Negación

En una ciudad americana, los niños y niñas estaban siendo violados. Había decenas, quizá cientos de violadores, incontables víctimas. Muchos sabían algo, algunos sabían que no eran casos aislados, que las violaciones de niños por parte de curas católicos era un problema generalizado y fuera de control.  A los curas pederastas los cuidaba la iglesia y el obispo de Boston. Pero nadie hacía nada por los niños.

¿Porqué?

Spotlight, la película de 2015 que recrea la investigación del Boston Globe que reveló el caso tiene una respuesta: Porque se necesitaba que llegara alguien de fuera para hacer algo. Y no alguien como el abogado armenio que estaba representando a algunas víctimas, pues no era poderoso. Sino alguien con poder como el nuevo director del Globe que era judío y que ni siquiera conocía Boston. Porque la comunidad católica de Boston, la ciudad tradicionalmente más católica de Estados Unidos, por su población de origen irlandés, estaba en negación.

El Globe ya había publicado notas sobre el tema pero nunca había pensado siquiera en hacer una investigación a fondo del asunto.

El colmo es que cuando los periodistas se dan cuenta que un abogado ha ayudado a encubrir pederastas y lo amenazan para que les de nombres, este abogado les contesta que hacía años les había mandado una lista de nombres pero que ellos no hicieron nada. Y Robby, el jefe del equipo encargado ahora de la investigación se da cuenta que él había recibido la lista pero lo había olvidado. No le había dado ninguna importancia.

Spotlight es una película que en su momento no sólo refrescó la memoria acerca del tema del tema de la pederastía, y su encubrimiento, por parte de la iglesia católica, sino que escudriña el extraño fenómeno sicológico de la negación, y la negación colectiva. Y todo envuelto en un gran drama con un excelente guión y actuaciones que meten al espectador dentro de un equipo de periodistas resolviendo un caso histórico.  

La bella y la bestia de la laguna negra

Creo que en realidad La Forma del Agua no hace más que contar un cuento del tipo la bella y la bestia usando como bestia a un viejo monstruo muy conocido, el monstruo de la laguna negra. Nada nuevo pues. Otra fábula ñoña para antes de dormir de Del Toro. Envuelta en exquisita nostalgia y música de la bisabuela de los viejitos.

Claro que la película tiene obvios mensajes antiracistas, anticlasistas, antimilitaristas, antimachistas y a favor de la otredad y yo estoy de acuerdo con todo eso, sólo que no creo que los mensajes así de explícitos sirvan. Como por ejemplo en este caso en donde el racista, machista, clasista, militar e insensible es interpretado por Michael Shannon, que es un actorazo, es el mejor de la película y a muchos nos cae bien. Entonces la cosa puede ser contraproducente sobre todo si además le agregamos que el malvado Coronel Strickland, el personaje de Shannon, es un hombre de familia, imperfecto claro, no deja que su esposa hable o haga ruidos al coger y en cambio quiere hacer gemir a la empleada de limpieza. Pero es un padre y esposo al fin y al cabo y según la gente las personas con familia son buenas y los solteros no tanto. Por eso todos los políticos siempre sacan fotos y videos con su familia. Y aquí los buenos, Sally, El ilustrador Giles y hasta el espía Bob/Dimitri están completamente solos. Sally y Giles se tienen el uno al otro ¿pero qué son? ¡Vecinos! amigos nada más. A ver, si se supone que están tan solos en el mundo, se llevan tan bien y sólo se tienen el uno al otro ¿porqué no cogen? ¿Qué los buenos no pueden coger, sólo masturbarse en la tina? 

Es que están esperando a la persona correcta claro, un Dios del Amazonas nada menos, que llega como si el tipo ideal con quien ella fantaseaba se le materializara. Un monstruo-Dios, castrado como muñequito o manequí, pero que puede coger y llega a vivir a su tina. Y al final el agua que envuelve a Sally pasa de ser el agua del baño al agua del mar. Resulta entonces muy apropiado que la historia termine con un poema sobre el amor que se disuelve en todo. Para lo cual deja de tener un cuerpo, una forma, pasa a ser como el agua.  Amor platónico sin cuerpo sin sexo ñoño. Que lindo todo pero así los regaños no funcionan y los villanos acaban siendo atractivos. Como la bestia del cuento.

Nomadland y la trascendencia en Chloé Zhao

Nomadland (Chloé Zhao 2020) entrelaza el tema del pequeño pueblo que se va a pique, generalmente en la ficción se trata de pueblos que dependían de un sólo negocio y cuando el negocio cierra el pueblo se va con el. Es un tema del que escribí en Cars, y es el origen de la historia en Nomadland, en donde el pueblo de Empire, Nevada, era un pueblo minero y cuando la mina cierra el pueblo también. Así que la protagonista de la película Fern, pierde su trabajo, también pierde su comunidad y su patrimonio porque tenía una casa pero una casa en un pueblo fantasma no vale gran cosa. Además el marido de Fern muere.

Vi que algunas reseñas de la película dicen que esta se trata de la gran crisis económica de 2007 y sus secuelas pero en realidad sólo hay un personaje, una de las viejas nómadas amigas de Fern, que son nómadas de verdad  interpretándose a si mismas, que dice que en 2008 no conseguía trabajo y tocó fondo. Y ya, eso es todo lo que se dice específicamente de esa crisis económica. Pero lo de la desindustrialización y los pueblos en crisis es un viejo tema.

Entonces Fern se va a vivir a su van y se vuelve nómada forzada por las circunstancias pero ella acaba adaptándose a ese estilo de vida, tanto así que rechaza las invitaciones de su hermana y de su amigo Dave de mudarse con ellos.

Y así entra otro tema arquetípico de la mitología americana, el viaje en carretera como experiencia mística, como camino iniciático y este tema en la película está muy entrelazado con el tema de la tierra y la naturaleza como algo religioso. Inclusive hay un rito en honor de una nómada que muere, Swankie, sus amig@s echan piedras en una fogata pues ella era amante de las piedras. Y al final cuando Fern regresa a su casa vacía y sale por la puerta de atrás que da a una enorme extensión de desierto interrumpido hasta el fondo por una cadena de montañas, el simbolismo es muy claro, la carretera y la naturaleza la han sanado.

Y encontró a su tribu, los nómadas unidos por la creencia de que se volverán a ver en algún momento en el camino. Y en este punto el estilo de vida se vuelve una idea trascendente que supone que después de la muerte volverán a encontrarse en algún camino.

Es de llamar la atención que Chloé Zhao también maneja el tema de la trascendencia después de la vida en Hamnet aunque ahí esta se da a través del arte. 

 

¿Y yo qué culpa tengo?

