdalena se la pasaban besándose sus bocas. Y que en vez de Pedro la sucesora de Jesús fue María Magdalena, aunque esta versión del cristianismo es muy diferente de la que conocemos pues en ella no hay una jerarquía, además de otros cambios fundamentales. Y hubo cristianos que seguían esta corriente de María Magdalena durante siglos, por lo menos hasta el siglo V. Y probablemente por la competencia con estos otros cristianos fue que se empezó a decir que María Magdalena fue una prostituta. Amén. 

Lo que sucede en Las Vegas se queda en Las Vegas

En Anora (Sean Baker 2024) una chica que cree haberse sacado la lotería en la ruleta de los table dance y los bailes privados descubre que la fortuna con la que creía haberse casado en la ciudad del pecado era del banco de la ilusión. Y que la ley en Estados Unidos, así como ella y sus compañeras del antro neoyorquino Headquarters, le baila, le hace lap dance y hasta se mete a un "privado" para hacer cosas en lo oscurito con quien traiga suficiente billete.

Afortunadamente no todo es dinero en este mundo, también está el sexo que une a Anora (Mickey Madison) e Igor (Yura Borisov) aunque el asunto empieza de forma "no consensual" lo que hace que ella aparentemente lo odie. Pero al final Igor, que usa el coche de su abuelita, le dará el anillo que ella cree haber perdido y así Anora, tanto el personaje como la película hecha con poco presupuesto de forma independiente nos dicen que química mata billete. Excelentes actuaciones de todo el elenco no sólo de los protagonistas, humor, buen ritmo, un director que sabe contar historias y dirigir actores. Merecidísimos los Oscares a mejor película, mejor actriz para Mickey Madison y los mejor guion, dirección y montaje para Sean Baker que hizo las tres cosas él sólo. Y conste que lo dije desde antes de los Oscares.  

Brutalismo brutal

En teoría la arquitectura brutalista no tiene que ver con brutalidad y se llama así por la palabra francesa brut que significa algo crudo, sin adornos, al natural digamos. Y así este estilo arquitectónico que dejaba a la vista la estructura de la construcción y que a los materiales, especialmente el concreto que les encantaba, no les hacía ningún tipo de acabado o adorno acabó llamándose así.

Pero en El Brutalista si que hay una relación entre brutalismo y brutalidad: El ficticio arquitecto judío-húngaro Laszlo Toth, que estudió en la famosa escuela Bauhaus y tras haber pasado por la segunda guerra mundial y la brutalidad del campo de concentración de Buchenwald llega a Pennsilvania.

De entrada hay una cosa poco común en el cine americano. La película es una coproducción Estados Unidos - Reino Unido - Hungría pero el director Brady Corbet es americano y en El Brutalista hay una crítica muy visceral a los Estados Unidos. Unas secuencias que parecen viejas películas promocionales del estado de Pennsilvania parecen puestas puestas ahí sarcásticamente. Habla un locutor de la grandeza y prosperidad de Pennsilvania y enseguida vemos una gran fila de menesterosos haciendo cola para que les den algo de comer, por ejemplo.

Más adelante la crítica ya se vuelve abierta y nos enteramos que tanto Laszlo como su esposa, que llega a Estados Unidos después que él, piensan que es un país podrido y en el que todo está podrido desde el paisaje hasta la comida.

Claro que hay un muchas cosas que criticarle a Estados Unidos y posiblemente en estos tiempos trumpianos más que nunca. ¿Pero porqué esta pareja, después de pasar por la guerra, los campos de concentración y la pobreza de la posguerra iba a tener tan mala opinión del país qué escogió para vivir? Se supone que la esposa no puede caminar a consecuencia de la hambruna que pasó ¿pero le parece que la comida de Estados Unidos está podrida?

La podredumbre americana queda personificada en dos personajes. Primero en Audrey, la esposa de Attila el primo de Laszlo, que es católica y, es de sospecharse que algo ha de haber tenido que ver para que Attila dejara el judaísmo y se volviera católico.

Attila recibe a su primo, le da un lugar donde vivir y trabajo en su negocio. Pero Audrey inventa que Laszlo le ha hecho alguna propuesta indecorosa así que el arquitecto Toth acaba viviendo en un refugio para indigentes y trabajando con una pala moviendo carbón.

