La voluntad de las armas

Gun Crazy (Joseph H. Lewis 1950) es otro clásico del film noir, el cine negro, con todos sus elementos; el destino de Bart, el protagonista, está sellado desde el principio y hay una mujer fatal que lo incita al crimen. Tal vez si algo falta es el contexto urbano de la ciudad como trampa, laberinto inescapable. Aunque aparecen Las Vegas y San Francisco, las ciudades son más bien puntos de paso. Sin embargo, y para mi este es un punto clave, Laurie, la mujer que será la perdición de Bart, es de Londres, hasta le dicen "La consentida de Londres". Hay entonces una mujer fatal que viene de una gran ciudad y yo creo que esto es la clave del noir: el corazón frío de la ciudad y (algunas) mujeres ambiciosas y sin escrúpulos que ahí habitan.

También vemos aquí el típico escape a la naturaleza sólo que ya demasiado tarde, otra característica del film noir.

Pero en Gun Crazy hay algo, antes de Laurie, que sella el destino de Bart. De hecho ellas son las que unen a la pareja; las armas.

Bart ama las armas desde niño. La ficción está llena de historias de armas con voluntad propia. Hay por ejemplo katanas japonesas, las espadas de los samurais, que se supone son más letales y peligrosas pues las hizo Muramasa, un fabricante de espadas legendario que era muy violento. No por ser mejores o más filosas sino porque tener el espíritu de su creador.

En Gun Crazy las armas llevan a Bart, con ayuda de Laurie, al crimen aunque no por un tema de magia sino con una lógica de encadenamiento de causas y efectos.

Bart no quería matar, ni animales, mucho menos gente. Pero tenía tan buena puntería que fue entrenador de tiro en el ejército. Y Laurie que vivía haciendo gala de su buen tino en un show de feria, le vio potencial. Ella tampoco quería matar, pero no quería era matar más gente.

También hay otra posible lectura de la trama: El fatídico final de Bart y Laurie es en el mismo lugar en una montaña a donde Bart y sus amigos habían ido de campamento una vez. Ahí vieron un puma y Bart no le quiso disparar. Según la hermana de Bart, que lo mantenía pues eran huérfanos, su hermano se había aficionado a las armas porque ella no tenía dinero para comprarle las cosas que los demás niños tenían. Pero su hermanito tenía muy buena puntería así que las armas, que en un principio eran de diábolos eran algo con lo que Bart podía sentir que era el mejor.

Así que quizá si él hubiera matado ese puma, por el que había una recompensa, hubiera tenido dinero para dirigir su vida a otro lado. Pues de hecho después, por robar una pistola, lo meten a un reformatorio. Aquí aplica un famoso dicho de lo aficionados a las armas: "Nunca saques tu arma si no estás dispuesto a disparar". 

La doña que soñaba ser cabaretera y fría Diosa

La Diosa Arrodillada (Gavaldón 47) nos presenta a La Doña actuando una película con un pésimo guión. Acreditado al director Roberto Gavaldón, José Revueltas y otros tres escritores - aunque a decir de Revueltas todavía le metió mano otro después - decía que él no quería ni acordarse de la película, que había sido un desastre.

Y ¿para qué meter a La Diosa Arrodillada en un ciclo de la Cineteca Nacional dedicado al Cine Negro? si la historia es claramente una muestra muy tardía, y mala, de un romanticismo rancio y decimonónico, no tiene los elementos urbanos del género negro y apenas un poco de historia policiaca, y bastante fallida.

La Doña aquí no sale de femme fatal, pues su personaje Raquel, si amaba al personaje de Arturo de Córdoba, Antonio Ituarte. Más bien tiene un toque de Julieta, la de Romeo, por la muerte, por veneno y por equivocación, del amado. Además de repente habla, como otros personajes, en verso

De hecho en La Diosa Arrodillada vemos elementos de todo aquello con lo que rompe la novela negra. Empezando por los personajes aristocráticos, Antonio se supone que es un industrial pero en realidad tiene todas las características del aristócrata con todo y mayordomo quien, como en las historias de Sherlock Holmes, resulta un personaje clave para la resolución del "crimen" en la trama. Lo típico antes de la novela negra pues. Es una película como tantas otras que refleja una sociedad mexicana que no supera el fracaso de Maximiliano y Carlota y así tenemos a este mayordomo que ama a su ama. Pero como eunuco claro. Y también hay celebraciones de aniversario con todos los hombres de smoking escuchando atentamente a una dama tocar el piano.

