La impotencia del comisario político

Citizen X ó Ciudadano X (Chris Gerolmo 1995) es la historia de la búsqueda de Andrei Chikatilo, un asesino serial de la Unión Soviética, quien tuvo el record de asesinatos para un asesino serial con 53.

Pero en realidad es más bien la historia de la lucha contra la burocracia comunista, de Viktor Burakov, el detective a cargo de la investigación, que en realidad era un perito forense, y su jefe, el coronel Fetisov en contra del comité del cuál dependían, en donde el más alto rango lo ostentaba un comisario de ideología.

Apenas lo habían puesto a cargo de la investigación y ya Burakov se había dado cuenta que se trataba de un asesino serial que engatusaba a sus víctimas en las estaciones de tren. Pero el comisario de ideología le dice que eso es imposible porque los asesinos seriales sólo existen en occidente producto de su decadencia moral y le niega todo lo que pide: más personal, alertar a la población y consultar al FBI entre otras cosas. Y es que hacer cualquiera de esas cosas sería aceptar que había un problema.

Los asesinatos empiezan en 1982 y el caso no se resuelve hasta 1990 tras la caída del comunismo cuando le dan a Burakov lo que pidió desde un principio.

Pero ya habían detenido a Chikatilo años atrás. Sólo que era del partido comunista y entonces su muestra de sangre no correspondió con las muestras encontradas en las víctimas. tras la caída del comunismo las muestras ya correspondieron.

Mientras tanto los del comité ordenaron investigar y detener a los homosexuales. Un grupo de gitanos también les gustó como chivos expiatorio.

Lo que más me llamó la atención es que al final se supone que Chikatilo mataba por un problema de impotencia sexual.Un siquiatra había hecho un perfil acertado del posible asesino años atrás. Lo llamó ciudadano x y dijo, entre otras cosas, que no tenía porque ser homosexual, que probablemte sería casado. Y estaba casado. Y que tenía un problema de impotencia.

Al final este siquiatra hace confesar al asesino, lo que los funcionarios soviéticos no podían.

Pero es curioso como este asesino sufría impotencia pero que tal su potencia para matar, que tal la potencia de su frustración. A él le daba terror lo que hacía, a sus víctimas les sacaba los ojos pues había oído que la cara del asesino se queda en los ojos. Eso muestra el miedo que sentía y que sin embargo no le impedía seguir matando. Frente a su impotencia sexual estaba la potencia de su impulso asesino. Y ese estaba en su cabeza pues debía planear los asesinatos.

Igual de fuerte era la inflexibilidad en la cabeza del comisario político con su ideología impotente para dar resultados. Pero brutal hacia afuera y como Chikatilo, aterrorizado de que su realidad fuera descubierta.

De hecho, después del primer arresto del asesino el comisario trata de cerrar la investigación pero el coronel Fetisov le dice que si lo hace le dará a su esposa todas las fotografías y pruebas que tiene de sus relaciones homosexuales.

El asaltante que dejaba tarjeta de presentación

Antes que el diablo sepa que has muerto (Sidney Lumet 2007) parece hecha para que Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke y en menor medida Marisa Tomei y Albert Finney se luzcan. Y lo hacen. Los personajes de Hoffman y Hawke, los hermanos Dany y Hank Hanson respectivamente, atraviesan por todas las emociones, van de una situación extrema a otra. Inclusive una escena en particular, cuando Andy y su papá tienen una agria discusión parece como metida a fuerza para que Hoffman demuestre que bien puede llorar, pues en realidad la escena no viene al caso.

Entonces la película tiene buenas actuaciones pero el guión no es tan bueno. Uno termina, al menos yo, con la sensación de haber visto pasar un huracán de emociones desencadenadas por muerte, traición, deseperación, y lo que quieran agregarle... de hecho en un momento dado Dany Hanson se acuesta en posición fetal agobiado por lo que le sucede, pero sin que todo eso se justifique bien con una historia.

Como que quisieron hacer una tragedia griega en esteroides, y en lugar de que edipo mate a su padre accidentalmente, los Hanson hacen que su mamá sea asesinada sin quererlo. Pero el chiste de una tragedia griega es que los personajes se enfrentan a los dioses o al cruel destino. Cuando lo que les pasa es por idiotas la cosa no funciona.

Todo empieza porque Dany ha robado dinero en su trabajo y para salir de problemas planea un asalto. Pero se supone que él es un exitoso ejecutivo en una compañía de Nueva York y según dice el mismo, le ha ido muy bien profesionalmente y maneja mucho dinero. ¿Para qué o porqué iba a hacer un robo que además se descubre fácilmente? Se supone que le hacen una auditoría y lo descubren muy rápido.

Entonces desde ahí como que empiezan mal las cosas, cuando la motivación del personaje principal parece absurda. De hecho Dany dice que empezó trabajando en la joyería de sus padres pero que ahora se dedica a grandes negocios y ha dejado sus humildes comienzos muy atrás. ¿Pero entonces cómo es que planea asaltar la joyería familiar para salir de problemas de dinero?

Y hay otro sinsentido mayúsculo que le quita toda verosimilitud a la historia. Dany planea venderle las joyas a un tipo que se dedica a la compra de joyería robada, pero es un viejo conocido de su papá. Este tipo de hecho dice que su papá empezó en una joyería de "abajo" como si trabajaran en el mismo edificio o en la misma manzana.

Entonces el papá de Andy lo va a ver y le pregunta si sabe algo del asalto a su joyería y este wey le dice la verdad, que sí, que su hijo lo fue a ver para saber si estaba interesado en unas joyas que se iba a robar ¡y le enseña la tarjeta de presentación que le dejó!

Por más buenas que sean las actuaciones no hay como salvar una trama tan absurda.

Moneando con las vestiduras del Mercedes

Perdidos en América (Albert Brooks 1985) es una road movie mucho más famosa de lo que imaginaba. A mí la película se me quedó grabada pero pensé que era una de esas cosas que uno ve en la tele y nadie más sabe de ella. Y no, Perdidos en América tiene 95% de aprobación en Rotten Tomatoes, está en listas de las mejores comedias de todos los tiempos y se ganó un premio al mejor guión de la asociación de críticos de cine de Estados Unidos. Además está en la colección de Criterion.

Es una comedia - drama basada supuestamente en el caso de la vida real de una pareja de yuppies de clase media, aburridos de sus vidas, que lo dejan todo y se lanzan a la carretera en una casa rodante a encontrarse a si mismos y vivir la vida como "easy riders". Eso lo repiten varias veces, que su guía es la película Easy Rider.

Toda la historia está llena de referencias a otras películas. Empieza con la cámara recorriendo la casa de la pareja, los Howard, mientras de fondo se oye a Larry King entrevistando a un crítico de cine.

Y un momento muy importante es cuando David Howard le dice a Linda, su esposa, quien después de perder todos los ahorros que tenían argumenta que para encontrarse a uno mismo hay que vivir sin tomar en cuenta el dinero, que los personajes de Easy Rider vendían cocaína.

Perdidos en América es como una respuesta, una crítica, a la cultura bohemia de los sesentas, como un yuppie de los ochentas, de la época de la chica material y el neoliberalismo, diciéndole a un hippie idealista, de amor y paz: "¡Sí, pero tú vendías cocaína!".

Sin embargo los Howard, yuppies sin vicios, tienen otras dependencias. Para su viaje compran una casa rodante que consume tanta gasolina que no pueden ir muy lejos después de que Linda pierde casi todo el dinero. Los coches son otro tema omnipresente, a David que es publicista le dicen que va a trabajar en la cuenta de Ford y un tipo le hace una canción a Ford con la música de New York, New York. En su viaje por América parece que ponen a propósito muchas refinerías de fondo y Howard, que quería comprarse un Mercedes antes de que, por no recibir un ascenso que esperaba decidiera dejarlo todo, acaba aspirando como perro el aroma de las vestiduras del Mercedes de un tipo que le pregunta una dirección.

La historia presenta la supuesta búsqueda de si mismos que emprende la pareja como una rabieta, un berrinche de David porque no le dan su ascenso. Tal vez ellos no aman su trabajo pero aman gastar dinero y tras demostrarse a si mismos que no era simple cobardía lo que les impedía salirse del sistema vuelven al redil.

Un mensaje muy materialista, pero en una cosa tienen razón: Ningún dealer tiene porque ser ejemplo de espiritualidad. Así sea un easy rider.

 

Ciudad mounstruo

En La Guerra de los Mapaches (Isao Takahata 1994) los mapaches de los alrededores de Tokio acostumbrados a vivir en un mundo rural de sembradíos, bosques, templos y casas rústicas de campesinos, se enfrentan al crecimiento de esa ciudad, que al menos en esta historia pasa de ser la víctima de los kaijus: Godzilla, Mothra, Rohan, Godzuki y demás creaturas de la radiación y las explosiones nucleares para convertirse ella misma en la mala de la película.

Los mapaches tienen un superpoder, pueden transformarse en lo que quieran. Bueno no todos los mapaches, unos no.

Usan ese poder para provocar algunos accidentes pero piensan que eso no va a parar a los humanos así que se concentran en espantarlos transformándose en toda clase de cosas de espanto del folklore japonés. También los mapaches machos pueden inflar sus testículos hasta formar grandes bolsas voladoras en las que se elevan para atacar. Y siempre se les ven sus huevos pero nunca sus pitos.

Tokio sin embargo es una ciudad dura. Como dice un mapache maestro de la transformación que habían mandado traer de muy lejos, Tokio era realmente mala pues de donde él venía la gente habría salido huyendo con mucho menos.

En el fondo es una derrota de la vieja religión, los viejos mitos, hay hasta una escena donde el mismísimo Buda se sorprende del megadesarrollo urbano que destruye el hábitat mapache.

Y hay un tema relacionado, la madurez. Para sobrevivir al final los mapaches deben transformarse en humanos y así vemos a uno que ahora anda en el metro cargando un portafolio y se pregunta como los humanos pueden soportar eso.

Los mapaches se supone que son muy alegres y despreocupados, son como niños.

Todo acaba cuando este mapache-humano se encuentra a unos mapaches-mapaches cantando y bailando y deja su forma de humano trajeado y se les une.

Quizá perdieron por ser mapaches sin pitos lidereados por ancianos, el mero mero es un monje de más de cien años y los maestros que mandan llamar incluyen un mapache de 999 años, otro que se muere de viejo en plena batalla y otro ya se había muerto desde la posguerra de la segunda guerra mundial, andaban atrasados de noticias estos amigos y muy necesitados de un relevo generacional. Una líder muy importante es una abuela mapache que no los deja reproducirse ¿A quién se le ocurre no reproducirse en medio de una guerra? Lo de no tener pito resulta harto significativo. 

