El poeta comunista que privatizó el tiempo pero llegó al cielo

Underground (Kusturica 95) una comedia que acaba trágicamente, aunque cierra con el retorno de la comedia pero ya en el más allá, presenta como el pecado original que provoca el cambio de comedia a tragedia, a la traición. Marko es un pícaro ladrón mezcla de galán con sombrero de gángster, corbata y pistola que es como un hermano Marx de la desaparecida Yugoslavia, simpático como los hermanos Marx (y hasta con un toque de Mauricio Garcés según yo) pero comunista como otro Marx, Karl Marx.

Aunque Marko es un comunista de acción, de robar trenes para conseguir armas para el movimiento, no un comunista de teoría, aunque le da por la poesía.

Entonces todo era risa, sin importar la guerra y la ocupación nazi, hasta que Marko, de forma por demás capitalista, traiciona a sus camaradas, incluyendo a su hermano y a Blacky, su mejor amigo, poniéndolos a trabajar con engaños, en unos sótanos de los que no pueden salir y donde hasta el tiempo es manipulado por Marko.

El se queda con las utilidades, o como diría Marx, con la plusvalía del trabajo de sus explotados camaradas. Y además se casa con Natalia, que abajo en los sótanos está casada con Blacky.

¿Y qué pierden los engañados? El costo de vivir en la oscuridad no sale a relucir sino hasta después, cuando por fin vuelven a ver el sol y el hermano de Marko se ahorca y Blacky pierde a su hijo, mientras que los engañadores Marko y Natalia arden en el fuego.

Creo que la historia de Yugoslavia realmente es sólo el contexto histórico del drama en esta película en vez de que el drama sea una metáfora de la historia de Yugoslavia como se ha dicho. Aunque el final, con el banquete en un pedazo de tierra a la orilla del río que se separa y se va flotando como isla, puede leerse como un mensaje de resignación ante un país que se ha dividido. Y además la traición de Marko es a sus camaradas en la lucha contra los nazis. Pero la bajeza del bigotudo poeta también es contra uno de los bandos en la guerra civil. Esa es la última que comete y que le cuesta la vida. Es decir, aquí el mal es la traición en general, a los camaradas que incluyen al hermano y también a la esposa pues Blacky deja a la suya por Natalia, que ni lo quiere, y en el final feliz regresa con la esposa y Natalia ya ni le importa. El comunismo también es sólo parte del contexto.

Es una moraleja sencilla pero en una gran película, una gran producción en todos sentidos, considerada, con toda justicia, un clásico.  

El bosque de las muñecas

Dolly, de Rod Blackhurst 2025, es una película independiente, e independiente de bajo presupuesto, que sin embargo consiguió buena distribución y salir en cines.

Al igual que en las anteriores dos películas de terror de las que escribí (The Hole in the Ground  y Undertone) en Dolly sale a relucir el tema de la madre. En este caso se trata de una mujer, Dolly, obsesionada con tener bebés. Y pobre de quien no quiera jugar al bebé con ella porque la cosa se pone gore.

Es un caso de querer ser mamá pero sin interesarse por los hijos. Como querer jugar a las muñecas y darles de comer, ponerles su chupón y cambiarles su pañal. Pero también querer romperlas y arrancarles las partes. ¿Habrá mamás así? Seguro que sí como también gente como otro personaje de la película, la mujer que quiere un anillo de compromiso. Pero sólo el anillo, aunque estaba dispuesta a casarse con tal de tener uno.

Dolly por cierto vive en un bosque que ha decorado con muñecas. Lo que recuerda la isla de las muñecas, una pequeña isla en las afueras de la ciudad de México habitada por un tipo que se ha dedicado a llenarla de muñecas para que lo protejan de los espíritus. De lo más creepy.  Tim Burton grabó ahí el último video de Lady Gaga y yo me pregunto si Dolly se habrá inspirado en la isla de las muñecas.

Definitivamente de las tres películas de terror que vi Dolly es la mejor. Y si alguien se pregunta que fue de Sean William Scott por acá anda en esta película que me gustó mucho. 