Se nota que le quieren dar un toque moderno, hay varias escenas en aeropuertos y la película empieza con tomas de un avión. Pero también le quieren dar un toque popular y por eso Raquel tiene unas escenas en el obligatorio cabaret, aquel que se mete en la trama de las películas mexicanas aunque no venga al caso. Ya ven como es el cabaret mexicano, pregúntenles en La Casa del Poeta. Puras contradicciones en un drama completamente inverosímil. En un principio Raquel y Antonio dicen que por amor no dirán nada de sus oscuros pasados. ¿Pero saben cuál es el oscuro pasado de ella? Ser modelo para un escultor... ay por favor. Y luego Antonio la quiere matar de tanto que la ama. Mala y no es cine negro, ¿para qué darle al público de la cineteca gato por liebre? 

El crítico Carlos Bonfil insinúa en su libro sobre la obra de Roberto Gavaldón que en esta película la que tomó el control fue La Doña. Suena creíble ¿a quién se le podría ocurrir este personaje de Raquel, rica pero cabaretera con final shakespereano, mala mujer pero santa?  

La ciudad y sus rubias fatales

Ya no hacen delincuentes así. En Dillinger (Max Nosseck 1945) considerada un clásico del cine negro, los delincuentes, enfocados principalmente al asalto bancario, están siempre impecablemente vestidos. Dillinger siempre está de saco y corbata y nunca se le ve un pelo fuera de lugar. Seguramente por eso la guapa rubia que vendía boletos de cine y a la que asaltó cayó rendida a sus pies a pesar de haberla amenazado con un arma. 

Bueno, aparentemente. Porque ni el astuto Dillinger ni ningún otro de los delincuentes acaban ganando. Al final ella es la que ríe al último. La mujer fatal es la única que se beneficia del crimen. Los hombres acaban muertos o en la cárcel. De hecho la historia de Dillinger podría contarse en tres actos. En el primero nace en un pequeño pueblo y, según nos cuenta su papá, él esperaba que su hijo se casara con una chica del pueblo, una buena chica, y que consiguiera un trabajo como todos los demás. Pero este plan de la chica buena del pueblo no se materializa y el hijo se va a vivir a una ciudad, como suele suceder en el cine y la novela negra, que es un género urbano, tanto así que luego aunque los personajes traten de huir los tentáculos de la ciudad siempre los alcanzan. La idea de Dillinger era volverse un hombre de negocios. Habla de acciones de la bolsa y de ventas en corto. Y seguramente todos los delincuentes tan bien vestidos como él ahora se dedican al crimen de cuello blanco. De cualquier modo una primer rubia se interpone en su camino y, tras un asalto para satisfacerle un capricho a esta mujer, cae en la cárcel.

Ya cuando sale de la Universidad del Crimen conoce a otra rubia que será su perdición: Una amante de las joyas, le pone el cuerno con otro miembro de su banda de asaltantes y acaba por entregar a Dillinger. Ella es en realidad la estrella de la historia que pasa de ser boletera a ser la beneficiaria de la jugosa recompensa que se ofrece por el famoso asaltante.

El genero negro tal como aparece en este clásico es el género de las rubias ambiciosas al principio y fin. Aunque ellas no participen en ningún atraco. De hecho en casos como este su poder es precisamente que no necesitan participar directamente para beneficiarse. Los hombres en cambio nunca tuvieron realmente una oportunidad, su caída siempre fue tan sólo una cuestión de tiempo. En el género negro su destino, como en las antiguas tragedias griegas, ya estaba escrito. Y en el colmo de la ironía Dillinger muere con tan sólo siete dólares y veinte centavos en el bolsillo. Todo fue por nada. 

La piel digital

Shell (Max Minghella 2024) es muy parecida a La Substancia. Las dos películas son sobre mujeres, ambas celebridades en decadencia, que toman tratamientos para la eterna juventud que las acaban deformando. La principal diferencia es que Shell, la compañía de donde toma el nombre la película,  y que produce la cura milagrosa, es dirigida por Zoe, una influencer que la maneja como un culto. Como suelen ser los influencers, los de la manósfera por ejemplo, o los influencers de la belleza masculina etc.

Esta compañía toma su fórmula antienvejecimiento de langostas, ajolotes y otros animales y es tan un culto que los iniciados acostumbran hacer cenas y comerse la piel de Zoe cada que va mudando a una nueva piel, pues la cambian como las serpientes. Sólo que estas cenas nunca son la última como aquella famosa cena pues el paraíso que Zoe ofrece es terrenal.

Claro, hasta que todo sale terriblemente mal y entonces Zoe, ante la amenaza de que la verdad salga a la luz, lo que afectaría la cotización en bolsa y el valor de la marca de su compañía, trata de evitar que Samantha Lake, la protagonista, que había sido admitida en su inner circle; así le dicen ahora a los apóstoles, el inner circle, se salga del culto y suelte la sopa.