El triste final se suaviza con una última escena donde los mapaches cantan una canción que dice que siempre alguien se acordará de ti en el lugar de donde vienes. O sea no en la malvada y moderna Tokio donde te toca ser adulto, donde nadie cree en los viejos cuentos y nadie te conoce.

 

Camino de perdición

Factotum (Bent Hamer 2005) basada en la novela del mismo nombre de Bukowski, es una historia protagonizada por Hank Chinaski, el alter ego de Bukowski, que parece una fiel descripción de un periodo de la vida del viejo indecente que por alguna razón gustaba de llamarse a si mismo Chinaski cuando escribía sobre sí mismo.

Factotum en inglés es lo que en México llamaríamos un mil usos, que trabaja de todo. Así que vemos a Chinaski repartiendo bolsas de hielo, trabajando en una enfrascadora de pepinillos y limpiando una estatua entre otras cosas. Vemos como va perdiendo cada trabajo porque prefiere beber, o porque ha tenido una buena racha en el hipódromo.

También pierde a sus mujeres y acaba perdiendo donde vivir.

En su camino de piedra rodante va mandando cosas que escribe a editoriales que nunca le contestan. Hasta que le llega una al lugar donde vivía y que ya no pudo pagar.

Tampoco le dan trabajo ahora por no tener un lugar fijo de residencia y en una agencia de trabajos temporales lo corren por beber en la sala de espera.

En la última escena Chinaski va por la calle, es de día y se mete a un lugar que anuncia mujeres bailando en el tubo. De fondo, se escuchan palabras de Bukowski que recomiendan ir hasta el final pase lo que pase: Hasta quedar completamente solo. Ese es el premio nos dice: Quedarse solo, todo lo demás son sólo pruebas.

¿El final de qué? Del camino de la perdición es de suponerse. Que será algo diferente para cada quién.

Dice él que así estará uno solo con los dioses. Y vemos a Chinaski solo, con su cerveza, no hay nadie más. Sólo él y una mujer desnuda que se contorsiona lentamente alrededor del tubo frente a el.

La experiencia sin embargo, según lo que nos dice el viejo indecente, no es como la de cualquiera que va a un table dance pues ese antro y esa mujer sólo se encuentran al final del camino de la perdición.

No es lo mismo. 

Poesía y asesinatos

 

The Little Girl Who Lives Down the Lane, llamada La muchacha del sendero en España y La niña del caserón solitario en México de Nicholas Gessner 1976 es una obra maestra, creo que viene siendo la verdadera contraparte fílmica de la pared de Pink Floyd. Mucho más que la película esa de The Wall.

Se trata de una niña de trece años, Rynn (Jodie Foster) que vive sola. No va a la escuela, nadie le dice que hacer, le gusta la poesía y está aprendiendo hebreo por su cuenta.

Su padre ya muerto, un poeta, preparó todo y la educó para que no cayera en las garras del sistema.

Sólo que la libertad no es fácil y menos para una niña de trece años, así que debe eliminar a los que se entrometen.

Empezando por una mujer poderosa que es del consejo de la escuela a la que Rynn debería ir y que es también mamá del abusador de menores del pueblo.

Rynn no puede sola pero se consigue un novio cómplice, un tipo que a causa de una cojera no puede jugar futból americano, que es lo más importante en el pueblo, y que es como no poder ir a la verdadera escuela digo yo. Y entonces se dedica a hacer shows de magia.

Juntos deberán usar todos los trucos contra ese sistema cuyo rostro es un abusador sexual.

Pero no es que el mal sea la pedofilia pues hasta la madre de Rynn es parte de ese mal. Y la escuela. Es todo lo que se opone a la libertad de Rynn, que es buena, no es una asesina insensible, es sólo que tiene que matar a los que tiene que matar.

Fuera roomies

 

Frances Ha (Noah Baumbach 2012) nos presenta una especie de épica del poder pagar una renta sin la ayuda de roomies o de una pareja. La historia comienza poniendo los asuntos inmobiliarios por arriba de la amistad y la amistad por arriba del amor.

A Frances (Greta Gerwig) su novio le pide que se vaya a vivir con él, pero Frances se rehúsa a dejar a su roomie y mejor amiga Sophie con quien vive, según ellas mismas, como un par de lesbianas sólo que sin sexo. Esa decisión hace que termine la relación de Frances con su novio, pero a eso no se le da importancia, es sólo para demostrar la fuerza de la amistad de las dos amigas. Esta no es una historia romántica.

Poco después Sophie le comunica a Frances que encontró un departamento justo en la calle que más le gusta y que se va a mudar. Como es una zona más cara de la ciudad ella no se puede ir con Sophie.

La amistad se enfría, Frances se va a vivir con un par de weyes y luego acaba en un dormitorio universitario. Tiene problemas económicos. Ella es una bailarina de 27 años y trabaja en una compañía de danza en donde le dicen que puede seguir trabajando, pero de secretaria o coreógrafa, ya no de bailarina. 

Lo que, claro, nos recuerda que Greta Gerwig va a pasar a ser la directora de Barbie, así el personaje pasa de bailarina a coreógrafa y la actriz a directora, que es entre otras cosas como coreografiar actores. 

Frances se rehúsa en un principio pero acaba aceptando, se reconcilia con su amiga y al final, gracias a que ha aceptado sus nuevas funciones y al ritmo de la davidbowiesca "modern love", pone su nombre en el timbre de su  nuevo departamento.

Y así, la alegría de tener un timbre a su nombre mata la importancia de la amistad, lo que sabemos es que Sophie estará viviendo en Tokyo con su novio, que es director de investigación de mercados asiáticos en Goldman Sachs, y también de sus sueños de ser bailarina, y ya ni hablar del novio del que ya ni quien se acuerde.

Dudo que ese amor por los bienes inmuebles haya sido lo que Bowie tenía en mente al componer modern love.

El que se mueve pierde

En Stranger than Paradise (Jim Jarmusch 1984) una chica, Eva (Eszter Balint), llega de Hungría a Nueva York y debe quedarse unos días con un primo mamón, Willie, que vive en un muy pequeño departamento.

A lo largo de esta historia parece haber una constante que es que el que se mueve pierde. 

Ella viene desde la vieja europa comunista y acaba viviendo en Cleveland con una tía, trabajando en un local de hot dogs y según dice ella misma se siente atrapada. Al final de la película está a punto de regresarse a Europa.

Su primo parece llevar una existencia minimalista en su pequeño departamento, con pocas cosas, su pequeña tele, jugando solitario, comiendo cenas preempacadas que le evitan lavar platos. No le gusta que le hablen y menos en húngaro aunque lo entiende.

 Y que nadie lo moleste. Tiene un amigo, Eddie, al que se la pasa dándole órdenes, como a su prima.

Willie y Eddie parecen vivir de jugar a las cartas en las que hacen trampa y de ir al hipódromo. 

El primo por un lado trata mal a la prima pero al mismo tiempo trata de congraciarse con ella. Le regala un vestido pero como el que se mueve pierde a ella no le gusta. En cambio a él, Eva le compra una de las cenas preempacadas que sabe que Willie come y no falla.

Un día, cuando Eva ya tiene tiempo en Cleveland, Wllie y Eddie deciden que quieren ver cosas nuevas y tomar la carretera, así que van a ver a Eva. Lo de ver cosas nuevas no sale bien, Eddie comenta que todo se ve igual, Eva los lleva a conocer el lago Erie, que como es invierno está congelado y se quedan los tres viendo un rato un fondo completamente blanco. Así que mejor se van a Florida.

Eddie quiere probar suerte con algo nuevo, tiene un presentimiento sobre las carreras de galgos y se van al galgodromo y dejan a Eva todo el día en un motel. Pierden casi todo su dinero en los galgos y para recuperarse Willie decide ir a un viejo y conocido hipódromo. Pero Eva ya domina lo de ganar dinero gracias a su intuición. Willie se mueve, parece que acaba, contra su voluntad, en un avión rumbo a Budapest. Eva en cambio regresa al motel, ya no está inquieta por irse de ahí, aunque puede hacerlo, y se sienta tranquilamente. 

Esto de quedarse quieto parece que Jarmusch lo aplica en sus películas que deja tomas muy largas que parece que nunca va a cortar.

El extraño mundo sexual de los setentas

¿Qué le han hecho a Solange? (Massimo Dallamano 1972) es un giallo, como se les dice a las películas italianas  de explotación, explotación de sexo y violencia, que fueron muy populares internacionalmente y esta película que tiene como una docena de títulos distintos, al parecer fue uno de los giallos más populares.

Para facilitar su distribución se filmó en Londres con diálogos en inglés. Y el resultado es un giallo pero mezclado con historia detectivesca a la Sherlock Holmes con todo e inspector de Scotland Yard que está siempre fumando su pipa.

Pero la explotación a la italiana está presente con un grupo de colegialas adolescentes muy guapas que están siendo asesinadas.

Y hay dos cosas que suenan muy extrañas hoy en día:

Primero, una adolescente que por abortar se vuelve loca. No digo que sea lo más fácil del mundo (Ver Juno) pero ¿cómo para volverse loca al grado de perder el habla?

La otra cosa rara es que el personaje protagónico, el maestro Rosseni, le ponía el cuerno a su esposa con una de sus alumnas. Su matrimonio iba muy mal y él le decía a la colegiala que se iba a separar. 

Y entonces resulta que la esposa se entera que la alumna aún era virgen. El esposo se la había querido coger, habían fajado, ya hasta tenía un departamento para estar con ella, pero al tipo no se le había hecho. Y cuando la esposa se entera le vuelve el amor por el esposo y vuelven a ser felices. O sea que sin penetración no hay infidelidad. Nos suena muy raro ahora pero al parecer era una idea que sí existía; cuando salió el escándalo de Bill Clinton y su becaria me acuerdo que Sergio Sarmiento escribió que según ciertos antiguos usos y costumbres si Clinton no había penetrado a Lewinsky, y meterle un puro no contaba, entonces él no había sido infiel.

Seguro que tambén había gente que pensaba, o piensa todavía, que si una mujer se volvía loca podía deberse a que había abortado.

Los setentas eran otro mundo.

Dato curioso: La música es nada menos que de Ennio Morricone.