  

Archivos digitales y terror

Undertone, la nueva entrega de terror de A24 explora posibilidades del miedo al abrir archivos, en este caso de audio. Y mezcla esto con un demonio, o mejor dicho una demonia, que aunque tiene un nombre distinto, se parece mucho a Lilith, el antiquísimo demonio femenino que aparece por primera vez en la antigüa mesopotamia y que se dedicaba, o dedica, a matar recién nacidos. Los niños en ese entonces no morían por la llamada muerte de cuna, se los llevaba Lilith. 

Y de algún modo extraño, Lilith ahora es famosa como personaje de la historia bíblica, por ser supuestamente una mujer anterior a Eva. Se que suena extraño y no me sé los detalles. El caso es que parece que Lilith después de meterse quien sabe como en el cuento bíblico de la humanidad ahora viaja en archivos de audio. O al menos la demonia que nos presenta Undertone debe ser familiar de Lilith pues se parece mucho.

Undertone se agarra de este monstruo femenino para explotar, además del temor a abrir archivos malditos y a la muerte, la culpabilidad relacionada al aborto y ya encarrerada también retoma un tema del exorcista, igual que la anterior película de la que escribí, The Hole in the Ground, sólo que en este caso se trata de culpabilidad por la muerte de la madre, todo con un trasfondo muy católico como podrán comprobar quienes vean Undertone.

Un tema muy interesante que también se explora en esta película es la teoría de que en las más famosas canciones tradicionales infantiles se esconden terribles mensajes a los niños.

Creo que esta película, como nos tiene acostumbrados A24 tiene buen nivel de realización pero en este caso es demasiado pastiche, una ensalada de diferentes temas ya muy conocidos. Y eso de sentir culpa por no rezar aves marías no va conmigo. Así que le pongo tache.

Monstruos en el espejo

Antes de volverse famoso con Evil Dead Rise, Lee Cronin debutó con The Hole in the Ground,  hecha en su natal Irlanda y basada en un mito del folklore irlandés, los changelings. Pero para no hacer el spoiler no explicaré que son los changelings. Es una buena película, que es como una historia de posesión, pero no es posesión, sólo parece. En el centro está la relación entre un niño y su mamá que recuerda un poco al exorcista, con muchas diferencias pero hay una escena en donde el niño, que se llama Chris, si se pone como Regan, la niña del exorcista. El análisis de esta película sale casi sobrando de tan obvio: La mamá de Chris ve el rostro de quien le ha cambiado a su hijo. Eso y el tema de los espejos deja todo muy claro.

A ver como le va a Cronin con su tercer entrega, su versión de la momia "Lee Cronin´s The Mummy" o  como le pusieron acá La Posesión de la Momia

Escape de Neza

Nadie es inocente (Sarah Minter 1987) es considerado por algunos un documental o un drama documental y eso me parece un halago pues aunque tiene algunas tomas no montadas es obvio que casi todo está dramatizado y hay una historia, aunque minúscula. Eso sí, no hay actores en Nadie es inocente, todo mundo se interpreta a si mismo, algo que no era nuevo pero definitivamente no estaba de moda en los 80s.

Entonces la película nos sumerge en el mundo y la vida de los Mierdas Punk, una banda de chavos banda, valga la redundancia, pues en la ciudad de México a los chavos que empezaron a agruparse en bandas juveniles en los ochentas se les llamó chavos banda. La banda más famosa fue la de los Sex Panchitos. Y no es casualidad que las bandas tengan sex y punk en sus nombres pues como vemos en esta película, que no dura ni una hora por lo que si no me equivoco es un mediometraje, la ideología y religión de estas bandas es el punk. Kara, el protagonista, dice en una escena que deben ser más anarquistas y verse más fachas. Verse y ser más punks pues.

El punk encontró entonces terreno fértil en Ciudad Nezahualcóyotl, una gigantesca urbanización (Creo que es considerada la tercer ciudad con más población hispanohablante del mundo) pegada a la ciudad de México que se formó con migrantes pobres que llegaron del campo.

