Socias, no rivales

                                

La Empleada (Dir. Paul Feig Guion Rebecca Sonnenshine basado en una novela de Freida McFadden) empieza cuando Ellie Calloway es contratada por Nina Winchester como empleada, osease sirvienta. Y, para quienes nos preguntamos si una señora contrataría a una mujer, que se ve como Sydney Sweeney, para que estuviera todo el día en la casa, y por lo tanto conviviera con el esposo, la historia tiene una explicación. Y no es que Nina quiera que le pongan el cuerno para grabarlos, divorciarse y sacarle toda la lana al marido millonario. Es otro plan.

Toda la primera parte de la película es una típica telenovela, el amor entre la chica guapa e ingenua y el atractivo millonario casado con una loca desquiciada, un basilisco del mal. Una telenovela, pero con Sydney Sweeney que no nada más luce espectacular, tiene una voz súper sexy y actúa muy bien lo que sea de cada quien.

Hasta que descubrimos la verdad verdadera, se cambian los papeles y hasta la sororidad aparece entre Ellie y Nina, inclusive la hija de Nina que era un higadito acaba resultando que era buena.

Suena feminista, de hecho Ellie se revelará como una especie de justiciera vengadora azote de los abusadores. Pero todos los casos de abuso que vemos suceden entre quien tiene el poder económico y quien no y hay también un personaje secundario, un trabajador inmigrante que es de los buenos. Aunque antes de saberlo Ellie se espanta sólo de verlo. Y también hay una villana, la insoportable madre millonaria del esposo.

Sí, por momentos se siente como que uno está viendo una telenovela. Y de las gringas, y del horario matutino. Pero le ponemos palomita a la peli de Sydney, que además de actuar tiene un crédito como productora. Hay cosas peores.

Y por cierto Ellie se supone que es una exconvicta en libertad condicional, lo que facilita que abusen de ella. Hace poco escribí de otra película donde se toca el mismo tema. Con tanta gente en libertad condicional en Estados Unidos se ve que eso es un tema.

Malditismo condechi

Sobriedad me estás matando (Dir Raúl Campos, guión Campos, Octavio Hinojosa, Félix de Valdivia 2025) es una película que parece más comedia en el trailer y la publicidad de lo que es en realidad. Sí tiene comedia y humor pero es un comedidrama y con drama pesado. En particular la relación entre Raffi el protagonista, y su mamá, es como la peor relación madre - hijo que yo recuerde de la ficción. Se llevan muy, muy mal.

Realmente ya con eso - unos padres que parecen pelearse por ser ellos los que querían abortar a Raffi, la mamá le dice que ella lo quería abortar y el papá que no, que era él - pues ya es más que suficiente para que la vida de Raffi sea un desastre, y la supuesta razón por la que Raffi se volvió drogadicto no sólo sale sobrando sino que es absurda. O sea nos dicen que Raffi se volvió drogadicto por culpa de un accidente. Y Raffi sí podría sentirse culpable, pues por querer dejar a su novia se desató la cadena de acontecimientos que llevaron al accidente. Pero no, Raffi odia a la novia muerta y le echa la culpa de todo a ella. ¿Y entonces cómo o porqué él se habría vuelto drogadicto por eso? Es absurdo, y la propia película me da la razón pues lo que hace recaer a Raffi en la heroína es algo que pasa con la mamá, nada que ver con la exnovia muerta.

O sea que entonces la vida de Raffi iba muy bien, fuera del pequeño detalle de que sus padres lo odiaban, hasta que un día a los 23 años choca en el periférico. ¡Y púm, se vuelve drogadicto!

Nótese que Raffi tiene la típica personalidad del niño consentido, del niño malcriado. ¿Pero quien demonios consentía a Raffi? una mamá así no deja que nadie consienta a quien le "destryó la vida", y si le heredan un reloj que "vale una fortuna" primero lo tira antes que dárselo a ese hijo.

Me parece que en realidad Raffi y su mamá no se llevaban tan mal como nos quieren hacer creer. Nótese que ella es pintora y él quería ser fotógrafo. Ahí hay como un interés común en las artes visuales. y sobre todo, lo que acaba delatando que Raffi y su mamá no se odiaban es que al final ella le dice que no es especial, y apenas un poco más adelante el Raffi ya anda tirando rollo de exadicto y dice que la clave fue darse cuenta que no es especial. Nomás le falta darle las gracias a su má.

Yo sé que en la Ciudad de México, entre los fresas, la "gente bien", hay adictos a la heroína. Y se me hace buena idea, me gusta que hayan hecho una historia con un personaje así. Una historia del México del siglo XXI. Pero... les falta barrio. Casi no se toca el tema de la drogadicción en si mismo, toda la jerga y la realidad de ese mundillo.

Se siente con lo de las drogas y los malos padres una cosa como de maldad wannabe. Y la música se me hizo horrible, eso del junkie cantando la de Napoleón de "abre tus brazos a la vida" está de un cringe insoportable.

Y entonces el junkie que cantaba a Napoleón, y que quería ser papá aunque fuera de las criaturas que su crush de la prepa tuvo con otros, vive además con ángeles, como su cuate Trino que es un santo, cualquier otro lo hubiera echado de su casa y además en un mundo laboral bien chido donde se puede mentir sin tanto problema para conseguir chamba. aquí Sobriedad me estás matando saca el lado de la comedia y de la comedia romántica inclusive. El otro extremo.

Con razón no les sale la maldad. A la película le pasa lo mismo que a Raffi cuando está en su terapia de grupo y le llega su turno de decir la neta y en vez de eso hace una broma.

Y luego regresa a rehab y ahora se hecha su rollo de "soy bien sabio porque estoy dejando las adicciones. ¿Pero como tomarlo en serio si ya vimos que es un adicto a las drogas duras sólo que está atrapado en una comedia boba?

Así no se puede.

Sueños de anfeta

Marty Supreme (Dir. Josh Safdie guion Safdie, Ronald Bronstein 2025) recuerda mucho a Uncut Gems, el anterior y genial largometraje de Josh Safdie codirigido con su hermano Benny. Ahora ya dirigiendo solo, Josh nos presenta nuevamente la historia de un judío (subrayando todo lo posible que es judío) de Nueva York que hará hasta lo imposible por conseguir dinero al mismo tiempo que tiene enredadas relaciones fuera del matrimonio, del suyo, como en Uncut Gems o del de ellas, como en este caso. Como malabaristas jugando con varias pelotas a la vez. O como jugadores de ping pong capaces de contestas cualquier tiro. Y las dos películas con animaciones al inicio parecidas.

Pero la verdad Uncut Gems es mejor que Marty Supreme. Que es divertida sin duda, aunque uno puede quedarse bizco tratando de entender como fue exactamente que Marty y su amigo Wally desplumaron a los apostadores en un juego de ping pong o porqué Marty regresó de meses de gira internacional dando juegos de exhibición sin dinero ¿Y porqué decía que era "biológicamente imposible" que hubiera embarazado a Rachel si sí la embarazó?  

Marty Mauser es un ladrón, un político en potencia que sólo dirá la verdad por equivocación, capaz de sufrir cualquier humillación por dinero. Lo de besar al cerdo estaba menos pior que lo que dejó que le hiciera el Sr. Rockwell. y sin embargo Marty nos cae bien. Y Rachel, que se ve que es igualita a él, también. Queremos que triunfen, que les vaya bien porque le echan muchas ganas. Bueno y dice Marty que él es así porque de donde viene todos son así. Pues... puede ser.

Además para los que odiamos las películas lentas una historia con ese ritmo es padre aunque a veces nos quedemos con cara de what.

Una cosa que noté es que el soundtrack es como raro, tanto las partes con coro y orquesta y el final con Tears for Fears. Lo de Public Image Ltd y New Order resulta sorpresivo, pero positivamente, uno no se imagina clásicos de los 80´s en una historia ambientada poco después de la segunda guerra mundial. Pero lo de Everybody Wants to Rule the World que es una canción épicamente buena, un pinche himno, buenísima... pero como que no viene al caso.

De hecho el final es mi principal crítica a Marty Supreme. O sea Marty se la pasa toda la película tras el billete. Y primero niega que el hijo de Rachel, a quien no le habló en 8 meses, sea suyo, y luego lo quiere dar en adopción y al final acaba sin dinero pero en un mar de lágrimas viendo al bebé. Eso no parece un final épico sino un final forzado. Como varias otras cosas en la historia: O sea esa escena donde Dion avienta las pelotas por la ventana... ¿eso qué? o cuando Rockwell dice que es un vampiro. Y así por el estilo.

Tanto Marty como la película parece que andan en alguna droga, anfetamina o algo así. Que por cierto había mucho de eso al acabar la segunda guerra mundial pues se las daban a los soldados y muchos se volvieron adictos. Nótese que Marty nunca duerme. Y luego en ese mundillo de los salones de juego que frecuentaba... híjole no sé, no sé... como que podría haber un final con Marty en rehab y Rachel lo va a visitar y le confiesa que su hijo no es de él sino de Ira, el marido, pero que no se preocupe porque le está llendo muy bien secuestrando perros.

O sea el Marty es la piel de Judas, le da risa que el hijo de Rockwell se murió ¿pero exactamente en la última escena se vuelve bueno y se conmueve por su hijo? No, el Marty que nos habían presentado estaría pensando en cuanto lo iba a vender. Y lo que debería sonar es "Money, money" de Billy Idol.

Nunca nos cuentan como fue que cambió el personaje. La historia es como un buen subidón con final feliz metido con forceps. Una película que se le podría ocurrir a alguien como Marty para sacar dinero. Una historia interesante aunque exagerada.