Y claro, acusa a Samantha de quererla traicionar, y violar su contrato de confidencialidad, aunque ella no es como Judas, no sólo porque en aquellos tiempos aún no existían los contratos de confidencialidad, sino porque sólo quería alertar a la gente; y que la llevaran a un hospital.

La maleta de trucos de la película para crear tensión está bastante gastada y ni hablar de la sensación de deja vu que nos deja a los que vimos La Substancia, que sin duda es mejor. Hay otra semejanza con la película de Coraline Fargeat, un cosa como de complejo de Elektra, ya saben conflicto madre - hija, más o menos como el complejo de Edipo pero entre mujeres. Aquí hay un personaje, Chloe, que le gana un papel en una película a Samantha, que es actriz. Samantha fue niñera de Chloe y después de lo de la película la odia. Pero Chloe también es clienta de Shell y acaba convertida en monstruo.  Es como si Samantha fuera con una bruja, pues Zoe se ve mucho, pero mucho más joven de la edad que dice tener, como las brujas, y que esta bruja convirtiera a la joven rival en un monstruo e hiciera que le dieran el papel a Samantha. Lo que de hecho hace.

Esta complicidad llega a su punto más cercano cuando ambas confiesan que no usan sus verdaderos nombres y Zoe dice: Las dos pretendemos ser lo que no somos.

Shell funciona como una fábula de la humanidad en la era digital y de las posiblemente letales consecuencias de andar diosificando gente que vemos en la pantalla. Su rollo contra la vanidad sale sobrando. Es de hecho más interesante todo el tema de la piel y los caparazones. Se supone que la terapia de Shell es una cosa genética pero, lo que vemos es un proceso en que la persona se mete en una cámara y llega la magia digital. Podría argumentarse que lo que sucede es que lo digital se puede ver en el cine y lo genético no es tan fotogénico digamos. Pero se supone que en la compañía hay un científico. Y es un viejito que se ve débil y enfermo, un personaje que apenas aparece. No, aquí el poder no es la genética sino la influencer con piel que no envejece. La piel es todo un tema, Samantha tiene un problema en la piel en un principio, una psoriasis. Esto se trata de la piel y la imagen. Es como las viejas películas de highschool donde invariablemente él o la protagonista era un o una nerd hasta que va a hacerse un cambio de look. Sólo que aquí la transformación se ve como algo digital y consiste en meterse a una cámara transparente y salir como una nueva persona. Los gadgets sirven como caparazón, podemos filtrar la información que nos llega, pedir cosas para no salir de la casa y hasta hacer home office para no salir a trabajar, entre otras cosas. Un caparazón que protege pero también aísla de lo y los que tenemos cerca. Y nos puede transformar y no necesariamente para bien.   

Quijotes con Bukowski en el morral

Un Poeta (Simón Mesa Soto 2025) nos presenta al estereotipo del nuevo (bueno, ni tan nuevo) poeta latinoamericano, un borrachín que ofrece libros de Bukowski al que se acusa de acosar menores. ¿Cómo lo sé? Lo he oído por ahí. De una organizadora de eventos de poesía, y sé que la sola mención del viejo cochino (como se le dice de cariño a Bukowski) es una red flag para algunos editores, tan sólo de oírlo les dan ganas de agarrar sus bebidas y salir corriendo.

La poesía antes era diferente... empieza a decir otro poeta de la película en tono de lamentación. No Oscar Restrepo, el protagonista, un tal Efraín que no acaba la frase y seguramente no se refiere a la influencia de Chinaski ( Otro modo de decirle al viejo cochino) pues junto a la puerta del salón donde da clases de poesía está la cara de Bukowski en un póster. Eso no ha de ser lo que le parece mal de la poesía de ahora, tal vez lo que pasa es que antes a los poetas no les pasaban cosas como las que le van a pasar al poeta Restrepo. Un poeta de triste figura que es un fracaso total. Nacido en el 68, le pide dinero a su mamá y a su hija, que se avergüenza de él. Pero su redención viene en camino a través de una alumna, la escribeversos quinceañera Yurlady. Aunque ella no quiere aprender de poesía ni ser poeta, su tirada más bien es poner un salón de uñas.

Restrepo sin embargo se pone necio en hacer de ella una poeta y por poco lo pierde todo acusado de abuso. Injustamente pues su único pecado es tratar de guiar a la adolescente al infierno poético. Al final Yurlady lo encaminará al final feliz aunque por terribles caminos.

Poeta tendrá un remake americano y ya hay un póster con Bill Murray como Restrepo. No será fácil pues Ubemair Ríos el actor que interpreta al poeta está excelente en el papel. La película ganó en la sección Un Certain Regard en el festival de Cannes. Es una pinche joya, una película políticamente incorrecta que cuestiona convenciones que alguna vez fueron liberadoras y se han vuelto una losa. 