Entonces los Mierdas Punk conocen a los Sex Pistols, a los Exploited, y parece que hasta a Public Image Limited, y se ponen camisetas con la bandera británica y también usan jerga española, Kara dice encanar para explicar que la policía los mete a la cárcel.

Pero me queda claro que si a cualquiera de los ídolos punks de los mierdas los llevan a donde viven ellos, se mueren. Las escenas más crudas de la película son en los basureros por la zona del bordo de Xochiaca. A donde va a parar buena parte de la basura de la ciudad de México y su área conurbada, extensiones sin fin de basura. Y ahí vemos a los mierdas buscando ropa para verse más fachas. Uno encuentra un saco y dice "Miren, como el Johnny Rotten".

Sin duda, aún sin ser un documental propiamente, esta película tiene un gran valor como documento de una contracultura . Así sea una ficción. Y creo que sobre todo por capturar el habla, el lenguaje de los mierdas. Mucha gente habla como ellos y no es un lenguaje que suela aparecer en el cine.

Los mierdas aparecen como chavos muy reflexivos, tranquilos, simpáticos y confundidos. No van a ninguna parte. No hay futuro, esa también se la saben. Kara sin embargo quiere escapar y un día se va a la estación de tren a comprar un boleto que lo aleje de su vida.

El piensa constantemente en la muerte, lo que me recuerda que según Don Juan, el mítico brujo mexicano de los libros de Carlos Castaneda hay que tener presente a la muerte todo el tiempo. Pero también pienso que Kara parece que podría ser en el futuro un seguidor de la Santa Muerte. Un culto que en los ochentas ha de haber sido muy pequeño y poco conocido aún.

Kara huye de la muerte, de la confusión y la droga que lo confunde aún más, el cemento en su caso. También de la rutina y del hostigamiento de la tira, la policía.

Al final llega a uno de esos pueblos mexicanos que parecen habitados por puras viejas fantasmales. ¿Logrará Kara escapar del no futuro? Apenas llegando se ve qué es lo que Kara tiene en contra pues llega preguntando si ahí hay chavos banda y en donde podría comprar droga. Pero bueno, al menos ahí no hay policía según le dicen.

La respuesta seguramente está en la secuela de esta película ,"Nadie es inocente 20 años después", también dirigida por Sarah Minter. 

Acá el trailer: https://mubi.com/en/films/nadie-es-inocente/trailer

Escape al planeta artesanal, sin género y customizable

El Dr. Ryland Grace es un personaje exactamente igual a todos los personajes actuales, un tipo como Cristobal Colón al que todo mundo le dice que está loco, que lleva la contraria pero que triunfa. Aunque en este caso triunfa no porque tuviera razón. Todo empieza porque la persona encargada de salvar al mundo del cambio climático, un cambio climático diferente pero cambio climático al fin y al cabo, está buscando alguien como él. Lo que es raro, considerando que todo mundo desde mi prima hasta Elon Musk se consideran individualistas incomprendidos que rompen las reglas. Aunque claro, así todos se identifican con el personaje. Todos somos el Dr. Grace y esperamos ser descubiertos.

Entonces el mundo se va a acabar. Y eso es malo porque afectaría la economía. Se supone que el sol y todas las estrellas cercanas menos una, están muriendo. Y con ellas la tierra claro. Pero al explicar lo anterior no pueden dejar de mencionar que eso sería malo para la economía. También dicen cuantos millones de personas morirían, lo que es muy optimista, se muere el sol pero ¡habría sobrevivientes! ¿Aunque para que querrían vivir en un mundo donde los valores de las bolsas y el bitcoin y todo habrían colapsado? 

En realidad un tipo como Grace, que considera indigno andar en bicicleta porque no le alcanza para un coche es un problema, no una solución, para los problemas planetarios. Y ver el tema como un asunto económico o pensar que sólo morirán los pobres que no tengan para el clima artificial tampoco.

Pero esto es ficción y americana así que todo se soluciona poniendo científicos en un portaaviones. ¡Y pum! en un santiamén descubren que los astrófagos, los seres microscópicos que están infectando al sol son una fuente potentísima de energía, no una fuente de energía limpia sólo potentísima. ¡Es el nuevo petroleo!  Ya con eso sólo se necesita agarrar a alguien que se lance a la única estrella que no muere a causa de los astrófagos y que averigüe como le hace. El Dr. Ryland no quiere ir pero es un soltero desechable así que lo mandan aunque no quiera. 