El segundo personaje es el magnate de la industria Harrison Van Buren que se entera que Laszlo es un reconocido arquitecto y le encarga una gran obra, una especie de iglesia/centro comunitario que quiere hacer en honor a su madre y para beneficio de la comunidad.

Van Buren es un mecenas muy generoso que no sólo saca a Laszlo de la pobreza en que estaba hundido, y tolera sus vicios, pues se supone que Laszlo Toth era adicto a la heroína; además le encarga una obra monumental en contra de la opinión de su familia, de sus cercanos del negocio y hasta de los políticos locales.

Además gracias a Harrison, Laszlo logra traer a América a su familia, su esposa Erzsebet y su sobrina.

Y entonces un día que estaba borracho Harrison lo viola. Y mientras tanto critica a los judíos diciendo palabras más palabras menos, que ellos se ponen de pechito.

Resulta sorprendente no sólo porque no se da ningún antecedente de que el personaje de Harrison pudiera hacer algo así... sino porque esas cosas no pasaban en los cincuentas.

Poner que este señor, ya ruco, viola a su amigo, porque en la historia se vuelven cercanos; al que tanto había ayudado, sin dar ninguna señal antes de que era homosexual o de que quería fregarse a Laszlo se siente incongruente, inverosimil y forzado. Hasta la falsa acusación de la malvada católica Audrey se siente más creíble.

Para el epílogo la historia se traslada a 1980. Nos informan que el mazacote de cemento de Laszlo se acabó en el 73 y se llama Instituto Van Buren. ¿Cómo fue eso? se pregunta uno. ¿Acaso Harrison acabó de construirlo respetando el proyecto del tipo que lo acusó de violarlo? Eso está muy incongruente.

Lo que si tiene sentido es que escogieran 1980 para el final. Mark Fisher (también conocido por su alias k-punk) es uno de los críticos culturales más conocidos actualmente en el mundo, aunque hace unos años se suicidó. Según Fisher el post punk, genero musical que tiene entre sus exponentes más populares a Joy Division, The Cure, Depeche Mode y Bauhaus fue posible, entre otras cosas, gracias a la arquitectura brutalista que fue muy popular en el Reino Unido y según él, post punk y brutalismo tienen mucho en común. Cosas como la angularidad, el minimalismo, lo moderno, la sensación auditiva de grandes espacios que hacen que haya canciones post punk que son, según Fisher, como versiones en sonido de obras brutalistas.

Y entonces el brutalismo, junto con otras cosas y el interés de los músicos por lo moderno, por algo el grupo Bauhaus se llama así, hicieron posible ese movimiento musical modernista.

Inclusive Molchat Doma uno de los grupos de post punk contemporáneo más conocidos, pone en la portada de sus discos construcciones brutalistas.

Entonces se supone que en 1980 le hacen un homenaje a Laszlo Toth en una bienal de arquitectura, cuando el post punk estaba en plena explosión, y Vince Clarke, uno de los fundadores de Depeche Mode, participa como músico invitado en el tema del sountrack con que empieza ese homenaje.

Sin embargo, en la descripción que la sobrina hace de la obra de su tío en Pennsilvania rebela algo que según yo, va en contra de los principios del brutalismo. Según dice ella esta obra ficticia, el Instituto Van Buren, cuya construcción es la esencia de la película, incluye unos cuartos con las medidas exactas, excepto la altura, de la celda de Toth en el campo de Buchewald, y esta está conectada mediante diferentes estructuras subterraneas al espacio que representa a la celda de su esposa en el campo de Dachau, simbolizando así la unión de la pareja a pesar de haber quedado en diferentes campos de concentración.

Esto obviamente sólo se podría haber hecho a espaldas de Harrison que quería que la obra fuera un homenaje a su mamá. Pero además un principio fundamental del brutalismo era el funcionalismo. Todo debía servir para algo concreto. 

Y lo más curioso es que Harrison le pide a Laszlo que la construcción incluya una capilla, Laszlo le contesta que si no se suponía que era una obra para toda la comunidad (...y no sólo para cristianos) pero tiene que obedecer y entonces el edificio se supone que tiene una gran cruz hasta arriba y además con el sol se forma otra cruz en el interior. Y resulta entonces que el cristianismo acaba simbólicamente sobre los campos de concentración. Presidiéndolos digamos.