Podría contarla el mismo Marty, ya todo un gerente de la tienda de zapatos, y que cuando acaba, diciendo que al final dejó el ping pong porque se chingó la rodilla, voltea a ver al cliente y le pregunta si sí se va a llevar los zapatos o no, y entonces este le contesta: Papá, mi mamá me había dicho que eras superchorero, pero nunca creí que tanto. Y ahí sí, Marty llora, entra la música y ruedan los créditos.       

La píldora envenenada en el agua del punk

Kriegerin ó Combat Girls (dir y guion David Wnendt 2011) 

Marisa se llevaba muy bien con su abuelo y no tan bien con su mamá, que se llevaba muy mal con su papá, un ex soldado nazi, que le dijo que los nazis no eran malos a Marisa, que se unió a un violento grupo de neonazis.

Y salta a la vista todo lo que esos neonazis tienen en común con los punks, supongo que principalmente con los punks originales.

Para empezar, la música, la rebelión contra los padres, en Krigerin, esto se ve sobre todo en el personaje de Svenja, que tiene un padrastro superestricto al que detesta. Y la pertenencia a un grupo, la identidad, sacar de quicio a las buenas conciencias. En esta historia queda claro que para Marisa y Svenja lo de odiar a los inmigrantes, se trata simplemente de tener rivales, que podrían ser simplemente otra pandilla, un equipo rival de futbol o algo así. De hecho después de lastimar a un inmigrante a Marisa le da remordimiento de conciencia y acaba ayudando a un chico afghano. Para no hacer el spoiler diré simplemente que eso la mete en problemas.

Una diferencia que noto con los punks es que en las películas de neonazis siempre hay un adulto, muy mayor que los jóvenes cabezarapadas, que los manipula.

Eso aparte de lo que le dijo su abuelo a Marisa.

Kriegerin es una muy buena película de David Wnendt que después hizo la sensacional Feuchtgebiete o Wetlands, otra historia de rebelión con una protagonista adolescente. Kriegerin ganó el premio de mejor guion y mejor actuación femenina en los premios del cine alemán de 2012 además quedó en tercer lugar como mejor película..

Y sí, no hay nada peor que supuestos rebeldes que creen que están contra el sistema pero que son manipulados por abuelitos. Como Trump o López Obrador. 

La virgen de los perros asesinos

La Virgen de la Tosquera ( dir. Laura Casabé guion Benjamín Naishtat basada en cuentos de Mariana Enríquez 2025) es una película argentina aunque con coproducción mexicana y española, coproducción que al parecer fue necesaria después de que Milei dejó sin dinero al sector cinematográfico argentino.

La película nos presenta la historia de Natalia y su entorno, lo que incluye un país en medio de una crisis económica devastadora. La historia se sitúa en la Argentina del 2001 y la crisis retumba como trasfondo en las noticias y en los comentarios de los personajes que hablan constantemente de que todo se fue a la mierda y de antes de que todo se fuera a la mierda y así por el estilo.

También se van la luz y el agua constantemente. En medio de todo, el amor en  el corazón de Natalia cambia por celos homicidas.

Tres vírgenes dejan de serlo: Natalia y una de sus amigas que van con un prostituto colombiano a que las desvirgue. Lo que resulta muy sorprendente. ¿Cómo que no hay quienes se las cojan? Natalia sobre todo es bastante atractiva. Eso de tener que pagar está muy extremo.

La tercer virgen, una virgen católica, o que se supone es la imagen de una virgen católica resulta que en realidad era una figura como de santería, toda de un rojo ensangrentado. Imposible no pensar en la Santa Muerte pues esta virgen también mata. Es otra figura que parece como de catolicismo devenido en magia negra.

Y Natalia, que al principio no quería ni ver un muerto acaba solazándose viendo perros matar a su ex amado Diego y a la odiada rival.

La historia es como una visión de la ruta argentina, y latinoamericana, hacia Haití, en lo económico y religioso. Es la crisis que vuelve a todos salvajes como en la también latinoamericana Zafari porque para Natalia y sus amigos hasta para cruzar un puente se necesita ser más salvaje que el que se pone enfrente. Y los realmente pobres, los vagabundos son el terror mismo. La abuela de Natalia quema las cosas de uno de estos "villeros", como les dicen en Argentina, entre rezos exorcistas.

Pero La Virgen de la Tosquera es una buena película que ni que. Se estrenó en el festival de Sundance y se ganó un premio en el festival de Sitges. Aunque es una narrativa de la descomposición que no hace más presentar una visión de dicha descomposición. Pero por algo se empieza.

Lo más intrigante para mí es ¿porqué, según dice una de las amigas de Natalia, todos los hombres de su escuela perdieron la virginidad con prostitutas y ellas hacen lo mismo? Quizá porque los únicos que cogen,  Silvia y Diego acaban devorados. Por los celos, la envidia. En otra parte frente a una extorsión a Natalia le sale un lado casi caníbal y también lo sexual acaba siendo sangriento.

Parece que la carrera hasta el fondo no tiene fin.

 

Pedro Picapiedra, asesino serial

La Unica Opcion (Dir. Park Chan-wook 2025 Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-Mi, Lee Ja-hye basado en una novela de Donald Westlake)

Sin duda Park Chan-wook es uno de los grandes narradores de historias de la actualidad. Al ver películas como Oldboy, Stalker, o como La Unica Opción se siente que este director coreano se divierte contándonos cosas y uno también se divierte.

Sin embargo en La Unica Opción además del talento narrativo se nota otra cosa, que le metieron a la película todo, pero todo realmente lo que le pudieron meter para hacerla una "feel good movie". O digamos para que la banda mainstream se relaje. Algo así como ver videos de perritos y gatitos. De hecho hay un par de golden retrievers, la obligatoria niña encantadora y una familia perfecta. Perfectísima. Para mi gusto exageradamente perfecta. De hecho parece propaganda promatrimonio y pronatalista. Son más perfectos que los picapiedra o que la familia de Alf, son como el show de Cosby coreano. Bueno, casi casi.

O más bien como los Locos Addams, porque hay otro lado de la historia que hace ver el lado empalagoso como la anestesia para meter el lado oscuro, la lucha del papá, a muerte, por un trabajo en la industria manufacturera.  

Este tipo era un gerente pero en una entrevista de trabajo le dicen que si no le importaría trabajar bajo las órdenes de otro tipo que fue su subordinado. Y dice que no, pues siempre se ha considerado un obrero. De hecho lo vemos cargando cajas en una tienda después de ser despedido de la fábrica de papel donde llevaba 25 años trabajando. Vaya, es un obrero, como Pedro Picapiedra sólo que muy exitoso. Tenía que ser así para meter el lado de la familia perfecta "aspiracional".

Y al final logra regresar a una empresa papelera, pero al contrario de la planta en donde trabajaba antes, esta es una fábrica sin gente en donde todo se ha automatizado. Está él sólo con la maquinaria. Y antes de los créditos vemos máquinas que cortan árboles, para hacer papel seguramente, sin nigún humano a la vista.

El título de la película nos dice que para este personaje no había opción más que matar para tener un buen empleo. Y no se necesita forzar mucho la imaginación para pensar que han de haber casos así en la vida real. O que los habrá. Y de ahí se puede relacionar el tema con lo que vemos en las noticias: Las políticas antiinmigrantes o las tarifas comerciales de Trump. 

Yoo Man-soo tuvo suerte pues tuvo que matar a tres competidores pero alcanzó el último trabajo que quedaba. Sólo que quien sabe por cuanto tiempo 

 

La civilización como hoja de parra

Cover Up (Laura Poitras, Mark Obenhaus 2025) es uno de los posibles nominados a mejor documental en los Oscares de este año y se trata de Seymour Hersh, célebre periodista americano que se volvió famoso en los sesentas al revelar la masacre que había cometido el ejército de Estados Unidos en la aldea vietnamita de My Lai. En donde mataron a todo mundo incluidos bebés. A mujeres y niñas antes de matarlas las violaron.

Y Hersh, que por cierto es judío, no ha parado, al momento en que se hacía el documental trabajaba juntando información de las atrocidades israelíes en Gaza.

También reveló en su momento los programas CHAOS, de la CIA, con el que esta agencia que por ley tiene prohibido actuar adentro de Estados Unidos espió en los sesentas a los estudiantes que protestaban contra la guerra. Y el demencial programa MKULTRA, otra creatura de la CIA, que se proponía controlar a una persona por medio de LSD para que asesinara a la gente que le indicaran.

Hersh también fue quien sacó a la luz el apoyo del gobierno americano al golpe contra Allende en el 73 y fue el primero en publicar información, y fotos, del programa de torturas en la cárcel iraquí de Abu Ghraib. Entre muchas otras cosas.

Al final uno se queda pensando que la crueldad y la barbarie no son cosas excepcionales en el mundo. Dice Hersh que en lo de My Lai hubo cientos de personas involucradas y enteradas de lo que pasó. Y la masacre salió a la luz casi por accidente, con algunas coincidencias afortunadas incluidas.

La teoría de este periodista es que nadie hablaba de My Lai porque esae tipo de cosas sucedían todo el tiempo en la guerra. Que no eran nada raro, al contrario. Dice que de hecho ese mismo día, muy cerca de My Lai hubo una masacre similar en otra aldea.

En resumen, el título del documental, Cover Up, es decir encubrimiento, que se refiere a los intentos de esconder asuntos del conocimiento público, parece que también se puede aplicar a la civilización, que después de ver esto, parece una hoja de parra que apenas tapa la crueldad humana. Casi parece sorprendente que ya no se practique el canibalismo. No de forma generalizada al menos.