Un tema central en la película es que Restrepo quiere ayudar a Yurlady como si la poesía sirviera para salir adelante. Cuando él mismo es el mejor ejemplo de que la poesía puede ser una especie de vicio que requiere ya mismo que se formen grupos de poetas anónimos. Pero lo que le dicen a Yurlady que debe hacer para ser poeta: Fijarse en lo que le interesa al público y a los mecenas europeos es exactamente lo que Restrepo nunca ha querido hacer. Al ver lo que le sucede después se entiende que no le guste lo que piden el público y los patrocinadores de Europa.

Son dos caminos y esta película resuelve el conflicto entre ambos pues gana premios y llama la atención sin venderse a las causas de moda y volverse panfletaria.

 

La mirada salvaje

Holocausto Caníbal (Ruggero Deodato 1980) va a reestrenarse. No sólo viene la versión corregida y aumentada en bluray y 4k sino que se ha anunciado su regreso a salas de cine.

Esto es muy sorprendente pues cualquiera que recuerde la película sabe que esta es de lo más políticamente incorrecta. Deodato de hecho fue detenido por la policía después del estreno. Y es una película que dice de si misma que es inexhibible pues se trata de unos supuestos documentalistas que hacen un documental sobre caníbales del amazonas pero acaban siendo comidos. La película que filmaron logra ser rescatada y se supone que los ejecutivos que la ven mandan destruirla. Pero lo que se supone mandan destruir es lo que los espectadores vemos. Es de hecho considerada la segunda película de lo que ahora es el género del found footage. La primera es The Connection del 61 dirigida por una mujer, Shirley Clark, y también de tema morboso por cierto.

Es una de esas películas, como Pretty Baby, que parece que no podrían hacerse hoy en día.

El mensaje de la historia es simple y explícito: Todos somos salvajes. Rodada en la amazonia colombiana y en Nueva York la historia nos dice que si agarramos a cualquier neoyorkino y lo ponemos en la selva, en las condiciones adecuadas, no tardará en competir en salvajismo con cualquier caníbal. Y lo interesante es que la prueba que se ofrece de esto es la película misma, que explota nuestro morbo que se siente como un resabio salvaje.

Y claro también porque el personaje del profesor humanista que va en busca de los documentalistas sólo puede entrar a la selva gracias a los brutos y crueles, militares; y al guía ídem.

Los documentalistas son como unos influencers que viajaron en el tiempo a 1980 y prefieren morir antes que dejar de filmar. Como les ha sucedido a tantos en la vida real con el celular. Quieren el morbo, queremos el morbo, porque en el fondo seguimos siendo salvajes luchando por sobrevivir; sólo hemos cambiado de jungla y la civilización es apenas un delgado barniz.

Un dato curioso es que Deodato empezó como asistente de Roberto Rossellini, gran figura del neorrealismo italiano. Lo que lleva a pensar que ese bien portado y bonito realismo acaba llegando a este holocausto caníbal.

 

Una actriz maquiavélica

La película polaca Pérdida de Equilibrio, Utrata równowagi (Bojanowski 2025) nos presenta a una actriz, Maja (la guapísima Nel Kaczmareck), quien quiere actuar de Lady Macbeth, la ambiciosa esposa de Lord Macbeth en la famosa tragedia Shakespeareana. Según vemos en esta película, Lady Macbeth es una especie de Maquiavelo sólo que en femenino, ella incita a su esposo a matar al rey de Escocia para hacerse con el trono. Y una frase que escuchamos repetidamente es cuando, con lenguaje shakespeareano, la esposa le dice a Macbeth que no sea ingenuo, que no va a alcanzar lo que quiere nomás siendo muy bueno.

Se supone que Maja estudia actuación pero está a punto de abandonar su plan de ser una actriz profesional. Ella y sus compañeros de la escuela de teatro iban a presentar Antígona, una tragedia griega en la que, como en todas las tragedias griegas, el destino ya está escrito. Y Maja piensa que su destino no es ser actriz.

Entonces entra en escena Jacek, un nuevo profesor que le dice a Maja que su destino está en sus manos y lo primero que hace es cambiar la obra que van a presentar y en vez de Antígona será Macbeth. Aunque Macbeth también es una tragedia, su nombre completo es "La Tragedia de Macbeth".

El caso es que Maja resulta demasiado buena alumna pero de quien aprende es de Lady Macbeth, y ese papel será suyo sin importar lo que tenga que hacer.