El chip del muerto

Erase una vez una empleada que quería escapar pero estaba atrapada en un trabajo. Quería irse a un planeta independiente, quería ver el sol.

Creo que de algún modo Alien Romulus (Fede Alvarez 2024) puede leerse como una metáfora de alguien, o de un grupo, que busca su independencia y que podrían ser los propios creadores de esta película.

Como si estuvieran enviando señales de que podrían tener guiones o historias que quisieran hacer películas pero están atrapados, así como los protagonistas trabajando para la corporación Weyland - Yutani, en el negocio del cine que está interesado principalmente en viejas historias, conocidas y probadas con el público: Secuelas, remakes, adaptaciones, nostalgia.

Nótese la escena en la que Andy y Rain están desayunando: Se trata de un comedor colectivo, un comedor industrial o un "food court" y sin embargo parece que tienen su lugar personalizado con fotos y otras cosas. Algo que no se puede hacer en un comedor común. Como no se puede hacer lo que uno quiera en una historia de franquicia. Además Andy le cuenta viejos chistes que a ella le causaban gracia de niña pero ya no.

Nótese también que la anterior película de Fede Alvarez fue una nueva versión de Hansel y Gretel, de la que parece que se hacen por docena. Aquí escribí de una y aquí de otra.

El director de fotografía, el mexicano Galo Olivares, que por cierto fue mi vecino, fue camarógrafo de Roma, película en la que el director Alfonso Cuarón tuvo también el crédito de director de fotografía. Y según el rumor que corre en la industria desde entonces ese crédito debió ser de Galo.

Pero bueno... entonces Rain (Cailee Spaeny) quiere huir al planeta independiente y su ex, junto con la hermana y el primo del ex, tienen un plan para escapar pero necesitan a Andy, que es un sintético, o sea un robot, o sea como un celular del futuro que Rain ama como si fuera su hermano.

El plan es tomar equipo de una vieja nave obsoleta, como si fuera una vieja franquicia de 1979, y con eso irse al planeta independiente, pues la corporación sólo les promete la libertad pero se han dado cuenta que no se las dará nunca.

Antes claro está, deberán enfrentarse a los viejos xenomorfos y a toda su parentela.

Y esta aventura les salió bastante bien la verdad. Es una buena película de acción, con un buen guión, muy bien hecha, la dirección de arte con esa nave en la que se escapan que parece camión de basura espacial viejo y oxidado, con instrumentos como de los setentas no tiene mamá xenomorfa.

Un punto importante de la trama es que el chip de Andy no sirve para entrar al lugar donde está un combustible que necesitan y le deben poner el chip de Rook, un "sintético" apagado y con las tripas de fuera interpretado nada menos que por Ian Holm, el actor que interpretó al sintético Ash en la Alien original. Aunque Ian Holm ya murió, lo reviven con tecnología digital. Una señal de que muy pronto serán comunes no sólo los conciertos de hologramas de viejos músicos como ABBA sino también los actores "inmortales" que no dejaremos de ver y que le quitarán espacio a los vivos. Propongo que les llamemos actores xenomorfos.

Este chip del muerto hace a Andy muy peligroso y deben quitárselo, lo que también podría ser muy peligroso.

A pesar de que se le ha criticado a la película que tiene cosas que recuerdan demasiado a otras películas de la franquicia, como esa escena de Rain respirando junto a la boca de un xenomorfo que sólo da sensación de deja vu, y otras tomas en donde parece que sólo recortaron a Sigourney Weaver para pegar a Cailee Spaeny, en general la cosa salió bien y lograron usar el viejo chip de Alien y sacar una buena película de ahí.

La percepción extrasensorial no tiene la culpa

Se le ha criticado a Longlegs (Oz Perkins 2024) que le metieron demasiadas cosas, como si fuera una ensalada sin límite de toppings, crocantes y proteínas en donde además se escogieron todos los aderezos. Y aunque esto sea un modo exagerado de decir que exageraron, la verdad es que sí se pasaron un poco. Porque le metieron el libro del apocalipsis, un gato del demonio que sale sólo en una toma, unas letras de T Rex que salen al principio que quiensabe que tienen que ver con la historia, frases recurrentes como "Soy el amigo de un amigo de un amigo" o "El hombre de abajo", un algoritmo... en fin, todo lo que pudiera crear una atmósfera pero que al final acaban haciendo la historia confusa.

Abajo de todos los extras tenemos otra película estelarizada por Nicholas Cage sobre un culto maligno, como la de Willy´s Wonderland. A mi me hubiera parecido más interesante si se hubieran ido con la idea de que era un asesino tipo Charles Manson (El Anticristo de Hollywood) que hacía que otros mataran por él, así como dice uno de los personajes al principio, sin meter lo satánico, que a mí el patas de cabra me es intramuscular. Pero bueno, el caso es que en Longlegs tenemos otra historia en donde el mal se mete por medio de lo más inocente y familiar: Una monja, regalos de cumpleaños, la propia madre de uno o el sonriente payasito Longlegs (Cage, que sí, está muy bien en el papel) que recuerda algo al Joker o a Pennywise, y curiosamente al igual que en Coraline, unas muñecas que son como las niñas a las que se las regalan, así que ¿cómo desconfiar de lo que se parece a nosotros?

Con lo que si no estoy de acuerdo es que relacionen la intuición o la percepción extrasensorial con lo satánico. Es cierto que el poder maligno, como el de las sectas, los fandoms, los fanatismos políticos y de todo tipo hace que  la gente volteé a ver ciertas cosas y no otras y se niegue a ver lo evidente, como la protagonista que vivía con asesinos seriales sin darse cuenta. Pero la intuición es exactamente lo contrario, es eso que nos dice que algo no está bien aunque se vea bien, esa idea que acaba siendo cierta aunque no lo parezca al principio. Pero a fin de cuentas ¿que se puede esperar de una película donde un personaje dice que ser satánico es legal en América, como si fuera algo escandaloso e increíble? Para una mentalidad medieval que quisiera meter adoradores de satán a la cárcel, la intuición debe ser algo demoniaco también. Suena lógico.

La humanidad cancelada

"Nunca confíes en alguien mayor de treinta" dice Taylor, el personaje de Charlton Heston en El Planeta de los Simios (Franklin Schaffner 1968), un slogan de los sesentas dicho por un actor que para entonces ya tenía como 45 años. Pero que suena tan cierto considerando que se trata del personaje principal de una película con un mensaje antibélico bastante explícito, dicho por Heston que estaba en ese entonces en contra de la guerra de Vietnam, y a favor de los derechos civiles, y que poco después dio un giro y se metió a la derecha política, al grado de que acabó siendo Presidente de la Asociación Nacional del Rifle, la principal organización pro - armas de los Estados Unidos.

Y no sólo puede considerarse esta película de izquierda por el mensaje antibélico, también es antireligiosa, específicamente se mofa del rechazo a la teoría de la evolución. Taylor además dice una frase acerca de la desigualdad económica. Y se acusa al hombre de dejar desiertos donde vive, lo que ahora con el calentamiento global suena más cierto que nunca.

También se habla de algo que no suena "de izquierda", el sexo sin amor con múltiples parejas, algo de lo que Taylor se arrepiente.

Pero el tema principal de la película es una posible involución de la humanidad, que los humanos en vez de progresar como especie nos vayamos para atrás.

Esta idea no es nueva, y para muestra un botón: El grupo de rock DEVO, formado en los setentas y que todavía existe fue formado por músicos que creían o creen en las teorías de un tal Oswald Spengler que decía que la humanidad estaba involucionando. De ahí el nombre del grupo, DEVO por De - evolution, algo así como desevolución.

Pero lo que me parece más interesante es lo que se presenta como característica de los humanos involucionados: No hablan y no es porque hayan perdido la capacidad física de hacerlo sino porque no pueden razonar. y la causa de esta incapacidad se nos revela cuando van a operar a Taylor para que calle y Zaius le dice que para eso le van a quitar la memoria y por lo tanto la identidad. O sea que en el fondo la involución viene de la pérdida de la memoria, ese tema tan cinematográfico.

Hágase la imaginación en los bueyes de mi compadre

Resulta muy contradictorio que en la película Los Inseparables (Jeremy Degruson 2023) se exalte la imaginación, se diga que la imaginación es lo máximo y la película no practique lo que ella misma dice pues la historia no hace más que seguir la fórmula archirepetida del manual del guionista comercial. Además como para ahorrarse lo más posible un esfuerzo imaginativo recurre al pastiche de copia y pega.

Así que la película se parece a uno de sus personajes principales, el perrito de peluche DJ Doggy Dog. Ni siquiera se molestaron en ponerle un nombre original, le pusieron el que Snoop Dog solía usar, Snoop Doggy Dog.

A este personaje se le aprieta un botón y rapea. Pero sólo se sabe un rap.

El otro protagónico, Don Quijote de la Mancha, le dice que use la imaginación e invente otros raps. Al principio el perrito de juguete se rehusa pero acaba haciendo sus propias rimas.

Los guionistas de esta película en cambio no se salen del libreto y la historia es sólo una variación más del tema que parece obligatorio del wey que nadie cree en él, le dicen que no puede y él debe callarlos.

Es la historia obligatoria en el escenario obligatorio: Nueva York.

Y Don Quijote, porque que flojera andar inventando personajes nuevos, es una marioneta de un teatro guiñol, al que siempre le toca hacer de bufoncito de la historia y él quiere ser el héroe. La dama que siempre sale de dama en apuros es la única que cree en él y le dice que triunfará porque aunque él es "el raro" (Otro lugar común que ya parece obligatorio) tiene algo que nadie más ahí tiene: imaginación.

Este Don Quijote lo que tiene más que imaginación son peligrosas alucinaciones, pero se acaba curando. Así que el mensaje más bien parece ser cuidadito y anden imaginando demasiado. Mejor cuadrarse y usar fórmulas ya conocidas como por ejemplo acabar la película con un número musical tipo Broadway que todo mundo sabe que funcionan y con la canción de los Pixies "Where is my Mnd" que funcionó tan bien en El Club de la Pelea.

Los Inseparables se anuncia como "De los escritores de Toy Story". En realidad hay como siete escritores en los créditos de Toy Story y dos de los tres escritores de esta película participaron en Toy Story aunque no escribieron la historia original.

Y por lo visto estos guionistas seguirán viviendo de la fama de Toy Story por siempre, pues historias como la de Los Inseparables pueden entretener pero nunca serán recordadas como Toy Story.