Juana, ópera prima como realizador de Daniel Giménez Cacho es en el fondo una historia policiaca. Esta afirmación podría sorprender a algunos de los que vean la película. Y con razón, es como decir que una gran olla con sopa tiene pescado y uno le busca y rebusca y no encuentra ningún pescado. Pero ahí está. Lo que pasa es que la trama policiaca es de lo más simple. Básicamente se trata de que una periodista descubre a un feminicida pero para demostrarlo necesita las pruebas que tiene una persona y se las pide, esta persona dice que no pero sí las entrega. Y ya. A esta anécdota mínima se le agregan una narrativa fragmentada, no lineal, ya saben, para que parezca una película sofisticada, el famoso exceso de producto lácteo a las crepas de nixtamal, o crema a los tacos. También se le agregan muchos personajes secundarios y actuaciones intensísimas, algo común cuando los actores dirigen. Y para espesar el caldo todavía más una historia de abuso sexual en el pasado de la protagonista. Lo de moda pues. 

Y claro, no podía faltar, en la presentación a la prensa de la película se repitió de diversos modos que esta es para que reflexionemos sobre el patriarcado. 

Y a alguien se le salió preguntar con un tono como irónico ¿Qué tal (la película) que se acaban de desayunar? La verdad es que no me gustó y noté que nadie aplaudió cuando acabó. Según mi experiencia en las presentaciones de prensa cuando una película gusta hay aplausos. De hecho me pareció que el ambiente estaba un poco tenso y hasta me dio la sensación que Giménez Cacho sabe en el fondo que la película es mala. Dijo "Yo no estoy diciendo que vaya a ser un trancazo (de taquilla)" Pus no, seguro que no, pero que tal el trancazo a los espectadores. Decir que una película es para reflexionar, hacer conciencia o hablar de cosas de las que "generalmente no se habla" aunque en realidad se habla todo, pero todo, el tiempo de ellas sobre todo en el cine, la literatura, el teatro y en general la ficción, es como decir que hay que verlas porque necesitamos ser regañados. 

Y yo que ni he matado a nadie. Y si me argumentan que es para reflexionar sobre el patriarcado o el machismo yo les diría que es otra película sobre feminicidios y abuso infantil que no aporta nada nuevo. De hecho lo que sí hay es un mensaje que minimiza el abuso: Se supone que la mamá de Juana sabía que el marido abusaba de la hija y nunca hizo nada. ¿Y cómo se soluciona el tema? La mamá y la hija se ponen un menjurje para la piel juntas y santo remedio.  Mejor repartan de ese menjurje mágico y dejen las historias policiacas en paz que no se les ve talento para eso, esa última escena en donde Juana recibe una amenaza de muerte y lo que hace es sentarse a esperar no la hace ver fuerte y empoderada sino tonta. Bájense de su nube empoderada y ya no nos regañen por favor.

Ah... y la fotografía es terrible, el sonido equis, no le invirtieron en musiquita o algo propositivo en cuanto a sonido

El laberinto de la orfandad

El diablo fuma y guarda las cabezas de los cerillos quemadas en la misma caja (edfyglcdlcqelmc pa los cuates) es el extraordinario debut en largometraje de Ernesto Martínez Bucio. Este director egresado del CCC nos cuenta la historia de una invocación. Una invocación muy mexicana pero no a la virgen ni a la santa muerte o a san juditas. Al diablo.

Y no es que los creadores de edfyglcdlcqelmc se hayan propuesto contar la historia de una invocación diabólica, de hecho el director cuenta que el tema del diablo se metió a la historia hasta después de que el título de la película se les apareció a él y a la coguionista Karen Plata en un poema.

El diablo entonces se fue metiendo orgánicamente en el guión, pero es lo que le acaba dando sentido. Los cinco niños y la abuela que protagonizan la historia quedan como huérfanos cuando la mamá primero y el papá después se van y quedan solos en la casa-laberinto rodeada de vecinos hostiles ¿Quién los va a proteger?

La historia sucede en la Ciudad de México durante una visita del papa juan pablo 2 en el sexenio de Salinas. Y los huérfanos atinadamente se dan cuenta que de ahí no hay que agarrarse, la abuela dice que cuando reza se le aparece el diablo y los niños ven a los vecinos gritándole loas al papa con caras que reflejan el patetismo que semejante escena debe provocar.

En cambio la familia confunde los pasos de la madre que llega subrepticiamente a dejarles regalos con los pasos del patas de cabra ¿A quién rezarle entonces con una vela en la tapa del baño?

EDFYGL.... es una película destacada en todos los departamentos, guión, dirección, actuaciones etc. que lleva al espectador al mundo de la infancia y sutilmente a través del velo de lo que percibimos normalmente. Y como no darle la razón, si los buenos y devotos son como son, es mejor invocar al diablo. 

Un niño de ninguna parte

Amrum (Fatih Akin 2025) a la que aquí le pusieron el horrible nombre genérico "Expulsados del Paraíso", es una isla alemana en el Mar del Norte y la película cuenta la historia de un niño, Nanning, que llega con su familia, menos el papá que anda en la segunda guerra mundial, a Amrum, huyendo de los bombardeos aliados. Es una historia que se siente muy real, no sólo por basarse en recuerdos de Hark Bohm, un actor/escritor/director de cine alemán, cercano colaborador de Rainer Werner Fassbinder, sino porque no se siente manipuladora sino que logra conmover como si no se lo hubiera propuesto. En el fondo el tema de la película es el desarraigo. Nanning quiere ser de Amrum y aunque su familia había vivido por generaciones ahí, él vivía en Hamburgo, y para sus compañeros de la escuela es tan extraño como los demás refugiados que llegan sin ninguna relación con la isla. Un tema sencillo pero contado con una maestría narrativa que hace una gran película.

Aunque el trasfondo de la historia es el fin de la segunda guerra mundial, la película se centra en pequeñas historias cotidianas de sobrevivencia pero contadas de forma que los esfuerzos por conseguir un pan se sienten más trascendentes que la muerte de Hitler. Y en las historias de la familia de Nanning.

Al final Nanning debe dejar la isla, pero esta se irá con él pues sus habitantes, de estirpe ballenera, siempre se van de ahí. No es un lugar para quedarse sino para llevar.

Expulsados del Paraíso se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

Nouvelle vague habanera

Nunca creí ver juntos en la misma pantalla los nombres de George Lucas y la Filmoteca de la UNAM pero, como la fundación de George Lucas y la filmoteca de la UNAM participaron en la restauración de Memorias del Subdesarrollo, el clásico de Tomás Gutiérrez Alea del 68, ambos nombres comparten espacio en los créditos iniciales de la versión restaurada de este filme cubano.

Una segunda sorpresa es que esperaba una película apoyando de modo panfletario a la revolución cubana o que por lo menos no criticara a la revolución o a Cuba. Pero en la película hay muchas críticas a Cuba y hasta se mete con las mujeres cubanas. El protagonista Sergio Carmona Mendoyo no deja de decir que Cuba es una isla subdesarrollada y le endilga el mismo calificativo a las cubanas. De los cubanos en general dice, entre otras cosas, que siempre necesitan de alguien que piense por ellos, que no se pueden desarrollar como país pues no pueden pensar en nada que vaya más allá del momento y cosas por el estilo. Un amigo de Sergio que se va a Miami le dice como piensa que se va a poner la situación en la isla y parece que vio el futuro.

