Tlatelolco slasher

Rojo Amanecer ( Jorge Fons 1990) termina con una escena casi de horror, a un paso del gore. Nomás le falta un cucillo cebollero o una hacha para ser un slasher. Un nuevo sacrificio humano en Tlatelolco, como dijo Octavio Paz, a quien la matanza del 2 de Octubre le pareció una nueva versión versión de los sacrificios humanos prehispánicos.

Aunque la película tiene por momentos un tono didáctico como de típico profe que no fue al mitin porque sus papás lo encerraron en el baño o porque ya de camino se chingó la rodilla, no se puede negar que Rojo Amanecer crea tensión, tiene ritmo y crea una atmósfera. Es una buena película. Y con excelentes actuaciones.

El tema central de la película es la lucha entre generaciones. Lo político es como algo que sólo se le agrega al conflicto entre jóvenes y viejos. Conste que sólo estoy hablando de la película.

Por eso la figura del abuelo es tan importante en la historia. El es el representante del régimen posrevolucionario, es decir del PRI. Es un militar retirado veterano de la revolución. El papá en cambio fue un opositor, seguidor del general Juan Andreu Almazán según le dice a sus hijos. Pero que Almazán se vendió.

Los hijos dicen que la generación del papá fracaso pero que a ellos no les tiene porque ir igual. En realidad no es lo mismo fracasar que ser traicionado, pero de cualquier modo no creo que lo del general Almazán fuera un asunto tan generacional como lo del 68 porque ese movimiento es parte de la llamada rebelión juvenil de los sesentas, un fenómeno mundial sin precedentes hasta entonces. Lo interesante es que los hijos mismos lo dicen: El asunto es generacional.

El abuelo también lo dice en uno de los primeros dialogos de la película: "Antes los jóvenes eran diferentes".

Como bien dice la mamá, algunas de las peticiones eran absurdas. Pretextos para el movimiento.

Así como encontrarles un póster del che guevara y un manifiesto comunista a los estudiantes es un pretexto para reprimirlos: El largo del pelo de los hombres es un tema más discutido que la lucha de clases. De hecho el "pueblo" que dice uno de los hijos no los va a dejar solos, los dejó solos.

Y es así que en Tlatelolco, donde poco antes de la llegada de los españoles se sacrificaron niños para que lloviera se sacrificaron jóvenes que habían irritado a los mayores.

Pero ese niño, único sobreviviente de la familia, que sale corriendo entre los soldados, simboliza una generación que no venció a la anterior. los de antes murieron de muerte natural, por decirlo de algún modo. Y los nuevos una vez en el poder están demostrando ser peor que los anteriores. pero me limito a lo que se ve en la película: Esa escena del niño corriendo mientras pasan soldados para hacer el contraste. Ahora, los militares tienen más poder. Y los niños, que no votan, están peor que nunca.

A final de cuentas el sacrificio sólo sirvió de pretexto para el poder. 

Aliens del espacio interior

En El Abismo (James Cameron 1989) se pueden ver los temas característicos de James Cameron que luego vuelven a salir en películas como Titanic o Avatar. Como por ejemplo lo del amor y hundirse en el mar. En El Abismo no sólo una, sino las dos partes de la pareja protagónica Virgil "Bud" Brigman (Ed Harris) y Lins (Mary Elizabeth Mastrantonio) Se ahogan. Pero tienen más suerte que Jack en Titanic pues a Lins la reviven con un desfibrilador cardiaco (y un beso), y a Virgil lo salvan los aliens de las profundidades.

Otro tema, pero que en este caso vuelve en Avatar, es el de los militares trogloditas que quieren matar cualquier forma de vida inteligente. Para ellos antes que nada hay que matarlos.

Otro paralelismo es el personaje mismo de Lins que se parece al personaje de la Dra. Grace Augustine de Avatar. La Dra. Augustine es una científica y Lins es una mujer que diseñó una plataforma petrolera submarina. Y ambas están en contra de los militares.

En El Abismo además, la otra vida inteligente también es digital. Los seres del abismo oceánico son tan diferentes de nosotros como los extraterrestres o como las inteligencias artificiales. Básicamente son alienígenas que en lugar de venir de arriba vienen de abajo. Y parece que están en contra de la guerra nuclear. Por su culpa se hunde un submarino lleno de bombas atómicas. Hay un claro mensaje pacifista, feminista y antimilitarista pero es una buena película con una historia llena de peripecias determinadas por la técnica. Es decir, una verdadera historia de ciencia ficción

 

Música de muertos

El Carnaval de los Muertos (Herk Harvey 1962) presenta más de treinta años antes de El Sexto Sentido el caso de un muerto, o mejor dicho, una muerta, Mary Henry, que aún no sabe que lo está. Pero como en el caso del niño de El Sexto Sentido ve gente muerta. Y los vivos a veces no la ven a ella ni ella los escucha.

Es una muerte que, por un lado, se presenta contraria a la visión cristiana: Ella entra a trabajar a una iglesia como organista, pero es enfática en que a ella eso no le provoca ninguna emoción. Que lo suyo es tocar las teclas y los pedales del órgano y absolutamente nada más. Y en una escena sus visiones de los muertos le hacen tocar cierta música que hace que la despidan fulminántemente de la iglesia.

Quiensabe que música era, pero los muertos bailaban.

A Mary otra cosa que no le gusta es el contacto con la gente. No totalmente, puede charlar y sonreir pero no le gusta la cercanía. Emocional o física. Quiere que un pretendiente está con ella, pero sólo porque no quiere ver al muerto que la ronda. Y entonces por eso quiere estar con su vecino calenturiento. Pero al mismo tiempo no quiere estar con él.

No sexo, no sentimientos. Su distancia con la iglesia se presenta como no sentir nada al respecto, no como un ateísmo o algo así. Y no escuchar a los vivos, luego entonces la muerte. Que es bailar con otros muertos.

El Carnaval de los Muertos es una película de culto que quien sabe si influenció el Sexto Sentido pero George A. Romero dijo que fue la inspiración para La Noche de los Muertos Vivientes la película que detona el fenómeno zombie, y también se ha dicho que influenció a David Lynch. No tuvo éxito comercial pero se volvió de culto al pasar por televisión después de la media noche. 

Charlie K, Tyler el ejecutor y el casino de Trump

En Snake Eyes (Brian De Palma 1998) una conductora de televisión en Atlantic City habla de una gran pelea de box que está por comenzar mientras los vientos de la posverdad rugen con fuerza, tanto así que hay un huracán, y ella dice que hay un huracán pero la obligan a decir que es una tormenta tropical. 

No es de extrañar, la pelea será en una arena propiedad de un empresario de hoteles y casinos que al parecer está inspirado en Donald Trump, de hecho parte de la película está filmada en el Taj Mahal de Atlantic City, un casino que en ese entonces era de Trump. Y el huracán no es un huracán cualquiera, es el huracán Jezabel, como la revista feminista que, de broma, hizo que unas brujas le hicieran maldiciones y conjuros a Charlie Kirk dos días antes de su asesinato. Entonces este personaje basado en Trump, dueño del lugar y organizador de la pelea, llega con su amigo Charlie Kirk. Perdón Charlie Kirkland, mientras todos en la arena gritan ¡Tyler, Tyler, Tyler! pues el boxeador favorito es Tyler, "El Ejecutor", una extraña coincidencia considerando que el asesino de Charlie Kirk se llama Tyler. Y que en la película Charlie Kirkland acaba con una bala en el cuello.

El asesinato es ordenado por este empresario casinero, que se apellida Powell en la película, y estaba a cargo del almirante Dunne (Gary Sinise), un mairno supuestamente disciplinado, leal, honesto, incorruptible, y fiel a su esposa. Pero en realidad un corrupto asesino.

El héroe resulta ser el policía local de Atlantic City, el detective Rick Santoro (Nicholas Cage), un tipo corrupto, infiel, egoísta, parrandero y jugador, que sólo ve por si mismo y que es amigo de Dunne.

Al final la verdadera pelea de box no es entre el campeón de los pesos pesados Tyler y su retador mexicano José Pacífico Ruiz, pues esa pelea estaba arreglada a favor del mexicano. Pero después Dunne hace que Tyler se madreé a Rick Santoro para que diga donde está Julia, una mujer con documentos que afectan a Powell. Pero Santoro no se dobla, quizá porque antes habló con Tyler que aceptó que la pelea estaba arreglada y le contó que, tras perder su honor dejándose ganar, ya no sabía ni quien era. Como si Santoro siguiera el viejo código de la mafia italiana, podía hacer lo que fuera menos matar mujeres.

Al final, como se lo advirtió Dunne, toda su corrupción sale a relucir y pierde a la esposa y hasta a la amante.

Pero Santoro no pierde su alma y además logra lo que más quería: Salir en televisión para así meterse en la política. Sí, es corrupto, transa e infiel pero como sabemos en estos tiempos eso no es un gran problema político.  

Y además, como hemos aprendido los mexicanos, los que tienen fama de honestos, como los almirantes de la marina por ejemplo, resultan ser los peores.

La niña sin amor

 

Perfume de Violetas (Maryse Sistach 2001) es como una presentación del lado femenino de esa canción del tri "Niño sin amor".