Exterminando a los malditos hombres

Ernest Holm (Michael Shannon) el padre de Jerome (Kodi Smit-McPhee) y Mary (Elle Fanning) en la película del 2014 Young Ones, escrita y dirigida por Jake Paltrow;  es como un padre modelo, un granjero del futuro cuyas tierras han quedado inservibles por una devastadora sequía que parece más bien cambio climático y que es además una sequía de nacimientos pues se escucha en las noticias que la natalidad sigue cayendo. Ernest lucha por mantener a sus hijos y a su esposa que vive en un hospital pues está paralizada y necesita un sistema que es una especie de exoesqueleto/ exosistema nervioso para poder moverse.

Así que Ernest se ha vuelto una especie de traficante que lleva provisiones, principalmente alcohol, a los trabajadores de una obra cercana. Además ayuda siempre a la gente.

Sólo podría reprochársele que no deja a Mary andar con su novio Flem (Nicholas Hoult). Pero Flem odia a Ernest por otras cosas, y de hecho lo acaba robando y matando.

Como si el asesinato de Ernest fuera una especie de sacrificio tras su muerte llega el agua. Flem amenaza a los trabajadores que están haciendo unos ductos que transportan agua, que si esta no llega a las tierras del difunto Ernest, que ahora son de Flem pues se ha casado con Mary, dejará que siga corriendo el rumor de que fueron ellos los que mataron a Ernest, pues como una noche antes se pelearon a golpes con él parecen ser los culpables.

También podría reprochársele a Ernest que bebía demasiado y Flem dice que por su culpa su esposa quedó como quedó. Pero son cosas que se dicen, lo que vemos es que Ernest luchaba por su familia.

Después Flem embaraza a Mary y Jerome lo mata y entonces sí la felicidad es total: La lluvia ha regresado, los sembradíos crecen , un bebé viene en camino y Jerome y Mary podrán traer a su mamá a casa ahora que ya tienen dinero y que Flem se ha ido al más allá pues el no permitiría que trajeran a la mamá.

Jerome conocío a una chica (Liah O´Prey) pero al parecer la cosa no irá más allá de que él la dibuje y pegue el dibujo en su cuarto.

Mary le pide a Jerome que nunca crezca y  ahora sabe que está esperando una niña. Así, sin hombres alrededor ¿cómo no van a ser felices?

Hasta un vecino que también era papá muere. Y también parece una especie de sacrificio pues gracias a que lo matan, por culpa indirecta de Flem, este consigue el dinero que necesitaba para que el banco no le quite las tierras.

Como si el sacrificio de los padres fuera necesario para que florezca la tierra. De hecho el padre de Flem echó a perder sus tierras envenenándolas con pesticidas. Y además era amigo de los que querían quitarle a Flem las tierras que eran de Ernest y y al parecer no quería que Flem lo evitara.

Y no es sólo matar padres, la idea de sacrificio está muy presente. Al principio Ernest y Jerome usaban un burro para cargar cosas, este se rompe las piernas y lo sacrifican.

Después Jerome para matar a Flem le pone una trampa de modo que cae en un hoyo y se rompe las piernas como el burro. Jerome lo remata de un balazo, también como al burro. Y así Flem muere después de quedar enterrado en la tierra como en ofrenda.

El ceniciento y la zapatilla del pensamiento positivo

Pídele al tiempo que vuelva (Jeannot Szwarc 1980) se siente como ver un ensayo de Titanic pues es una historia de amor que se desarrolla principalmente en 1912, un año antes de lo del Titanic, aunque también hay una parte en 1972. Y esa parte parece más cercana a la época del Titanic que la nuestra.

Hay también una viejecita con la historia de un amor frustrado, que se aparece en el presente, o sea en 1972 y trata de recuperar algo perdido, pero no un collar sino a su amado Richard Collier ( Christopher Reeve ). Aquí hay viajes en el tiempo y el océano que separó a los amantes no fue el Atlántico norte sino el temporal.

La joven Elise ( Jane Seymour) también tuvo que escoger el amor en contra de sus intereses económicos. No porque la quisieran casar con un rico, su caso es que es una actriz y su representante no quiere que se case para poder explotarla.

Pero Elise actúa en una obra en donde la quieren casar con un banquero rico, gordo y viejo aunque ella quiere a un joven enamorado.

Durante una presentación de dicha obra con Collier presente, Elise se sale del libreto para decirle indirectamente que lo quiere a él y no al viejo rico que es su representante.

Otra semejanza con Titanic es que toda la historia de amor sucede en un gran hotel, que tiene hasta teatro, y claro, el Titanic como los grandes cruceros funcionan como hotelotes en un barco.

En ambos casos en el lugar del amor queda una joya, el collar en Titanic y un reloj en esta película. Y las dos viejecitas le dan, aunque sea simbólicamente en el caso de Titanic, la joya a sus amados.

El mecanismo para el viaje en el tiempo es de lo más curioso en "Pídele al tiempo que vuelva". Es digamos que usar el poder del "pesamiento positivo". Pero no para decretar que uno merece abundancia o que es de determinado género. Richard Collier graba afirmaciones en una grabadora para decretar que él está viviendo en 1912. ¡Y púm! que se le cumple y aparece en el pasado.

Además aplica otra técnica que usan al menos algunos actores, que cuando tienen que representar a un personaje que está en el pasado buscan tener contacto con cosas del tiempo en que está el personaje y evitan las actuales o de otro momento. Por ejemplo, se ponen a oir música de la época en que está su personaje y hasta se emputan si les ponen música de otra época.

A Richard Collier el objeto del presente no nomás lo hace enojarse sino que hace que su viaje en el tiempo llegue a su fin y se desvanece frente a los ojos de Elise de forma no muy diferente a como Jack Dawson se hunde en el mar.

Ese objeto fue una moneda, Collier había ido a comprar monedas de 1912 para entrar en personaje, perdón, para viajar en el tiempo. Y había quitado todo lo que le recordara el presente. Pero se le quedó una moneda en el traje y al verla se acabó el hechizo y dejó tras de si un reloj en vez de una zapatilla.

A fin de cuentas todo muy teatral. Ella era una actriz, él un dramaturgo y productor teatral; el villano era un representante y al principio creía que lo que Richard quería era que Elise actuara en una obra suya.

Ella le da el sí improvisando unas palabras en el escenario y muere tras volverlo a ver. El, que era feliz queda primero al borde de la muerte pues deja hasta de comer y agarra un aspecto muy parecido al de Jack Dawson cuando se está congelando. Pero Richard Collier sobrevive, para caminar triste y taciturno por la orilla del lago Michigan, marcado por un amor completamente irreal, fantástico, ficticio. Como el amor de verdad.

Ah y las dos películas tienen temas musicales que se repiten sin fin.

Johnny Strabler y Chino se aman

Es difícil hoy en día entender como es que "El Salvaje" (Laszlo Benedek 1953) tuvo tanto impacto. Estuvo prohibida en Gran Bretaña por presentar tanto crimen. Algo que ahora se ve muy ridículo. Pero estableció la imagen del rebelde durante décadas. Desde Elvis Presley pasando por James Dean hasta Los Ramones o Lemmy Kilmister le rinden, consciente o inconscientemente, homenaje a Johnny Strabler (Marlon Brando) con su chamarra de piel o su corte de pelo. Hay todavía un grupo de rock llamado Black Rebel Motorcycle Club, como la pandilla de Johnny, y apenas el año pasado salió una película, The Bikeriders, donde un personaje después de ver El Salvaje decide formar su propio club de motociclistas. Hasta existe la teoría de que los Beatles tomaron su nombre de una de las pandillas de esta historia.

Pero Johnny es un héroe peculiar. Parece conflictuado por algo pero no se sabe qué. La historia tampoco tiene un conflicto claro. De hecho el conflicto principal llega ya casi al final cuando un gato para cambiar llantas golpea la moto de Johnny, que se estrella contra un tipo que muere y se acusa injustamente a Johnny de matarlo.

Mejor dicho, ya casi al final y de forma muy forzada, se mete en el guión un conflicto principal. Porque eso de que sale un gato para cambiar llantas de quien sabe donde y le pega a la moto de Johnny, que se cae, pero la moto sigue andando sola y se estrella con un viejo está jaladísimo.

Johnny, el líder del Black Rebel Motorcycle Club es un tipo de pocas palabras y apenas se defiende, lo salva Kathie la hija del policía del pueblo. Al principio él quería salir con ella, pero cuando Kathie le pide que se la lleve de ahí él la rechaza. Poco antes también había rechazado a otra mujer que le dijo que la había pasado muy bien con él. Johnny nunca deja su actitud indiferente, fría. Ni cuando están a punto de acusarlo de homicidio y meterlo en la cárcel se inmuta. Es el rebelde sin causa original. Cuando le preguntan contra que se rebela contesta que contra lo que haya para rebelarse. Es un auténtico punk antes del punk, inclusive antes del rock.

Al principio de la película Johnny hace de narrador y dice que de lo único que se acuerda de todo aquello es de la chica, que dice, era una chica triste.

¿Será que la rechazó por eso, o por ser hija de un poicía? ¿O acaso lo qué pasa es que Johnny era gay?

A fin de cuentas se juntaba con puros hombres. Y esa imagen del rebelde con camiseta blanca y chamarra negra es también icónica de cierto sector gay.

De hecho al principio ni siquiera le puede dar las gracias a Kathie por librarlo de la cárcel. Como si la idea de ir a prisión no le resultara del todo desagradable.

Eso que le grita de que ella se cree mejor que él, sin que se vea nunca que Kathie tenga tal actitud, más bien señala que Johnny la ve como una rival. Y Kathie le dice también en ese momento que él no deja de pelear ¿Contra qué pelea Johnny ahí, con Kathie?. Y le dice que ahora él le tiene miedo. Ese momento en solitario de los dos es completamente antiromántico. Pero ha salido en los Simpsons.

Antes de eso Chino, el rival con el que Johnny se pelea a golpes no le deja de gritar que lo ama.

Seguro que antes muchos se han dado cuenta. Pero el buen chisme nunca está de más.

¿Olvidados por quién?

Siempre se ha interpretado a "Los Olvidados" (Luis Buñuel 1950) como una crítica social, el gobierno de Miguel Alemán la prohibió en su momento, poniéndose así el saco de gobierno culpable. Pero la verdad es que el gobierno sale muy bien representado en la película: Los policías, a quienes curiosamente les dicen gendarmes y cuicos pero no policías, encuentran a los culpables de los delitos y no se ve ninguna corrupción.