La cosa es que la nave, impulsada por la energía de los astrófagos podrá llegar a Tau Ceti, la estrella inmune a esta infección espacial de astrófagos, pero no podrá regresar. Así que para los tripulantes es un viaje a la muerte.

Por suerte para el Dr. Grace, en su caso es como un viaje al cielo pues acaba conociendo a un extraterrestre, "Rocky", que es fiel como un perro. Tiene una pareja este extraterrestre, que Grace asume puede tener nombre de hombre, osea que en el planeta de Rocky la reproducción no es sexual o sí es pero Rocky y su pareja son gays. O Rocky es hembra pero... el tema nunca se toca, ni porque el Doc y Rocky ven juntos películas de Rocky, el boxeador.

Y en el planeta de Rocky son buenísimos haciendo cosas con las manos sin necesidad de herramientas, hasta su nave espacial parece artesanal, seguro toman puro mezcal del artesanal, artesanal del hard core artesanal y consumen puro huevo de libre pastoreo. Además en el cielo tienen una cúpula y pueden pedir el clima que quieran.  Obvio que el Dr. Grace ya no regresa a la tierra que está llena de humanos. De por si, en la tierra estaba sólo como dedo y cuando decide no regresar se entiende porque, no le gusta la humanidad.Ya encontró el planeta de los muñequitos. Cada quien su paraíso.

 

Negación

En una ciudad americana, los niños y niñas estaban siendo violados. Había decenas, quizá cientos de violadores, incontables víctimas. Muchos sabían algo, algunos sabían que no eran casos aislados, que las violaciones de niños por parte de curas católicos era un problema generalizado y fuera de control.  A los curas pederastas los cuidaba la iglesia y el obispo de Boston. Pero nadie hacía nada por los niños.

¿Porqué?

Spotlight, la película de 2015 que recrea la investigación del Boston Globe que reveló el caso tiene una respuesta: Porque se necesitaba que llegara alguien de fuera para hacer algo. Y no alguien como el abogado armenio que estaba representando a algunas víctimas, pues no era poderoso. Sino alguien con poder como el nuevo director del Globe que era judío y que ni siquiera conocía Boston. Porque la comunidad católica de Boston, la ciudad tradicionalmente más católica de Estados Unidos, por su población de origen irlandés, estaba en negación.

El Globe ya había publicado notas sobre el tema pero nunca había pensado siquiera en hacer una investigación a fondo del asunto.

El colmo es que cuando los periodistas se dan cuenta que un abogado ha ayudado a encubrir pederastas y lo amenazan para que les de nombres, este abogado les contesta que hacía años les había mandado una lista de nombres pero que ellos no hicieron nada. Y Robby, el jefe del equipo encargado ahora de la investigación se da cuenta que él había recibido la lista pero lo había olvidado. No le había dado ninguna importancia.

Spotlight es una película que en su momento no sólo refrescó la memoria acerca del tema del tema de la pederastía, y su encubrimiento, por parte de la iglesia católica, sino que escudriña el extraño fenómeno sicológico de la negación, y la negación colectiva. Y todo envuelto en un gran drama con un excelente guión y actuaciones que meten al espectador dentro de un equipo de periodistas resolviendo un caso histórico.  

La bella y la bestia de la laguna negra

Creo que en realidad La Forma del Agua no hace más que contar un cuento del tipo la bella y la bestia usando como bestia a un viejo monstruo muy conocido, el monstruo de la laguna negra. Nada nuevo pues. Otra fábula ñoña para antes de dormir de Del Toro. Envuelta en exquisita nostalgia y música de la bisabuela de los viejitos.