Memorias del Subdesarrollo es una película formalmente innovadora en la que se nota claramente la influencia de la nouvelle vague francesa. La historia puede decirse que es intimista centrada en reflexiones sobre su vida del burgués decadente Sergio. Sí, era un burgués en Cuba, que vivía de rentar unas propiedades que tenía, y esto ya después de la revolución. La historia, aunque con muchos flashbacks, transcurre entre 1961 y hasta la crisis de los misiles del 63.

Al principio Sergio observa La Habana desde las alturas de su departamento y dice que todo sigue igual.

Que por cierto un cambio del que se habla y se ve es que en las películas cubanas ya se podían ver desnudos, que estaban prohibidos antes de la revolución.

Y al final, durante la crisis del 63, cuando se temía una invasión americana, Sergio otra vez observa La Habana desde su balcón pero las cosas ya no son como siempre, la ciudad se preparaba para la guerra.

Se puede leer como que la revolución no cambió tanto las cosas como la cuestión nuclear, la amenaza de Estados Unidos a raíz del plan soviético de poner armas nucleares en la isla. Supongo que eso ha de haber radicalizado al régimen de Castro, porque vemos que antes de la crisis de los misiles seguía habiendo propiedad privada en Cuba y la gente se iba a Miami en avión, creo que hasta se ve que llegan vuelos de Panam.

La historia sí tiene cosas que son prorevolución, Sergio aunque es un burgués detesta a los de su clase y le da gusto que se vayan a Miami. Aunque tampoco es un revolucionario. Es más bien como un intelectual diletante existencialista. Y se critica al capitalismo en la película pero por otro lado justo después de un discurso de Castro diciendo que no les dan miedo las armas nucleares y que esas no les harán perder la dignidad, Sergio dice que esa dignidad sale o puede salir carísima.

También Sergio dice que La Habana es considerada el París del caribe pero que a él más bien le parece la Tegucigalpa del caribe y sin embargo Memorias del Subdesarrollo tiene una fuerte impronta francesa. Es una película con una libertad que no sospechaba que presenta un personaje que es como un flaneur habanero cuestionando el sentido de la vida hasta que siente el miedo de que le caiga una bomba encima.

Memorias del Subdesarrollo se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca. 

 

  

Escape del consultorio dental

La Chica de Colonia ó Colonia 75 (Köln 75) de Ido Fluk, es una muy entretenida historia basada en un caso de la vida real que le sucedió a la alemana Vera Brandes, quien a los dieciocho años de edad ya se dedicaba a organizar conciertos y era considerada una "loba del jazz". Pero no es sólo una película para amantes del jazz, de hecho la banda sonora tiene otras cosas como el krautrock de grupos como CAN y NEU! que surgieron en Alemania en los 70's en la época en que se desarrolla la historia.

El padre de Vera, el Dr. Brandes, era dentista y era terrible, un tirano determinado a obligar a su hija a ser dentista como él.

¿Podrá Keith Jarrett, un pianista que formó parte del grupo de Miles Davis, salvar a Vera? 

¿Y además improvisando?

La Chica de Colonia divierte al mismo tiempo que revela cosas sorprendentes detrás del free jazz, de un personaje muy especial, Keith Jarrett, y de un mundo que valoraba la improvisación y no sólo en el jazz. Cuenta la leyenda que el cantante de CAN, Damo Suzuki, fue reclutado por el grupo cuando estaba borracho tirado en la calle. Y el grupo se formó en Colonia. Además según nos cuentan en esta película escogieron su nombre por una cosa del azar. Igual que la entrada de Vera al negocio de la música, una cosa de lo más random.

Aquí la improvisación y lo aleatorio no sólo se enfrentan al Dr. Brandes, paradójicamente resulta que Jarrett para poder improvisar requiere de un orden absoluto. Es como el orden y la entropía del universo confabulados, la exquisitez y el espíritu del punk hermanados, el sueño y la vigilia intercambiados, el dolor y la belleza confundidos, mientras el amor se enfrenta al sexo casual y las fresadoras a los pianos de cola.

La Chica de Colonia se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la cineteca.       

La democracia y los videos de gatitos

Caso 137 (Dominik Moll 2025) es una fría, lógica, casi diría que burocrática descripción de un caso de abuso policiaco. Que es interesante aunque no creo que pueda llegar a ser la película favorita de nadie. Aunque quien sabe, hay hasta a quienes les apasionan las matemáticas. De lo que no tengo duda es que esta película se puede calificar como kafkiana. Kafka tiene relatos así: Totalmente fríos, lógicos y uno de sus temas favoritos era la burocracia. De hecho el título mismo de la película es burocrático, más aún el original francés "Dossier 137" que realmente quiere decir algo así como archivo o expediente 137.

Entonces Stephany trabaja en asuntos internos de la policía francesa y le toca investigar el caso de Guillaume Girard, un tipo de 20 años al que la policía le reventó la cabeza con un arma que dispara unas como pelotas muy duras. Esto me sorprendió, no imaginé que la policía de un país civilizado usara semejantes armas para controlar multitudes. Guillaume no murió pero le fracturaron el cráneo y quedó con graves secuelas. Y la historia está basada en un caso de la vida real sucedido durante las protestas de los chalecos amarillos en Paris en diciembre de 2018.

Fría y objetivamente Caso 137 presenta los puntos de vista de policías y manifestantes así como de los familiares y amigos de Guillaume. Aunque de él no tanto porque quedó mucho tiempo sin poder hablar.

Y lo que vemos gracias a la fría y lógica objetividad es que la racionalidad fría nomás no alcanza. Para empezar Stephany nunca habría encontrado el video en donde se ve a los polis vestidos de civil que le dispararon a Guillaume sino fuera porque se apasionó por el caso. Esto porque resultó que Guillaume era de su mismo pueblo y la mamá de él había cuidado de la suya alguna vez que estuvo enferma.

Pero Stephany no le avisó a su jefa de esta relación entre ella y la víctima lo que fue contra las reglas.

O sea que a Stephany, policía de policías, le pasó lo mismo que a muchos de los policías de a pie que investigaba: Le ganó la pasión.

Y de todos modos no sirvió de nada pues a los policías que le dispararon a Guillaume no les pudieron presentar cargos porque fueron dos quienes dispararon y no se supo cual exactamente le atinó a la cabeza de Guillaume así que no se les pudo acusar.

Caso 137 presenta a las leyes algo inútil por partida doble. No sirve para castigar a los policías que rompen la ley pero tampoco para controlar a los que están en el otro bando, contra los policías, pues durante las manifestaciones tuvieron que desplegar policías de civil "para salvar la república". ¿Y para que servirá que vayan de civiles si no es para que no se les pueda identificar si rompen alguna ley? No parece que sea para poder pasar desapercibidos pues con las armas y equipo que cargan es obvio que son polis.

En una escena de la película Stephany está visitando a sus padres y su mamá se pone a ver videos de gatitos. El papá le dice que ve demasiados videos de gatitos, que se distrae mucho y no piensa en cosas importantes y que la democracia va a morir si la gente sigue distraída con gatos.

Al final Stephany, que ya ha sido separada del caso de Guillaume se pone a ver videos de gatitos y su hijo se ve que la juzga severamente por eso. Como si esperara que en vez de ponerse a ver gatos su mamá se pusiera a pensar en los cambios necesarios a la ley para que ahora si funcione. O alguna otra locura semejante.