Un silencio que estalla

Mátate, amor (Lynne Ramsay 2025 guion de L. Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, adaptación de una novela de Ariana Harwicz) nos presenta el retrato de una mujer que parece deprimida, todo mundo se lo dice. Sólo que ella nunca menciona la palabra depresión. En cambio dice que el universo la aburre. El universo y las estrellas no le dicen nada mientras que parece obsesionada con pequeñas cosas. También hay cosas grandes que le interesan: Un caballo, un negro que se quiere coger, la masturbación, el sexo, su bebé. Pero no es muy sociable y es una escritora que no escribe. Y como dijo Kafka "Un escritor que no escribe es un monstruo que está desafiando a la locura".

La historia parece que nos suelta pistas para que como público diagnostiquemos a Grace, sólo para decirnos después que no, que no sabemos que le pasa: En la primer escena vemos que Grace y Jackson, su pareja, llegan a vivir a una casa sucia, abandonada. En donde el tío de Jackson se suicidó. Pero Jackson al final la arregla y la casa queda muy bien. Pero no era eso. Tampoco la relación con Jackson que ponía su pito en todos lados menos en Grace, según le reclama ella. Pero ellos acaban casándose en una boda animada y ya al final de la película van en su camioneta cantando una canción de amor tomados de la mano. Pero tampoco era eso.

No es una de esas depresiones post-parto en las que la madre no quiere saber nada del hijo o hija, Grace quiere a su hijo. Parece que el problema viene desde antes, ella le cuenta a un sicólogo o psiquiatra que no le gustaban sus padres.

Creo que lo único parecido a una explicación que da Mátate, amor, sobre el problema de Grace es a través de la música. Todo el soundtrack está hecho de canciones muy viejas, como rock & roll de los cincuentas. Cuando llegan a la casa donde van a vivir, lo primero que hace Jackson es ver en donde va a escribir Grace y donde tocará él su batería. Pero él nunca la toca y ella nunca escribe. Grace pregunta si hay algún universo en donde ella sea una estrella de rock, pero en otra parte dice que no soporta las guitarras, sorprendiendo a Jackson.

Al final, la última canción, es la única que rompe la continuidad de la música de los cincuentas. El cierre con una versión de Love will tear us apart de Joy Division, cuya letra trata de la esperanza de que llegue el amor. Sólo un nuevo amor, una nueva música podrán salvar a Grace que mientras tanto se ha despojado de sus viejas ropas, ha quemado sus escritos y avanza rompiendo e incendiando todo a su paso.

La dirección de Lynne Ramsay está como muy fresca, original y creo que podría ganarse una nominación al Oscar a mejor dirección y claro, la actuación de Jennifer Lawrence también es nominable, de hecho ya se llevó el premio Donostia en el Festival de San Sebastián, siendo la persona más joven en ganarlo. También estuvo nominada para los Golden Globes y la película se llevo los premios a mejor fotografía y supervisión musical en los British Independent Film Awards.

Postdata: Pues no quedó en los oscares, supongo que está demasiado oscura

El arte del azote

Valor Sentimental (Dir: Joachim Trier 2025 Guion: J. Trier y Eskil Vogt) es uno de esos dramas en que lo que se descubre al final es que en realidad nunca hubo problema: El padre siempre amó a las hijas, todos los sentimientos negativos fueron producto de malentendidos, todos son buenos y uno se queda con la sensación de haber comprado un sandwich sin jamón, una cerveza sin alcohol, una rosca sin muñequito.

La casa de los Borg, símbolo de la familia y que participa como narradora de la historia, tenía una grieta estructural. Al final Gustav el papá/abuelo sólo remodela el exterior y ni quien se acuerde de la grieta.

Ah pero eso sí, Gustav le dice a su hija actriz que ella actúa en obras de teatro para pensionados. Ella actúa en una obra de Chéjov y Gustav quiere que actúe en una película que va a dirigir, él es director de cine, y va a hacer una película sobre su mamá aunque niega que sea sobre su mamá.

O sea el mundo al revés, un director que sólo filma escenas de su vida no puede criticar a clásicos universales y peor tantito decir que son obras para jubilados cuando él mismo está ya prácticamente retirado y quiere hacer la película con sus amigos que están en la misma situación. Además lo que vemos de su película, hecha en su casa, anegada en lloriqueos, y en la que un personaje cae en la religiosidad no es precisamente un blockbuster de verano. De hecho la adaptación de Chéjov se veía más vanguardista.

Pero ella no rechaza salir en la película del padre por eso. Sino porque él nunca estaba con ella y su hermana, que en realidad sí las veía. De hecho Agnes, la hermana menor, actuó en una película de él y el papá dice que si no convivieron mucho en esa película y ella dice que sí pero que luego se iba. Aunque claro, regresaba y entonces ella sufría mucho y bua bua snif snif.

Puro azote barato. Y caigo en cuenta que esta es la tercer película noruega seguida que veo que cae en lo mismo, Armand y Sueños (sexo y amor) son películas en las que los personajes también se ahogan en vasos de agua.

Pero, le reconozco a Valor Sentimental que quizá ella misma esté dando un remedio: En una escena Gustav le regala a su nieto, que está cumpliendo nueve años o diez, algo así, unas películas: La Maestra de Piano e Irreversible.

Podría ser que si ponen a todos los niños en Noruega a ver Irreversible y películas similares, cuando crezcan, los que se dediquen a hacer cine dejarán de lado tanto falso victimismo.

Sin embargo no dudo que esta película se lleve el Oscar a mejor película extranjera porque a la academia le encanta el cine en el cine. Como en esta película en que el tema de la actuación es muy importante, el personaje de Elle Fanning se supone que es una famosa actriz americana que entre lágrimas le dice a Gustav que no puede hacer el personaje que él le ofrece pues no siente que ella sea la indicada para el papel: Más azotadez e hipersensibilidad imposible.

Además aquí el cine es mágico: En su película Gustav describe cosas de sus hijas que no sólo desconocía sino que ni siquiera tenía modo de saber. Lo que suena raro aunque son cosas que a veces pasan. Y al final vemos que lo que él quería hacer era cambiar en la ficción una cosa que pasó en la realidad. En fin, apuéstenle una lana a Valor Sentimental.

En todos lados se cuecen noodles

Left Handed Girl (La Chica Zurda) es una película taiwanesa del 2025 dirigida por Shih-Ching Tsou con un guion de él mismo en colaboración con Sean Baker, el de Tangerine, Anora etc. Y está entre las posibles nominadas al Oscar a mejor película extranjera.

Se trata de un drama familiar que tiene como protagonista a una niña de cinco años muy simpática, I Jing, aunque su familia es un pinche caos. Con oscuro secreto incluido. No haré el spoiler pero les daré una pista: I Jing tiene una historia similar a la de Jack Nicholson con respecto a su mamá y su abuela. Son cosas que sí pasan..

Es una historia entretenida que incluye una antigua superstición china acerca del demonio junto con cosas más contemporáneas como una abuela que le gusta coquetear y que está metida en el tráfico de migrantes, relaciones extramatrimoniales, el aborto y también una suricata y el ya mencionado oscuro secreto pero lo más importante es la niña, quien es el sabor principal en esta sopa de noodles. Y no es que quiera estereotipar la comida oriental que sé que es mucho más que ramen, fideos chinos y noodles pero los noodles ocupan un lugar muy importante en la historia. A eso se dedica la familia y es la comida favorita de I Jing.

Entonces la cosa va desde el abuelo y sus ideas absurdas sobre los zurdos y por lo tanto sobre su nieta, pasando por las madres solteras que deben ganarse la vida y enfrentar los prejuicios sociales. Es la lucha contra el oscurantismo ¿Podrá entrar la luz? ¿Por dónde se las ingeniará para entrar?

Cocineros en el submarino

La Cocina (Dirección y guion Alonso Ruizpalacios 2024 basada en The Kitchen de Arnold Wesker) 

Alguien del equipo de La Cocina me contó que la instrucción del director fue que el sonido de la película debía ser como el sonido del interior de un submarino. Creo que en realidad la película toda es como la historia de los operadores de una máquina, como un submarino con sus marinos y oficiales. Y el final feliz es cuando el submarino parece hundirse pero uno de sus instrumentos da señales de vida y todos respiran aliviados: El motor sigue funcionando, no morirán.

Pero no es un submarino en la guerra. Es una máquina que muchos conocemos de nuestros trabajos, una de tantas máquinas de la economía, con los escritorios, los pasillos, las estaciones de trabajo en la línea de producción, los clientes. Y la omnipresente presión, los conflictos que estallan como ollas express y la camaradería que de repente se asoma a la hora del descanso. Así como los sueños de escapar de ahí a una playa desierta. Y están los amores de la chamba y la insensibilidad del sistema al que no le importa si alguien necesita dinero para hacerse un aborto. O si ya abortó. Hay que trabajar y achicar el agua que inunda la cocina. Como dice el chef, a él no le importa en lo más mínimo lo que le pase al personal. Hasta que todo truena y entonces hasta el dueño baja al cuarto de máquinas y se pregunta que demonios pasa y parece implorar al cielo por una respuesta.

La historia se sitúa en Nueva York, en un restaurante en Times Square y por lo tanto en una cocina en la que conviven múltiples idiomas y nacionalidades. Al principio una joven cocinera de Huauchinango Puebla llega a pedir trabajo armada con su experiencia en un Sanborns.

Sin embargo a pesar de lo específico de la ubicación del restaurante es una historia universal cuyo tema principal es el trabajo, pues el restaurante podría estar en un lugar donde todos hablaran el mismo idioma pero con que unos fueran aficionados a un equipo de futbol y otros a otro las divisiones estarían igualmente presentes.