En la correccional de menores el director es un funcionario ejemplar que en realidad quiere ayudar a los muchachos y hasta le da a Pedro dinero de su propia bolsa.

No hay ningún político o funcionario malo. Y tampoco ningún empresario o villano capitalista. Lo que sí hay en la historia, aunque no se vean, son malos padres y hasta una muy mala madre.

Al "ojitos" su papá literalmente lo deja olvidado. Le dice "espérame aquí" y nunca vuelve. El jaibo no sabe quien fue su papá. Julián se la pasa sacando al suyo de la cantina. Otros niños viven con su abuelo. No hay literalmente un sólo padre y los hombres adultos que salen, y que no son del gobierno, son el ciego que añora al dictador Porfirio Díaz y que quiere que maten a todos los muchachos. Los de la feria que explotan a los niños. Y otro adulto que sale en una escena muy extraña; es el tipo que se Pedro cuando este observa un aparador y le da dinero. ¿Para qué o qué? ¿Abuso infantil acaso? Se ve que Pedro y el tipo este intercambian palabras pero es la única escena muda de la película, hay música y nada más.

En el ministerio público o juzgado tal vez, un funcionario muy serio y respetable le dice a la mamá de Pedro que a veces le dan ganas de decirles a los padres, es decir a padres y madres, que los hijos necesitan amor.

Y así llegamos a la mamá de Pedro, que no lo quiere y Pedro se lo reclama y ella contesta que porque lo iba a querer. El colmo es que mete a su  hijo a la correccional por un robo que él no cometió. Y después, cuando habla con el jaibo nos enteramos que ella sabía que el jaibo era el ladrón y no su hijo.

La pelea final entre Pedro y el jaibo viene ya cuando este último le dice a Pedro que él ya "se metió" con su mamá. Cosa que ya habíamos visto.

Así que Pedro muere asesinado por quien probablemente, al menos existe esa posibilidad, h embarazado de nuevo a su mamá. Así ella estaría intercambiando, por decirlo de alguna manera, a su hijo mayor, producto de una violación, como da a entender, por un hijo del jaibo, al que le dice que no lo quiere volver a ver. por lo que el hipotético hijo del jaibo sería otro hijo sin padre.

La mamá le dice a Pedro por ser un vago malportado pero el jaibo ya es algo mucho peor que eso, ya es todo un delincuente.

Como si se tratara de cambiar al hijo producto de una violación por otro. Aunque sea hijo de un malandro, pero como se sabe muchas así los prefieren.

La verdad verdadera del rooooock

 This is Spinal Tap ( Rob Reiner 1984) es una comedia clásica. Antes que Beavis y Butthead, antes que Zoolander, inclusive antes que Moderatto, estaba Spinal Tap, la banda de heavy metal ochentera, glam metal, o como también se les dice, una hair band. Bandas de pelos que se agitan en melenas bien coreografiadas en el escenario.

Cualquier parecido con la realidad no es mera coincidencia. Por ejemplo, el primer baterista de Spinal Tap murió en un misterioso accidente de jardinería que nunca fue aclarado. Y en la vida real el cantante de heavy metal glam metal hair band, Ronnie James Dio (Elf, Rainbow, Dio) a quien se le atribuye popularizar la señal de la mano con cuernos diabólicos perdió el pulgar cuando trabajaba en las plantas de su jardín y un gnomo, de esos que se ponen en el jardín, le cayó encima.

En otras cosas, como el divismo, los de este grupo británico ficticio se quedaron cortos. En una escena a Nigel Tufnel le dan en el camerino un pan que es más chico que la carne fría con la que se come dicho pan. Y se queja pues ni modo que el guitarra líder de Spinal Tap doble el jamón para que no se salga del pan.

-Esto es una catástrofe - dice Nigel acerca de los bocadillos.

Pero eso no es nada comparado con la anécdota verídica de que Van Halen exigía tener en su camerino, entre muchas otras cosas, un bowl de M&M´s de todos los colores excepto café. Y una vez que les salió una M&M café destrozaron el camerino.

Los Spinal Tap van en una gira por Estados Unidos destrozando con sus cabezas huecas cualquier respetabilidad del rock.

Y se le adelantan a Metallica pues el album que están promocionando es tan negro o más que el album negro de Metallica pero no porque lo decidieran así sino porque las tiendas se negaban a venderlo por la portada sadomasoquista que tenía originalmente.

Los líderes de la banda Nigel y David St Hubbins son poetas del nivel de Lord Byron o Percy B. Shelley dice Derek Smalls (Harry Shearer, voz del Sr. Burns, Smithers y Ned Flanders entre muchos otros) el bajista del grupo pero en realidad sus letras parecen de bad bunny. Lo que claro, tampoco es algo raro en el rock.

A pesar de que el segundo baterista del grupo murió ahogado en vómito, y nunca se supo si era vómito propio o ajeno, Scotland Yard nunca pudo determinarlo, esta es una película sin muchas drogas o alcohol. Supongo que porque eso es como la parte pública del rock y aquí de lo que se trata es de presentar los entretelones. Con todo y la esposa que provoca una separación del grupo. Pero no estén tristes que estos descerebrados le quitan el mal humor a cualquiera. Excepto al parecer a The Edge, el guitarrista de U2 quien declaró que la película lo hizo llorar porque muestra la verdad de lo bajo que había caído el rock. Pero por algo Spinal Tap tiene entre sus fans a Bart Simpson. Hacen reír y demuestran de paso que las estrellas de rock no son más que vendedores de zapatos con mucha suerte.

Creer o morir

No deja de ser algo extraño que El Gran Lebowski (1998 Joel y Ethan Coen) se haya convertido en una película de culto. Como si fuera Star Wars, los fans de El Gran Lebowski hacen convenciones para reunirse, se dicen uno a otro "the dude abides" que viene siendo como "el wey permanece" como si fuera una frase de Yoda y hasta han creado la iglesia del dude, así como hay quienes formaron iglesias jedi. Y además el gran Lebowski también se volvió una película de medianoche, al menos un cine en San Francisco pasaba todas las noches la película, como sucedió con Eraserhead, El Show de Terror de Rocky, La Noche de los Muertos Vivientes o El Topo.

También es extraño que la película se llame así, pues resulta que en la historia hay dos Jeffs Lebowski y sólo uno es el dude (Jeff Bridges) y la película se trata de él supuestamente. Hay un narrador al principio y al final de la misma que dice explícitamente que esta es la historia del dude. El gran Lebowski es el otro, homónimo del dude, a él se le llama dentro de la película "el gran Lebowski" aunque es un personaje secundario.

Y en realidad los protagonistas de la película son dos, el dude y su compañero de equipo de boliche Walter Sobchak (John Goodman).

Tanto Walter como el otro Lebowski son lo contrario del dude, quien tiene un pasado de rebelde pacifista antisistema: Dice que fue uno de los "siete de Seattle", una referencia a los siete de Chicago, famosos activistas antisistema y antiguerra de Vietnam, y además el dude suelta el epíteto de fascista o reaccionario a diestra y siniestra.

Walter en cambio es un veterano de Vietnam, que saca la pistola a la menor provocación, es un obsesivo seguidor de las reglas y las tradiciones y es un estereotípico amante de la violencia..

Y el otro Lebowski es, supuestamente, un millonario y un filántropo que desprecia al dude por ser un desempleado güevón. Lo contrario de él que ha pesar de haber perdido las piernas en la guerra de Corea logró hacer una fortuna con su esfuerzo. Aunque luego se descubre que eso no es más que una fachada y ni dinero propio tiene.

Entonces el capitalista Lebowski no es la contraparte del rebelde y guevón dude. Al contrario, Maude (Julianne Moore) la hija de este farsante, que sí es rica porque la del dinero es la mamá, escoge al dude para embarazarse.

Entonces el capitalismo y la rebeldía sesentera representada por el dude son fecundos y tienen un hijo o hija. El narrador al final confirma que ella está embarazada.

Y no habría sucedido nada sin el reaccionario Walter pues todo lo que pasa, empezando desde que el dude va a ver al otro Lebowski es por lo que hace o dice Walter.

Entonces ricos y pobres, la derecha y la izquierda tienen su lugar y su función aquí ¿Y entonces quienes son rechazados? Los que se quedan enmedio, los que no creen en nada y los nihilistas.

Los tibios son representados por Donny (Steve Buscemi), el tercer miembro del equipo de boliche de Walter y el dude y a quien, como chiste recurrente, Walter no hace más que callarlo. Walter Sobchak respeta al dude a pesar de que por personalidad e ideas es su polo opuesto, pero no respeta a Donny. Al final cuando le toca lanzar las cenizas de Donny al mar, que metieron en una lata de café, Walter se pone a hablar de los caídos en Vietnam. Lo que no tiene nada que ver con Donny.

Y hay otros que no toman una posición: Los nihilistas que no creen en nada. Representados por Dieter y sus alemanes de caricatura, que formaban un grupo de techno pop, Autobahn, como la canción de Kraftwerk y que salen vestidos igual que Kraftwerk en alguna época. Son ridículos y el dude y Walter acaban con ellos pegándoles con sus bolos de boliche.

Pero los nihilistas techno góticos de Autobahn matan a Donny. 

Del susto.

Claro que Kraftwerk no se merece esa falta de respeto. Los Coen ponen una escena que ni viene al caso en donde al dude lo bajan de un taxi por decir que odia a The Eagles. Y Donny, que interrumpía los diálogos con la frase beatlesca "I am the Walrus" no llega al final de la película. O sea que los Coen saben que la música es algo serio y sin embargo se meten con Kraftwerk.

Puede que haya sido sólo una broma..

Por cierto, al parecer Glenn Frey de los Eagles se topó en una ocasión con Jeff Bridges y le reclamó. 

La suite presidencial de pacha mama

Cementerio de Elefantes (2008 Tonchy Antezana) es una película boliviana que cuenta la historia de Juve, un pobre diablo que vive en la calle desde los catorce años y que decide encerrarse en un cementerio de elefantes, es decir, en un cuartucho dentro de un bar lumpen a beber hasta morir. Sólo hay que pagar de antemano por el alcohol y los camilleros que se llevarán el cuerpo al final. En La Paz, Bolivia se nos dice que hay cuatro de estos cementerios de elefantes donde la gente puede ir a hacer su versión latinoamericana de "Leaving Las Vegas".