A Jessica, una adolescente chilanga que está en secundaria sus papás ya la quieren poner a trabajar pidiendo dinero en alguna esquina para que de dinero en la casa como su hermanastro. A quien además ella debe tenerle las camisas limpias. Y él también quiere tenis nuevos así que por una corta deja que el chofer del microbús donde trabaja viole a Jessica repetidamente.

¿Es extraño entonces qué ella robe o que tenga problemas en la escuela?

La historia empieza con Jessica y Miriam haciéndose amigas, Miriam aún virgen, aún no le baja, y al menos no tiene que aguantar un hermanastro y al ruco de la mamá. Y las violaciones. Así que para la mamá de Miriam, Jessica es una mala influencia y trata de alejar a su hija de su nueva amiguita.

Viven en una colonia popular de la Ciudad de México, de estética abigarrada, una especie de laberinto en donde un microbús predador, con el hermanastro y el chofer violador abordo acecha en cada esquina.

Y el problema de fondo, como dice el subtítulo de la película es que "nadie te escucha". No si eres como Jessica, a quien en vez de ayudarla la gente la tacha de puta. Supongo que porque nadie la quiere y sería una molestia tener que defenderla. Así que volteándole los papeles diciendo que la culpa es de ella por puta pues se evitan molestias.

Sólo que esta vez cuando la mamá de Miriam le dice a su hija que Jessica es una puta, olvidando cualquier sororidad, y amistad, y después cuando Miriam le dice en un baño a su amiga puta, siguiendo el guion materno,  habrá un costo que pagar pues como boomerang la ofensa regresará con violencia.

El triunfo de los freaks

Situada en el Hollywood de los cincuentas, Ed Wood (Tim Burton 1994), nos presenta un grupo de personajes que parecen sacados de una bodega de utilería de un estudio de cine especialista en churros de horror. Como si hubiera llegado un hada, como la que se le aparece a unos soldados en una obra de teatro al inicio de la película, y les hubiese dado vida. Sólo que esta hada mágica sería el director de cine Edward D. Wood Jr. quien alguna vez se ganó el título de peor director de cine de la historia.

La hada de la obra de teatro y Wood, el director de la obra, comparten la ropa pues Ed Wood fue un travesti y la hada era su novia Dolores Fuller a quien Wood le tomaba prestada la ropa sin avisarle.

En la película Wood asegura que en la segunda guerra mundial saltó en paracaídas con ropa de mujer bajo el uniforme, así que bajo sus ropas militares Wood sería como el hada interpretada por Dolores Fuller: Con ropa femenina descendiendo amarrada con un arnés al campo de batalla.

Y este director/hada madrina que además era productor, actor y guionista (Sólo él y Orson Wells hacían todas esas cosas según Wood) al parecer también trabajaba en un vivero de algún estudio joligüdense. Y mientras llevaba alguna planta que habían pedido en algún parte de los estudios de cine, era como un niño en el circo descubriendo camellos, tomas de archivo de estampidas de búfalos o explosiones, noticias sobre alguien que se cambiaría de sexo y gente, personajes inverosímiles a quienes él les daría, si no vida, un papel. Que en el cine es más o menos lo mismo.

Como Bela Lugosi, famoso intérprete de Drácula que estaba acabado y perdido en la droga o el luchador sueco Tor Johnson, cuya cara se volvió la máscara de Halloween más popular algunos años después. O Vampira a quien ahora calificaríamos como una gótica, o Criswell un adivino de la televisión de profecías siempre fallidas. O como Bunny Beckinridge, que decide venir a México a cortarse el pene, pero aquí tiene un accidente automovilístico, lo roban y además descubre que el doctor que lo iba a operar era un farsante. Pero encuentra la salvación y el consuelo en un grupo de mariachis.

Puro freak, puro anormal, como grita exasperada Dolores Fuller cuando corta a Wood. aunque no sólo los amigos de Ed Wood son así, también los ejecutivos de los estudios y los inversionistas.

En un bar Wood se topa a Orson Wells y los dosse quejan de los de arriba. Orson le cuenta que hay un estudio que insiste en que ponga a Charlton Heston en un papel de mexicano. Nomás no hay a donde hacerse.

Y a pesar de todo Ed Wood triunfa. Termina "Plan 9 del espacio exterior" como él quiere y saliendo de la gran noche de estreno se va a Las Vegas a casarse con la mujer que lo acepta a él y a sus sweaters de angora y demás ropa de mujer. Estuvieron juntos hasta la muerte de Ed.

Lo de ganar el premio a peor director que importa. Se volvió un director de culto, tanto así que cada 10 de Octubre sus admiradores alrededor del mundo, unidos en la Iglesia de Ed Wood, celebran su cumpleaños con fiestas y conciertos.

Salve Ed Wood hada madrina de los freaks, que de ellos será el reino de las historias. 

El panóptico de Kafka

 

En Kafka (Steven Soderbergh 1991) la estructura de poder a la que se enfrenta el protagonista Kafka (Jeremy Irons) me recuerda al panóptico de Foucault, es decir al panóptico de Jeremy Bentham, una estructura tipo prisión, diseñada para que los presos se sientan observados todo el tiempo. Y al menos este poster de la película, con un ojo en un círculo que a su vez tiene un círculo enmedio y lineas que van de este círculo interno al externo, como divisiones entre celdas, hace pensar que de algún modo quien diseñó el poster tenía la misma idea.

Pero en la película este ojo que todo lo ve actúa a través de una compañía de seguros de gastos médicos donde trabaja Kafka. Ahí se recopila información y los empleados son observados y cronometrados. A Kafka un jefe le dice que deje de escribir y mejor cambie de hobby a alguna actividad al aire libre. Para que se vea más normal pues quien sabe que pensará la gente de él. En otras palabras le pide que actúe normal.

Esta compañía aseguradora es un tentáculo del castillo, el centro del poder. En donde hacen experimentos con la gente para que sea más "eficaz", es decir, que haga lo que se le dice. Y el archivo, es decir la información, de la compañía de seguros se pasa al castillo.

Kafka entra al castillo por un pasadizo secreto que lleva a un cajón de archivo adentro del algoritmo. Perdón, adentro del castillo. Ahí Kafka desenmascara el complot y logra escapar. Pero al día siguiente vuelve a su trabajo y todo sigue como si no hubiera sucedido nada. Después hay algo que parece una prueba: la policía lleva a Kafka a ver el cadáver de una mujer. El sabe que la mataron en el castillo, pero cuando el jefe de la policía le pregunta si está de acuerdo en que parece un suicidio Kafka dice que sí. Se ha vuelto cómplice del sistema y en la siguiente escena dice que ahora ya se siente parte del mundo que lo rodea pero que saber la verdad le hace más fácil la vida y la muerte.

Esta es la segunda película de Soderbergh, y la primera Sexo, mentiras y video, también maneja temas muy foucaltianos. 

El sicópata y su lugar feliz

Warhunt (Dennis Sanders 62) Fue la primer película de Robert Redford, que hasta ese entonces era actor de teatro y televisión. Y también fue el debut cinematográfico de Sydney Pollack por cierto. Y como cosa curiosa, Francis Ford Coppola sale de chofer de un camión.

La historia sucede en 1953 al final de la guerra de Corea, el armisticio es parte dee la película de hecho. Los protagonistas son los soldados Roy Loomis, el personaje de Redford, y Raymond Endore (John Saxon). Loomis es un recién llegado al frente y Endore no lleva tanto, como un año. Pero a él la guerra ya lo cambió. O quizá desató algo latente en él. El caso es que Endore ya le agarró el gusto a eso de matar.

Cada noche se viste de negro, se pinta la cara del mismo color y sale a matar chinos desprevenidos con un cuchillo. Se trata de chinos pues frente a los americanos hay tropas chinas.

Y Endore hace un ritual alrededor del cadáver cada vez que mata, o sea que es un asesino serial. Aunque claro uno puede pensar que los ejércitos están llenos de rituales... pero bueno, el caso es que los rituales de Endore no son políticamente correctos. De cualquier modo Endore es un asesino serial en la guerra así que es feliz como una lombriz. Tanto así que no quiere que lo manden a descansar a Japón, o que acabe la guerra. Y nadie se mete con él pues cuando sale a matar chinos suele conseguir información importante para los superiores así que básicamente hace lo que quiere.

El problema es que Endore ha adoptado a un niño norcoreano que quedó huérfano cuando bombardearon su aldea. Y le enseña a matar y a ser como él. Loomis se da cuenta hacia dónde lleva Endore a Charlie, como le dicen al niño, y tratará de evitarlo. ¿Lo logrará? ¿Y es lo deseable que Charlie vaya a un orfanato como quiere Loomis o tiene razón Endore que le dice a Charlie que en un orfanato nadie lo conoce y lo castigarán por todo? Al final sólo una cosa queda clara, ese niño norcoreano heredero del sicópata americano será un problema. Sin duda un poderoso simbolismo.

La chaviza y la momiza

Ahora que se estrena una película mexicana "Autos, mota y rocanrol" ubicada en el famoso festival de Avándaro de 1971 que era un festival de "Rock y Ruedas" pues supuestamente iba a ser una carrera de coches y festival de rock, pero acabó siendo sólo festival de rock pues al llegar mucha más gente de la esperada la cosa se puso caótica y se suspendió la carrera.

Mecánica Nacional (Luis Alcoriza 1972) se estrenó apenas un año después del festival de Avándaro y hay también una carrera, la "Carrera de Costa a Costa Acapulco - México - Veracruz" y casi todo sucede en un campamento donde la gente espera la llegada de los coches a la meta. Aunque no están en Veracruz ni en ninguna costa.