La moraleja de Pérdida de Equilibrio parece un mensaje de superación personal sólo que a través del mal. Algo así como: Amiguitos, amiguitas y amiguites, no duden en luchar por sus sueños, no importa a quien tengan que matar o romperle las piernas. Pero es un mensaje que el público no aceptaría alegremente sino fuera porque Jacek, que al principio parece un buen tipo se revela como un intrigante y manipulador y al final Maja le da su merecido y eso parece justo.

Lo interesante aquí es que lo que acaba determinando donde está el bien y el mal es la obra, es decir, como público sentimos que Maja es quien debe interpretar a Lady Macbeth porque es a quien mejor le sale. Seguramente me dirán que no, que lo que pasa es que nos identificamos con ella, que ha luchado por ese papel y sentimos que se lo merece y que no es  porque a ella le salga mejor Lady Macbeth.

Pero yo pienso que si viéramos que Maja no puede hacer el papel y a otra le saliera mejor, el drama no funcionaría. Jacek parecería haber hecho lo justo al cambiarla y a Maja la veríamos como una villana intrigosa. El final no funcionaría pues quedaría la sensación de que faltaría que alguien la pusiera en su lugar.

La moraleja realmente es que el (buen) fin, en este caso la obra, justifica los medios.  Y este director, que en imdb está con un nombre y en la guía del festival de cine europeo con otro, alegre y despreocupadamente aplica la misma regla y le corrige la plana a Shakespeare, pues en la película nos dicen que el final de Lady Macbeth queda abierto pues es dueña de su destino. Perdón pero ella se suicida, eso no me parece un final abierto. Vaya director "empoderado". Parece como si no hubiera obras tan famosas como Macbeth que hablen de personajes dueños de sus destinos. Punto para las tragedias. Y el destino.

Los héroes improbables

En 1968, en Agosto para ser exacto, los ejércitos de cinco países, Alemania del este, Polonia, Hungría, Bulgaria y la Unión Soviética, invadieron Checoslovaquia. Todo porque un nuevo gobierno checoslovaco estaba dando demasiadas libertades a su población a juicio del Kremlin.

Según lo que vemos en Ondas (Jirí Mádl 2024), la resistencia a la invasión no vino de los militares sino de la población. Y la película se centra en lo que sucedió en la radio checoslovaca, el más importante medio de comunicación del país según nos informan. Que inclusive logró seguir transmitiendo clandestinamente gracias a Tomás, el principal protagonista de la película, que trabajaba como técnico en la estación.

Como en toda buena película de la guerra fría en Ondas hay agentes secretos de sombrero y gabardina, espías, traiciones y romance. Aunque de esto último sólo un poco.

Y así como ante el golpe soviético a la llamada "Primavera de Praga" la resistencia en vez de venir de los militares vino de los civiles, Tomás, el héroe de la película no era un tipo con ganas de ser héroe, de hecho había servido de informante de los servicios de seguridad acerca de lo que sucedía en la estación. Pero no era un traidor sino uno de esos héroes improbables que sólo salen a relucir a la hora de la verdad. Y como se demuestra en las historias de espías, a veces no conocemos realmente a la gente, ni a la más cercana. O quizá especialmente a la más cercana, como sugiere la última escena de Ondas.

La falsa rebeldía

Peacock (Bernhard Wenger 2025) es una divertida comedia que sin embargo tiene un tema profundo. Este tema se sintetiza en una cosa que la mujer de Matthias, el protagonista, le dice: No pareces real.

El trabaja en una de esas agencias que rentan gente que se hace pasar por lo que el cliente quiera: Una pareja, un familiar, lo que sea. Como en Familia en Renta, en donde el personaje de Brendan Fraser consigue trabajo en una agencia de esas en Japón.

Entonces Matthias se la pasa haciéndose pasar por otra persona y parece que él va desapareciendo. Ya ni los perros lo pelan, como que ya no tiene opiniones personales y ni siquiera se defiende cuando lo acusan de algo que no hizo.

Una clienta llega a la agencia, una señora que necesita que actúe como su esposo y discuta con ella, para que la señora, que dice que no sabe discutir, se entrene y pueda discutir y llevarle la contraria al marido. Luego la pareja se separa y Matthias se siente culpable y pasan varias cosas pero al final la pareja se reconcilia. Y todo eso puede leerse como mensaje a Matthias de que se defienda que no pasa nada.

¿Pero ese mensaje será el adecuado? ¿No sería mejor un mensaje de defiéndete sin importar que pase?

Hay otra cosa que se puede interpretar como un mensaje para Matthias, y más contundente. Matthias renta un perro, un perro que por lo tanto tiene el mismo trabajo de él. Además el perro parece que también se llama Matthias, aunque eso resulta una confusión pues el perro en realidad se llama  Aaron. Y Aaron acaba muerto, ahogado. Definitivamente eso parece una señal.