Claro que esto es lumpen, nada que ver con el glamour de la ciudad del pecado, aunque la factura de "cementerio de elefantes" no es tan mala. una historia lumpen pero de factura digna como el protagonista Juve que acabo comiendo de la basura pero que jamás pidió limosna que porque eso estaba por abajo de su dignidad.

Entonces Juve llega a un local y pregunta por la "suite presidencial" que es como se llama el cementerio de elefantes ahí y empieza a relatar su vida y también unas breves anécdotas de anteriores ocupantes de la suite.

Este lamento boliviano de Juve - cuya vida es más o menos, excepto al final, lo que uno se imaginaría de un personaje así, con su dósis de violencia, crimen y luchas de cholitas - es narrado por él mismo y dice beber para olvidar. Sobre todo su infancia. Aunque otras veces dice que lo que quiere es recordar. Y su recuerdo favorito es también de la infancia, un cumpleaños que dice es el único recuerdo feliz que tiene de niño.

Juve se pregunta si estaba predestinado a su vida y su final, o si las cosas pudieron ser diferentes. El mismo se responde al hablar de Marlene, su gran amor, que dice, pudo cambiar su vida. Pero ella se fue con otro y, al final,  regresa y pasan una noche juntos pero cuando él ya decidió encerrarse en la suite presidencial y su rumbo no cambia.

Por lo menos su final parece dictado no por el destino sino por la pacha mama: Juve traiciona a su mejor amigo, el "tigre" para que este sea sacrificado por los albañiles de una construcción y así asegurar que el edificio que están construyendo por la pacha mama no se caiga.

Lo de que las construcciones requieren un muerto para estar "aseguradas" es un mito al parecer bastante extendido. Es conocido en Europa y se aplica especialmente a puentes según tengo entendido. Claro, como leyenda antigua nada más. Y la pacha mama es tan sólo la versión sudamericana de una figura religiosa universal, la madre tierra.

Con los cien dólares que le dieron por su amigo Juve pudo rentar la suite presidencial. quizá si pudo tener otro destino pero decidió aceptar la lana de la pacha mama. Todo con tal de revivir un cumpleaños de su infancia. Un momento de felicidad que acabó siendo lo peor que le pudo pasar.

Un paseo por las catacumbas de la taquería del mal

Lowlife (2017 Ryan Prows) nos da buenas razones para pensar que "el monstruo", el luchador mexicano protagonista de esta película de bajo presupuesto quería ser en realidad el santo, pues se supone que es un luchador mítico. Pero conseguir los derechos de el santo es muy caro así que tuvo que ser el monstruo.

El monstruo sin embargo es barato y no sólo por lo del presupuesto. Para empezar es chaparro, al contrario de su padre y su abuelo, los monstruos que le anteceden y cuyos zapatos no puede llenar. Lo peor de todo es que los anteriores monstruos eran vengadores, defensores de los mexicanos, pero este monstruo en vez de hacer eso tiene un trabajo vergonzoso e indigno que consiste en llevar a los clientes con las mujeres que su gangsteril jefe gringo fuerza a prostituirse. Convirtiéndose así en un auténtico monstruo de los sotanos de la taquería angelina donde su jefe, y suegro,  tiene su negocio de prostitución y robo de órganos. Un taquero macabro. Pero gringo.

Tras una historia rocambolesca tipo Tarantino - wannabe, y sin embargo no carente de interés; en un elei underground que además de bajos y siniestros fondos taqueros está poblado de inmigrantes ilegales, adictos, exconvictos, delincuentes, gente que vende a sus hijas y quienes les roban sus órganos. Y con una mexicanidad extraña, llena de mitos pero intensificados en la que no se puede no cumplirle un deseo a una quinceañera, o quitarse una máscara de luchador una vez que uno se la pone. Al final el monstruo decide que dejarle su máscara a su hijo sería dejarle una carga, como la que a tenido que cargar él, inferior a su padre y a su mito. Siendo un supuesto héroe que defiende a los oprimidos que en el camino se pasó del lado del opresor/explotador por más que venda tacos. Como suele suceder.

Así que mejor le deja la máscara para que ayude a los mexicanos a un gringo. Mismo que necesita la máscara y el mito para tapar la suástica en su cara, que debió tatuarse para sobrevivir en la cárcel. Pero que ya habla de México como su tierra ancestral. Y al final opresores y libertadores quedan todos enmascarados y confundidos por igual.

Mamitis criogénica

El problema de "El Problemista" o también "Amigos Bizarros" (2023 Dir. Julio Torres) está claro: Tiene mamitis. Desde el principio nos explican que a Alex su mamá lo consentía mucho. Inclusive ella le hizo una especie de casa - castillo para jugar y el princeso pidió que tuviera escalinata para poder salir de ahí como cenicienta. Y claro, su mamá le puso la escalinata al ceniciento.

Ya de grande Alex quiere dedicarse a hacer juguetes y tiene ideas muy originales para hacer nuevas versiones de Barbie o de las muñecas Cabbage Patch, entre otros juguetes.

No estoy tratando de decir que el personaje parece gay, Alex es gay y en una escena para ganar dinero debe ir a limpiar el departamento a un fetichista de chicos sexys que limpian casas. Aunque él no quería hacer eso pero tiene que hacerlo porque el Bank of America de forma gandalla y abusiva como todo banco lo dejó sin un centavo por sobregirarse en su tarjeta.

El caso es que Alex es de El Salvador y está en Nueva York, lejos de su mamá, pues quiere trabajar en Hasbro, la compañía de juguetes, pero no lo contratan y para no convertirse en calabaza entra a trabajar a un lugar que se dedica a congelar artistas, la congelación criogénica, para que en el futuro puedan ser descongelados y vivir gracias a  futuros avances de la medicina.

Alex necesita el trabajo porque si no lo van a deportar. Pero lo despiden. Afortunadamente conoce a Elizabeth (Tilda Swinton) una vieja loca, que es como ella misma se describe, y Alex pa pronto le va cara de mamá y se le pega.

Al igual que su mamá salvadoreña, Elizabeth trabaja en el mundo del arte aunque no es artista como ella, sino crítica de arte o algo así. Además se dedica a cuidar maternalmente a Bobby (el rapero RZA) que está congelado esperando que haya una cura para el cáncer que padece y sólo entonces descongelarse.

Y hay otra cosa en la que la relación de Elizabeth y Bobby parece más bien maternal: El wey se dedicaba a pintar unos hórridos cuadros de huevos que, obviamente, a nadie le gustaban. Excepto a Elizabeth que porque los huevos representan algo que aún no ha nacido, el futuro como página en blanco y entonces como que decide acabar de empollar a Bobby y sus huevos.

También ayuda a Alex, le enseña como hacer que lo contraten en Hasbro: Poniéndose bien perra.

Y la mamá y el par de polluelos se reúnen más de trescientos años después: Mamitis eterna.

A pesar de lo que pueda parecer la película me gustó. Se siente original, fresca. Algo le han de haber visto Tilda Swinton, Isabella Rosellini que es la narradora y Emma Stone que participó como productora, además de la distribuidora A24; al proyecto de Julio Torres que como Alex el protagonista es salvadoreño, gay y vegano y ha trabajado en televisión, entre otras cosas nada menos que como escritor de Saturday Night Live.

Se nota en la película que Torres nos está contando cosas cercanas a su vida real y eso siento que hace que la historia se sienta actual.

Finalmente un dato curioso: Al final de los créditos se avisa que Bank of America ha bajado las penalizaciones por sobregirarse en la tarjeta, y que obligaron a la película a poner ese aviso.  

 

¿A quién le importa la luna?

 - ¡Pero cuántas piedras hay aquí! -

Esa es la frase que uno de los astronautas del Apolo 11 dice que planeaba decir al pisar la luna en "La Otra Cara de la Luna" (2024 Greg Berlanti) la comedia romántica que intenta tener además de romance una historia sobre la llegada del hombre a la luna. Las pélículas románticas o rom - coms, como se les dice en el negocio, son vistas casi sólo por mujeres, así que a veces meten un tema que les pueda interesar a los hombres y aquí se intentó meter la carrera espacial.

Pero puede verse desde el espacio que dicho tema a la guionista no le interesa en lo más mínimo.

Para empezar porque asume que es algo que no le interesa realmente a nadie. ¡Si sólo es un lugar lleno de piedras!

Sólo porque la astuta publicista - publirelacionita - mad woman Kelly (Scarlett Johansson) llega a ayudar se evita que los astronautas alunicen y digan que hay muchas piedras.

Y ni bonito está el suelo lunar como dice Lance, el gay amanerado chistoso de turno.

-¿Creen que queremos poner un hombre en la luna? - Pregunta Moe (Woody Harrelson), el mandamás del proyecto Apolo, a quien sólo le falta agregar - ¿Creen qué somos estúpidos? -

Este Moe, es un personaje revelador pues no es un funcionario normal de gobierno. Está por encima de todo y no se sabe cual es su puesto. No es de la Nasa, es del "deep state", de algo secreto, de la Cia o del supremo poder patriarcal, algo así, y me parece revelador porque sólo en estos tiempos conspiranoicos semejante jalada puede presentarse como algo "creíble".

En cambio los astronautas casi ni salen porque ¿pues qué chiste tienen?

Entonces se supone que el viaje a la luna es algo que a nadie le interesa y ese precisamente es el, supuesto, gran problema del programa espacial.

Por lo tanto Kelly es la heroína que hace posible la llegada a la luna, en una escena hasta le agradecen por haber hecho todo posible.

¿Y cómo lo logró? Haciendo que el público relacionara la gris y absolutamente carente de interés luna, con cosas que sí importan. Como relojes, cereales para el desayuno, jugos en polvo y ropa interior.

Creo que el único tema, que si fue un tema, valga la redundancia, en la carrera espacial de los sesentas y que sale en esta película, aparte de la obvia confrontación con la Unión Soviética y el lado propagandístico de todo el asunto, es el tema religioso.

En una parte de la historia Kelly y el coprotagonita Cole (Channing Tatum) van a ver a un legislador que no quiere darle presupuesto al programa y les dice que teme que los viajes espaciales afecten la fe la gente en la religión. Eso puede que si haya sido un tema. Yuri Gagarin, el primer astronauta de la historia declaró tras su primer vuelo espacial que había ido al cielo y no había visto ningún Dios.  Y hay un capítulo de los 60´s de la mítica serie Twilight Zone, que se ponía en tono Nietszcheano a preguntar si se podía seguir creyendo en Dios en la era espacial.

Pero en general todo el tema del viaje a la luna en esta película está más que chafita.