Me queda claro que esta película a pesar de todos sus diálogos en inglés y francés y de ser una historia ubicada en Nueva York, basada además en la obra de un dramaturgo inglés, habría sido una mejor propuesta de México para los Goyas y los Oscares. A fin de cuentas si se considera una película mexicana pues es mexicana y ya.

Basta del cine mexicano que sólo se ve el ombligo. Estaría bueno que nuestro cine aprendiera algo de Estela, la chica del Sanborns de Puebla que llega a un restaurante de Nueva York. Como tantos mexicanos de la vida real que quieren más mundo y no quedarse en temas locales.

Una narrativa cooptada

They Live (John Carpenter 1988) se presenta como una historia de izquierda. Un trabajador desempleado llega a Los Angeles en busca de chamba y todo lo que escuchamos durante la primer parte de la película pertenece, o mejor dicho pertenecía, a un discurso de izquierda. El típico de explotadores y explotados, proletarios contra el capital etcétera. No se cita a Marx pero sí se habla de la conciencia obnubilada, de la manipulación para adormecer y dividir a los explotados o ganado. Uno de los que han logrado despertar y ver la verdad dice que para ellos, los explotadores, la gente es como ganado. 

Pero es fácil darse cuenta que, hoy en día, esta historia embonaría con el discurso de la derecha. Los enemigos son los que llegan de fuera, los aliens, y también los que compran coches extranjeros. Y las élites. Y la derecha en Estados Unidos ha logrado que los pobres piensen que los ricos, como Trump, son sus aliados en contra de los malvados elitistas liberales.

La propia idea delirante de la conspiración de extraterrestres es muy de derecha, así como lo de juntar armas para enfrentar al poder. En cuanto a los medios, el arma que hipnotiza a la población es un canal de cable. Los medios en la vida real son atacados tanto por la izquierda como por la derecha. Pero nunca se había atacado al periodismo como con Trump.

Un detalle interesante es que el protagonista, que tiene el extraño apellido "Nada", es un tipo callado que apenas abre la boca hasta que tiene un arma en la mano. Como si esta fuera su permiso para hablar. ¿Y cómo le hace para que su amigo vea las cosas como él? Pues a madrazos. Con esas cosas en la cabeza, consciente o inconscientemente, no es extraño que los proletarios en E.U. se hayan vuelto derechistas. Pero ojo, los lentes y el programa de TV que hacen que la gente vea la supuesta verdad funcionan como una droga y cuando pasa su efecto la caída es fuerte según dice Nada.

Por cierto, aquí ya hay drones que vigilan a la gente, y algo realmente curioso, el idioma escrito de los extraterrestres es como un código QR nada más que extendido como escritura en vez de en un cuadrito.
 

Infierno y amor

En la película Si Don Juan fuera Mujer (Dir. Roger Vadim guion Vadim, Cau, Petrolacci 1973) el personaje que interpreta Brigitte Bardot, Jeanne, es una mujer que dice haber sido un varón, nada menos que el españolísimo Don Juan, en una vida anterior. Pero, según recuerdo Don Juan no era tan malo. Seducía mujeres y luego las dejaba pero no tenía la saña de Jeanne. Ella al primer tipo que conquista en la historia, Pierre Gonzague, se propone arruinarlo y lo logra, hace que se divorcie, que su hija lo deteste, acaba con su exitosa carrera profesional y cae en el alcoholismo además.

La confidente de Jeanne, Leporella, le dice que odia a los hombres lo que ella niega. Dice que lo que pasa es que los hombres ya están "caducos". En otra parte se queja de que ya no hay hombres y que eso está mal pues ahora ellas son las que deben hacer todo el trabajo.

En realidad su saña parece venir del despecho. Pierre en un principio la quería para una sola vez y eso no lo podía aceptar su ego. Su siguiente víctima, Louis, es un patán y ella le quiso dar una lección seduciendo a Clara, su esposa, interpretada por Jane Birkin que está en su máximo esplendor.

Y Jeanne quería al músico enamorado que tenía, quien de forma surrealista, absurda, se suicida después de coger con ella al final del show en un bar. Pero se supone que ella sabía que eso iba a pasar y se siente culpable.

Además se ve que ama a su primo sacerdote.

No es que odie a los hombres más bien no encuentra el amor. O le teme. En la última escena parece que Jeanne arde en el infierno. Y sería un final congruente tomando en cuenta que la película comienza en una misa cuando ella busca a su primo sacerdote para contarle sus pecados. Aunque no sea en una confesión formal. Y acaba por seducirlo.

Pero muere por salvar a Pierre Gonzague de las llamas. Por amor. El único acto de amor de Jeanne la condena. Su odio era su escudo contra el amor pero al final nada la salva de las llamas.

Y hablando de amor en esta película que también fue conocida como Don Juan 73, la Bardot accedió a hacer desnudos nuevamente sólo porque el director fue su ex marido Roger Vadim. La cinta es como un giallo italiano, una típica sexicomedia que busca pretextos para los desnudos con un guion que parece haber sido escrito en estado de ebriedad porque no es muy congruente que digamos. Y es una coproducción italiana de hecho.

En el fondo no es tan diferente de una sexicomedia mexicana, sólo que en lugar de tener a Sasha Montenegro o Tongolele tiene a Brigitte Bardot y a Jane Birkin. Y tiene Londres y Paris. Es mucho, mucho más elegante. Pero de cualquier modo la película tiene una historia que contar.

Esta no es una película navideña

Duro de Matar (1988 Dir John McTiernan, guion  Jed Stuart y Steven E. de Souza basado en la novela Nothing Lasts Forever de Roderick Thorp) no es navideña pues la navidad no es algo central a la trama. Es sólo algo que se usa principalmente para darle a John McClane más "corazón", como dice el famoso director Joel Schumacher. Es decir para enfatizar su relación con su esposa y su familia. Y en general lo de la navidad le da personalidad a la película, es un diferenciador. Pero Duro de Matar ni siquiera se estrenó en temporada navideña sino en verano, como típicamente sucede con el cine de acción.

Esta película es una "heist movie", del género de los atracos pues. Es un guion que se pone de ejemplo de gran guion. A pesar de que se empezó a filmar cuando apenas tenía treinta y cuatro cuartillas. Dejaba un margen de flexibilidad, con los diálogos por ejemplo, que se escribían cada día antes de filmar. Pero por otro lado los guionistas fueron a conocer la locación, aún en construcción, mientras escribían. Tiene puntos de gran sofisticación, como que el último candado de la bóveda con los bonos que Gruber y su banda quieren robar sólo se puede desconectar desde afuera. Pero Gruber sabe que el protocolo a seguir en caso de ataques terroristas empieza con cortar la luz desde afuera y entonces ese candado lo va a desconectar el FBI.

Y la buena factura va desde ese guion hasta las actuaciones. Cada mirada dice algo y aporta a contar la historia.

Eso sí la película ensalza a los policías y a las armas a mas no poder. El compañero de vuelo de McClane queda atónito, por decir lo menos, al ver su pistola.

Pero los policías a nivel de calle tipo McClane o el sargento Powell son buenos. Ya el de arriba, el subcomisionado de policía es malo y pendejo. Pero nada comparado con los de más arriba, los del FBI, esos sí son unos brutos descerebrados. Como el alto ejecutivo Ellis, otro wey mamón y pendejo.

Los malos por supuesto son extranjeros y odian a América. En eso la historia no se aparta de las reglas no escritas.

En cuanto al villano, sólo podía haber villanos así en los ochentas: De traje y corbata, perfectamente peinado y rasurado sin un sólo pelo fuera de lugar. Lee Forbes, sabe de bonos y tiene una educación clásica según dice él mismo. Ellis, el encargado de negocios internacionales de la corporación Nakatomi lo reconoce como a un hombre de negocios como él, como a su par.

Y claro que pueden haber muchos villanos así, hijos de su neoliberal mamá. Pero la gente ya no cree que esas personas sean tan inteligentes. Pueden ser malos, pero listos no tanto.

Entonces hay un toque populista, en el sentido de que el poli y el patrullero negro devorador de twinkies pueden más que el villano con trajes hechos a la medida en Londres, el FBI, el subcomisionado de policía y hasta el conductor de televisión.

En cuanto al conflicto de los McClane, parece falso. Ellos dos se aman, no están divorciados. Luego entonces no hay una explicación de porque ella lo manda a dormir al cuarto de huéspedes o porque regresó al apellido de soltera. Sólo sabemos que los separó una compañía extranjera. Y de los japoneses; que primero atacaron Pearl Harbour y ahora le quitan la esposa a McClane. Pero él la rescata al final y se la lleva en limousine, dejando atrás la torre Nakatomi en llamas. Tomen eso elitistas extranjeros. Y feliz navidad.

El random pagüer

Aguas, análisis con exceso de spoilers adelante. Parallels (Dir. Christopher Leone, Guion Christopher Leone, Laura Harkcom 2015) nos presenta una realidad que se puede controlar desde una pantalla. La pantalla controla el aparato que controla el edificio, que cambia la realidad afuera del edificio, de forma aleatoria. O lo hacía hasta antes de que llegara el aparato. Con el aparato ya no habrá azar, desde la pantalla se podrá controlar el destino.

Es un celular en esteroides, el sueño de todos, una pantalla omnipotente que nos de poderes de dioses a los usuarios. Ya con esa tecnología se van a buscar una realidad donde la mamá muerta no esté muerta y así será todo tan fácil como para el personaje que acaba con el abogado corrupto en que se convirtió en una de esas realidades. Tan sólo dio un clic y envió documentos que acaban con su yo rico y corrupto de dicha realidad.