Matthias se acaba rebelando, en una comida en un hotel, donde debe hacer de hijo de un señor mamón, Matthias va al spa del lugar, en donde dan de esos baños de lodo y regresa desnudo y embadurnado de lodo al salón con su cliente que está celebrando su cumpleaños sesenta, y que lo había mandado a cambiarse una camisa que se había ensuciado con una pequeña mancha. 

Aquí es donde el análisis se pone interesante: La gente en el banquete acaba pensando que se trata de un performance artístico y le aplaude. No es el único performance que aparece en la película, ni el único ejemplo de supuesto arte vanguardista.

De hecho al principio de la película Matthias está en un concierto, haciéndose pasar por otro, y es un concierto de música vanguardista. Matthias que va preparado dice que la música le recordó a un compositor. Entonces aparece Ina, a quien el concierto le recuerda al mismo compositor. Y esta Ina representa el vacío, de hecho Matthias sospecha que también trabaja haciéndose pasar por otra persona como él.

Cuando Matthias le cuenta de sus problemas a un amigo este le recomienda una especie de centro de terapias new age, de mística barata. Ahí se vuelve a encontrar a Ina, quien es una puerta a ninguna parte.

Y por asociación con ella y también por méritos propios, los gurús new age y los artistas vanguardistas representan el mismo vacío. En otra escena Matthias va a un concierto en donde el show es que un tipo se cubre el cuerpo con pintura y corre a estamparse en lienzos. Algo que también sucede en Art School Confidential por cierto. Y este performance de plano hace que Matthias se enferme. Y hay otra situación en la película en la que un tipo que se dice actor resulta ser un asaltante.

¿Entonces que tan positivo es que al final la gente crea que está haciendo un performance? ¿Es una verdadera rebelión o es hacer otro personaje?

Lo de andar desnudos o verse extravagantes también lo hacían en el retiro new age. Y lo del lodo es de una de esas terapias alternativas.

Al igual que el perro Aaron, Matthias salta al agua pero en vez de ahogarse él logra salir y se va desnudo pero... ¿quién es él en realidad?

El amor no es un perro infernal, es una DJ drogadicta

The Drama (Kristoffer Borgli 2026) tiene un guión extraordinario, escrito por el mismo Borgli quién encontró una situación perfecta, una pareja enamorada y a punto de casarse, para introducir al mismísimo mal, ni más ni menos.

Ante un trasfondo de amor ¿qué se hace cuando el mal aparece tan oportuno como un puñetazo traicionero? ¿Se cancela la boda? Sólo que si la gente cambia y ya no es mala entonces se puede perder el amor estúpida e inutilmente. Así como a la DJ de la boda a la que los novios vieron metiéndose heroína. O algo que parecía heroína. Y que la corren cuando ya estaba todo listo para la fiesta. ¿Pero sí era heroína? ¿Y ellos están libres de pecado? ¿Beneficia a alguien correrla de la boda?

Ese asunto huele a santurronería. Pero casarse con alguien con una historia como la de Emma ¿no es irresponsable? ¿Se trata de un problema personal o es un problema social? Y más allá de eso, el mal ¿es algo que las personas hacen y pueden dejar de hacer o es lo que hace la gente mala, que siempre lo será?

The Drama tiene una respuesta. Aunque también algunos pretextos: Es que Emma quedó muy afectada porque de niña vio un accidente fatal, es que por mudarse no tenía amigas, es que la buleaban. Intentos de justificación que no aportan nada al drama. Para la historia funciona mejor la maldad desnuda y la duda como callejón sin salida ¿Si la belleza está en el ojo del que observa no podrá estar el mal en la cabeza del que juzga? ¿Hay un demonio en el juicio de todo santo? 

¿O no? 

El poeta comunista que privatizó el tiempo y llegó al cielo

Underground (Kusturica 95) una comedia que acaba trágicamente, aunque cierra con el retorno de la comedia pero ya en el más allá, presenta como el pecado original que provoca el cambio de comedia a tragedia, a la traición. Marko es un pícaro ladrón mezcla de galán con sombrero de gángster, corbata y pistola que es como un hermano Marx de la desaparecida Yugoslavia, simpático como los hermanos Marx (y hasta con un toque de Mauricio Garcés según yo) pero comunista como otro Marx, Karl Marx.

Aunque Marko es un comunista de acción, de robar trenes para conseguir armas para el movimiento, no un comunista de teoría, aunque le da por la poesía.

Entonces todo era risa, sin importar la guerra y la ocupación nazi, hasta que Marko, de forma por demás capitalista, traiciona a sus camaradas, incluyendo a su hermano y a Blacky, su mejor amigo, poniéndolos a trabajar con engaños, en unos sótanos de los que no pueden salir y donde hasta el tiempo es manipulado por Marko.