¿Y lo romántico?

Pues también. No hay alguna escena para recordarse, es una historia romántica hecha según las instrucciones. Como si fuera receta para hacer jugo con un sobre de Tang: La chica conoce al gran partido y se la pasa dándole lata, él la rechaza. Ella demuestra que puede ser útil, él la hace volar, esto suele ser sexo pero en este caso vuelan en un viejo avión. El demuestra tener un lado sensible, después la cacha en una mentira, parece que todo acabó pero ella le explica todo, se besan.

Creo que el único tema que realmente le interesaba a la guionista era el de la mentira y las personalidades falsas. Resulta que Kelly tenía un pasado de estafadora con múltiples personalidades.

Y el verdadero gran conflicto de la historia es que Moe ordena hacer una historia falsa de la llegada a la luna por si el viaje real falla y luego decide que pase lo que pase es mejor transmitir la historia falsa. Por si las moscas. Pero Kelly y Cole deciden pasar la transmisión real y engañar a Moe haciéndole creer que están transmitiendo la historia falsa.

Parece que lo que la guionista quería escribir realmente era una comedia de enredos. Y justificar las vidas falsas. Por algo le hace decir a Kelly que "todo mundo miente". Y Cole que siempre dice la verdad casi hace, por negarse a mentir, que todo se vaya al demonio.

Siento que es como si una persona gorda y chaparra, que está en su quinto matrimonio y se inventó una personalidad en internet donde es alta, delgada y virgen, va a conocer a un ligue en la vida real, a espaldas del marido, y en ese momento le piden que escriba un guión sobre la llegada del hombre a la luna.

Es que eso de las múltiples personalidades parece ser el tema cinematográfico del momento. 

Zombies bien adaptados socialmente

Prozac Nation (2001 dir Erik Skjoldbjaerg guión Frank Deasy y Larry Gross) es una película basada en la autobiografía de Elizabeth Wurtzel del mismo nombre, un libro que se relacionó con la generación x, aunque salió en 94, años después de Nirvana, el grunge y "Generación X", la novela de Douglas Coupland.

Y la historia se desarrolla en los 80´s cuando Wurtzel (Christina Ricci) estudiaba en Harvard y era una gran promesa del periodismo musical, ganando premios de periodismo y publicando en Rolling Stone.

Pero se estaba derrumbando por dentro. Al menos lo que se ve en la película es que su choque con el iceberg es cuando pierde la virginidad con un wey, y por un lado dice que ella quería que fuera algo muy especial con alguien especial. Pero organiza una gran fiesta para celebrar que ya no es virgen y ese wey se enoja. Y de ahí cae en una resbaladilla de drogas, problemas con todo mundo, una gran decepción amorosa, hasta un intento de suicidio.

Sin embargo parece que Elizabeth Wurtzel alias Lizzie, tiene perfectamente claro cuál es la causa de todos sus problemas: Su papá.

Un padre abandonador, un divorcio antes de que ella cumpliera dos años, la mamá que no deja de despotricar contra él y luego se vuelve demasiado posesiva y sobreprotectora con ella.

En fin, un tema muy generación x, el divorcio de los padres.

De hecho se presenta todo lo de su interés en escribir, en la música y el periodismo musical como algo motivado por los "daddy issues". Su interés por Lou Reed, quien por cierto hace una aparición en la película, que por la edad parece que podría ser su papá. Y en quien piensa mientras pierde la virginidad como alguien que ama y desea pero al mismo tiempo rechaza. Y su obsesión por Bruce Springsteen, otro ídolo bastante mayor que ella. Justo tratando de escribir de él se bloquea y para tratar de desbloquearse se droga tanto, que sus amigos le buscan ayuda profesional. Así aparece el personaje de la doctora Sterling (Anne Heche).

A ella le cuenta que lo primero que escribió fue un poema a su padre y que sabe que le teme al rechazo por culpa de él.

Es como si entendiera perfectamente cuál es su problema y la doctora no tuviera nada que decirle. Pero que de cualquier modo entender el problema no ayuda en nada.

Le dice a la terapeuta al principio que quiere ser una persona normal, de las que se caen, se ponen una curita y siguen caminando.

Ella le responde que si de verdad quiere pasarse la vida nomás poniéndose curitas. Pero al final cuando le receta Prozac para la depresión y le dice que es sólo para que se estabilice y que es algo temporal y dan el dato, ya de quien sabe cuándo, de que cada año en Estados Unidos se prescriben 300 millones de recetas de Prozac y otros antidepresivos, se entiende que no es que la gente se caiga y se pare como si nada sino que andan todos con "curitas".

Cuando en su etapa de desenfreno Elizabeth visita a su mamá, ella dice que llevó a su hija a Harvard y Harvard le está devolviendo una zombie.

Supongo que al final, ya como una más de la nación Prozac, ella seguía siendo una zombie, pero una zombie bien adaptada.

¿Pero qué tiene de malo el Prozac? Según Elizabeth Wurtzel, sentía como que no era ella, como si tuviera una personalidad falsa. Supongo que algo como haber elegido la pastilla azul de la matrix.

El remate feliz de la película es que dicen que Elizabeth, años después, escribió Prozac Nation que fue un súper éxito.

Y yo me pregunto entonces cuál podrá ser el remate feliz del libro.

Porque la historia no es sólo sobre la depresión, es deprimente. No es como una canción de The Cure depresiva pero bonita.

Al menos yo en la película no veo que pudiera haber hecho del libro un best seller. Todo es como deliberadamente gris sin chiste: La fotografía, la música, la dirección de arte. No aprovechan para nada ser una historia de época.

Además se siente como si la historia en lugar de ser contada fuera una exposición de puntos de una lista. Nos dicen, por ejemplo, cuál es la gran amiga de Elizabeth, pero nunca las vemos ser grandes amigas, sólo las vemos pelearse. Luego está su gran romance con Rafe (Jason Biggs). pero no se ve un gran romance, no hay alguna escena memorable. Y Biggs que era un actor muy popular, está totalmente inexpresivo con cero carisma y ninguna química entre los dos.

Parece como si fuera una historia larga que trataron de meter con calzador en la película o algo así.

De cualquier modo ¿Qué se puede esperar de una historia que acaba en que a la protagonista le recetan Prozac y colorín colorado este cuento se ha acabado?

El héroe y el destino

El viaje fantástico de Simbad o El viaje dorado de Simbad (1974  Dir. Gordon Hessler, guión Brian Clemens y Ray Harryhausen inspirado en las historias de Simbad el marino) es de una época en que el islam era considerado sólo otra religión igual que cualquiera sin las conotaciones que ahora tiene. Y entonces el héroe de esta película británica, Simbad el marino, podía hablar de alá como si sólo fuera otro nombre de un dios básicamente intercambiable.

Por lo tanto todo lo que se dice en la película sobre el destino, que parece venir de las historias originales del marino Simbad, y que es el tema que recorre la historia de principio a fin, de hecho todo acaba en la "fuente del destino", todo eso del destino que puede ser ordenado por alá, o estar ya escrito, frase que se repite varias veces, y la relación del destino con la voluntad de los hombres, son también como ideas generales intercambiables.

Desde la primer escena el destino se hace presente como un mounstrito volador con alas de murciélago que lleva un objeto de oro y los marineros de Simbad se preguntan si flecharlo o no pues según alguno eso sería de mala suerte.Ya con el objeto de oro Simbad ve en sueños a Margiana (Caroline Munro), la mujer predestinada para él.

Una tormenta desvía el barco de su camino y los lleva a Marabia. Según un personaje que es el segundo de a bordo y se encarga de avisar a Simbad y de paso a la audiencia que hay peligros mortales adelante, sería peligrosísimo desembarcar ahí. Pero Simbad sabe que ahí está su destino, lo vió en su sueño - Algunos dicen que alá se comunica a través de sueños - le contesta, y obviamente entonces deben desembarcar en Marabia.

Simbad y su gente tienen espadas, flechas y su astucia pero nada de magia, el único mago de la historia es el malévolo Koura. Por eso cada vez que Simbad dice "Confá en alá... pero ata tu camello" y de hecho con esa frase acaba la película, parece que lo importante para él es la parte práctica de atar a tu camello pues lo mágico tiene una como conotación negativa.

La única parte positiva del destino es lo de encontrar a Margiana, y ahí sí hay una crítica de la cultura islámica pues ella es una esclava y, según su dueño, no tiene ningún valor, Simbad se la lleva y le dice que ninguna persona puede ser dueña de otra.

Las otras cosas mágicas "positivas", los tesoros que buscan Koura por un lado, y Simbad con Margiana, sus marineros y el visir de Marabia por otro, en realidad no son tan positivas: Un escudo que protege a quien lo tiene haciéndolo invisible, que al final lo obtiene Koura y no le sirve para maldita la cosa. También poder y riqueza encarnadas en la corona del reino de Marabia pero esto se parece mucho al otro tesoro que es la juventud. Pero como resulta que usar la magia negra envejece, ese regalo mágico parece que sólo compensa el "envejecimiento mágico".

Y lo mismo el poder y la riqueza del reino de Marabia. Los dos personajes que se lo pelean, Koura y el visir parecen dos caras de la misma moneda. Uno es bueno y el otro malo pero tienen cosas en común: La magia negra de Koura que le quemó la cara al visir a él lo envejece aceleradamente. La máscara de oro con que se tapa el visir le da un aspecto más siniestro que el de Koura y los marineros se mofan de él diciendo que a él sí que se le subió el oro a la cabeza. Y sobre todo al final Simbad pudiendo quedarse con la corona de Marabia, prefiere dársela al visir y le explica a Margiana que no quiere ser rey pues ellos ni siquiera pueden casarse con quien quieren.

Eso lo dice en la fuente del destino en donde los héroes hicieron que este cambiara y Simbad consigue a la chica de sus sueños y el tonto y vago que hacía de hazmerreír de la historia logra ser considerado todo un marinero por Simbad.

Tal y como les dijo un oráculo con cara de demonio, que parece un holograma en una película de 1974 y que habla como una especie de Jorge Luis Borges de los mares fantásticos del cine de aventuras, entre versos sobre el destino y la eterna lucha entre el bien y el mal les explicó a los aventureros que los pequeños hombres mortales pueden cambiar las cosas a pesar de todo.

El más allá y el más acá, inseparables por siempre

Ginger & Rosa (2012 dir y guión Sally Potter) presenta la historia de dos amigas que ya lo eran desde antes de nacer, vemos a sus madres, en 1945, que ya eran amigas y estaban por parir, estrechando las manos entre sus camas de hospital.