Claro que la película tiene obvios mensajes antiracistas, anticlasistas, antimilitaristas, antimachistas y a favor de la otredad y yo estoy de acuerdo con todo eso, sólo que no creo que los mensajes así de explícitos sirvan. Como por ejemplo en este caso en donde el racista, machista, clasista, militar e insensible es interpretado por Michael Shannon, que es un actorazo, es el mejor de la película y a muchos nos cae bien. Entonces la cosa puede ser contraproducente sobre todo si además le agregamos que el malvado Coronel Strickland, el personaje de Shannon, es un hombre de familia, imperfecto claro, no deja que su esposa hable o haga ruidos al coger y en cambio quiere hacer gemir a la empleada de limpieza. Pero es un padre y esposo al fin y al cabo y según la gente las personas con familia son buenas y los solteros no tanto. Por eso todos los políticos siempre sacan fotos y videos con su familia. Y aquí los buenos, Sally, El ilustrador Giles y hasta el espía Bob/Dimitri están completamente solos. Sally y Giles se tienen el uno al otro ¿pero qué son? ¡Vecinos! amigos nada más. A ver, si se supone que están tan solos en el mundo, se llevan tan bien y sólo se tienen el uno al otro ¿porqué no cogen? ¿Qué los buenos no pueden coger, sólo masturbarse en la tina? 

Es que están esperando a la persona correcta claro, un Dios del Amazonas nada menos, que llega como si el tipo ideal con quien ella fantaseaba se le materializara. Un monstruo-Dios, castrado como muñequito o manequí, pero que puede coger y llega a vivir a su tina. Y al final el agua que envuelve a Sally pasa de ser el agua del baño al agua del mar. Resulta entonces muy apropiado que la historia termine con un poema sobre el amor que se disuelve en todo. Para lo cual deja de tener un cuerpo, una forma, pasa a ser como el agua.  Amor platónico sin cuerpo sin sexo ñoño. Que lindo todo pero así los regaños no funcionan y los villanos acaban siendo atractivos. Como la bestia del cuento.

Nomadland y la trascendencia en Chloé Zhao

Nomadland (Chloé Zhao 2020) entrelaza el tema del pequeño pueblo que se va a pique, generalmente en la ficción se trata de pueblos que dependían de un sólo negocio y cuando el negocio cierra el pueblo se va con el. Es un tema del que escribí en Cars, y es el origen de la historia en Nomadland, en donde el pueblo de Empire, Nevada, era un pueblo minero y cuando la mina cierra el pueblo también. Así que la protagonista de la película Fern, pierde su trabajo, también pierde su comunidad y su patrimonio porque tenía una casa pero una casa en un pueblo fantasma no vale gran cosa. Además el marido de Fern muere.

Vi que algunas reseñas de la película dicen que esta se trata de la gran crisis económica de 2007 y sus secuelas pero en realidad sólo hay un personaje, una de las viejas nómadas amigas de Fern, que son nómadas de verdad  interpretándose a si mismas, que dice que en 2008 no conseguía trabajo y tocó fondo. Y ya, eso es todo lo que se dice específicamente de esa crisis económica. Pero lo de la desindustrialización y los pueblos en crisis es un viejo tema.

Entonces Fern se va a vivir a su van y se vuelve nómada forzada por las circunstancias pero ella acaba adaptándose a ese estilo de vida, tanto así que rechaza las invitaciones de su hermana y de su amigo Dave de mudarse con ellos.

Y así entra otro tema arquetípico de la mitología americana, el viaje en carretera como experiencia mística, como camino iniciático y este tema en la película está muy entrelazado con el tema de la tierra y la naturaleza como algo religioso. Inclusive hay un rito en honor de una nómada que muere, Swankie, sus amig@s echan piedras en una fogata pues ella era amante de las piedras. Y al final cuando Fern regresa a su casa vacía y sale por la puerta de atrás que da a una enorme extensión de desierto interrumpido hasta el fondo por una cadena de montañas, el simbolismo es muy claro, la carretera y la naturaleza la han sanado.

Y encontró a su tribu, los nómadas unidos por la creencia de que se volverán a ver en algún momento en el camino. Y en este punto el estilo de vida se vuelve una idea trascendente que supone que después de la muerte volverán a encontrarse en algún camino.