Tiene mucho espíritu 60´s, 70´s, la fiesta, pues toda la película no es más que una gran fiesta incluyendo los preparativos y el regreso de la fiesta, tiene mucho de hippie. Pero no sólo de eso pues en ese entonces en México la gente no se dividía en chairos y antichairos sino entre la chaviza y la momiza, los jóvenes y los viejos y en Mecánica Nacional la fiesta es entre todos.

Como principal representante de la momiza está la abuela, Doña Lolita (Sara García) que literalmente acaba como momia. Se muere de tanto comer y sacan su cadaver en un coche, sentado en el asiento del copiloto, toda arreglada, llena de crucifijos y estampitas de santos, con una corona en la cabeza y hasta maquillada. Acaba saliendo escoltada por policías mientras suena el son de la negra.

Creo que se puede decir que la fiesta funciona como una despedida de los valores de la momiza. Que no es sólo la abuela, quien significativamente en su primer escena critica a una vecina a la que dice le salió panza de tanto ir al cine con el novio.

Eufemio (Manolo Fábregas), el hijo de la abuela, que funciona como protagonista de la historia aunque esta es muy coral, con múltiples personajes y multiestelar pues además de Sara García y Manolo Fábregas están Lucha Villa, Ernesto Gómez Cruz, Patricio Castillo (Que es difícil de creer pero alguna vez fue joven) y Hector Suárez nada menos, entre muchos otros.

Bueno pues Eufemio tiene un taller mecánico llamado Mecánica Nacional, con un aviso a la entrada de que sólo atiende clientes muy machos. El es un buscapleitos, aunque lo vemos ponerse muy gallito sólo en bola y además le quiere poner el cuerno a la esposa. Pero cuando descubre que ella es probablemente la que se lo puso a él, y además cacha a una de sus hijas poniéndole con el novio, se le viene el mundo abajo. Dice que la hija lo ha deshonrado y se pone violento.

Esta hija por cierto no quería dárselas al novio, que la acusaba de defender los valores de la momiza. Que más que valores aparecen como una doble moral.

Y aparte del machismo otro engrane de la mecánica nacional parece ser la transa. Eufemio acepta que se transa a los clientes de su taller y otros personajes también hacen diferentes tipos de transas, inclusive alguien explica que así todos quedan parejos pues se desquitan de las transas que les hacen cuando se tranzan a otro.

Pero toda esta crítica viene dentro de una gran pachanga, muy divertida, y donde hasta la muerte es parte de la fiesta. El director Alcoriza aunque español, o quizá gracias a eso, logra que uno como espectador diga ¿cómo le hicieron para sacar mexicanos tan mexicanos? Porque es un desmadre mexicano a más no poder, justamente considerado clásico del cine nacional. Y por cierto, hasta la carrera de coches les queda muy bien. 

 

Rudo y maricón

El Complot Mongol (Antonio Eceiza 1977) fue la primer adaptación de la novela súper éxito del mismo nombre de Rafael Bernal, considerada la mejor novela negra mexicana. Hay otra versión más reciente del director Sebastián Del Amo, pero esto es sobre la versión del 77 del director vasco Eceiza.

Y lo primero que se nota cuando uno conoce la novela y ve esta película es que extrañamente, a la versión fílmica no llegaron los brillantes diálogos de la novela, en particular esa voz interior del pistolero Filiberto García (Pedro Armendáriz Jr.) que no deja de decirle "pinche" a todo y hablar de muertos. ¡Pinches muertos!, es la frase de batalla de Filiberto, un tipo agudo y simpático a pesar de sus defectos, un personaje que se expresa a través de su diálogo interior y con los demás personajes, y que desaparece la voz interior y es de pocas palabras con los demás 

En general los diálogos de la película son sumamente parcos, parece como si los actores estuvieran cobrando por palabra y los productores de la cinta no quisieran gastarse el dinero, que se nota era poco, en palabras de más. Esta película parece un punto medio entre los grandes diálogos del cine mexicano anterior y el más contemporáneo cine minimalista mexicano con su mutismo extremo.

Por otra parte es fácil imaginarse a los guionistas de la película, es decir al director Eceiza y al crítico de cine y guionista de ocasión Tomás Pérez Turrent, como a la pareja de beodos de la cinta, es decir Filiberto García y el licenciado (Ernesto Gómez Cruz) que entre copa y copa van contando la historia por medio de flashbacks. Así Eceiza y Pérez Turrent, en la famosa cantina "La Opera" de la Ciudad de México, como los personajes de la película, irían adaptando la novela basándose en flashbacks, usando muchas tomas con espejos y diálogos mínimos pero que a pesar de eso logran ser poco claros, creando un efecto de desorientación, de película borracha.

Y eso claro puede ser positivo, es un efecto interesante, pero luego parece que se pasaron de tequilas. Como por ejemplo con la balacera final, ya después de que García se echó al Licenciado Del Valle y al coronel. ¿Quiénes participan en la balacera? ¿Porqué? ¿En dónde están? ¿Qué pedo? 

La historia se trata de un gran complot, primero para asesinar al Presidente de Estados Unidos durante una visita a México y después resulta que al que querían matar era al Presidente mexicano. Hay un agente del FBI, curiosamente llamado Spielberg, y uno de la CIA. Y sin embargo la película no pasa de ser una típica historia mexicana sobre el matón del barrio. Sólo que del barrio chino de la Ciudad de México, pero es una historia de vecindades y borrachos en la cantina.

Hay dos momentos en que la película misma parece decir que no está a la altura: Uno cuando a Filiberto le dice su jefe, el coronel, que se le hace raro que en una gran intriga no haya extranjeros y Filiberto responde que los extranjeros son más organizados y no usarían a gente como "el sapo" y otro de los matones de la película para una gran intriga. La propia película diciendo que sus personajes no están a la altura.

Y otro momento en que la película parece sincerarse es cuando en la borrachera el licenciado le dice a Filiberto, que que bajo han caído. El licenciado tuvo tiempos mejores y dice que ahora está en la mierda.

Pero se supone que Filiberto es un policía y está en el caso de una gran intriga internacional, sería un momento estelar de su carrera.

Pero claro, lo que sucede es que eso no es creíble. El licenciado habla por si mismo pero además parece hablar por el cine mexicano, por el país, por Filiberto y hasta por algunos de los que participan en la película. Como Pedro Armendáriz, cuyo padre actúo en películas clásicas de la llamada época de oro, o como el cinefotógrafo de la cinta Alex Phillips Jr. hijo de Alex Phillips, que fotografió grandes películas mexicanas, incluidas historias de cine negro como "La Otra" o "La Diosa Arrodillada" dirigidas por Roberto Gavaldón.

Y a pesar de eso, la película refleja bien la realidad de un país en donde personajes como el licenciado o como Filiberto trabajan para alguien, a veces del lado de la ley y a veces del otro, como bien dice el abogado borrachín. Como pistoleros o como abogados. Por las buenas o a veces por las malas, como a Filiberto a quien tienen sometido por haber matado "sin órdenes". El licenciado vendía huelgas y Filiberto mataba campesinos. Sí, eso que dice el licenciado de que en el fondo él y Filiberto son iguales parece verdad.

En realidad ellos dos son la esencia de la historia y la intriga es lo de menos. El abogado borracho y decadente con quien tantos se pueden identificar y el macho, o matasiete, como le dice una prostituta a Filiberto. Un personaje que despojado de casi toda la gracia e ingenio que tiene en la novela queda al desnudo como un tipo que golpea mujeres, es mamón y grosero. Y parece tan macho, pero, como le dice la prostituta a la que se niega a pagarle nomás porque sí, los tipos como él, los machos matasietes son todos maricones. Y hay una cosa curiosa, se supone que él está enamorado de una china y cuando matan a la china se pone loco. Pero la china, Martita (Blanca Guerra), se la pasa ofreciéndosele y rogándole a Filiberto y él se la pasa haciéndose el difícil. Inclusive le reconoce al licenciado que se vio maricón con Martita. Y lo mismo le pasa con una gringa, que está como metida para saciar el antiyanquismo mexicano, ella se le ofrece y se encuera nomás de ver al pistolero mexicano. Y por cierto, de Spielberg, el agente del FBI, García dice que es puto y al de la CIA lo manda a chingar a su madre. Sólo se le hace con la prostituta a la que no le paga. Y le agarra una teta a otra mujer, torciéndosela, para torturarla y que suelte la sopa. Bien misógina la cosa.

Creo que sería mejor título para la película "El Complot Teporocho".       

El sol zombificador

Eddington (Ari Aster 2025) presenta a manera de enlace entre capítulos una imagen clásica del western: El sol en el cénit rodeado de un halo. En la típica de vaqueros esa imagen viene con música ominosa que anticipa un desenlace fatal y de remate suena el cascabel de una víbora o se escuchan graznidos de zopilotes. Sabemos que el héroe cruza el desierto y, a menos que suceda algo inesperado su muerte es inminente.

En el pueblo de Eddington, un microcosmos de Estados Unidos, el que está condenado no es un solitario vaquero, más bien parece ser el pueblo completo. Lo dice Joe Cross (Joaquin Phoenix), el sheriff de esta población en el desierto de Nuevo México. Se lo dice al alcalde: "Tu pueblo está muerto". Y Cross, como un Trump wannabe quiere devolver a Eddington a supuestos tiempos de gloria pasados cuando era un pueblo dedicado a la minería de cobre.