Se ha señalado que uno de los orígenes del brutalismo fueron las construcciones militares de Gran Bretaña en la segunda guerra mundial; fuertes, construcciones defensivas y cosas así pero en esta película no sólo se relaciona este estilo con los campos de concentración de la guerra. Laszlo dice que espera que sus edificios provoquen revoluciones y después señala que sus edificaciones siguen en pie a pesar de la guerra y que las diseño para soportar ríos de odio y miedo. Y luego resulta que para construir su obra debe soportar hasta una violación, después de la cuál el mismo se vuelve agresivo y brutal y hasta patea a sus trabajadores. 

Pero así como una de las características del brutalismo es no ocultar nada, dejar las estructuras de una construcción a la vista, en la historia se establece una relación entre el dolor, la divinidad y la verdad. Se supone que Erzsebet padece terribles dolores y en una ocasión lo único que se le ocurre a Laszlo para ayudarla es inyectarle de su heroína. Entonces ella casi se muere. Después de eso Erzsbet dice que vió a Dios y que le dió permiso para llamarlo por su nombre. Cosa que está prohibidísima en el judaísmo. Y ante el terrible dolor de perderla Laszlo le confiesa que Harrison lo violó.

Y ni como negarlo, a veces se necesita un poco de brutalidad para que la verdad sea dicha.

La verdad de los baños

En La Sustancia podemos ver una especie de conflicto madre - hija estilo complejo de Electra y también un conflicto mujer - hombres; en varias escenas de hecho aparecen hombres (en plural) uniformados y hostiles, tal y como suele aparecer el animus femenino. Es decir la imagen de lo masculino en las mujeres según Jung. Que es hostil en este caso.

Pero el conflicto central en La Sustancia es otro. Es algo que hace pensar en la crisis de los opioides. Estas drogas que empezaron a recetarse legalmente para aliviar el dolor. Y entre los opioides está el fentanilo.

Elizabeth entra en contacto con la sustancia en un hospital. Esta sustancia funciona de varias maneras como una droga. Para empezar, al menos de entrada hace sentir bien a Elizabeth. Ella en su "mejor versión de sí misma" es muy feliz. Como si se hubiera dado un pericazo o como su anduviera en tachas.

Y empieza a excederse en la dosis.

Esta mejor versión de ella, digamos la versión que abusa de las sustancias, empieza a comerse a la persona, que para evitar la realidad prefiere drogarse y se forma un círculo vicioso. Hasta que la droga de tener efectos placenteros, que viene siendo cuando a Sue se le empiezan a caer los dientes y las uñas. Se siente mal como en una resaca o con síndrome de abstinencia y corre a la droga pero la droga ya no la hace feliz, sólo la deforma. Como dice la canción de los Caifanes dedicada según se dice al crack o piedra:

"Piedra, déjame piedra

no me deformes más

déjame como estoy"

Los adictos al fentanilo suelen hacer movimientos grotescos y por la falta de higiene y cuidado se enferman de cosas que van destruyendo/deformando su cuerpo. Les dicen zombies y los zombies son monstruos.

Claro que la sustancia puede funcionar también como metáfora de otras cosas que se pueden conseguir en los hospitales como cirujías plásticas o antidepresivos.

Pero lo que me parece más interesante de todo es el escenario de la película. Elizabeth/Sue vive en una especie de jaula. La directora Coraline Fargeat no deja de hacer tomas de largos pasillos, rectos o curvos. No es necesario forzar mucho las cosas para imaginar que ella vive en un laberinto de largos pasillos que tiene en un extremo el estudio de televisión, en donde a ella la ven, y en el otro la sala de su casa, que es como un mirador para que ella vea. ¿Pero qué ve?

Parece que todo el tiempo está viendo la televisión. Incluyendo infomerciales. Chatarra. Hace televisión chatarra y ve televisión chatarra. Entre una y otra cosa ve su imagen colgada en los pasillos del estudio, en su casa y hasta en anuncios espectaculares. En un momento dado tapa el ventanal a través del cual puede ver hacia afuera con periódicos. En los que ha visto el anuncio del casting para sustituirla en la tele. Hay dos tomas que enfatizan su encierro aún más: Una en la que la cámara le ve desde lo que parece una rendija del sistema de ventilación y cuando Elizabeth observa al vecino desde la mirilla de su puerta como si fuera un gato rondándola.