Es de llamar la atención que Chloé Zhao también maneja el tema de la trascendencia después de la vida en Hamnet aunque ahí esta se da a través del arte. 

 

¿Y yo qué culpa tengo?

Juana, ópera prima como realizador de Daniel Giménez Cacho es en el fondo una historia policiaca. Esta afirmación podría sorprender a algunos de los que vean la película. Y con razón, es como decir que una gran olla con sopa tiene pescado y uno le busca y rebusca y no encuentra ningún pescado. Pero ahí está. Lo que pasa es que la trama policiaca es de lo más simple. Básicamente se trata de que una periodista descubre a un feminicida pero para demostrarlo necesita las pruebas que tiene una persona y se las pide, esta persona dice que no pero sí las entrega. Y ya. A esta anécdota mínima se le agregan una narrativa fragmentada, no lineal, ya saben, para que parezca una película sofisticada, el famoso exceso de producto lácteo a las crepas de nixtamal, o crema a los tacos. También se le agregan muchos personajes secundarios y actuaciones intensísimas, algo común cuando los actores dirigen. Y para espesar el caldo todavía más una historia de abuso sexual en el pasado de la protagonista. Lo de moda pues. 

Y claro, no podía faltar, en la presentación a la prensa de la película se repitió de diversos modos que esta es para que reflexionemos sobre el patriarcado. 

Y a alguien se le salió preguntar con un tono como irónico ¿Qué tal (la película) que se acaban de desayunar? La verdad es que no me gustó y noté que nadie aplaudió cuando acabó. Según mi experiencia en las presentaciones de prensa cuando una película gusta hay aplausos. De hecho me pareció que el ambiente estaba un poco tenso y hasta me dio la sensación que Giménez Cacho sabe en el fondo que la película es mala. Dijo "Yo no estoy diciendo que vaya a ser un trancazo (de taquilla)" Pus no, seguro que no, pero que tal el trancazo a los espectadores. Decir que una película es para reflexionar, hacer conciencia o hablar de cosas de las que "generalmente no se habla" aunque en realidad se habla todo, pero todo, el tiempo de ellas sobre todo en el cine, la literatura, el teatro y en general la ficción, es como decir que hay que verlas porque necesitamos ser regañados. 

Y yo que ni he matado a nadie. Y si me argumentan que es para reflexionar sobre el patriarcado o el machismo yo les diría que es otra película sobre feminicidios y abuso infantil que no aporta nada nuevo. De hecho lo que sí hay es un mensaje que minimiza el abuso: Se supone que la mamá de Juana sabía que el marido abusaba de la hija y nunca hizo nada. ¿Y cómo se soluciona el tema? La mamá y la hija se ponen un menjurje para la piel juntas y santo remedio.  Mejor repartan de ese menjurje mágico y dejen las historias policiacas en paz que no se les ve talento para eso, esa última escena en donde Juana recibe una amenaza de muerte y lo que hace es sentarse a esperar no la hace ver fuerte y empoderada sino tonta. Bájense de su nube empoderada y ya no nos regañen por favor.

Ah... y la fotografía es terrible, el sonido equis, no le invirtieron en musiquita o algo propositivo en cuanto a sonido

El laberinto de la orfandad

El diablo fuma y guarda las cabezas de los cerillos quemadas en la misma caja (edfyglcdlcqelmc pa los cuates) es el extraordinario debut en largometraje de Ernesto Martínez Bucio. Este director egresado del CCC nos cuenta la historia de una invocación. Una invocación muy mexicana pero no a la virgen ni a la santa muerte o a san juditas. Al diablo.

Y no es que los creadores de edfyglcdlcqelmc se hayan propuesto contar la historia de una invocación diabólica, de hecho el director cuenta que el tema del diablo se metió a la historia hasta después de que el título de la película se les apareció a él y a la coguionista Karen Plata en un poema.

El diablo entonces se fue metiendo orgánicamente en el guión, pero es lo que le acaba dando sentido. Los cinco niños y la abuela que protagonizan la historia quedan como huérfanos cuando la mamá primero y el papá después se van y quedan solos en la casa-laberinto rodeada de vecinos hostiles ¿Quién los va a proteger?