Pero al final aparece un poder superior. Resulta que una mujer veterana de los viajes entre realidades paralelas, no es realmente una mujer. Son tres, como las tres mujeres de los mitos griegos que se dedicaban a tejer los hilos del destino. Las tres iguales, seguramente cada una surgida de una realidad distinta y actúan en conjunto sin que nadie lo sepa.

Lo mejor es que estas mujeres toman decisiones jugando a piedra papel o tijera. Una de las más conocidas puertas, junto al tiro de dados y el detinmaríndedopingüecucaramacaratíterefue, al poder del azar, lo arbitrario, aleatorio y random. Algo que las computadoras, ni siquiera las matemáticas, pueden hacer: Dar un número realmente random, lo que hacen es dar números pseudorandom aunque digan lo contrario.

Y no importa de que generación sea la pantalla con complejo de omnipotencia, ninguna podrá contra las mujeres que juegan a piedra papel o tijera.   

El largo camino a la barbacoa

The Last Guest (ObliviousHD 2017 guion Mark H) es una película de hora y media hecha en Roblox, el famoso videojuego muy popular sobre todo entre niños.

Ya se hacen suficientes historias o películas en Roblox como para que se hable de Rollywood, y tienen una gran audiencia al parecer. The Last Guest es considerada un clásico de Rollywood, fue estrenada en 2017 y nada más en youtube tiene más de 96 millones de visitas. Hay estimaciones de más de 200 millones de visitantes en total para esta película que fue hecha por un usuario que empezó a hacerla cuando tenía 15 años y la acabó 4 años después.

La historia es un crudo reflejo de la mentalidad americana aunque con un toque liberal.

La cosa va así: Erase una vez en el mundo Roblox que los invitados estaban desapareciendo, nadie los quería, pero sobre todo había una organización terrorista, los tocinos, que los mataba.

Los usuarios de Roblox seguramente saben muchas más cosas sobre los invitados pero en el contexto de la película es simplemente un grupo minoritario. Y los tocinos son una mezcla de grupo supremacista blanco, todos traen una moto en la camiseta, lo que hace pensar en pandillas de motociclistas relacionados con estos grupos. Y además lo dicen, uno de los líderes dice que están para demostrar que son la raza superior.

Pero además los tocinos son un grupo terrorista como Al Qaeda o ISIS, el ejército de Roblox/Estados Unidos va a la guerra contra ellos en el desierto. Y también pueden meterse a casas en un típico suburbio americano a matar gente con pistolas. Lo que me recuerda que Marco Rubio el secretario de estado americano dijo una vez que la gente debía armarse por si los de ISIS atacaban sus colonias. 

Una declaración campeona del alarmismo, la paranoia y la estupidez.

Entonces, como los tocinos se meten a las casas de los invitados El Ultimo Invitado decide meterse al ejército. porque claro, a eso se dedica el ejército de Estados Unidos, a combatir a los que se meten a las casas a matar.

Pero El Ultimo Invitado no sólo vive en el mundo paralelo de los republicanos por la paranoia demencial. También por la desinformación, la posverdad y la mentira. Pero en este caso hay algo positivo: Unos tocinos se dan cuenta que han sido engañados y se cambian de bando.

Sin embargo, en lo que invitados y tocinos son iguales es en el culto a la fuerza. Cuando los padres del Ultimo Invitado mueren asesinados por los tocinos lo único que le dicen a su hijo es que siempre sea fuerte. Esa y otras frases similares se repiten muchas veces.

Cuando los tocinos toman el poder se vuelven un imperio con todo y circo romano, en donde los invitados, que están en un campo de concentración, deben combatir a muerte. Y a los jóvenes tocinos los hacen pelear entre ellos no hasta la muerte pero hasta que sólo uno quede en pie.

En una escena Jez, el hijo del líder tocino que se da cuenta que su padre mató a su mamá (porque ella lo estaba consintiendo y así no sería fuerte, según dice el padre), está platicando con un invitado, ya cuando está contra el padre y sus atrocidades y dicen que su sueño es hacer barbacoas los domingos con tocinos e invitados conviviendo en paz y comiendo todas las hamburguesas y salchichas que puedan. Lo que es una extraña visión del paraíso, como si no hubieran suficientes hamburguesas y salchichas.

Al final logran hacer estas barbacoas con tocinos e invitados conviviendo en armonía. ¿Pero cuánto podrá durar eso? Cuando surja cualquier problema los que sólo creen en la fuerza y en ser soldados de élite van a necesitar enemigos para dizque así solucionar la situación.

Y así la lucha por comer hot dogs y hamburguesas en paz no tendrá fin.  

 

Carta de odio a Superman

Es tal la cantidad de ataques a Superman en Hollywoodland (Allen Coulter 2006, guion Paul Bernbaum) que parece que los creadores de la película tenían un agravio personal con este personaje o más probablemente con las películas de superhéroes. Como que han de haber rechazado proyectos suyos para mejor hacer una película de superhéroes o algo así. También la Metro-Goldwyn-Mayer sale raspada pues aquí el jefe de ese estudio en los cincuentas sale de cornudo y asesino. 

Pero eso no es nada comparado con lo que pasa con Superman. Se supone que George Reeves, el actor que interpretó al hombre de acero en los cincuentas detestaba ese trabajo y al personaje. Que a todo mundo le parecía un trabajo y un personaje despreciable. La amante de Reeves, cuando él la corta, le dice que es para lo único que sirve. Que la gente se mofa de Reeves cuando sale en algún otro papel, por ser Superman. Y que ya no le quieren dar trabajos de actor por lo mismo.

Pero la serie de Superman, en la vida real, era muy popular. Ah pero sólo entre niños y gente que no podía salir de su casa según le espeta a Reeves su amante Toni Mannix, en el mismo diálogo final. Y qué niños, uno de ellos le quiere disparar con una pistola para ver si de verdad le rebotan las balas. La amante de plano le acaba dando a Reeves una pistola para que se protegiera de los fans. Pero eso no sirvió porque según Hollywoodland, Reeves se acaba suicidando por haber salido de Superman.

Y Hollywoodland pretende ser todo lo contrario de una película de acción: Seria, artística, sutil, con extraordinarias actuaciones, profunda. Pero no le sale. Para empezar Adrien Brody, que interpreta al detective Simo que se supone está investigando la muerte de Reeves, como de costumbre está sobreactuado. El tipo pretende que cada una de sus miradas, de sus movimientos, cada gesto, cada palabra que dice sea lo más inteligente, lo más cool, una pinche obra de arte cada vez que mueve un dedo. La exageración empieza desde su vestuario y peinado. Todos los demás policías o detectives que aparecen en la película salen con el pelo corto, y saco y corbata como en los cincuentas. Menos el detective Simo. En los cincuentas alguien con esa imagen sólo podría pasar por proxeneta.

Y el guion, es tan sutil que primero se vuelve confuso, empezando cuando vemos que Reeves no se suicidó ni lo mataron sino que fue un accidente. Sólo más adelante se entiende que es una de las posibilidades que Simo maneja en su cabeza. ¿Y cómo sabe él al final que se suicidó? Pues por sus poderes mentales, paradójicamente el filme antisuperhéroes nos dice a través de las supermiradas del superactor que Reeves se suicidó. Y también porque capta sutilísimos detalles en una película casera de Reeves. Caray ni Superman con sus superpoderes podría detectar la verdad de ese modo.

El final de sutileza exquisita es también totalmente absurdo. Se hace un paralelismo entre la película casera de Greeves y una película, también casera, de Simo, en la que él juega con su hijo y después de verla va con su hijo. Un final feliz, una reconciliación, pues la última vez que había visto a su hijo, Simo había llegado borracho. Pero Simo había llegado borracho por la culpa que le provocaba que un cliente suyo había asesinado a su esposa. El cliente lo contrataba para conseguir pruebas de que ella lo engañaba. Simo sabía que no era cierto, ella no lo engañaba. La propia esposa y la asistente de Simo le decían que ya no siguiera con eso, que le dejara claro al cliente que su esposa no le era infiel, pero Simo decía que mientras el cliente pagara él no pararía.

Entonces se supone que lo de Simo y lo de Reeves son cosas paralelas. Uno pudo haber evitado un asesinato y no lo hizo y el otro salía de Superman. Pero Simo tendrá otra oportunidad y Reeves no porque que grave salir de Superman. 

Que mamada.

El satélite sátiro y las ácidas pantallas alucinatorias

 

Al principio Horse Girl (Dir Jeff Baena guión Jeff Baena, Alison Brie 2020) parece que va a ser una aburrida rom com sobre la chica aburrida y solterona que encuentra al príncipe azul. Pero no. Lo que le sucede a la chica es que se vuelve loca y acaba ascendiendo a la madre nodriza.

No sólo a los geniecillos del silicon valley se les vuela la olla con conspiraciones que involucran alta tecnología. Es algo común. Le pasa a los adictos al fentanilo. Le puede suceder a cualquiera. De hecho en una escena muy al principio de Horse Girl, Sarah, la protagonista, sale a la calle y el primer tipo que pasa va diciendo incoherencias sobre los aliens y las conspiraciones y demás.

Y a muchos les ha pasado como al tipo que sale en una cita con Sarah, que hasta entonces parecía una mujer normal, y de repente empieza a contarle que ella es una clonación que los extraterrestres hicieron de su abuela y por lo tanto, ella y su abuela son la misma persona.