Caso 137 se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca.

El therian no tiene la culpa sino el que lo hace compadre

Tus Dos Muertos (Daniel Castro Zimbrón 2025) es un noir chilango con todo y detective que bebe Johnnie Walker a pico de botella y oye jazz. Pero no por eso el judicial Zuzunaga (Gerardo Trejoluna) deja de ser un poli muy mexicano que se dedica en realidad a cobrar cuotas y llevarle su parte a su superior. Aunque tiene su lado detectivesco la película se centra más bien en la atmósfera. De jazz en noche lluviosa pero corriéndose hacia el horror. Y en el personaje del judicial capitalino Cipriano Zuzunaga que lo ha perdido todo y quiere recuperarlo, aunque ya más que decadente el excomandante parece haber entrado en proceso de putrefacción. Igual que el mundo a su alrededor con todo y videoclub que se niega a morir, tiendas de conveniencia cuyo café es para escupir, criminales - monstruo y por adentro de Zuzunaga las culpas, los miedos y las alucinaciones. Aunque el therian de la historia no es una alucinación, es de esos therians a la antigua a los que insensiblemente les decían loquitos. Y no es un therian faldero buenaondita, es un perro sicópata del infierno. Y conste que esta película, y no se diga la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández en que se basa, son de antes que se pusiera de modo el tema de los que se identifican como animales.  

¿Cuál es el problema de Zuzunaga y del Fresno, el barrio que es su territorio? Lo que nos dice la trama de Tus Dos Muertos es que el problema central es que hay padres pero no paternidad. El excomandante dice que a su papá lo que más le gustaba era madreárselo, ahora el padre es un anciano apenas con fuerza para abrir los ojos pero en las pesadillas de Cipriano Zuzunaga aún así le sigue partiendo su madre. El por su parte fue un padre ausente. El padre del chavo del barrio que fue secuestrado es un político, es decir un hijo de puta, que ni siquiera le dio su apellido. Ni le comparte de su fortuna, si no su vástago no viviría en Fresno. Engendrar cualquiera puede, hasta el therian. Y que decir de la misoginia; junto al hijo del diputado se llevaron también a su novia, pero el secuestro de ella ni siquiera lo denuncian. La redención de Zuzunaga sólo puede llegar de que le salga un lado protector.

Un punto interesante es como funciona el barrio: todos se reúnen en la iglesia, pero es una parroquia mafiosa, un tema que se ha visto en otras películas, como Sleepers.

Tus Dos Muertos es una interesante adaptación del cine negro a la realidad mexicana e inaugura la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

La singularidad - Dios y sus sucias tretas

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras, es una historia que mezcla elementos de Terminator, con The Matrix. En esta película el John Connor que viene del futuro a tratar de evitar que un ente tecnológico tome el control no tiene nombre y parece el típico vagabundo orate. Nomás no se lo lleva la policía porque siempre llega del futuro al mismo dinner de Los Angeles y le puede decir cosas a la gente que se supone que no podría saber y entonces lo de que viene del futuro ya no suena tan desquiciado.

Pero eso de que lleva 117 intentos de juntar gente en esa cafetería que le ayuden a salvar el mundo es una debilidad de la historia, al menos si la comparamos con la Terminator original del 84 en la que el drama está en que en una noche se va a decidir el futuro de la humanidad. Era la única oportunidad. Y para hacer las secuelas tuvieron que cambiar esa premisa básica.

Aquí en cambio el héroe sin nombre trae un botón que con sólo apretarlo regresará sano y salvo al futuro. Total si ya falló 117 veces que más da fallar de nuevo.

Y esta es una película divertida y original sin duda, a pesar de su relación Terminator / The Matrix. Pero no creo que llegue a ser un clásico porque en vez de presentar un drama presenta un juego.

Y paradójicamente es una historia digamos gameificada que critica precisamente la gameificación de la vida.

Entre los personajes que se unen al tipo que viene del futuro hay una pareja, maestros de un high school cuyos alumnos viven conectados a sus celulares sin hacer el mínimo caso a sus maestros, que viven aterrorizados por los adolescentes. Quienes se ponen a cazar profes guiados por sus teléfonos como si los docentes fueran pokemones.

Otro miembro del equipo es una señora cuyo hijo fue asesinado en una típica masacre escolar. Pero ya estas masacres están normalizadas y a la señora le ofrecen clonar a su hijo. Aunque sólo se puede clonar el cuerpo las demás características del clon hay que escogerlas como si fueran las características de un avatar de videojuego.

La madre del vagabundo que viene del futuro es una chava alérgica a la tecnología, que se enamora a primera vista de un wey porque este no tiene celular (Sí, exactamente como le habría pasado a la cantante Grimes si me hubiera conocido en persona, yo la habría salvado de Elon Musk, pero esa es otra historia, regresemos al análisis cinematográfico). La pareja es muy feliz hasta que al wey le regalan un equipo de realidad virtual y se pierde como si esta fuera fentanilo. Al día siguiente le anuncia a su novia que va a transicionar, no de sexo sino de realidad, y se va a vivir a unas cápsulas donde vivirá conectado para siempre. Digamos que tomará la píldora azul.

El enemigo en esta ocasión no es skynet sino una singularidad - Dios, un tema del que escribí en el análisis de Bugonia. Pero BSDNM (Buena Suerte, Diviértete, No Mueras) no se lo toma en serio sino como un juego, lo que hace sospechar que BSDNM es un truco más de la singularidad para parecer simpática. Lo que siempre hacen los malos.  

El profeta del gym

Octagón fue una de las primeras películas americanas con ninjas. Estos míticos asesinos del antiguo Japón eran apenas conocidos en 1980 y la película explota su misterio hablando de ellos como de antigua amenaza que resurge y para darle un toque más oscuro a la trama, el personaje de Chuck Norris, Scott James, tiene una voz interna cavernosa y saturada de eco. Esa voz sabe quien es el único que puede estar entrenando ninjas nuevamente: Su hermano malvado, al que no ve hace muchos años.

Sólo que a Scott James le sucede lo que a todos los pistoleros y asesinos retirados del cine hollywoodense: El no quiere volver a pelear, tiene remordimientos de su pasado. Es el viejo mito que Clint Eastwood recreó en Los Imperdonables. Pero Scott regresará para salvar a un amigo que es como su hermano menor.

Ninguno de estos hermanos en realidad es un "hermano de sangre", porque para empezar Scott fue un hijo adoptado. Y el mismo padre que le dijo que él era su hijo y Sakura su hermano, un día le dijo que Sakura ya no era su hermano sino su enemigo pues Sakura rompió las reglas de las artes marciales.

El nuevo hermano de Scott pelea y entrena con él y la chica que se queda con Scott ya pasó por el entrenamiento ninja. Y como el objetivo de la vida es tener una causa por la cual luchar (Se entiende que de preferencia a karatazos), que es lo que dicen varios personajes a lo largo de la película, entonces el gym, perdón, el dojo, es el nuevo templo de los ochentas. Es el lugar donde se halla el sentido de la vida y la familia espiritual. Y quien mejor que el dueño de unas escuelas de karate como Norris para presentar la opción de las artes marciales. Mientras Stallone, el engullidos de huevos crudos, nos enseña que golpear la pera de box y comer cosas sanas pero asquerosas es la forma de dejar de ser unos don nadies.