Pero parece que el principal problema de Eddington no es ni el covid 19, la historia transcurre en 2020, ni tiene nada que ver con el cobre. Más bien es como si el sol del desierto les estuviera causando alucinaciones a los habitantes, o como si les estuviera comiendo el cerebro, zombificándolos.

Eso sin embargo es metafórico, lo que vemos es un virus, que no tiene nada que ver con el covid, que entra por la laptop de Dawn (Deirdre O´Connell), una fanática de las conspiraciones empeñada en que su hija Louise (Emma Stone) "saque la cabeza de la arena", es decir que acepte las teorías conspirativas igual que ella.

Louise por cierto, está mal, al principio no sabemos que tiene, parece deprimida, se siente observada todo el tiempo, rechaza el sexo con su esposo, quien al inicio de la película esta viendo un video sobre personas que quieren tener hijos pero su pareja no.

La cura resulta ser un tuluminati: Vernon (Austin Butler) un "iluminado" que asegura que gracias a cinco años de terapias experimentales recuperó recuerdos de cuando su papá lo regaló a un grupo de pedófilos, que lo llevaron junto con otros diez niños, a un bosque para abusar de ellos y sólo él pudo escapar. Todo acerca de este gurú parece falso empezando por su historia y las teorías conspirativas que propala en su sitio de internet. Así que cuando nos enteramos que el problema de Louise supuestamente es que fue abusada, y luego al final la vemos feliz y embarazada junto a Vernon, lo de que sus problemas vinieran del abuso parece dudoso. Para empezar ella nunca dice quien fue el que abusó de ella. Su mamá dice que fue Ted García (Pedro Pascal), el alcalde del pueblo, pero Louise lo niega. El sheriff Cross le pregunta quien fue y ella no le dice nada a su marido. De cualquier modo el problema por un abuso cuando ella era niña no se había podido arreglar hasta que llega el loco chalado de Vernon. La conclusión lógica es que ella necesitaba un charlatán y una secta para sanar y poder tener hijos.

Es el triunfo de los merolicos y embaucadores, como el vagabundo mugroso y descalzo con quien inicia la película, quien va hablando solo prometiendo millones a quienes le hagan caso. Significativamente atrás de este vagabundo, Lodge (Clifton Collins), se ve la construcción de un gigantesco centro de datos para alguna inteligencia artificial. Lodge acaba muerto, pero otra conspiranoica, la suegra del sheriff, será de las triunfadoras. Ella será quien hablará en la inaguración del gigantesco centro de datos, pues a su yerno le meten un cuchillo en la cabeza y queda como vegetal, pero aún así gana las elecciones y se convierte en el nuevo alcalde de Eddington. Y como no puede moverse o hablar, la suegra, con la que vive, acaba siendo el verdadero poder.

¿Pero cómo fue que Joe Cross acabó como un despojo humano descerebrado?

Al principio parece un tipo que sólo está en contra de ponerse cubrebocas y de la cuarentena porque según él el covid aún no ha llegado a Eddington. Parece un tipo bonachón que ayuda a la gente, está en contra del alcalde García porque este es corrupto y ama profundamente a su esposa.

Pero no quiere pensar: Decide lanzarse para alcalde y no quiere pensarlo mucho, acusa a Ted García de violación y tampoco quiere pensarlo mucho antes de lanzar la acusación por las redes. Va soltando pequeñas teorías conspirativas como que detrás del centro de datos está Bill Gates, algo de lo que no tiene la menor prueba, o que los tapabocas tienen que ver con el comunismo y acabarán siendo mortales. Después de acusar a García de violar a su esposa las cosas se van enredando cada vez más hasta que acaba haciéndose de enemigos que lo quieren matar.

Y las teorías descerebradas de derecha no son el único blanco de críticas en esta película. También aparecen wokes con ideas bastante radicales como los blancos que quieren acabar con los blancos. Uno de ellos, Brian (Cameron Mann), acaba matando a un tipo de la "antifa", los antifascistas, el que le clava un cuchillo al sheriff y paradójicamente eso le permite convertirse en un influencer de derecha. Pero influencer al fin. Y en efecto, los extremos se tocan.   

Traición de la madre-máquina

En Alien (Ridley Scott 1979) parece que no tomaron muy en cuenta al gato Jones, pues al menos en español se anunciaba como Alien: el octavo pasajero. Siete supuestos humanos más el alienígena xenomorfo. Pero el gato Jones es importante, para empezar sobrevive al xenomorfo y Ripley (Sigourney Weaver) ya al final de la película, con el tiempo encima para huir de la nave y salvarse, se da tiempo para buscar a Jones. De hecho Jones participa en la narración de la historia, vemos que a Brett (Harry Dean Stanton) se lo come el alien a través de los ojos del gato.

Jones y Ripley, cuya vulnerabilidad queda resaltada al final cuando portando apenas unos pequeños calzoncillos debe enfrentar por última vez al monstruo, comparten el olfato que puede detectar una rata en la nave. Ripley desde que el científico Ash (Ian Holm) deja entrar a la nave a Kane (John Hurt) sin seguir los protocolos de cuarentena obligatorios, sospecha de él. Para cuando descubren que Ash es un robot, ella ya sabía que estaba protegiendo al monstruo.

Ripley y Jones tienen olfato y los enemigos son primeramente el robot humanoida Ash y la "madre" como le dicen al sistema que es como una inteligencia artificial actual.

Si no fuera por Ash y la madre los tripulantes del Nostromo ni siquiera hubieran entrado en contacto con los mortíferos aliens en primer lugar.

Alien es una fábula cuya moraleja es no confiar demasiado en las máquinas, o las corporaciones que las manejan, para no abrirle la puerta al monstruo hipereficiente que Ash admira por su falta de moral

Carta de amor a la madre

 

Psicosis (El gordo Hitchcock 1960) nos presenta a Norman Bates (Anthony Perkins), un hijo que ama descontroladamente a su madre aunque no es correspondido. "Era malo desde chico" dice ella.    

Es una historia que mezcla sicoanálisis: el psiquiatra es el único que puede sacarle la verdad al perturbado Bates, cosa que ni la policía puede y también es el único que después puede explicar lo que pasó. Psicosis es también la primer película, que yo sepa, que sacó ideas del caso del asesino serial Ed Gein, como hicieron después películas como Masacre en Texas y El Silencio de los Inocentes. Cabe mencionar que en efecto de acuerdo al sicoanálisis el "complejo materno" puede ser muy destructivo. Inclusive se señala al mito del dragón, un mito universal que aparece en infinidad de culturas alrededor del mundo como representante del lado obscuro del complejo materno. Otra película de la que escribí en la que sale este lado materno violento es Salvaje de Corazón.

Conste que estoy hablando del complejo materno, no de las mamás. Que son dos cosas distintas. Un aspecto de este complejo materno que sale muy bien representado en Psicosis es el estancamiento que provoca: Así como el cuerpo de su madre está muerto, rígido y en descomposición, Norman el hijo permanece rígidamente viviendo en casa de la mamá atendiendo un motel a donde ya nadie va y sin embargo, según dice él mismo, sigue cumpliendo escrupulosamente todas las formalidades y haciendo todo el trabajo, como si el motel aún tuviera huéspedes. Por ejemplo dice que lava las sábanas cada semana y más adelante reconoce que ni siquiera se han usado. Además el motel y la casa de los Bates están junto a un pantano (agua estancada), la carretera que pasaba por enfrente cambió de ruta y para rematar Norman es taxidermista, se dedica a disecar aves, que además, si le preguntamos a algún diccionario de sueños nos dirá que las aves representan el sexo. Entre otros posibles significados claro. Pero resultan significativas las aves disecadas ahí en la habitación donde Norman lleva a cenar a Marion (Janet Leigh), ese pájaro en fuga, que huye de una situación que huye de una situación en que no puede respirar a gusto por culpa de otra mujer que llegó primero: La exesposa de su novio.

Norman y Marion podrían escapar juntos a alguna isla privada (y sin dragones) como dice ella. Pero eso nunca lo permitirá la señora Bates. No importa que sólo viva en la cabeza de su hijito Norman.                                       

Austeridad y crimen

En American Gangster (Ridley Scott 2007), lo que vemos es que la droga es sólo un pretexto para el poder que en realidad a nadie le importa. Como dice el policía corrupto Trupo (Josh Brolin) "Hay que mantener viva a la gallina de los huevos de oro" pues de la drogadicción salen muchos trabajos y mucho dinero. Y más importante que la droga es, por ejemplo, que el narcotraficante Frank Lucas sea negro y que no trabaje para nadie. Lo que es un agravio para los mafiosos italianos acostumbrados a dominar el bajo mundo y lo que se dice en la película no es que eso sea un tema de dinero para ellos sino un tema de imagen.

La imagen también es lo que al final acaba con Lucas, quien como si fuera de la mafia mexicana de la 4T, predica la austeridad y le dice a uno de los familiares que trabajan para él que no debe usar trajes caros y llamativos pues el tipo con el traje más llamativo es el más vulnerable. Sólo que él mismo no sigue su propio consejo en una ocasión fatídica, nada menos que en una famosa pelea entre Mohammed Alí y Joe Fraser a la que asiste con un carísimo abrigo y sombrero, porque se los regaló la esposa, y los dos grupos de policías que lo buscan sospechan de un desconocido tan elegante y sentado tan cerca del ring, se ponen a averiguar quien es y así descubren que es el nuevo jefe del narco local.