En Bugonia, Teddy y su primo Don, para purificarse y poder enfrentarse a los extraterrestres hacen entre otras cosas, ayuno de pantallas. Y quizá eso es lo que debía haber hecho Sarah, la chica-caballo pues a ella lo que le come el coco es la serie Purgatory. Y como no va a ser así, si seguramente esa serie la transmite el satélite sátiro, Dios de la tecnología. Ella lo sabe pues se mete a la matrix, el espacio en blanco en el cruce de realidades descubierto por los Wachowskis y así puede ver lo que el resto de los mortales no.

¿Porqué se está volviendo loco todo el mundo? ¿Es por estar encerrados en las pantallas todo el tiempo? Ese parece ser el mensaje de Horse Girl. Lo de Sarah podría ser hereditario; su abuela enloqueció, su mamá sufría depresión (otro desorden mental) y se suicidó. Su hermana está internada en una clínica. Pero la cosa empezó con la abuela, que decía que venía del futuro. Ese futuro tiene la culpa, ese en donde las interminables pantallas, como trip de ácido sin fin, nos amarran al satélite sátiro.

Hasta los extraterrestres sirven a este maléfico satélite que les ha dado el conocimiento tecnológico según explica Sarah. Y a su vez los aliens son los verdaderos introductores de la tecnología en la tierra.

Singularidad, satélite sátiro de las pantallas de plasma, marcianos que bailen el ricachá: ya llévenos o déjenos en paz. No nos deformen más. Ni nos clonen tampoco. Que muchos andan ya como perros buscando los monitos atrás de la tele. Llévenos con su líder o tiraremos las antenas del güifi y cubriremos nuestras cabezas y las de nuestras mascotas con gruesas capas de papel aluminio. O peor aún, con tejidos de estambre de colores protectores como lo hace Sarah. Están advertidos.

La dama y el chacal

Una relación perversa, la decimonovena película de la célebre directora de cine erótico Catherine Breillat (Directora de clásicos como Una chica de verdad. Y cuya más reciente película es Culpa y deseo.) es un caso excepcional en su carrera pues no es una cinta erótica. A menos de que los cheques sin fondo exciten a alguien. Es una historia autobiográfica y se puede decdir que tiene que ver con sexo. Pero con una cosa extraña del sexo.

Digamos que con la atracción de las mujeres por los chicos malos. Pero los malos que las tratan mal. Y en este caso además, sin sexo de por medio. Al menos no físicamente.

La historia empieza con una directora de cine que sufre un derrame cerebral. Y supuestamente todo esto le pasó a Breillart aunque a los personajes les cambió de nombre y entonces esta directora se llama Maud Shainberg.

Se supone que tarda bastante para medio recuperarse. Aunque la mitad de su cuerpo queda muerto según dice ella.

Entonces un día ve en la tele una entrevista con un famoso estafador. Un tipo que se ha robado más de cien millones de euros y que estuvo preso doce años.

Maud queda flechada. Es amor a primera vista por este sujeto al que sólo le falta la cicatriz en la cara para ser el estereotipo del delincuente y que según ella tiene mirada de perro apaleado. En todo caso será de chacal apaleado. Maud ordena a su equipo contactarlo pues quiere que actúe en su próxima película. Le dicen que ni siquiera es actor, otro le ruega que se aleje de él pues parece un asesino.

Pero ella dice que le encanta que sea un hombre primitivo.

A partir de entonces digamos que la historia es pornografía XXX del abuso autoinflingido.

Vilko, que es el nombre del artista de la estafa, le empieza a sacar dinero a Maud, que se la pasa escribiéndole cheques, que llegan a ser de cientos de miles de euros.

Y ni siquiera se ve que se besen o que cojan o algo físico, quizá por la hemiplejía de Maud. Vilko la trata bien y le endulza el oído a veces, otras no. El es casado y tiene un hijo durante el transcurso de la historia. A Maud la lleva a su casa con su familia como si fuera una amiga. Al final se muda con Maud pero duermen en camas separadas.

Y le exprime todo el dinero. A una mujer que ha triunfado en el difícil negocio del cine, tanto como para juntar algún capital. En una escena ella paga un millón y medio de euros en un sólo día a los que están remodelando su casa. Pero no puede con Vilko, que la despluma al grado de que ya cerca del final ella le dice que no tiene dinero para comer al día siguiente.

En la última escena cuando Maud reúne a su familia para pedirles dinero, uno de los familiares le dice "Pues ha de haber sido muy persuasivo al pedir". Y ella contesta "No, sólo me pedía y ya".

En fin, otro caso para Mujer, casos de la vida irreal.

Y eso que para entonces la Breillat ya era abuela. Y nunca hace la película con este tipo.

Definitivamente los chacales saben algo que los demás ignoramos. Casos así le dan la razón al personaje de Dostoyevski que dice que no deseamos lo que creemos que deseamos ni rechazamos lo que creemos rechazar. O a Bataille que decía que nuestro problema es el exceso y no la escasez. 

O quizá sólo nos falta barrio.

 

El diluvio que viene

Me sorprendió como en Bugonia, la nueva película de Yorgos Lanthimos que es un remake de Save the Green Planet! de Jang Joon-Hwang, se presenta una situación en la que si cambiamos "extraterrestres" por "singularidad" todo encaja perfectamente en cultos actuales. Cultos reales. La singularidad es un punto en el cual, según los más fanáticoss de la realidad artificial, una de estas inteligencias llega a un punto de aumento infinito y se convierte por lo tanto en un Dios para efectos prácticos.

Y supongo que para alguien que quiere hacer una historia de estos creyentes fanáticos de la singularidad, que se hacen llamar racionalistas y se dividen en diferentes tipos, lo más fácil para no tener que explicarle a todo mundo lo que es la singularidad es cambiar el término por extraterrestres.

Los racionalistas son gente como Teddy Gatz, el personaje de Bugonia que maneja una sofisticada terminología científica. Suelen ser prodigios de las matemáticas, la computación o la filosofía. Pueden trabajar en Wall Street o más probablemente en el Silicon Valley y estar graduados en las más reconocidas universidades. O ser autodidactas como Teddy. Uno de los líderes de este movimiento nunca llegó a la educación media.

Y hay casos de fanáticos de la singularidad que se vuelven asesinos. Como Teddy y su primo neurodivergente, o autista, Don, que es otra característica muy común entre estos autodenominados racionalistas. También las enfermedades mentales son muy comunes entre ellos. Se puede considerar al célebre Unabomber, como el precursor de estos genios asesinos. El Unabomber era un prodigio matemático que mandaba bombas y creía que la inteligencia artificial acabaría con nuestra especie. Por cierto Teddy Gatz también sabe de bombas. Y hay un grupo de racionalistas asesinos más reciente, los zizianos. 

Como los zizianos, Teddy Gatz es vegano y como obliga a su primo Don a hacer todo lo que él hace, Don también es vegano. Teddy se castró químicamente y luego Don tuvo que hacerlo también. Los zizianos también se castran pues la mayoría son transexuales. La líder, Ziz, es una mujer trans.

Y los zizianos y Teddy comparten el objetivo de salvar a la humanidad de una inteligencia superior, unos de la singularidad, otro de un emperador de la galaxia de Andrómeda. Y tanto Teddy y Don como los zizianos fueron víctimas de abuso, aunque según algunos zizianos ya el simple hecho de que los mandaran a la escuela fue un abuso terrible que debía ser castigado con la muerte.

Y hay otra coincidencia, los racionalistas hablan del problema de la "alineación" que significa lograr que la superinteligente inteligencia artificial sea buena para la humanidad y no su némesis.

Mientras que los de Andrómeda deben decidir si se puede corregir a los homo sapiens o es mejor ya cortar por lo sano y acabar con ellos.

Esta vez, a nadie le van a decir que construya un arca para el diluvio. 

Miénteme más Sydney

Edén (Ron Howard 2024) se basa en un hecho real del que hay por lo menos dos versiones distintas. Y la película cuenta sólo una de esas versiones aunque al final amablemente avisan en un título que hay otra versión de los hechos.

Entonces la historia se trata de que en 1929 un escritor, el doctor Friedrich Ritter y su pareja, Dore Strauch, se van a vivir a una isla desierta en el archipiélago de las galápagos. El objetivo de Ritter era escribir un libro para salvar a la humanidad que según él se encaminaba irremediablemente al abismo. El único contacto de la pareja con el resto del mundo era un barco que pasaba a dejar y llevar correo.

Pero Ritter mandaba textos que se publicaban en Europa y un día una familia, los Wittmer, padre, madre e hijo llegaron a la isla pues Heinz, el papá, se había vuelto admirador de Ritter. Pero no son bien recibidos. El doctor incluso le pregunta a Heinz ¿Pues qué no leíste que venimos acá para estar solos?

Y eso es lo de menos, según lo que cuenta Margret Wittmer, Ritter y Dore eran malas, terribles, pésimas personas.

Vemos a Dore que le dice al doctor que no le gustan los Wittmer, que Margret es sólo un ama de casa y Heinz sólo un burócrata.

La isla de por sí es un lugar donde no es fácil vivir, ni siquiera conseguir lo más básico como agua y comida. Y las cosas empeoran notablemente cuando llega una trepadora que se dice baronesa con su séquito de tres hombres. Y rápidamente adopta un perro de la isla al que bautiza como "Márquez De Sade".

Esta mujer resulta ser lo que se conoce científicamente como una perra del infierno y no por algo que tenga que ver con el sexo, que eso queda entre ellos y sus hombres, sino por otras cosas que acaban provocando que en la isla todos acaben muertos, incluyendo a la baronesa. Sólo sobrevivieron los Wittmer, incluyendo un nuevo bebé, uno de los hombres de la baronesa que se va antes, y Dore que logra regresar a Alemania.