Y es un laberinto sin opciones. Sólo cuando tiene un accidente se le presenta una disyuntiva: Tomar la sustancia o no.

Es el laberinto sin salida de la imagen. Pero hay baños en esta jaula y tienen un significado especial. Así como en la vida real podemos tener un poco de privacidad, estar solos y vernos al espejo en el baño, en La Sustancia la protagonista se enfrenta a la verdad en los baños. En uno escucha a su jefe decir de ella lo que él nunca le diría de frente. Y cuando Sue decide esconder a Elizabeth, para no verla en el baño, es cuando le empieza a hablar como si fuera otra persona y cuando empieza su caída.

Inclusive hay una toma en que la vemos al fondo de un pasillo pero un pasillo vertical, la vemos desde arriba como un científico viendo al ratón. Y ella está sentada en posición fetal sobre el piso del baño. Como verla en su verdad desnuda.

Creo que al final la moraleja de la historia es que el ratón en el laberinto de la imagen acaba por tomar las sustancias deformantes que salen del laboratorio. Está vulnerable, hasta un libro de cocina puede ser peligroso para él, como el que hace a Elizabeth comer sin control. Su único refugio es aferrarse a su verdad, esa que se aparece por los baños.   

Boomers en éxtasis

Es sabido que la generación de los baby boomers, los nacidos después de la segunda guerra mundial y hasta principios de los sesentas, reverencia a Bob Dylan como a un profeta. Y buscan las respuestas de la vida en sus letras.

No todos claro.

Pero los que sí, seguramente encuentran muy pertinente una película de más de dos horas centrada en la historia de cuando Dylan, en el festival de música folk de Newport, agarró una guitarra eléctrica en vez de una acústica rompiendo las reglas del festival.

Es como cuando Burzum mató a Euronymus para los blackmetaleros, o como cuando mataron a Biggie Smalls para los raperos, o como cuando afuera del Charco de las Ranas a Paco Pacorro... bueno tal vez eso no. Pero se entiende la idea.

Pero la verdad "Un Completo Desconocido" es una película con mucha música pero poca historia. Y no me refiero a la historia - historia. La película presenta la crisis de los misiles de cuba, el asesinato de Kennedy y la lucha por los derechos civiles. Pero a la historia de "Bobby D" le falta algo. No se profundiza en el personaje. O en sus amores. Ni con la también cantante Joan Baez, ni con la tal Silvie, interpretada por Elle Fanning, ya toda una experta en la cisis de los misiles cubanos y en biopics de músicos. Lo del famoso que no le gusta ser famoso es un lugar común. Y cuando le dicen: "Escoge tu arma" y le ponen una guitarra eléctrica y una acústica pues está bueno, pero el tema no es como para sacar toda una película de ahí.

Eso sí, hay muchas canciones para los fans, boomers y de otras generaciones. Pero para los que no somos aficionados, que a la mejor nos gusta una canción... pues no hay mucho que ver en "Un Completo Desconocido" que parece dirigida sólo para los iniciados en el culto. 

Médico brujo israelí manda a Don Corleone a llorar a telenovela mexicana

Lo de menos es el cambio de sexo en Emilia Pérez, lo que es verdaderamente de llamar la atención es como este "Manitas del Monte", capo mexicano high-tec y Don Corleone wannabe pues es de llamar la atención como más de cincuenta años después de El Padrino, el cine sigue poniéndonos mafiosos que quieren ser Marlon Brando con las mismas poses y movimientos lentos de Vito Corleone. 

Y que también hace las ofertas que no se pueden rechazar del siciliano, eso de "saber lo que tienes que hacer es aceptar hacerlo".

Pues este mafioso pasa a ser una mujer más bondadosa y sufridora que las más bondadosas y sufridoras protagonistas de las telenovelas mexicanas clásicas.

Como ya todos sabemos el pene es el origen del mal y por lo tanto ese diálogo de la película que dice que cambiar el cuerpo (de sexo) es cambiar el alma y es cambiar a la sociedad es sabiduría pura, profunda y popular.