Y claro, Arnold mientras tanto invita a pasar al bar de malteadas de proteína y esteroides anabólicos.

Mucho antes de que él trascendiera a nivel meme, las escuelas del entrenador Chuck Norris pasaron por problemas económicos y entonces le dijeron que podía actuar. Y podía, tanto como Stallone o Schwarzenegger. Aunque entre estos tres y Clint Eastwood compitan por el Oscar a la actuación con menos diálogos.  

Chuck, que en realidad se llamaba Carlos Ray Norris, le dio a las artes marciales una mitología que fusionaba elementos típicos americanos, como lo del pistolero del viejo oeste retirado, con cosas como lo de los ninjas con carga mística. Una combinación más poderosa que cualquier licuado de proteínas con antioxidantes para llevar gente al gimnasio.

Así que ya saben pequeños saltamontes todos a pagar las cuotas a tiempo o Chuck bajará desde el gym celestial a darles unos guamazos.    

Porque él no murió, trascendió como Obi Wan sólo que él sí derrotó al representante del lado oscuro. El final de Octagón recuerda ese duelo entre Obi Wan Kenobi y el de la máscara estilo japonés, Darth Vader. Duelos que a lo lejos observa una, o un, discípulo. Una historia con minions todos de negro y otra con todos de blanco. Y el número dos de Sakura parece un Darth, como entre Vader y Darth Maul.

Tanto Luke Skywalker como Scott James son huérfanos cuyas figuras paternas son sus maestros en el arte de pelear. Y ambas artes incluyen luchas con espadas.

Jedis y ninjas tienen tanto en común. Son mitologás que surgen, o resurgen, en la misma época. En el caso de los jedis, el maestro Yoda está inspirado, según ha dicho George Lucas, en el personaje de Carlos Castaneda, Don Juan, un indio mexicano. ¿Y a dónde creen que va Scott James a buscar a los ninjas?  Pues primero a la Ciudad de México. Hay escenas de Octagón en el Zócalo, en Reforma y Chapultepec.  Aunque después parte a algún lugar de centro américa al campamento ninja. Que hace pensar en un campamento de entrenamiento de narcos pues tienen ahí a la gente contra su voluntad, entrenándolos para asesinar. 

Como dos lados de una moneda, uno te lleva al gimnasio, el otro a la tienda de juguetes. ¿Ustedes qué camino eligieron?    

El loco de la calle

Dead Man´s Wire, la última película de Gus Van Sant, recrea un incidente de la vida real, el caso de un tipo que tomó como rehén a un banquero en 1977. Tony Kiritsis acusaba al banco Meridian Mortgage de haberse aprovechado de él en un negocio y hacerle perder todo su dinero. A lo largo de la película nunca se presenta nada que lo contradiga. O sea que parece que tenía razón.

Kiritsis pone un alambre amarrado de un lado al gatillo de una escopeta y del otro alrededor del cuello de Richard Hall, director e hijo del dueño de Meridian Mortgage. Pero fuera de eso era un buen tipo, muy amable, que hasta se disculpaba por decir groserías. O sea que Kiritsis es como el personaje de Al Pacino en Tarde de Perros, Sonny Wortzik, un clásico de 1975 basada también en un caso de la vida real cuando en un asalto a un banco los asaltantes acaban tomando como rehenes a los clientes de la sucursal que acaban desarrollando el famoso síndrome de Estocolmo, y se ponen del lado de los asaltantes.

No es por lo tanto casualidad que Al Pacino salga también en Dead Man´s Wire sólo que ahora él es el banquero, el padre de Richard Hall y dueño de Meridian Mortgage, un tipo tan malo que se niega a pedir disculpas ni siquiera porque eso puede salvarle la vida a su hijo.

Queda claro de lado de quien está la película. Kiritsis dice ser pobre, que ha trabajado haciendo de todo y que no le molesta ser pobre pero que no quiere dejar que ganan los malos.

Parece ser un tipo popular en su ciudad, Indianápolis, todo mundo habla bien de él y hasta resulta ser amigo de los policías.

Todo muy bien pero ¿Qué aporta en realidad Dead Man´s Wire? La verdad es que es como una Tarde de Perros pero no tan buena. La película de Sydney Lumet del 75 tiene muchas cosas que no tiene la de Van Sant, sólo un ejemplo: En un momento de la película el amante del asaltante Sonny, un hombre, revela que su amado, el personaje de Pacino, quiere dinero para hacerse un a operación de cambio de sexo. 

Como que esta película de Van Sant es muy políticamente correcta, muy nostálgica con su recreación de los 70´s, pero en realidad en estos tiempos de inteligencia artificial, cambio climático, megacorporaciones y demás, la maldad de un banquero avaricioso en el Indianápolis de los 70´s como que no tiene mucha relevancia.

¿Quién mató a Catherine Earnshaw?

Cumbres Borrascosas es realmente una muy buena película y Margot Robbie merece reconocimiento no sólo por su actuación sino como productora de Cumbres Borrascosas. Parece como si actrices como ella o Sydney Sweeney no encontraran los papeles que quieren y se están lanzando a producir las películas que quieren estelarizar. Y a la Robbie su película le salió realmente muy bien. No conozco la novela pero el guion es muy bueno igual que la dirección de Emerald Fennel, también la dirección de arte, todo realmente.

Curiosamente hace poco escribí de otra película en la que se habla de historias de amor trágico y en donde se ponen como ejemplos Romeo y Julieta y Cumbres Borrascosas. Y en esta adaptación de Cumbres Borrascosas se habla de Romeo y Julieta subrayando la relación entre ambas historias.

Si nos ponemos a analizar un poco, la tragedia de los amantes en ambos casos tienen el mismo origen: la familia. Sólo que en la historia de Shakespeare esto es muy obvio, Romeo y Julieta no pueden amarse pues sus familias son enemigas, en cambio en Cumbres Borrascosas este conflicto queda como desplazado. Pero veamos, ¿Quién tiene la culpa de la muerte de Cathy? Su nana, que es la figura materna y que por no creerle a Cathy que había perdido a su bebé, no llamó al doctor. Y quizá no le creyó  por no quererle creer pues no le convenía que ella abortara. Si ella se iba con Heathcliff dejando al Sr. Linton, lo que un aborto le ayudaría a hacer, la nana quedaría de patitas en la calle. Y claro, para empezar, Cathy se casó con Edgar Linton por su culpa.

Y hay que agregar al papá que necesitaba que su hija se casara con un rico por haber perdido su fortuna en el juego. Y, como si Cathy fuera muy consciente de eso, cuando el papá muere... ¡ella le da un par de patadas! 

También el Sr. Linton tiene la culpa, no sólo le provocó un embarazo mortal a su esposa, sino que se negó a despedir a la nana, que acabó siendo una homicida indirecta, como Cathy le había pedido.