La imagen como elemento central del crimen y la lucha contra el crimen como en L.A. Confidential 

La historia presenta el lado oculto de los dos protagonistas, el detective Richie Roberts (Russelll Crowe) que es un mujeriego y mal padre, pero que es un policía honrado y el gángster Frank Lucas (Denzel Washington) que tiene un lado de hombre de familia y ciudadano respetable. ¿Y en dónde aprendió Lucas el negocio? Pues trabajando para un político/gángster, cacique del pueblo bueno de Harlem, otro de esos cómo el primer Presidente que le declara la guerra a las drogas, el corrupto Richard Nixon. ¿Y cómo traía Lucas su droga desde Asia hasta Estados Unidos? pues en aviones del ejército.  

Roberts acaba trabajando para Lucas pero como abogado. Todo legal pues. Y como dice Frank Lucas con él o sin él la droga seguirá corriendo igual.

La verdad tiene traje de conejo

Donnie Darko ( Richard Kelly 2001) presenta la visión antes de morir del adolescente Donald Darko (Jake Gyllenhaal) o, según la propia historia, la tangente del tiempo por la que se fuga momentáneamente.

En esa línea de tiempo alternativa por la que se va, se enamora de Gretchen Ross (Jena Malone) y desenmascara al gurú local de la superación personal Jim Cunningham (Patrick Swayze) quien además de embustero resulta ser un pedófilo.

Donnie también descubre que la verdadera sabia de la localidad es la vieja a la que apodan "abuela muerte" (Patience Cleveland) a la que le calculan más de cien años y que parece estar loca.

Así que al final Donnie conoce el amor y la verdad ¿Qué más se puede pedir? Sólo que para llegar a ellos debe hacerle caso a Frank (James Duval), un tipo con un traje de conejo alienígena predador. En realidad Frank viene siendo la intuición de Donnie, que toma a este tipo con traje de conejo, a quién Donnie va a matar al final de la tangente temporal, para presentarse. Desde un principio Frank le advierte a Donnie que el fin está cerca así que la iluminada filosofía de Donnie de que el chiste de la vida es sólo pensar en sexo ya no le es suficiente.

Pero Frank no pide cosas fáciles. Entre las cosas que le encomienda están romper la cañería de su escuela y quemar la casa del falso gurú Jim Cunningham, acciones que implican grandes peligros.

Llama la atención el ataque a la "positividad" por llamarla de alguna manera: No sólo el gurú de la autoayuda resulta ser un pedófilo, la maestra más admiradora de este tipo, la Sra. Farmer (Beth Grant) hace que despidan de la escuela a la maestra de inglés (Drew Barrymore), quien según Donnie es la única buena maestra de la escuela, y esto por hacer leer a los alumnos un cuento con cosas "negativas". Y hay una conversación entre Donnie y Gretchen acerca de porque los bebés le tienen miedo a la oscuridad, que es de suponerse, les lleva a presentar un proyecto en su clase de física para hacer una especie de lentes en los cuales ponerles imágenes positivas a los bebés. Y el profesor les pregunta si no consideraron que los bebés necesitan oscuridad. Otro tipo pregunta si esos lentes no podrían serían usados por algunos padres para ponerle cosas negativas a sus hijos. Como imágenes de satán por ejemplo. Lo que hace pensar en la religión que mete ideas positivas. E ideas como la de satán. Y claro, ese tipo que predica el amor y es pedófilo recuerda a tantas religiones y sectas.

Cuento de hadas para masoquistas

Hellraiser (Clive Barker 87) es una historia que usa elementos tradicionales del horror como la casa maldita, los misterios de oriente, mucha imaginería católica (cenobio es un monasterio y por lo tanto cenobitas significa monjes), el vagabundo del mal o el mecanismo diabólico, y además mete el tema del sadomasoquismo.

La duplicidad de los cenobitas "demonios para algunos, ángeles para otros" se aplica a toda la historia. La resurrección de Frank por ejemplo: Volver de la muerte sería bueno, volver como un monstruo sin piel sería malo. La pareja que se muda a una mejor casa y con un mejor trabajo para el marido, pero la mudanza les acaba costando la vida. El vagabundo, la persona más baja, que en realidad es un poderoso demonio. Nada es lo que parece: Dolor es placer, ese cubo que alguien compra en realidad siempre le perteneció. El monstruo es en realidad un viejo amante y la mujer que promete sexo lleva a la muerte. Larry es Frank que se puso la piel de su hermano. El ícono del terror no se llama Pinhead, al menos no en esta película. Y no es un personaje tan importante. Pero será lo más recordado de Hellraiser. Que no fue tan exitosa con la crítica en su estreno y ahora la película y Pinhead son clásicos del terror. Aunque en el fondo es una historia de amor: Sólo la hija que ama a su novio y el novio que la ama se salvan. Larry que no ama a su hermano y vende sus cosas y Julia que no ama a su esposo se mueren. Y Frank que no ama a nadie acaba atravesado por los ganchos de carnicero de los cenobitas, para siempre.

Terror católico

Tales from the Crypt (Freddie Francis 72) empieza por situar a los personajes de las cinco historias de la película en un escenario de oscuridad católica.

Se trata de un grupo de visitantes a unas catacumbas en donde los monjes católicos se escondieron durante el reino de Enrique VIII, cuando este rey mandó cerrar todos los monasterios y conventos de Inglaterra.

Para los protestantes una de las características de los católicos es su obsesión con la culpa: Eso de darse golpes en el pecho diciendo "por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa", flagelarse en procesión y esas cosas. Y en estas historias presentadas por este monje, en papel de espectro del antiguo catolicismo inglés y que parece como una especie de juez, la culpa aparece en cada historia junto a una fértil imaginación para los castigos. Tanto así que parece imaginación católica. Así que el monje, como un Dante del siglo XX nos guía por este infierno de cinco círculos en donde el karma nunca falla.

En la primer historia un asesino serial mata a una mujer justo después de que ella mata al marido para quedarse con el dinero del seguro. En la historia que sigue un marido tiene un accidente fatal en la carretera justo la noche en que había abandonado a la esposa y los hijos para irse con la amante. En estos casos destaca el buen timing del karma para no dejar duda que esas muertes fueron castigos. Lo mismo sucede en otra historia en la que un burgués hijo de puta se dedica a joder a un vecino que es barrendero. Porque no quiere tener un vecino barrendero. Así que hace que le quiten a sus perros, que le quiten su trabajo y su pensión y esparce el rumor de que podría ser un pedófilo. Finalmente, un día de San Valentín; y en este caso la imaginación se aplica no en el castigo sino en el pecado, hace que todos los vecinos le envíen cartas al barrendero, expresando, con versos ingeniosos, su desprecio y odio hacia él. El tipo finalmente se suicida y cuando entran a su casa a ver que le pasó, se sorprenden de que esta estaba impecable. Cuando habían dado por hecho que sería un muladar. Y así el guionista nos dice que si el barrendero hubiera tenido sucia su casa, todo lo que sufrió habría tenido al menos una justificación. Aunque fuera pequeña.

Pero como era muy limpio lo que le hicieron fue una injusticia total.

El timing otra vez es importante. El barrendero muerto sale de su tumba justo el 14 de Febrero del siguiente año a matar a su vecino.

Los ricos aquí son todos malos y aunque en la siguiente historia no vemos que el protagonista, un hombre de negocios que acaba de quebrar, haga nada malo, el mismo dice que tuvo que ser despiadado para llegar a la cumbre. De la que se acaba de caer. Gracias a su amabilidad de informarnos que es malo podemos ver como este caballero sufre un castigo espeluznante con más tranquilidad. Porque su esposa se encuentra una especie de lámpara mágica de aladino a la que le pide tres deseos. Primero ser rica. Así que el marido se muere y ella cobrará un gran seguro de vida. Luego que el marido viva, pero este está embalsamado así que sufre un dolor de los mil demonios. y, resumiendo, la esposa con sus tres deseos provoca sin querer que el marido viva eternamente con un dolor infinito y ya no se muere ni cortándolo en pedacitos. Y aún le falta el infierno a este burgués.

Por último, la historia final, una muy dickensiana, ocurre en una residencia para ciegos en donde un nuevo director, un militar, miserable como Scrooge, el del Cuento de Navidad, provoca con su avaricia que uno de los ciegos muera, de frío y hambre seguramente. Mientras él y su perro se dan la gran vida. Además no vende sus cuadros para tener dinero para los ciegos, el maldito gentrificador. Entonces los ciegos se ponen creativos, encierran al hombre y al perro y al final hacen que el militar recorra un laberinto con navajas en las paredes hasta llegar al perro, que como no ha comido se alimenta de su antiguo dueño. Una cosa dantesca sin duda.

Y todavía falta el final en donde el monje, ese digno representante de los inquisidores que a su vez sufrió lo indecible a manos de los reformistas envía a todos al fuego eterno. Ese prodigio supremo de la ingeniería mental del castigo.