La historia sucede en la Ciudad de México durante una visita del papa juan pablo 2 en el sexenio de Salinas. Y los huérfanos atinadamente se dan cuenta que de ahí no hay que agarrarse, la abuela dice que cuando reza se le aparece el diablo y los niños ven a los vecinos gritándole loas al papa con caras que reflejan el patetismo que semejante escena debe provocar.

En cambio la familia confunde los pasos de la madre que llega subrepticiamente a dejarles regalos con los pasos del patas de cabra ¿A quién rezarle entonces con una vela en la tapa del baño?

EDFYGL.... es una película destacada en todos los departamentos, guión, dirección, actuaciones etc. que lleva al espectador al mundo de la infancia y sutilmente a través del velo de lo que percibimos normalmente. Y como no darle la razón, si los buenos y devotos son como son, es mejor invocar al diablo. 

Un niño de ninguna parte

Amrum (Fatih Akin 2025) a la que aquí le pusieron el horrible nombre genérico "Expulsados del Paraíso", es una isla alemana en el Mar del Norte y la película cuenta la historia de un niño, Nanning, que llega con su familia, menos el papá que anda en la segunda guerra mundial, a Amrum, huyendo de los bombardeos aliados. Es una historia que se siente muy real, no sólo por basarse en recuerdos de Hark Bohm, un actor/escritor/director de cine alemán, cercano colaborador de Rainer Werner Fassbinder, sino porque no se siente manipuladora sino que logra conmover como si no se lo hubiera propuesto. En el fondo el tema de la película es el desarraigo. Nanning quiere ser de Amrum y aunque su familia había vivido por generaciones ahí, él vivía en Hamburgo, y para sus compañeros de la escuela es tan extraño como los demás refugiados que llegan sin ninguna relación con la isla. Un tema sencillo pero contado con una maestría narrativa que hace una gran película.

Aunque el trasfondo de la historia es el fin de la segunda guerra mundial, la película se centra en pequeñas historias cotidianas de sobrevivencia pero contadas de forma que los esfuerzos por conseguir un pan se sienten más trascendentes que la muerte de Hitler. Y en las historias de la familia de Nanning.

Al final Nanning debe dejar la isla, pero esta se irá con él pues sus habitantes, de estirpe ballenera, siempre se van de ahí. No es un lugar para quedarse sino para llevar.

Expulsados del Paraíso se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca

Nouvelle vague habanera

Nunca creí ver juntos en la misma pantalla los nombres de George Lucas y la Filmoteca de la UNAM pero, como la fundación de George Lucas y la filmoteca de la UNAM participaron en la restauración de Memorias del Subdesarrollo, el clásico de Tomás Gutiérrez Alea del 68, ambos nombres comparten espacio en los créditos iniciales de la versión restaurada de este filme cubano.

Una segunda sorpresa es que esperaba una película apoyando de modo panfletario a la revolución cubana o que por lo menos no criticara a la revolución o a Cuba. Pero en la película hay muchas críticas a Cuba y hasta se mete con las mujeres cubanas. El protagonista Sergio Carmona Mendoyo no deja de decir que Cuba es una isla subdesarrollada y le endilga el mismo calificativo a las cubanas. De los cubanos en general dice, entre otras cosas, que siempre necesitan de alguien que piense por ellos, que no se pueden desarrollar como país pues no pueden pensar en nada que vaya más allá del momento y cosas por el estilo. Un amigo de Sergio que se va a Miami le dice como piensa que se va a poner la situación en la isla y parece que vio el futuro.

Memorias del Subdesarrollo es una película formalmente innovadora en la que se nota claramente la influencia de la nouvelle vague francesa. La historia puede decirse que es intimista centrada en reflexiones sobre su vida del burgués decadente Sergio. Sí, era un burgués en Cuba, que vivía de rentar unas propiedades que tenía, y esto ya después de la revolución. La historia, aunque con muchos flashbacks, transcurre entre 1961 y hasta la crisis de los misiles del 63.

Al principio Sergio observa La Habana desde las alturas de su departamento y dice que todo sigue igual.