El se queda con las utilidades, o como diría Marx, con la plusvalía del trabajo de sus explotados camaradas. Y además se casa con Natalia, que abajo en los sótanos está casada con Blacky.

¿Y qué pierden los engañados? El costo de vivir en la oscuridad no sale a relucir sino hasta después, cuando por fin vuelven a ver el sol y el hermano de Marko se ahorca y Blacky pierde a su hijo, mientras que los engañadores Marko y Natalia arden en el fuego.

Creo que la historia de Yugoslavia realmente es sólo el contexto histórico del drama en esta película en vez de que el drama sea una metáfora de la historia de Yugoslavia como se ha dicho. Aunque el final, con el banquete en un pedazo de tierra a la orilla del río que se separa y se va flotando como isla, obviamente puede leerse como un mensaje de resignación ante un país que se ha dividido. Además la traición de Marko es a sus camaradas yugoslavos, en la lucha contra los nazis. Pero la bajeza del bigotudo poeta también es contra uno de los bandos en la guerra civil. Esa es la última que comete y que le cuesta la vida. Es decir, aquí el mal es la traición en general, a los camaradas que incluyen al hermano y también a la esposa, pues Blacky deja a la suya por Natalia, que ni lo quiere, y en el final feliz regresa con la esposa y Natalia ya ni le importa. El comunismo también es sólo parte del contexto.

Es una moraleja sencilla pero en una gran película, una gran producción en todos sentidos, considerada, con toda justicia, un clásico.  

El bosque de las muñecas

Dolly, de Rod Blackhurst 2025, es una película independiente, e independiente de bajo presupuesto, que sin embargo consiguió buena distribución y salir en cines.

Al igual que en las anteriores dos películas de terror de las que escribí (The Hole in the Ground  y Undertone) en Dolly sale a relucir el tema de la madre. En este caso se trata de una mujer, Dolly, obsesionada con tener bebés. Y pobre de quien no quiera jugar al bebé con ella porque la cosa se pone gore.

Es un caso de querer ser mamá pero sin interesarse por los hijos. Como querer jugar a las muñecas y darles de comer, ponerles su chupón y cambiarles su pañal. Pero también querer romperlas y arrancarles las partes. ¿Habrá mamás así? Seguro que sí como también gente como otro personaje de la película, la mujer que quiere un anillo de compromiso. Pero sólo el anillo, aunque estaba dispuesta a casarse con tal de tener uno.

Dolly por cierto vive en un bosque que ha decorado con muñecas. Lo que recuerda la isla de las muñecas, una pequeña isla en las afueras de la ciudad de México habitada por un tipo que se ha dedicado a llenarla de muñecas para que lo protejan de los espíritus. De lo más creepy.  Tim Burton grabó ahí el último video de Lady Gaga y yo me pregunto si Dolly se habrá inspirado en la isla de las muñecas.

Definitivamente de las tres películas de terror que vi Dolly es la mejor. Y si alguien se pregunta que fue de Sean William Scott por acá anda en esta película que me gustó mucho. 

  

Archivos digitales y terror

Undertone, la nueva entrega de terror de A24 explora posibilidades del miedo al abrir archivos, en este caso de audio. Y mezcla esto con un demonio, o mejor dicho una demonia, que aunque tiene un nombre distinto, se parece mucho a Lilith, el antiquísimo demonio femenino que aparece por primera vez en la antigüa mesopotamia y que se dedicaba, o dedica, a matar recién nacidos. Los niños en ese entonces no morían por la llamada muerte de cuna, se los llevaba Lilith. 

Y de algún modo extraño, Lilith ahora es famosa como personaje de la historia bíblica, por ser supuestamente una mujer anterior a Eva. Se que suena extraño y no me sé los detalles. El caso es que parece que Lilith después de meterse quien sabe como en el cuento bíblico de la humanidad ahora viaja en archivos de audio. O al menos la demonia que nos presenta Undertone debe ser familiar de Lilith pues se parece mucho.

Undertone se agarra de este monstruo femenino para explotar, además del temor a abrir archivos malditos y a la muerte, la culpabilidad relacionada al aborto y ya encarrerada también retoma un tema del exorcista, igual que la anterior película de la que escribí, The Hole in the Ground, sólo que en este caso se trata de culpabilidad por la muerte de la madre, todo con un trasfondo muy católico como podrán comprobar quienes vean Undertone.

Un tema muy interesante que también se explora en esta película es la teoría de que en las más famosas canciones tradicionales infantiles se esconden terribles mensajes a los niños.

Creo que esta película, como nos tiene acostumbrados A24 tiene buen nivel de realización pero en este caso es demasiado pastiche, una ensalada de diferentes temas ya muy conocidos. Y eso de sentir culpa por no rezar aves marías no va conmigo. Así que le pongo tache.