Son tan amigas que hasta lo relacionado con el sexo opuesto como que surge de su amistad, las vemos juntas cada una con un wey besándose y llendo más allá pero sin perder la complicidad a través de las miradas, estando con hombres sin dejar de estar juntas.

La gran prueba de la amistad no será que les guste el mismo wey, sino cuando Rosa empieza a andar con Roland el papá de Ginger.

Pero no sólo eso, cada una representa una postura opuesta ante la vida y la muerte, Rosa es cristiana y Ginger atea.

Leyendo un poco entre líneas hay una no tan sutil actitud de la guionista y directora Potter con respecto a estas dos posturas: A Rosa no le iba bien en la escuela y la mamá de Ginger (Christina Hendricks) decía que parecía una chica problema, que vaya que acabó siendo un problema para ella. Pero además mientras Ginger leía a T.S. Eliot y a Simone de Beauvoir, Rosa leía revistas bobas.

Pero la diferencia queda contrastada más radicalmente frente al tema del momento: Están en 1962, en la crisis de los misiles soviéticos en Cuba, el momento más caliente de la guerra fría, cuando el mundo estuvo más cerca de una guerra nuclear que acabaría con millones. Y mientras que ginger se mete al movimiento pacifista Rosa propone rezar.

Aquí creo que la historia cae en una trampa pues resulta que la gente ve la extrema preocupación de Ginger por la guerra como un autoengaño. Y que lo que realmente le afecta es lo de su amiga y su papá.

Pero eso de que estaba exagerando su preocupación es como un punto de vista que a nosotros, ahora, que sabemos que no hubo guerra nuclear en 1962, nos resulta fácil.

Pero en ese momento era perfectamente racional y propio de una niña o un adulto estar no sólo alarmado sino aterrorizado por la guerra. había un peligro real de que les cayera una bomba nuclear, no era histeria.

Sin embargo, al final, la historia le da la razón al ateismo de Ginger, que le viene de su papá.

Y en algo muy políticamente incorrecto, el papá ateo dice que él cree que hay que hacerle caso al amor, cuando aparezca, como aparezca, y justifica su relación con Rosa. Su forma de pensar quedaría condenada si se rompiera la amistad de Ginger y Rosa pero la historia le da la razóncuando su hija le escribe a su amiga y le dice que ellas seguirán siendo amigas por siempre pase lo que pase.

BFF!

Es una bonita película, con buena musiquita y sobre todo con Elle Fanning y su actuación, tan buena que poco después los Red Hot Chili Peppers la escogieron para el papel de la hija de Joe Albany, un pianista de jazz, y padre problema, en la película que produjeron sobre su vida llamada Low Down.

A nadie dejará de gustarle Elle en esos papeles de adolescentes aficionadas al jazz, sufriendo con esos padres hedonistas e irresponsables.

Disponible en Apple Tv, Prime Video

... y en OKRU https://ok.ru/video/8579405974099

Coraline con O y la telaraña de la identidad

Este próximo agosto se cumplen quince años del estreno de Coraline, película de stop motion basada en una historia de Neil Gaiman, nada menos. Y va a haber un reestreno en cines de celebración.

Coraline (2009 dir y guión Henry Selick) es una niña que llega con su familia a vivir a un lugar cerca de un pozo tan profundo que desde su fondo el día se ve como noche. Al revés pues. Y el tema de ver las cosas al revés será un tema muy importante en este cuento de hadas.

Coraline lo primero que hace al llegar es buscar el pozo con una rama zahorí, de esas con una horquilla que se dobla donde hay agua según dicen.

El tema del agua también recorre la película de principio a fin, como algo bueno y necesario. Un niño vecino le dice a Coraline "bruja de agua" y que seguramente ella viene de un lugar seco y por eso busca agua.

Este niño le avisa a Coraline que esta parada en la tapa del pozo y que se puede caer. Simbólicamente eso es lo que pasa más tarde. Sólo que el pozo a donde cae, y en donde todo se ve al revés, es una pequeña puerta en su nueva casa

¿Qué ve al revés? Pues a una araña la ve como una mamá amorosísima y a las ratas como simpáticos ratoncitos acróbatas. Y así todo.

Pero lo que parece bueno y bonito es sólo el queso de la ratonera y el dulce sabor de la telaraña está hecho a la medida de cada quien pues la araña espía a sus presas dándoles muñecas o muñecos que se parecen a ellos. O sea con los que se identifican.

Lo de la identidad es otro tema que recorre la historia. Ella se llama Coraline, algo así como coralillo en español. y le gustan los colores brillantes como los de las coralillos, pero todo mundo cree que se llama Caroline. Su vecino se llama Wybie que es la abreviación de Wyborn, que según Coraline es a su vez la abreviación de Why where you born? ¿Porqué naciste?

Cuándo él le pregunta a ella su nombre Wybie dice ¿Y a ti qué peso te cargaron encima?

En realidad el peso de Coraline no es su nombre sino que nadie escucha y le dicen Caroline y, según Wybie "Un nombre común como Caroline puede llevar a la gente a tener expectativas ordinarias sobre una persona."

Entonces a través de la muñeca con la que Coraline se identifica la araña la espía y puede ver que le gusta y que no. Como si fuera un celular. Y construye un mundo de fantasía para ella lleno de colores brillantes, estilo mundo de la pastilla azul matrixiana, donde sus padres la escuchan y su vecino Wymbie se calla.

Porque ese es otro tema de la historia, sus padres no la escuchan. Cuando Coraline le cuenta a su mamá que casi se cae en un pozo, la mamá ni caso le hace. Y ella es igual, en su mundo ideal Wymbie no habla.

El heroé de la película es un gato que ve y oye mejor que los demás según dice él mismo. No habla aunque puede hacerlo. Habla en el mundo fantástico, como una ficción.

O un sueño, el mundo de la araña y sus engaños aparece primero como un sueño. Pero la ficción también es importante en la historia, los Jones, es decir Coraline y sus padres comparten una casa dividida en tres departamentos con cirqueros, el señor Bobinsky y dos hermanas que son como cabareteras y acróbatas. Ellas le dan una piedra con un hueco enmedio a través del cuál puede ver las cosas como realmente son y con eso puede luchar contra la mujer araña que quiere quitarle sus ojos, como ha hecho ya con otros tres niños que le piden a Coraline los ayude a recuperar sus ojos y así, sus almas.

Estos ojos-almas están en el teatro de las hermanas, en el circo de señor Bobinsky y en el jardín de la casa que también tiene que ver con el arte, hasta dibujan en el caras con flores.

Coraline además debe rescatar a sus padres que también han caído en la trampa de sus muñecos mini- me.

Aquí hay simbolismos interesantes: Ni sus padres ni ella escuchan. Coraline dice que vienen de Pontiac, Michigan y sus padres acaban atrapados en una esfera de cristal adentro de la cual está algho referente a Detroit, Michigan, la ciudad de las automotrices fabricantes de los Pontiacs.

Y cuando uno vive en una burbuja no puede oir, ni ver la burbuja.

Al final queman a los muñecos espías, el gato le arranca los ojos a la mujer del mal y por fin los padres acaban con su trabajo en sus computadoras y salen al jardín a donde no querían ir por la lluvia. Ahora todos quieren agua y la reparten en grandes vasos de colores.

 

El es un asesino, un policía encubierto, un profesor, un coach de vida y también le puede dar una plática motivacional a tu equipo de ventas... ¡y está enamorado!

Así como suena de absurdo y revuelto, así está Cómplices del engaño, la nueva película de Richard Linklater (Hit Man 2023 dir. Linklater guión Linklater y Glen Powell basado en un artículo de Skip Hollandsworth). Y todavía me faltaron atributos del personaje principal, el profesor de sicología y filosofía Gary Johnson (Glen Powell) que también es experto en aves, en tecnología, es tech support de la policía pero también sabe como deshacerse de un cadáver, entre muchas otras cosas claro.

El problema es que no es una comedia, es drama, con toques de humor pero drama.

Y además Cómplices del engaño tiene un mensaje: Tú eres un constructo social o sea no hay un verdadero tú y puedes ser lo que quieras.

Para que veamos que Gary sabe lo que dice salen de su boca los nombres de Nietzsche, Platón, Descartes y Kant. Explica la teoría del id, ego y superyó de Freud y vemos su librero rebosante de títulos y especialmente colocada encima de una mesa la autobiografía de Jung "Recuerdos, sueños, pensamientos."

Escuchamos que las características de la personalidad pueden cambiarse rápidamente en unos días y parece como si la sabiduría de Freud y Nietzsche estuviera detrás del discurso motivacional de Gary Johnson. Aunque ninguno de ellos habló nunca de que la personalidad podía cambiarse en unos días. Ni Jung claro, pero usan sus términos, como extrovertido e introvertido, para decir cosas qué él jamás diría.

Regresando a lo dramático pareciera que una de las formas en que la película intenta decirnos que la personalidad puede cambiarse fácil, rápido y sin dolor es a través de los personajes que Gary interpreta en su segunda chamba de policía encubierto. Pero eso no funciona porque algunas de sus caracterizaciones salen ridículas.

El colmo es que el cambio que un personaje suele tener entre el principio y el final de una historia queda como perdido, trivializado pues sabemos que Gary, profesor nerd - normie que conquista a la chica sacando su lado de pistolero del viejo oeste, podría mañana sacar su lado femenino, o de negro cubano, o de lesbiano al que le atraen las enanas, o sicópata o de gallina café.

¿Y qué decir de la protagonista? Madison (Adria Arjona) arranca como sufrida mujer que no puede escapar de su malvado marido. En la siguiente escena que es como al día siguiente ella ya es una mujer felíz e independiente. Porque Gary le dijo que dejara al marido. Nunca se le había ocurrido, ni se lo habían dicho, pero pues se lo dijeron y ¡púm! que cambia su vida y se vuelve feliz al instante.

El resultado es que Gary y Madison son personajes sin sustancia con los que no se puede establecer realmente una conexión emocional. Agreguense además otros absurdos de la trama como que Gary se encarga de que todos los que quieren matar a alguien vayan a la cárcel, excepto si se trata de una mujer joven y bella y al final se siente como que uno ha visto una historia más tonta que de costumbre con un discurso de remate que parece para motivar vendedores de algún multinivel.

Y si no me creen pueden ver Cómplices del engaño en su cine favorito porque está en cartelera.