Y aquí es donde yo dudo de la historia de Margret, que es en la que se basa la película, pues se me hace muy sospechoso que los Wittmer resultan ser unos santos entre puros demonios y algún despistado.

Como se imaginarán, lo que cuentan Dore y su esposo, que escribe una carta a un periódico de Ecuador antes de morir, difiere en el tema de quien mató a quién de lo que cuenta Margret. Y lo sabemos porque al final, la policía de Ecuador, el país al que pertenecen las galápagos, llegan por Heinz. Pero Margret los convence de que es inocente.

Y aquí viene lo interesante ¿Cuál es el argumento de Margret? En la película lo que vemos es que básicamente dice ¿Pues qué no ven que somos buenos? mientras amamanta a su bebé. Lo de que ¿pues qué no ven que nosotros no nos metemos con nadie? es absurdo. La policía acaba de llegar a la isla y no tiene modo de saber como se ha comportado nadie de los que viven, o vivían ahí. Aquí lo que hacen los escritores del guion, el propio director Ron Howard y Noah Pink, es pedirle al público que haga un juicio de los personajes independiente de los hechos. Entonces los Wittmer, un matrimonio con hijos tienen que ser mejores que Ritter y Dore, una pareja de intelectuales (¡A la hoguera!), y además sin hijos. No importa que Dore no pudiera tener hijos porque le habían hecho una histerectomía. Y no se diga la "baronesa", cuyo último trabajo en realidad había sido de cabaretera en París, y sus hombres.

Algunos diálogos en la película van preparando al público para aceptar sin chistar la versión de Margret, como cuando ella le dice a su marido que a ellos les está yendo mejor porque son una familia. O como cuando la baronesa dice que no quiere tener hijos porque los niños son asquerosos.

Y claro, además a Margret la interpreta Sydney Sweeney. Si yo fuera un policía también le creería cualquier cosa que me dijera. 

Un gurú en la celda

 

Just Breathe (Paul P. Pompa III 2025). Nick Bianco tiene problemas cuando se enoja. No se pone como el Hulk pero madrea gente. En su defensa habría que decir que se enoja por ofensas reales. No como otros.

Las visitas a un terapeuta no le sirven y acaba en la cárcel. Aunque bueno... se madrea a un mesero que dice que su novia es una cerda.

Afortunadamente para él, comparte celda con un tipo con el mismo problema y que ha buscado la solución en el zen y la meditación. Y parece que eso sí le sirve a Nick, sólo que cuando sale de prisión se enfrenta a un nuevo villano, su "Parole Officer", Chester, el oficial de libertad condicional que le toca. Creo que este es un nuevo tipo de villano, no recuerdo otra historia en donde uno de estos tipos sea el antagonista principal. Y no es un policía. Eso lo dice Nick cuando Chester dice que es un policía, él le dice que no, que es un parole officer. Y Chester es realmente el mejor personaje, uno lo acaba odiando realmente y eso tiene que ver con el personaje pero también con una gran actuación de un tal Shawn Ashmore.

Así que un negro preso por homicidio resulta ser un gurú de la paz y la meditación y Chester, un tipo muy sonriente, muy alegre, supuesto padre soltero y agente de la ley, es en realidad un nefasto que se dedica a extorsionar a los exconvictos. Y eso no es todo, al final resulta ser ya de plano un enfermo sicópata.

Eso sí, en esta película creen firmemente en las transformaciones de un día para otro. El papá de Nick es otro nefasto que no hace más que estar sentado frente a la tele tomando cerveza y su hijo no le importa un comino. Cuando Nick sale de prisión y regresa a casa ni lo voltea a ver. Pero un día dice: Hijo, me he dado cuenta que he sido un pésimo padre y voy a cambiar. Y desde ese momento se vuelve un amor.

Y Chester es tan malo pero tan malo que le sirve rebanadas gigantes de paste a la novia de Nick que está en terapia por desórdenes alimenticios.

Claro, la culpa nunca es de uno sino del cantinero. Pero cualquier día de estos dejaremos de tenerle miedo al éxito y ¡pum! cambiaremos de inmediato. Y si no, en la cárcel podemos encontrar algún alma caritativo que nos encamine, si hasta a algunas cárceles les dicen reformatorios, por algo será.

En el principio fue el rave

 

Sirat (Oliver Laxe 2025) nos mete de entrada en un rave pero de esos alternativos, rudos, llenos de siconautas con ambiente nómada, clandestino. De esos en el viejo espíritu de Goa Gil.

De hecho para las escenas del rave del principio los creadores de Sirat hicieron un rave de verdad, que convocara un tipo específico de raver, de esos que suelen volverse "travellers", los que viven en el camino viajando de un rave a otro. De hecho la clase de gente que creo los raves originalmente, como explico en la entrada de Goa Gil.

No recuerdo otra película ambientada en ese mundillo.

Entonces un título al arranque de la película que explica que en la cultura árabe Sirat es un puente entre el infierno y el paraíso, tan delgado como un cabello o como el filo de una espada, hace pensar en la sicodelia, en los buenos y los malos viajes.

Y vemos a Luis, un español que junto a su hijo menor busca a una hija perdida en este rave en Marruecos, repartiendo volantes con la foto de la hija entre la tribu de los que creen en el trance.

Parece una gran idea, adentrarnos en el continente africano y en ese mundo en donde, como es de esperarse entre quienes viven en el viaje terrenal y de conciencia, la gente suele perderse. Ir con Luis, un tipo normal y su hijo Esteban a buscar a la hija descarriada entre quienes se dedican a buscar el paraíso pero también suelen pasar alguna temporada en el infierno de un mal viaje.

Sólo que esa historia no nos la acaban de contar. Sirat acaba siendo una mala película de guerra. Nunca llegamos al puente entre el paraíso y el infierno. Sólo llegamos a opciones más simples entre la vida y la muerte. Y de la hija perdida ni quien se acuerde.

Me parece un desperdicio. Ni hubieran hecho rave. Y el personaje más interesante, con quien es más fácil conectar emocionalmente que es Esteban, el niño en un viaje fantástico con estos freaks primitivos modernos, es el primero en morir.

¿Y para qué conseguir a estos personajes, Jade, Josh, Bigui, Tonin y Stef, que no son actores sino auténticos travellers interpretándose a si mismos, con sus nombres de verdad, para acabar haciendo una especie de Zona de Miedo wannabe?

Alguien me dijo que Sirat refleja lo que pasó cuando el ataque de Hamas a Israel que incluyó un rave. De hecho parece que fue lo más visto de dicho ataque, lo del rave. Además Israel es uno de los países más aficionados al trance y al rave y muchos DJ´s de esta escena son israelíes. Y los quieren cancelar, circulan largas listas de DJ´s israelíes con supuestos vínculos con organizaciones sionistas.

Puede ser. De cualquier modo, que mal viaje.

El mar intravenoso

En Romería (2025) el personaje principal es Marina, que está basado en la propia directora de la película, quien en el 2004 viaja a la costa gallega donde está la familia paterna, con la que ella ha estado fuera de contacto. Debe ir por unos papeles para solicitar una beca para estudiar cine. Pero todo depende de los abuelos, que aunque no tienen tanto tiempo en pantalla son realmente los que sufren una transformación, los que tienen una anagnorisis, los que cambian en el relato. Esto porque tienen que aceptar que tienen una nieta de su hijo Alfonso, que fue adicto a la heroína y que murió de sida, igual que la madre de Marina.

Todas esas, verdades muy difíciles de reconocer para una pareja conservadora. Marina y los abuelos se ven por primera vez en el mar, ellos en un pequeño barco y ella en otro, en una romería, una especie de pequeña peregrinación , como el día de San Judas o algo así, pero en el mar, para recordar a los que han muerto en sus aguas.

El tema del mar recorre la película de principio a fin y la adicción de los padres de Marina se presenta como algo tan inevitable como las mareas. Lo dice Iago, uno de los hermanos de Alfonso, o Fon, que le explica a la sobrina que los abuelos ven el asunto como algo que Fon decidió pero que en realidad no fue así. Y que el "caballo", la heroína, simplemente arrasa.

Hay momentos en la película en los que el mar y la droga se entrelazan sutilmente. Fon, que también llegó a traficar caballo la sacaba del mar, de unas como trampas para cangrejos. Cuando la madre de Marina describe momentos de éxtasis con la droga usa metáforas marinas y vemos delfines y corales bajo las aguas.

Los padres de Marina cruzaron el Atlántico en su barco y llegaron hasta el Perú donde la meta final era un lugar en la selva para tomar ayahuasca, el famoso alucinógeno del amazonas.

Finalmente en una escena onírica, la madre y Marina se despiden de Fon que se va en su barco para no volver del mar intravenoso.

El océano, sin límite, profundo y peligroso como símbolo del éxtasis de la droga, o del éxtasis a secas. Y una romería para reconocer a los ahogados en las profundidades que no discrimine entre diferentes mares.

Una película de gran belleza y carga emocional.

La aspiradora del amor

Un fantasma para servirte (Ratchapoom Boonbunchachoke 2025) la cinta ganadora de la semana de la crítica de Cannes este año, explota el viejo tema de los fantasmas en las máquinas, como en Christine, la película que adapta una historia de Stephen King. Sólo que en este caso con propósitos de comedia. Y políticos. E incluye escenas subidas de tono de relaciones sexuales entre aspiradoras y humanos así como las más tradicionales de hombre con hombre y fantasma gay con hombre y no estoy seguro si también entre fantasmas hombres, ustedes disculpen pero yo ya estaba hecho bolas. Si usted siente que nadie lo comprende imagínese la mujer que vemos aquí cuyos familiares no la dejan en paz porque tiene dos hijos y uno está casado con un australiano y el otro con una aspiradora.