Nótese que la nana quiere hacer de Catherine una mujer como ella, que vive con una familia por dinero renunciando al amor.

Viéndola así, y conste que estoy hablando de la película, Cumbres Borrascosas es como una versión capitalista e industrial de Romeo y Julieta que todavía viven en un mundo feudal donde las familias se pelean por las tierras. El papá de Cathy tiene tierras y ella dice que eso sigue siendo más valioso que los negocios textiles de los Linton. Pero no es así, la riqueza ya cambió y Edgar Linton, un industrial, es ahora más rico. Ahora el dinero cuenta más que las tierras. Tanto así que la familia de Linton es él y una chica que ha adoptado, por su dinero es de suponerse. Agréguese a Cathy a la que se ganó por su riqueza. aunque claro, ella venía de una familia no tan diferente, fuera de Cathy y su padre en su casa vivían su hermano adoptado, la nana a sueldo y la servidumbre.

Por otro lado lo que estoy seguro que no viene de Romeo y Julieta ni de la novela original de Emily Bronte, al menos tan explíctamente, es lo del sadomasoquismo.

La película empieza con un ahorcamiento y un niño que les dice a sus amiguitos: "¿Ven? Ya se le paró, les dije que si al ahorcado no se le rompía el cuello se le iba a parar el pito."

Es obvia la intención de relacionar tortura con amor y sexo en la historia. De hecho la relación de Cathy y Heathcliff desde niños es como sadomasoquista. Ella como una niña caprichosa que lo trata mal, como a "una mascota",  y que hace que le peguen por su culpa y él que la ama sin remedio al parecer no a pesar de eso sino gracias a eso. 

Cathy ama ver ahorcamientos y hasta tiene muñequitos de ahorcados y en cambio odia la vida en la casa de muñecas de colores pastel de Linton. Y a la ñoña de Isabella.

Como si el obstáculo para el amor fuera no sólo el dinero sino también la falta de dolor.

Por cierto parece que las traducciones de las películas las andan haciendo con IA y traen muchos errores.

Los rateros y la constitución

1988 fue un año extraordinario, al menos en lo cinematográfico, para la recientemente fallecida actriz Ana Luisa Peluffo, una de las pioneras de los desnudos en el cine mexicano. Ese año la Peluffo salió en nueve películas. Y además en la famosa telenovela El Pecado de Oyuki. De las películas tres son de los mayores clásicos del cine nacional: Bancazo en Los Mochis, Intrépidos Punks y El Violador Infernal. Estas dos últimas han sido restauradas en años recientes en 4K y relanzadas en Blu-ray. 

Pero voy a analizar otra película estelarizada por la Peluffo en el 88, Ratas de Vecindad, donde comparte créditos con Ernesto Gómez Cruz y Sergio Bustamante entre otros.

Contrario a lo que podría pensarse, Ratas de Vecindad no tiene nada que ver con la sexicomedia ni vende albures. Se trata de un drama bien escrito, cuya trama parece reflejar la crisis económica de los 80´s en el país. El ingeniero Héctor Malagón, el personaje de Gómez Cruz, esposo de Mariana, el personaje de la Peluffo, tenía una constructora pero lo perdió todo. Y se dan varias explicaciones de como quedó en la ruina: Que si el juego y el alcohol, más adelante resulta que fue una inversión que le salió mal pero de lo que más se habla es de que fue el pinchi karma, pues el ingeniero en los buenos tiempos era un pinchi ojete. Es decir, era insensible y cruel. Sobre devaluaciones y crisis económicas ni una palabra.

Suena a fábula moralista pues primero viene lo del juego; las cartas y el hipódromo, a lo que se le agrega como por no dejar la bebida pues ni modo que alguien lo pierda todo en sus cinco sentidos. Y además de eso la ojetez.

Después el inge se arrepiente, tras pasar una noche detenido por robar comida, la misma noche en que su esposa pierde un hijo, o hija, por un aborto involuntario.

Y ya después del arrepentimiento nos enteramos que hizo una mala inversión, como para que veamos que en el fondo no es tan malo.

Suena exagerado eso de tener una compañía constructora y estar en jauja y dos años después no tener para comer pero en fin.

El caso es que tenemos con el ingeniero Malagón una visión del dinero y otra con otro de los personajes principales de la película, el prestamista/agiotista Malaquías, un judío que como ordena el estereotipo es un avaro que no quiere gastar ni en su propia comida y sólo piensa en su dinero, sus joyas y en alejar a su hija de los vagos de la vecindad donde vive. Si pudiera también metería a su hija a la caja fuerte. Lo que no haría es mudarse de esa vecindad a un lugar mejor, cosa que podría hacer, y que es lo que la hija le pide, pero prefiere no gastar.

A Héctor Malagón el karma lo deja en la ruina y en cambio para Malaquías el dinero es el karma y lo acaban matando por el. O sea ser pobre denota vicios, alcoholismo y demás, pero tener mucho dinero es pedir que a uno lo asesinen.

De cualquier modo lo que vemos es que en la vecindad el dinero viene del sexo y la violencia. O te lleva para allá.

La "prostituta corazón de oro" Violeta llegó a la ciudad buscando trabajo y en todos padeció a hombres que quisieron abusar sexualmente de ella así que acabó de prostituta irremediablemente, casi como las piedras que caen por la ley de gravedad.

Los jóvenes de la vecindad sueñan con ser judiciales, o por lo menos ser madrina, como se les dice en México a los que trabajan para los policías judiciales de manera irregular. Para ser judicial o madrina se necesita dinero pero ya "siendo ley" y portando pistola se puede ganar el dinero que sea, como dice uno de ellos.

Hasta un plomero que vive en la vecindad sólo puede resolver sus problemas económicos robando, aunque al final por ese robo acaba muriendo.

No hay de otra, no hay salida. Si la policía ve que unos teporochos borrachines se están dando un festín, de inmediato llegan a averiguar que cosa ilegal hicieron.

Y el inge, que cae en la cárcel acusado injustamente de matar a Malaquías, finalmente encuentra chamba. La ironía es que afuera no encontró trabajo pero ahí en la cárcel, "el rey del crimen" necesita un ingeniero, alguien que sepa de matemáticas.

Pero sale de prisión, pues un funcionario evita que los judiciales la hagan confesar a tehuacanazos, o sea torturándolo, un crimen que no cometió, y después este mismo funcionario se pone a buscar al verdadero asesino.

Un funcionario mexicano honesto, supongo que algo más difícil de encontrar en la vida real que las prostitutas con corazón de oro, estaba también en el camino del ingeniero Malagón. Nada mal para un tipo que había acumulado mal karma. Ganaron los buenos, ganó el amor, pero sobre todo ganó la constitución pues el funcionario honesto no es más que un servidor de la constitución mexicana. Insiste más de una vez en que hay que obedecerla, y señala que los tehuacanazos con chile no están permitidos por la constitución y que esta garantiza los derechos humanos. La constitución salva al inge. Así que ¡Qué viva México y que viva la constitución!