Pero aún así cuando Emilia se pone a llorar y pedirle perdón a Jessi, que le acaba de cortar o mandar cortar tres dedos es como demasiado. Quizá ya se empezaba a acostumbrar a que le cortaran apéndices del cuerpo pero híjoles...

Aún así la historia no deja de plantear un problema cósmico, metafísico. O quizá sólo médico: ¿Cómo acabar con el mal si los penes se necesitan para hacer humanos? Emilia agarró a los hijos de Manitas del Monte, que no hay que olvidar, era otra persona. Pero entonces Jessi, la mamá, se los quiere llevar, y ante la perspectiva de no tener con quienes jugar al xbox como que se le quiere meter el Manitas del monte. Ese portador de pene es el único que puede ayudarle a seguir teniendo hijos.

Por suerte cuando le cortan los dedos el demonio de manitas parece quedar exorcizado.

Humildemente propongo que se empiece a hacer la secuela de esta película, pero en Colombia, y que se llame "Sin penes no hay con quien jugar al xbox".

Cine negro solarizado

Aunque Los Angeles siempre ha sido una de las capitales de la novela y el cine negro, no recuerdo una película de este genero que enfatizara tanto el lado soleado de esa ciudad como L.A. Confidential. Y por soleado no me refiero sólo al clima sino a su lado "bueno": Su prosperidad y su cara alegre por decirlo de algún modo.

Esta cara de L.A. queda enfatizada en las palabras del periodista de nota roja Sid Hudgens, con las que empieza la película, y en general con su personaje que es un alegre hijo de puta capaz de cualquier bajeza pero que nunca pierde la sonrisa. Y la ciudad que describe se parece a él mismo: Una bonita imagen de tenebrosas entrañas.

La imagen es central en esta historia. La protagonista y objeto de deseo Lynn Bracken es una prostituta que se parece a la famosa actriz de los cuarentas Veronica Lake, y trabaja para un tipo, Pierce Patchett, que le ofrece a los clientes coger con Veronica Lake.

Ella se enamora del detective Bud White porque dice que Bud no puede esconder quien es. Y además es el único que la ve a ella y no a Veronica Lake. 

La policía de Los Angeles aquí no es más que una mafia sólo que es la mafia oficial de la ciudad y el trasfondo de toda la historia es que el jefe de policía Dudley Smith se quiere quedar con los negocios del gran gángster de la ciudad Mickey C, recientemente enviado a prisión.

Pero no está solo el jefe policiaco, está asociado con el fiscal de distrito, con el chantajista periodista Hudgens y con el proxeneta Patchett, que además del negocio de coger con las estrellas también está metido en la construcción de infraestructura de la ciudad.

Aquí, como en Chinatown, otra historia basada en una novela de James Ellroy, se nos dice que Los Angeles fue construida, literalmente, gracias a la corrupción. Y en este caso también gracias al negocio de la prostitución y la imagen. La que dan los cirujanos plásticos para ser precisos.

Entonces el departamento de policía de la ciudad es una mafia, pero una mafia que trabaja mucho en su imagen. Y los angeles ofrece muchas oportunidades en ese tema.

Todo gira alrededor de la imagen: Se acusa a inocentes que tienen mala imagen, se hacen montajes para detenciones que dan buena imagen y se extorsiona con fotos que dan mala imagen. Inclusive se organizan para que el detective Bud White vea fotos de Lynn cogiendo con el detective Exley y lo mate.

En el caso de Exley le dicen que un detective debe torcer las reglas. Pero sobre todo, en lo que más le insisten es que deje de usar lentes porque los lentes no van con la imagen de un detective.

Y claro, también está el detective Vincennes, al que lo que realmente le interesa es su trabajo como asesor de un programa de televisión.

Al final el detective con lentes Exley, acepta cambiar la historia de lo que descubrió acerca del jefe Dudley y sus negocios para que la policía no quede tan mal. A cambio él quedara como héroe. Sólo que este "héroe" pierde a la chica, que se queda con el tipo sin imagen y que puede ver a la verdadera mujer atrás de la imagen.

Y la moraleja es que así como no se puede ver a las mafias que operan en la oscuridad, tampoco se puede ver bien a las que operan bajo los reflectores. La mucha luz y la mucha sombra se parecen en que no dejan ver.