Y sin embargo esta película tiene un mensaje político de fondo, con cosas que seguramente nos eluden a quienes desconocemos los entresijos de la política tailandesa, pero que tiene que ver con una masacre que ocurrió en el 2010. Hay un personaje que se supone es un importante funcionario del gobierno que recluta una fantasma para meterse a los sueños de la gente, detectar fantasmas metidos en esos sueños y luego con unos aparatos como de dentista pero del cerebro, sacarles, no las muelas, sino los recuerdos que atraen a los fantasmas de esos masacrados en el 2010 para que así, sin fantasmas que estén jodiendo, el recuerdo de esa masacre desaparezca.

Por cierto esta película usa ese estilo rígido, semilento, que es como poner un punto después de cada cosa que pasa. Así de que el personaje dice algo, punto, mueve la cabeza, punto, hace una expresión con la cara, punto, dice la siguiente cosa, punto. En este caso el estilo combina bien con el tono de comedia pues hace que los personajes se vean muy tranquilos y serenos hablando de lo más normal con algún enser doméstico, pero a mi me intriga como o porque este estilo se puso de moda. Es como cuando los platos dejaron de ser redondos y se pusieron cuadrados sin ninguna explicación.

Sin salida

El mil usos (Roberto G. Rivera 1981, guión Ricardo Garibay) Es un lugar común en la narrativa de los que llegan a la Ciudad de México que acaban en la cárcel. Según cuenta el escritor Alvaro Enrigue, estaba leyendo novelas mexicanas de principios del siglo XX y en todas, sin excepción, los que llegaban acababa en la cárcel. Claro eso ya no aplica para nómadas digitales o turistas ocasionales sino para los que llegan huyendo de la miseria encandilados por las luces de la ciudad.

El mil usos, cuyo verdadero nombre es Tránsito, llega de un pueblo de Tlaxcala a la gran ciudad y pasa una temporada en el reclusur, una cárcel al sur de la ciudad. Y cuando lo sueltan no se quiere ir, prefiere la cárcel a la calle.

La película tiene al menos algunas tomas reales del reclusorio sur, lo que hace pensar que hubo colaboración con las autoridades y seguramente no sólo de la cárcel sino de la ciudad pues la película parece una deliberada pieza de propaganda para que los campesinos no vengan a la capital. El tema musical de la película dice "Ya no vengan para acá, quédense mejor allá, el distrito federal no es, no es lugar para llegar."

Esa cooperación explicaría porque en  El Mil usos el reclusur parece un club deportivo, con celdas espaciosas, poca gente y todo muy limpio y funcional. Sin problemas de ningún tipo. La única autoridad que aparece es un juez, que libera al mil usos y es un tipazo. Deja que Tránsito se quede con el uniforme del reclusorio porque no tiene ropa y se echa un discurso no sólo al mil usos sino a todos los campesinos en el que les dice que se queden en su tierra pues en la ciudad sólo les espera  "hambre, servidumbre y la cárcel."

Y aunque una cárcel tan bonita y confortable sería una tentación para muchos, no deja de ser revelador que un personaje prefiera la cárcel a que lo echen a las calles de la Ciudad de México. Es algo que no resulta inverosímil: Yo una vez escuché a una persona que vivía en la calle y que había estado en la cárcel que prefería la cárcel.

Pero ¿qué es lo atroz de la vida en la ciudad para Tránsito?

Vemos que al principio no tiene ni para comer, lo hacen trabajar y luego no le pagan lo acordado. Des pués consigue algunos trabajos más serios como de barrendero o en unos baños en donde hace de "limpiamugrosos" según dice el mismo. Además debe tener relaciones sexuales con la dueña de los baños, cosa que a él no le gusta pues al parecer las fantasías sexuales de dicha mujer implican golpearlo.

Al final, en una pulquería, escucha a unos tipos hablar de sus experiencias trabajando en el gabacho y se interesa pero otro tipo interviene y le dice que él ya estuvo tres veces en Estados Unidos y que son puras humillaciones.

Creo que ese es el meollo del asunto. Trabajos había pero Tránsito no dejaba de ser humillado. Al final se regresa al pueblo pero se había ido porque de plano ahí sólo lo esperaba la miseria. Pero al menos ahí era alguien y nadie lo humillaba.

Pornografía del estambre

Sueños (sexo y amor) (Dag Johan Haugerud 2024) es una muy bien hecha película noruega, en el sentido de que es una historia con mucha sutileza, muy literaria, en la que se puso mucha atención en el guion y no sólo fue cumplir los puntos de algún manual para guionistas de cine principiantes.

Es una comedia ¿pero cuál es el tema? ¿el amor y el sexo? Aunque eso dice entre paréntesis el nombre de la película y a primera vista puede parecer una comedia romántica creo que no lo es realmente.

En Sueños (sexo y amor) la protagonista Johanne que si no me equivoco tiene catorce años, escribe la historia de su relación con su maestra Johanna y le da esta historia a leer a su abuela que a la vez se la da a su hija, mamá de Johanne.

Ellas se preguntan si lo que escribió Johanne es real. Están de acuerdo en que está muy bien escrito. Y la abuela es poeta. Pero ni siquiera porque Johanne les dice que es real dejan de dudar.

Y yo como espectador me pregunto lo mismo que la mamá y la abuela ¿Esta es una historia de amor ó sólo finge amor?

Creo que lo segundo.

Primero está el tema del amor por las historias de amor. Johanne dice que todo empezó cuando leyó una historia de amor entre una chica y un hombre mucho mayor. Y el punto culminante es cuando este hombre le pone a ella una bufanda. De estambre seguramente.

Y entonces Johanne se enamora de una de sus maestras. Mujer, mayor y negra.

Entonces hay como un lado transgresor. Y la mamá y la abuela no dejan de comentar lo sexualmente explícito que es el relato de Johanne.

Sólo que luego nos enteramos que por sexualmente explícito se refieren a sus descripciones de la piel de Johanna rozando su sweater de estambre. En esta película hay estambre, bufandas y sweateres por todos lados, a Johanna le gusta tejer y le enseña a Johanne.

En realidad nunca pasa nada sexual entre las dos.

Entonces creo que hay dos cosas en que la historia es engañosa: Aparte de decir que la descripción de la piel rozando el estambre es algo sexualmente explícito está la cuestión del lesbianismo que sólo se menciona una vez.

Al principio ni la mamá ni la abuela ni Johanne dicen nada de que se enamoró de una mujer. Así como que en Noruega son tan open mind que ni lo notan.

Sólo la mamá, que en un principio se preguntaba si debía demandar a la maestra por abusar de su hija pasa rápidamente a animar a su hija publicar su historia para volverse "una escritora queer". Y la hija pregunta que a poco ya es queer. Y eso es todo. Se pretende que el lesbianismo no es tema. Hasta que algo pasa al final.

Entonces muy liberales pero quieren demandar por todo. A pesar de que la hija explica que ella se enamoró primero y que ella fue a buscar a la maestra a su departamento y a fin de cuentas no pasó nada, sólo tejían y tomaban té. Y el colmo es que ya al final, para publicar el libro la mamá va con Johanna. Y entonces Johanna es la que dice que Johanne fue la que abusó de ella porque sentir esas cosas sobre la piel y el estambre es un abuso. Un total absurdo en que ya hasta los pensamientos son un abuso.

Y en otro tema Johanne se pone de lado de la abuela que es religiosa contra la mamá que no lo es y cuando pasa por un barrio musulmán de Oslo dice que le encanta que ahí la gente se una alrededor de un Dios. Como pensando en burkas de estambre.

¿Entonces es una historia conservadora o liberal? ¿Transgresora o ñoña?

Yo digo que ñoña - conservadora con tendencia a poner demandas. Pues es en un contexto en que el lesbianismo ya está muy normalizado. Aunque no tanto como se pretende. Porque en realidad lo de Johanne y Johanna no es amor. Johanne no sufre cuando la relación, es decir sus visitas a Johanna para aprender a tejer, acaban. Dice que sí pero no se ve que sufra. Y Johanna menos. De hecho cuando la mamá va a hablar con ella ¿y a quién se le ocurre mandar a la mamá a hablar con la examada? Eso no suena liberal sino más bien falso. Ahí no hubo amor, más bien una buena escritora. Y Johanna dice que ella no notó que Johanne estuviera enamorada de ella, que quizá sólo al final notó algo y que por eso la mandó a volar.

Después Johanne va con un sicólogo que por todo lo que le pasó. El sicólogo con toda razón a mi parecer pregunta ¿Pues qué te pasó? Te enamoraste, cosa que le pasa a todos, luego publicaste un libro y ya.

Sólo que para ese momento se supone que Johanne ya tiene un novio. Y en la última escena vemos que el novio, único personaje masculino de la película, le vale madres. Ella se encuentra a una mujer que había conocido por Johanna y salen chispas entre ellas y se van juntas y del novio que la estaba esperando, literalmente la estaba esperando en la calle, ni quien se acuerde.

¿Entonces tenía un novio que no le importaba en lo más mínimo y ese no era un tema para tratar con el sicólogo? Quizá andaba con él intentando que le gustaran los hombres o algo así.

El mensaje sin embargo es claro. Ese final es lesbianismo militante. Y está bien, pero que no finjan que no, que no se hagan las que ni cuenta se dan de la homosexualidad y el lesbianismo. Que el lesbianismo ñoño-conservador salga del closet de los sweateres de estambre.

Aunque pensándolo bien si sólo va a salir para poner demandas está bien que se quede ahí.

Por cierto en  la última película noruega de la que escribí también está el tema de demandas absurdas. Parece que andan aburridos por allá.