Amén hermanos. (Y ya saben: familia, austeridad, la casa limpia y nada de arte)

El demonio equivocado

La Novena Puerta (Roman Polanski 1999) demuestra que hasta al más diabólico director se le va la liebre por la puerta que no lleva a ninguna parte. Como a Balkan, el millonario de la historia que quiere hacer un pacto con el diablo, pero se equivoca en el paso número nueve, la novena puerta, y no hace pacto con nadie, nomás se muere.

Lo mismo sucede con los otros hombres que entran en contacto con el libro antigüo donde vienen las instrucciones para fundirse con el demonio: Uno se suicida, probablemente tras enterarse que su esposa participa en orgías satánicas. Otro hombre y una mujer, que dice que su época de orgías ha quedado atrás, son asesinados. Esa mujer asegura además que el libro nunca ha funcionado.

Lo único que sí funciona es coger con una demonia. 

Okey eso está bien. 

Pero prácticamente toda la historia depende de que uno crea en libros escritos por satán. Y si uno no cree en eso pues no hay realmente nada interesante.

Paradójicamente unas palabras del villano Balkan, dirigidas a la hermandad de adoradores de satanás que se reunen a venerar el libro maldito, podrían aplicársele a la trama basada en un libro maldito. Balkan les dice, palabras más palabras menos, que son unos ridículos, a los que jamás se les aparecerá el demonio. O sea está de acuerdo con la mujer ex orgiasta que dice que el pinche libro nomás no funciona.

No funciona, la película no da miedo, y la relación entre el protagonista Dean Corso (Johnny Depp) y la demonia (Emmanuelle Seigner) es sólo una subtrama que sólo se vuelve protagónica al final. Y hasta la escena final de sexo entre esta demonia y Corso es insípida y poco inspirada. Para colmo usan un efecto chafísima de hacerle brillar los ojos a la mujer de modo que la historia misma espoilera el final cuando se "revela" que ella es el demonio. Parece un efecto como de "El Extraño Retorno de Diana Salazar" o algo así. ¿Qué pasó ahí Polanski? Puro lugar común.

  

¿Las IAs sueñan con Werner Herzogs eléctricos?

Acerca de un héroe (Piotr Winiewicz 2024) es una película hecha con un guion hecho por una inteligencia artificial a la que se alimentó con todo lo que tuviera que ver con el director alemán Werner Herzog. Y con la voz de Herzog también sintetizada a través de la inteligencia artificial. Para no hacer el cuento largo si usted necesita hacer un guión métase tequila, métase hongos, métase drogas naturales y de diseñador. Después atrape a un gato callejero y váyase a escribir con él a escribir el guion a un hotel de mala muerte pero no empiece a redactar sino hasta que el gato empiece a dictarle. Haga eso o cualquier otra cosa pero no use una inteligencia artificial para escribir su guión. Lo que sale del guión alimentado con Herzog es simplemente incongruente y sin chiste. Y eso que al guión lo adaptaron. Así estaría la historia de la inteligencia artificial. Quizá más adelante cuando haya inteligencias artificiales inyectables y que uno se pueda meter una IA guionista de forma intravenosa y así meterse al hotel de mala muerte a escribir. Antes de eso no tiene caso.

Acerca de un héroe se presentará en el 44 Foro Internacional de Cine de la Cineteca

Una rendija para ver la tiranía

En el 44 Foro Internacional de la Cineteca se presentarán dos documentales que retratan dos tiranías de las que hay poca información. Por un lado Hollywoodgate es el trabajo del egipcio Ibrahim Nash'at, quién consiguió un permiso para grabar a los talibanes durante un año empezando apenas unos poco días después del retiro de las últimas tropas estadounidenses de Afghanistán en 2021. Claro que los talibanes son muy conocidos pero no se les puede documentar fácilmente. Las condiciones que le impusieron a Nash'at para grabarlos son muestra de ello. Tenía prohibido grabar a cualquiera que no fuera talibán y se concentró en dos sujetos. un talibán de a pie, o sea un soldado de bajo rango, y un alto mando, el general Mansour, que al principio del documental es nombrado comandante de la fuerza aérea. Su trabajo era tratar de poner en funcionamiento los helicópteros y aviones que los americanos dejaron en Afghanistán. y esa labor se convierte en la historia central del documental. Este general talibán es un tipo que no sabe ni multiplicar, pide ayuda para multiplicar 67 por 100, pero acaba haciendo funcionar al menos algunos helicópteros Black Hawk y otras cosas, con ayuda de ingenieros y con refacciones que dejaron los americanos. Acaban sobrevolando en un desfile militar al final. Pero lo más interesante es observar el día a día de esta gente para quienes vivir en guerra es lo normal y cargar una metralleta es como cargar el celular. Nash'at graba entre otras cosas una emboscada a enemigos de los talibanes, graba a este general hablando de como acaba de mandar matar gente delante de un niño como si fuera lo más común. Y el desastre americano, la base abandonada de la CIA donde dejaron hasta las botellas de Red Bull y Whisky. Y miles de millones de dólares en equipo militar. Es un documentalista sin miedo, a los talibanes no les gusta, uno de ellos dice que los reporteros siempre trabajan para alguna agencia de inteligencia, otro dice que si hace cualquier cosa que no deba lo van a matar. Y sin embargo le ordenen no grabar los aviones que les dejaron los americanos y los graba. Al final dice que lo que más le impresionó fue  lo que no pudo grabar: la prepotencia de los talibanes y el sufrimiento de la gente a manos de ellos.

Y otro documental del 44 Foro, Bajo las banderas, el sol, de Juanjo Pereira reúne material de archivo de la dictadura de Alfredo Stroessner en Paraguay. El gran mérito de este documental se nos dice es que casi no hay registros de esta dictadura, que duró 35 años, de 1954 a 1989, y entonces los realizadores tuvieron que juntar las piezas para hacer este documental en archivos alrededor del mundo. Y es impresionante porque uno como espectador se da cuenta que hubo en latinoamérica una dictadura que se puede calificar de nazi. Stroessner era descendiente de alemanes y al parecer tomó de los nazis desde el racismo hasta técnicas de tortura y le dio refugio a altos mandos nazis en Paraguay. Especialmente al criminal de guerra Josef Mengele, el "ángel de la muerte". Al final Stroessner es destituido por su consuegro el General Rodríguez, "El General Cocaína", y se exilia en Brasil en donde vive hasta su muerte. El partido colorado de Stroessner, con un estilo y formas muy nazifascistas sigue gobernando hasta la fecha en Paraguay.

Detrás del tapabocas

Mourning Grave/ Sonyeogoedam ( In-chun Oh 2014 ) es una historia coreana de fantasmas, que según dicen en esta página especializada abreva de la tradición japonesa de la kuchisake-onna, la "mujer de boca cortada", así como del subgénero del horror escolar coreano y tiene también influencias del horror hongkongés y muy directamente de las películas americanas Carrie, el Sexto Sentido y Odd Thomas. Lo que a mi me parece más interesante es que según esto las ideas acerca de los fantasmas en esta historia siguen fielmente la tradición del chamanismo coreano, pues en esta tradición hay exorcistas de fantasmas que heredan sus facultades, se usan talismanes de papel y se hacen ritos anti fantasmas con espadas y dagas. Y todo eso aparece en Mourning Grave.  

En esta historia todos los fantasmas son mujeres adolescentes y tienen un lado muy agradable, muy bonito y otro de monstruo sanguinario. Específicamente la fantasma principal Sae-hee tiene un problema de personalidad múltiple. Y ni como darle medicamentos pues está muerta. Y hay un desdoblamiento similar con las colegialas coreanas no fantasmales. Hyun-ji es la más bonita de la escuela pero es la más mala de las malas. Una bully de terror.

Pero me parece que aquí el bullying es sólo un tema intermedio para llegar al verdadero tema de fondo de la historia que es la culpa por no ayudar al que lo necesita. El protagonista Sun-il no ayudó de niño a atrapar al asesino de su compañera Ah-young y la culpa lo carcome. Más adelante nadie ayuda a Sae-hee que sufre a manos de Hyun-ji y su bolita. Y a los que más odia el fantasma de Sae-hee, que se acaba suicidando, es a los que no hicieron nada por ayudarla. Más que a quienes la martirizaban. Que es algo de lo que yo he oído, de víctimas de la vida real cuyo resentimiento es todavía peor con los que no hicieron nada por ayudar. Culpas y resentimientos para los que no hay exorcismo que valga.

Curiosamente esta es una película prepandemia en donde el tapabocas juega un papel muy importante. A Sae-hee la malvada Hyun-ji la obliga a usar uno todo el tiempo. Y cuando se lo quita porque una maestra se lo ordena, su fin está cerca.

¡Nelson Carro en éxtasis!