La indigestión hecha película

Sinners sin duda merece al menos un premio en la actual temporada de premiaciones: Como la película más sobrevalorada del año o quizá de la década o más. La última entrega del director Ryan Coogler es una indigesta mezcolanza de cosas, una especie de olla cinematográfica a la que se le mete todo, pero todo es todo, lo que le pudieron meter sin importar sí venía al caso o si eran cosas que pudieran mezclarse.

Para empezar, lo más evidente, es que el tema de los vampiros entra con un tono completamente distinto a lo que era el tono de la película hasta ese momento. Los vampiros irrumpen en la historia cuando esta ya va bastante avanzada y empiezan a convivir de forma muy dispareja con los personajes de lo que era hasta ese momento un drama histórico realista. No digo que verosímil, pero el tono era realista.

Metiéndole el cucharón al guiso de Sinners se pueden distinguir muchos ingredientes disímbolos: Primero, la música como una fuerza encaminadora al bien o al mal. Al bien si es música religiosa, al mal si es para que gente borracha baile y sude y luego fornique.

Por eso y para que sea feliz, a Sammie el guitarrista su padre y su primo le dicen que se dedique a la música religiosa. Pero al final resulta que la música del mal es la libertad.

Y Sinners no es un gran homenaje a las  raíces de la música negra. Por tanta revoltura. No sólo se mete también al folk irlandés porque los vampiros que llegan son irlandeses. Además en lo que viene siendo el gran momento musical de Sammie, le meten surrealistamente hip hop y Dj´s con tornamesas como diciendo que el chiste de la música negra tradicional es lo que viene después.

Tampoco se explora realmente el vínculo música/pecado porque lo malo de la música acaba siendo que llegan los chupasangres irlandeses.

Y por lo visto el sello de este director Coogler es meter violencia ridícula. Como en Black Panther.

Aquí en Sinners tenemos el caso del primo que le dice a su primacho querido, su primo del alma que no se dedique a la música y como este primo le contesta que para impedírselo tendrá que matarlo, saca la fusca y le dice "soy un soldado y me acabas de dar una orden."

Antes de eso los gemelos smoke y stack, llegados de Chicago ya le habían recetado un par de balazos ¡a unos amigos suyos! Y se supone que estaban de muy buen humor y eran muy queridos en el pueblo ¿Contradictorio? No, ¿porqué? si les dieron dinero para el doctor después de balacearlos.

Parece que en el mundo de Sinners todas las relaciones humanas deben ser violentas o al menos conflictivas, así que cuando smoke y stack regresan, a una de sus novias se le acaba de morir la mamá y reclama que no mandaran flores al funeral y el primo responde con insultos aunque la mujer muerta lo había criado.

A otro amigo le dicen que le van a dar mucho dinero pero él se ofende y ya se van a pelear. En el "gran momento de libertad" en el antro de los primos, a un tipo le navajean la cara  y a otro lo patean en el piso. Y así todo.

Ah y también están los indios, aparecen unos indios y los propios personajes de la película nos dicen que por ahí no hay indios. Y los gemelos son veteranos de la primera guerra mundial aunque se supone que la película sucede en 1932 y ellos se habían ido hacia siete años y trabajaron para Al Capone en Chicago y entonces si se fueron en 1925 ya hacía mucho que había acabado la primer guerra mundial. Y está el tema del hoodoo que es como el voodoo pero de Nueva Orleans, y el hijo que murió de uno de los primos, y dicen que el mejor día de sus vidas fue ese día de la fiesta antes del anochecer pero vimos que ya estaba anocheciendo antes de que empezara y además los primos mataron a su papá y yo sólo sé que es un escándalo que este bodrio esté nominado a tantos premios y espero que Jonny Greenwood se lleve el Oscar a mejor soundtrack por Una Batalla Tras Otra  y que no le den nada a Sinners.

El racista que amaba el black booty

En Una Batalla Tras Otra, ¿Quienes se están enfrentando realmente? La derecha racista contra la izquierda revolucionaria ¿o más bien tenemos de un lado una derecha más hipócrita que racista o sea que se dice racista sólo cuando le conviene? Es un viejo tema que se ha visto en el cine en películas como Ciudadano Americano X, en la que el protagonista descubre que los líderes de su pandilla de supremacistas blancos hacen negocios con las pandillas chicanas cuando a él ni siquiera le permiten hablar con ellos.

Recientemente en La Desaparición de Josef Mengele, la película francesa-alemana-uruguaya-mexicana sobre el famoso criminal de guerra nazi Josef Mengele, vemos que este acabó casado con una brasileña que no era muy blanca que digamos. De hecho Mengele que no deja de escupir ideas racistas durante toda la película acaba teniendo un cuñado negro. Y él mismo ni siquiera era tan blanco.

En el caso de Una Batalla Tras Otra, el personaje de  Sean Penn, el Coronel Lockjaw, que por cierto la actuación de Penn es sublime, es un racista que sueña con pertenecer al grupo de los "cazadores navideños", un cónclave secreto de racistas inveterados. Pero tiene un cadáver en el clóset. O mejor dicho una hija mulata en algún lado. Porque le encantan las negras. 

Es un tema muy actual ahora que hay en Estados Unidos un presidente que está en la cama con los racistas pero por otro lado hace grandes negocios personales con los árabes y le ofrece "visas doradas" a cualquiera, sin importar su color, que pague un millón de dólares por ellas. Y además dos de sus tres esposas han sido extranjeras.

Supongo que el mensaje detrás de estas películas puede resumirse como "Es el dinero estúpido": Detrás del racismo y del movimiento antiinmigrante hay intereses económicos.

Y Una Batalla Tras Otra además de ser una película divertida, entretenida y original parece haberse adelantado un poco al tiempo. Sólo lo suficiente para estrenarse en el momento justo, pues se empezó a rodar en 2024, todavía durante el gobierno de Biden, antes del regreso del azote naranja que ha hecho que el panorama de enfrentamiento y represión que vemos en la película no parezca exagerado.

Quién sabe como le irá a esta película en los oscares pero será interesante ver la ceremonia y que trato recibe esta película extraordinaria.

Quemarlo todo

Arco es una película en la que el cambio climático parece presente pero no como parte de un escenario apocalíptico en donde los personajes deben enfrentar enemigos para sobrevivir o algo así. Al contrario, en Arco, las tormentas y los macroincendios son parte de la normalidad.

Iris, una niña de diez años vive en un suburbio que aparece primero bajo una tormenta, que debe ser bastante fuerte pues al día siguiente hay coches en los árboles y robots en las calles arreglando todo lo que la tormenta destruyó a su paso. Las casas sin embargo estaban a salvo pues todas tienen unos domos transparentes que las protegen. Pero al mismo tiempo hay incendios forestales que arrasan los bosques que rodean la zona. Aunque los domos también cuidan las casas y la escuela del fuego. Sin embargo el papá de Clifford, el amigo de Iris, almacena latas de comida pues cree que este incendio ahora sí acabará con todo.

Más adelante dice Iris que es la peor época de la humanidad. Vive en el año 2075. Y no sólo tiene una opinión negativa de su época sino de su vida. Lo que vemos que no le gusta de su vida, que no tiene nada que ver con el clima, que a fin de cuentas no le afecta, son sus papás. Porque nunca le creen lo que dice y casi nunca están, al menos no en vivo.  A ella y su hermanito los cuidan presentándose como hologramas y los dos además son cuidados por un robot nana. Sus maestros también son robots.