Monstruos en el espejo

Antes de volverse famoso con Evil Dead Rise, Lee Cronin debutó con The Hole in the Ground,  hecha en su natal Irlanda y basada en un mito del folklore irlandés, los changelings. Pero para no hacer el spoiler no explicaré que son los changelings. Es una buena película, que es como una historia de posesión, pero no es posesión, sólo parece. En el centro está la relación entre un niño y su mamá que recuerda un poco al exorcista, con muchas diferencias pero hay una escena en donde el niño, que se llama Chris, si se pone como Regan, la niña del exorcista. El análisis de esta película sale casi sobrando de tan obvio: La mamá de Chris ve el rostro de quien le ha cambiado a su hijo. Eso y el tema de los espejos deja todo muy claro.

A ver como le va a Cronin con su tercer entrega, su versión de la momia "Lee Cronin´s The Mummy" o  como le pusieron acá La Posesión de la Momia

Escape de Neza

Nadie es inocente (Sarah Minter 1987) es considerado por algunos un documental o un drama documental y eso me parece un halago pues aunque tiene algunas tomas no montadas es obvio que casi todo está dramatizado y hay una historia, aunque minúscula. Eso sí, no hay actores en Nadie es inocente, todo mundo se interpreta a si mismo, algo que no era nuevo pero definitivamente no estaba de moda en los 80s.

Entonces la película nos sumerge en el mundo y la vida de los Mierdas Punk, una banda de chavos banda, valga la redundancia, pues en la ciudad de México a los chavos que empezaron a agruparse en bandas juveniles en los ochentas se les llamó chavos banda. La banda más famosa fue la de los Sex Panchitos. Y no es casualidad que las bandas tengan sex y punk en sus nombres pues como vemos en esta película, que no dura ni una hora por lo que si no me equivoco es un mediometraje, la ideología y religión de estas bandas es el punk. Kara, el protagonista, dice en una escena que deben ser más anarquistas y verse más fachas. Verse y ser más punks pues.

El punk encontró entonces terreno fértil en Ciudad Nezahualcóyotl, una gigantesca urbanización (Creo que es considerada la tercer ciudad con más población hispanohablante del mundo) pegada a la ciudad de México que se formó con migrantes pobres que llegaron del campo.

Entonces los Mierdas Punk conocen a los Sex Pistols, a los Exploited, y parece que hasta a Public Image Limited, y se ponen camisetas con la bandera británica y también usan jerga española, Kara dice encanar para explicar que la policía los mete a la cárcel.

Pero me queda claro que si a cualquiera de los ídolos punks de los mierdas los llevan a donde viven ellos, se mueren. Las escenas más crudas de la película son en los basureros por la zona del bordo de Xochiaca. A donde va a parar buena parte de la basura de la ciudad de México y su área conurbada, extensiones sin fin de basura. Y ahí vemos a los mierdas buscando ropa para verse más fachas. Uno encuentra un saco y dice "Miren, como el Johnny Rotten".

Sin duda, aún sin ser un documental propiamente, esta película tiene un gran valor como documento de una contracultura . Así sea una ficción. Y creo que sobre todo por capturar el habla, el lenguaje de los mierdas. Mucha gente habla como ellos y no es un lenguaje que suela aparecer en el cine.

Los mierdas aparecen como chavos muy reflexivos, tranquilos, simpáticos y confundidos. No van a ninguna parte. No hay futuro, esa también se la saben. Kara sin embargo quiere escapar y un día se va a la estación de tren a comprar un boleto que lo aleje de su vida.

El piensa constantemente en la muerte, lo que me recuerda que según Don Juan, el mítico brujo mexicano de los libros de Carlos Castaneda hay que tener presente a la muerte todo el tiempo. Pero también pienso que Kara parece que podría ser en el futuro un seguidor de la Santa Muerte. Un culto que en los ochentas ha de haber sido muy pequeño y poco conocido aún.

Kara huye de la muerte, de la confusión y la droga que lo confunde aún más, el cemento en su caso. También de la rutina y del hostigamiento de la tira, la policía.

Al final llega a uno de esos pueblos mexicanos que parecen habitados por puras viejas fantasmales. ¿Logrará Kara escapar del no futuro? Apenas llegando se ve qué es lo que Kara tiene en contra pues llega preguntando si ahí hay chavos banda y en donde podría comprar droga. Pero bueno, al menos ahí no hay policía según le dicen.

La respuesta seguramente está en la secuela de esta película ,"Nadie es inocente 20 años después", también dirigida por Sarah Minter. 

Acá el trailer: https://mubi.com/en/films/nadie-es-inocente/trailer