El veterano crítico y programador a perpetuidad de la cineteca nacional Nelson Carro estaba más contento que de costumbre al presentar las películas del 44 Foro Internacional de la Cineteca Nacional. Tanto así que un reportero le pregunto la razón de su alegría. Carro contestó que estaba especialmente contento con las películas de este Foro 44, por poco convencionales, diversas y vanguardistas. Resaltó que en las películas que se van a presentar, hay las que mezclan documental y ficción, hay estructuras narrativas novedosas, está el tema de la inteligencia artificial, el calentamiento global, el tema palestino y además está la diversidad del origen de las películas, lo mismo hay una película de Paraguay que un documental sobre los talibanes de Afghanistán. Y remató Nelson Carro diciendo que el Foro de la Cineteca desde 1980 presenta propuestas poco convencionales y vanguardistas pero que este año se vieron radicales. Y todo eso podrá es cierto, pero en la primer película que se presenta, la coproducción México - Reino Unido Itu Ninu, de la directora Itandehui Jansen, una historia de ciencia ficción realizada en Escocia pero hablada en mixteco, lo que vemos es a una pareja de trabajadores inmigrantes, del futuro, que viven en una Escocia fría, poco atractiva y distópica. Aunque en estos tiempos trumpianos la situación real de los trabajadores migrantes ya parece tan mala como de historia de ciencia ficción. Naturalmente esa pareja quiere huir de ahí, donde son vigilados todo el tiempo y deben portar una pulsera que graba todo lo que dicen y amanecen todos los días con una voz, realizada por medio de inteligencia artificial, que les dice lo que deben hacer. Pero eso de que su sueño sea sembrar maíz y frijol está tan románticamente desfasado. Cualquiera que haya hablado con un campesino sabe que ellos quieren dejar de serlo. Máxime si siembran cosas tan poco redituables como maíz o frijol. Claro, hay que salir del mundo de la hipervigilancia tecnológica pero no para morirse de hambre sembrando maíz en la mixteca. Eso no es nada vanguardista.

Cigarros existencialistas

El Amor es más Frío que la Muerte (Rainer Werner Fassbinder 1969) nos presenta en el típico estilo de historias mínimas con actores tiesos que apenas hablan (sería equívoco decir que tienen diálogos pues generalmente hablan sin que el otro responda), a unos personajes que no expresan emociones, que están generalmente sin hacer nada, en espacios que apenas tienen muebles, y que matan sin darle importancia a eso.

Se supone que Franz (interpretado por el propio Fassbinder) ama a Joanna (La guapísima Hanna Schygulla) y quiere a su amigo Bruno pero Bruno los va a traicionar y matará a Joanna sólo que Joanna traiciona primero y Bruno es el que muere. Aquí lo único trascendente son los cigarros: Todo el tiempo están sacando cigarros, prendiéndolos, fumándolos. Al arranque de la película Franz le pega a un tipo que le pide un cigarro y como no se lo da el tipo le arruga su periódico así que Franz lo golpea. Más adelante este mismo tipo se desquita y le quita un cigarro a Franz que está tirado en el piso recién madreado y torturado. La vida y la muerte son cosas frías, son lo de menos aquí. No como los cigarros o el cine, la película tiene varias referencias cinematográficas. O la música: hay un tocadiscos que tiene su propia mesa en un cuarto donde no hay ni una silla. O como la libertad, Franz no trabaja para nadie. Por más que lo golpeen.

¿Pero el amor es más frío que la muerte? Quizá el de la traidora Joanna, pero Franz parece que la ama. Le dice puta por su traición sin siquiera verla. Y ya.

Verano de putrefacción

Una Chica de Verdad (Une Vraie Jeune Fille, Catherine Breillat 1976) fue la primer película dirigida por esta directora francesa siempre asociada al sexo y al escándalo. Aquí Breillat adapta su cuarta novela Le Soupirail (El Respiradero), y nos presenta a Alice Bonnard, una adolescente caliente y virgen que llega del internado donde estudia a pasar el verano con sus padres en el campo. Aburrida y sin nada que hacer, se dedica principalmente a tratar que "Jim", un tipo que trabaja en el aserradero de su papá, se la coja.

Parece una película emparentada con Zonas Húmedas en el sentido de que es una especie de buffet de cosas desagradables: perros muertos pudriéndose en la playa, vómito, baños sucios, calzones ídem, lombrices, moscos, un cadáver y cosas que salen del cuerpo como cerilla de los oídos o el esperma del papá que dice la mamá que siempre lo tiene que lavar pues él lo deja en todos lados. Menos en ella al parecer, pues el papá tiene amantes y el matrimonio parece seguir sólo por inercia. La mamá también está frustrada y dice que va a salir desnuda para que todos la noten como a su joven y bella hija.

Total que la gente en esta película ambientada en el verano del 63 en la campiña francesa se siete sofocada, hace mucho calor y es como si se estuvieran echando a perder. Una escena en la que Alice imagina que Jim le echa pedazos de lombriz en su vulva peluda es como la mejor representación de la situación. Pero todo habría podido tener un final feliz sino fuera porque cuando Jim ya finalmente no pudo resistirse a los encantos de Alice, ella salió con que él necesitaba primero conseguirle una píldora anticonceptiva. Era 1963 y "la píldora" acababa de salir al mundo apenas un par de años antes aunque en Francia todavía no era legal. Alice le dice a Jim que la consiga en Suiza. Si hubieran usado un condón se le habría cumplido su fantasía a Alicia, ah pero la niña quería la píldora. 

La situación de opresión y sofoco que Alice siente hace que se ponga a escribir un diario. Quizá acabe siendo una escritora como la directora Breillat que publicó su primer novela muy joven, misma que fue prohibida para menores de edad. Y Breillat tenía aproximadamente la misma edad de Alice en 1963. En la escena final ella se entera que Jim tuvo un accidente fatal, cayó en una trampa para jabalíes que había puesto su papá y lo que hace entonces es empacar su diario para su viaje de regreso al internado. Perdió a Jim pero adquirió el gusto de escribir, quizá a eso se refiere "El Respiradero", el título de la novela en que se basa la película. A sacar oxígeno de la escritura si no se puede de otra cosa. 

 Aquí escribí de la más reciente película de Breillat.

Darse a la mamá y a la hija

El Graduado (Mike Nichols 67) es un clásico entre clásicos, fue el mayor exito de taquilla del 67 y el director Nichols se llevó el Oscar a mejor director, hasta los Simpsons le han hecho homenaje a la escena donde La Sra. Robinson seduce al graduado pijo Ben. La historia es una mezcla de ingenuidad y atrevimiento. El personaje de Dustin Hoffman, Benjamin Braddock, se supone que tiene 20 años, y vemos su cumpleaños 21 en la película. Ben es seducido por la esposa del socio de su padre, la Sra. Robinson, que le dobla la edad. Esa es la parte atrevida, la ingenua es que Ben se supone que se acaba de graduar del college, la universidad, pero le da pena pedir un cuarto de hotel.

Y después se enamora de Elaine, la hija de la Sra. Robinson. Eso es lo perverso, lo ingenuo es que le pide matrimonio a Elaine. Lo bueno es que Elaine se casa con otro pero Ben irrumpe en la boda, aunque justo los acaban de declarar marido y mujer y aún así Ben y Elaine se van juntos. O sea se roba a la esposa, que boda por la iglesia ni que ocho cuartos.

Y así al final Ben, que es todo un fresa pijo cuadrado convencional, acaba rompiendo todas las reglas e ignorando las amenazas de la suegra/amante. Pasa de ser el hijo modelo que los papás presumen como mascota en sus fiestas a ser un loco peligroso.

Una historia muy sesentas con banda sonora que incluye dos canciones icónicas de esa época hippie y revoltosa: The Sound of Silence de Simon y Garfunkel y la de la Sra. Robinson, obviamente. Además sale la Universidad de Berkeley, famoso nido de la contracultura

En realidad el cambio del personaje de Ben es gracias a la señora. Si no fuera por ella podría haberse casado con Elaine pero seguiría siendo un wey cuadrado.

Gracias a la Sra. Robinson, a su insatisfacción sexual y a que tuvo que dejar sus estudios de arte para casarse con el Sr. Robinson. Una especie de venganza de la estudiante de arte frustrada. ¿Pero a fin de cuentas para qué estudiar arte si se pueden hacer loquitos? Al principio Ben tiene miedo del futuro y no sabe que quiere. Pero en la última escena tiene una mirada de maniaco que sabe exactamente lo que quiere, ya no es la mascota de nadie y se ha graduado en algo más importante que la universidad.

Cazadores malos/hervíboros buenos

Aunque en El Imperio de los Conejos (Seyfettin Tokmak 2024) aparecen perros veloces que persiguen a ágiles conejos en cacerías en la campiña turca, eso es lo único ágil de esta película que es más bien lenta. Tanto como los alumnos de la escuela en algún apartado lugar de Turquía cuando fingen estar lisiados para que así el gobierno les de dinero a ellos y al director de la escuela.

Esta película en la que por alguna extraña razón participa una productora mexicana, Mandarina Cine, y la cinefotógrafa Claudia Becerril Bulos, lo cual es seguramente la razón por la que El Imperio de los Conejos se presentó en el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara, presenta a los cazadores así lo sean indirectamente a través de sus perros, como lo piorcito. Igual que en El Rastro, la película de Agnieska Holland de la que escribí hace poco. De hecho Muzaffer, el cruel organizador de las cacerías es también el corrupto director de la escuela donde obliga a los alumnos a fingir que son lisiados. Pero Mussa, el protagonista, se escapa con la hija de Muzaffer y sus conejos, porque ellos aman a los conejos y colorín colorado. La anécdota es demasiado breve para una película de hora y media y por eso se va lenta casi como cine mexicano contemplativo. No tanto por supuesto, las películas mexicanas pueden ser muy extremas en eso. Pero lento.

Y no entiendo porqué si aquí el amigo Muzaffer, el macho alfa es tan malo, porque dice Mussa que sus conejos son un imperio con todo y conejo alfa emperador. Debería ser una comuna de conejos o una cooperativa. Mínimo una república conejil que practicara la equidad de género ¿Qué es esto? ¿fascismo de los hervíboros?