Iris quiere un cambio y al final, en medio de un bosque achicharrado dice que ya hubo un cambio. Aunque no es una ecocida, de hecho su obsesión son los pájaros. Al ver los destrozos que dejó la tormenta a su paso dice que antes quería ser un pájaro pero que ahora que se pregunta en donde se refugiaran los pájaros de las tormentas ya no quiere ser un ave.

Está claro que Iris quiere libertad para volar pero a la vez seguridad. Un niño que llega del futuro, Arco, que conoce el lenguaje de las aves le dará la fórmula que necesita pues en el futuro de donde viene, la gente vive en casas, con sus respectivos domos protectores, que están construidas en unas estructuras elevadas, como árboles con ramas. Y tienen unas capas para volar por el tiempo. Sólo que ya nadie vive en la tierra, o sea nadie vive a nivel de piso aunque siguen en el mismo planeta, porque le están dando un reposo a la tierra.

Así que no importa que quememos todo, hasta puede ser para bien, pues así el gran reposo podría llegar antes. Fuguémonos con la imaginación, resguardémonos en nuestras burbujas, no hay nada de qué preocuparse y el escapismo es más sano que las frutas y verduras amiguitos. ¡Hasta la próxima!

Arco se estrenó en el Festival de Cannes el 2025 y estuvo nominada en los Critics Choice Awards, los Golden Gloves y competirá por el Oscar a mejor película animada. Actualmente está en cartelera en la México. También en la cineteca.

Genealogía del amor trágico

Amor Impossível ( Dir. António-Pedro Vasconcelos Guion Tiago Santos 2015)

Parece que ese título, más que el nombre de una película, es el de todo un género, el de las historias de amor sin final feliz. Un título muy extraño desde que existen los buscadores y las películas, como todo, necesitan nombres fácilmente distinguibles que no se confundan con otros cuando alguien los busca.

Pero lo de Amor Impossível parece a propósito. Desde un principio en la película se habla de Romeo y Julieta, de Cumbres Borrascosas y de una frase de Oscar Wilde acerca de que los hombres matan lo que aman.

Como si la película dijera: Sí, esta historia es otra historia de un amor imposible y de lo que se trata no es de las peculiaridades de un amor imposible en particular sino de ver lo que estos amores tienen en común.

Como si fueran la misma cosa, como si se transmitieran de una persona a otra por la sangre como un virus. O más probablemente a través de historias. Así como Madam Bovary se contagió leyendo novelas de amores apasionados y acabó buscando romances fuera de su matrimonio, la estudiante de letras Cristina quiere, como Catherine Earnshaw, la de Cumbres Borrascosas (quien aparece en una historia dentro de la historia), "ser" su amado, fundirse en un sólo ser con él. Ya desde ahí como que el obstáculo acecha por lo de que ella es ella y su novio otro y eso. Una maestra le pregunta a Cristina si cree que pueden haber amores tan apasionados sin obstáculos y Cristina responde que sí. Aunque pareciera que, por si las dudas, empieza por ponerse ese objetivo imposible.

Al final lo que se interpondrá entre ella y Tiago, su novio, no será que sus familias se opongan. Ni la imposibilidad física de fundir los cuerpos. Tampoco los separará alguna guerra o alguna diferencia escondida y traicionera entre sus almas. No, la culpa será de un playstation. La película dice estar basada en hechos reales y lo del playstation me parece lo más creíble de todo.

Resulta que Tiago se gasta el dinero que tenía para irse con Cristina a pasar un fin de semana a Lisboa en un playstation.

Se pelean y luego se reconcilian pero, para no hacerles el cuento largo, el playstation volverá no sólo a entrometerse en la relación sino a desencadenar la cadena de acontecimientos que harán de ese amor uno de esos que matan.

El playstation en complicidad con un destino heredado, la sangre que Cristina hereda de su padre, que ella está segura fue asesinado por una amante que no soportaba compartirlo con su madre.

Y las historias, como marionetistas atrás de todo, que hacen que Cristina viva como en un cuento de hadas según le dice su amiga lesbienamorada.

Puede verse la mano ensangrentada de las letras en lo que Tiago canta en su grupo de rock, contagiado por su novia a su vez infectada por Wilde.

Pero sobre todo el virus del amor trágico queda impregnado en el diario de Cristina que una mujer policía lee tratando de aclarar el crimen que era absolutamente inevitable a pesar de ser resultado de puras pinches coincidencias desafortunadas.

Madalena, esta mujer policía llegará al extremo de apuntar con su pistola a su novio, pareja policiaca y de cama, buscando seguramente más allá de pretextos, un amor de esos que nunca mueren, de esos que matan pues como ya se sabe amores que matan nunca mueren.

 

Vainilla desabrida

Un Hombre por Semana (Dir. Marco Polo Constandse y Ana de la Reguera Guion Adriana Pelusi, Itzel Lara 2026) Mónica busca "ganar" en el divorcio, su ex ya lleva varias parejas desde que se separaron así que Mónica empieza a usar una app de citas. Aunque este argumento y el nombre de la película suenan picarescos, en realidad no es tan picaresca. Y es que Mónica, azuzada por sus amigas que se reúnen a tomar té, como indica el lugarzaso común, dice que si el hombre que busca fuera un sabor sería vainilla.

Quien sabe si los creadores de la película sepan que en inglés decirle a alguien que es sabor vainilla es como decirle aburrid@, mojigat@, ñoñ@. Por ejemplo a Rachel en Friends en un capítulo le dicen vainilla y se ofende mucho.

Como ya se imaginarán frente a Mónica empiezan a desfilar hombres como en casting, con interrupciones para el té con las amigas que funcionan como tiempos fuera. El humor es efectivo, tiene buenos dialogos y Un Hombre por Semana resulta divertida. Al final después de ciertas peripecias Mónica acaba escogiendo a un contador, que quería ser contador desde chiquito y que en la primer cita se zampa una lechugota pues es un contador vegano. El tipo no tiene casi plática pero no tiene red flags y tiene un pito "bonito" así que parece un buen accesorio para la casa. Mónica se decide a buscar pareja un día que se cae en el baño y no hay quien le ayude a pararse y, mientras no salgan robots a un precio accesible que sepan abrir frascos y ayudarle a una mujer a parase si se resbala en el baño, seguirán habiendo comedias de este tipo dirigidas a mujeres que se identifican con la protagonista. Las que no quieren un príncipe azul sino contadores ya con todas las vacunas, desparasitados y bien entrenados para estar en la casa. Porque además cualquiera sirve para "ganar el divorcio".

Nomás hay que buscarle bien ahí entre el botadero de americanistas, músicos a los que les pagan con chelas, swingers, los que realmente lo que quieren es gente que le entre a su multinivel y los sugarbabys en busca de una sugarmommy. Pero no pierdan la fe amigas, rebuscándole entre las fotos de pitos debe estar un contador insípido como lechuga que combine con la decoración de sus casas.