Todo mal.

Mamá, mamá, perdí el dinero de la renta

No, gracias, ya no fumo (Diego Toussaint 2025) película que se presentó en la Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2025 tiene un aire como a nueva ola francesa, empezando por el jazz de fondo, y se escucha de Sartre y Simone de Beauvoir. Y eso le da un aire a viejo, parece desactualizada. 

La historia presenta una especie de bohemia francesa pero en Guadalajara con todo y un personaje de joven mujer pintora. No la principal pero su amiga. Y el tema de los cigarros y la cigarrera como si las mujeres que fuman siguieran siendo algo desafiante. Nuria, la protagonista descubre que una cigarrera que supuestamente era del abuelo en realidad era de la mamá y entonces eso simboliza que hay algo en común entre ellas que Nuria ignoraba. Sólo faltó que la cigarrera estuviera llena de Gauloises y que junto a la cigarrera le descubriera a la mamá una minifalda.

Pero una mujer cuyo obscuro secreto es que fumaba es como del tiempo de mi bisabuelita q.e.p.d.

Y ni siquiera hay un toque sexual en la película como en una buena película de la "nouvelle vague". La protagonista tiene un wey con quien al parecer tiene una relación fría e indiferente. Eso sí, vive con dos amigas lesbianas y ella tiene una historia anterior con una mujer. Pero no hay pasión ni romance realmente, la única relación importante es la de la protagonista con su mamá porque no tiene para la renta y acaba regresando a vivir con ella. ¡Uy pero la mamá fumaba!

Aunque es una historia bien contada siento que no aporta al viejo tema de los jóvenes adultos que viven con roomies y no tienen dinero y no saben que hacer de su vida. Lo único sería que la historia sucede en Guadalajara.

Los sentimientos y la estrella de la muerte

Para este análisis de la película original de la Guerra de las Galaxias, que originalmente no era la cuarta parte de nada y no se llamaba "Una Nueva Esperanza", voy a usar únicamente lo que está en la película, sin tomar en cuenta otras películas, series o historias de la franquicia, pues para empezar, aunque algunas cosas de la "saga" fueran parte de la idea original, y sólo me interesa analizar aquí la idea original, es obvio que muchas otras cosas no lo eran. Inclusive hay muchas contradicciones, basta ver las declaraciones de George Lucas acerca de sus intenciones al crear estar guars para ver que estas van cambiando y se contradicen.

Se sabe que el guion de la película está estructurado a partir del análisis de Joseph Campbell de los mitos clásicos de héroes. Y lo mismo hizo Lucas con Rango, otro guion suyo.

Pero tampoco voy a escribir de eso.

Como recientemente vi Dune, me he dado cuenta de la relación entre ambas historias, algo que muchos han notado antes y de lo que he leído pero aún así me sorprendió ver tan claros guiños a Dune en Star Wars. Incluidos un par de referencias a la especia. Al arranque de la película C3PO le dice a R2D2 que los del imperio los van a mandar a las minas de la especia y más adelante Ben Kenobi le dice a Luke que no es cierto que su papá trabajaba en una nave carguera de la especia como le había dicho su tio. ¿Y cómo no pensar en los gusanos gigantes de Arrakis al ver el esqueleto de lo que parece una serpiente gigante en las dunas de Tatooine?

Las semejanzas entre ambas historias son muchas más, y más profundas, pero tampoco me quiero meter en eso. Esto se trata de la película original de Star Wars y nada más.

Lo que veo son dos cosas enfrentadas y cada una a su vez con sus contradicciones internas.

Por un lado está la tecnología humanizada y sus humanos robotizados y por otro la fuerza y sus lados bueno y malo.

También hay una contradicción política con una princesa/senadora, Leia, que era senadora en Alderaan, como si se tratara de una república pero monárquica. Esta contradicción sin embargo no afecta la trama de la película.

Entonces la pelea principal es entre la estrella de la muerte y la fuerza. Darth Vader dice que ni el poder de destruir planetas de esta estrella de la muerte es tan grande como la fuerza, pero vemos que él está subordinado al gobernador Tarkin, el burócrata mandamás en dicha estrella.

Entonces tenemos el poder tecnológico de la máquina y de la maquinaria burocrática que se enfrenta con la fuerza, con su lado luminoso porque su lado oscuro está a sus órdenes.

Pero así como la fuerza tiene un lado oscuro y débil, subordinado, la tecnología también tiene sus debilidades y así como se dice que el punto débil de la ciberseguridad suele ser el factor humano aquí la debilidad tecnológica queda representada por un robot humanizado, el quejumbroso C3PO que tiene su equivalente en la estrella de la muerte y su punto débil que hace que esta acabe explotando. Junto con Tarkin que se niega a evacuar a pesar de que le advierten que corre peligro.

El confía en su estación espacial pero esta es vulnerable a naves pequeñas, un error de diseño, de esos que suelen ser humanos. "La estación de combate está fuertemente resguardada y tiene más poder de fuego que la mitad de la flota imperial. Sus defensas están diseñadas contra un ataque directo a gran escala. Una nave pequeña puede penetrar la defensa externa." Explica un general rebelde.

¿Y qué es la fuerza? Lo que vemos es que es algo que se siente. Así que para efectos prácticos son los sentimientos. Y los sentimientos es lo único que no tienen las máquinas aunque puedan fingirlos.

Y al final Luke, para acabar con la máquina más poderosa de todas, lo que hace es apagar su computadora. Un piloto antes de él usa su sistema para disparar por computadora y su tiro falla. 

Luke apaga la computadora y gana, Tarkin desconfía de la gente que le pide escapar, confía en la máquina y muere.

En la rebelión también hay un lado burocrático y una burocracia es una organización tipo máquina de las personas. Curiosamente el personal en la base rebelde tiene exactamente el mismo tipo de casco que el de la estrella de la muerte, lo único que cambia es el color. Pero al final los rebeldes uniformados, homogeneizados y burocratizados rinden pleitesía y homenaje a los muy individuales Luke, Han, Leia y Chewbacca.

Temporada de Cazadores

A "El Rastro", película de la directora polaca Agnieszka Holland codirigida con su hija Kasia Adamik, que se llevó un oso de plata en el festival de Berlín de 2017, hay que reconocerle el valor de expresar los verdaderos sentimientos de animalistas y veganos radicales: Les gustaría matar a los cazadores y a los que explotan animales de cualquier forma y los hacen sufrir. Y que ardieran las iglesias en donde digan que Dios les dio los animales a los hombres para hacer con ellos lo que quieran y además que los animales no tienen alma.

Pero la película se pasa de difusa: Aparte de los animales y la cacería de cazadores se habla de astrología, se mete el debate entre el determinismo y el libre albedrío y a William Blake y al espíritu revolucionario de los sesentas y todo esto y más con un exceso de personajes. Además el idioma no ayuda al público mexicano. Que si mataron a Kwzwyk o a Wzyky o Zwykw y a uno ya se le olvidó cuál era cuál y encima la narración utiliza muchos flashbacks lo que acaba siendo confuso.

Como El Rastro (que por cierto este título es una traducción del título de la película en inglés que no tiene nada que ver con el nombre de la película en polaco) se presentó en la inauguración de la cuarta Semana de Cine Polaco en México, edición dedicada a Agnieska Holland, había público polaco en la sala que se reía de cosas que los mexicanos no captábamos. Un personaje dice que su verdadero nombre es Swietopelk y los personajes en la película y el público polaco en la sala muertos de risa y los mexicanos con cara de what?. Como si fuera un albur en polaco o algo así.

La historia tiene algunos personajes muy acartonados como el nerd/hacker tímido y débil pero bueno. Por favor ahora los nerds controlan el mundo y son unos ojetes, basta ver a los que controlan las compañías tecnológicas.

Y luego está el extravagante entomólogo, o sea experto en insectos. Hace que la protagonista Janina, que odia que le digan Janina y nunca se explica por qué, acabe llorando también por los insectos.

Y los cazadores son tan pero tan malos que son mafiosos, corruptos, borrachos, golpean mujeres, tienen un burdel y controlan a la policía.

Al final la historia le acaba dando la razón al policía que le dice a Janina que le recuerda a su abuela que tiene siete gatos y también alimenta a los gatos callejeros y que es como ella una mujer mayor que vive sola insinuando que la soledad es la causa de su radicalismo animalista. De hecho Janina dice que sus perras son su familia. Y el final feliz consiste en que ella acaba formando una familia con otros amantes de los animales, todos víctimas de un modo u otro, que le ayudan a escapar cuando se descubre que ha estado matando cazadores. Y en esa nueva familia seguro nadie le dice Janina. Nueva familia y nueva identidad.

En la vida real mucha gente quisiera matar a los cazadores. A la película se le acusó de defender el eco- terrorismo y la Holland dijo que que bueno que la acusaran de eso. A mi por cierto me encantaría que los pájaros, como sucede en  El Rastro, les echaran colillas y quemaran las iglesias donde digan que los animales no tienen alma.

La Semana de Cine Polaco se presenta hasta el 1 de Junio en la Cineteca Nacional con películas de Agnieska Hollando como El Rastro, Actores de Provincia, Frontera Verde, Mr. Jones, Charlatán, Fiebre y Una Luz en la Oscuridad.