Que por cierto un cambio del que se habla y se ve es que en las películas cubanas ya se podían ver desnudos, que estaban prohibidos antes de la revolución.

Y al final, durante la crisis del 63, cuando se temía una invasión americana, Sergio otra vez observa La Habana desde su balcón pero las cosas ya no son como siempre, la ciudad se preparaba para la guerra.

Se puede leer como que la revolución no cambió tanto las cosas como la cuestión nuclear, la amenaza de Estados Unidos a raíz del plan soviético de poner armas nucleares en la isla. Supongo que eso ha de haber radicalizado al régimen de Castro, porque vemos que antes de la crisis de los misiles seguía habiendo propiedad privada en Cuba y la gente se iba a Miami en avión, creo que hasta se ve que llegan vuelos de Panam.

La historia sí tiene cosas que son prorevolución, Sergio aunque es un burgués detesta a los de su clase y le da gusto que se vayan a Miami. Aunque tampoco es un revolucionario. Es más bien como un intelectual diletante existencialista. Y se critica al capitalismo en la película pero por otro lado justo después de un discurso de Castro diciendo que no les dan miedo las armas nucleares y que esas no les harán perder la dignidad, Sergio dice que esa dignidad sale o puede salir carísima.

También Sergio dice que La Habana es considerada el París del caribe pero que a él más bien le parece la Tegucigalpa del caribe y sin embargo Memorias del Subdesarrollo tiene una fuerte impronta francesa. Es una película con una libertad que no sospechaba que presenta un personaje que es como un flaneur habanero cuestionando el sentido de la vida hasta que siente el miedo de que le caiga una bomba encima.

Memorias del Subdesarrollo se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca. 

 

  

Escape del consultorio dental

La Chica de Colonia ó Colonia 75 (Köln 75) de Ido Fluk, es una muy entretenida historia basada en un caso de la vida real que le sucedió a la alemana Vera Brandes, quien a los dieciocho años de edad ya se dedicaba a organizar conciertos y era considerada una "loba del jazz". Pero no es sólo una película para amantes del jazz, de hecho la banda sonora tiene otras cosas como el krautrock de grupos como CAN y NEU! que surgieron en Alemania en los 70's en la época en que se desarrolla la historia.

El padre de Vera, el Dr. Brandes, era dentista y era terrible, un tirano determinado a obligar a su hija a ser dentista como él.

¿Podrá Keith Jarrett, un pianista que formó parte del grupo de Miles Davis, salvar a Vera? 

¿Y además improvisando?

La Chica de Colonia divierte al mismo tiempo que revela cosas sorprendentes detrás del free jazz, de un personaje muy especial, Keith Jarrett, y de un mundo que valoraba la improvisación y no sólo en el jazz. Cuenta la leyenda que el cantante de CAN, Damo Suzuki, fue reclutado por el grupo cuando estaba borracho tirado en la calle. Y el grupo se formó en Colonia. Además según nos cuentan en esta película escogieron su nombre por una cosa del azar. Igual que la entrada de Vera al negocio de la música, una cosa de lo más random.

Aquí la improvisación y lo aleatorio no sólo se enfrentan al Dr. Brandes, paradójicamente resulta que Jarrett para poder improvisar requiere de un orden absoluto. Es como el orden y la entropía del universo confabulados, la exquisitez y el espíritu del punk hermanados, el sueño y la vigilia intercambiados, el dolor y la belleza confundidos, mientras el amor se enfrenta al sexo casual y las fresadoras a los pianos de cola.

La Chica de Colonia se presenta en la 79 Muestra Internacional de Cine de la cineteca.       

La democracia y los videos de gatitos

Caso 137 (Dominik Moll 2025) es una fría, lógica, casi diría que burocrática descripción de un caso de abuso policiaco. Que es interesante aunque no creo que pueda llegar a ser la película favorita de nadie. Aunque quien sabe, hay hasta a quienes les apasionan las matemáticas. De lo que no tengo duda es que esta película se puede calificar como kafkiana. Kafka tiene relatos así: Totalmente fríos, lógicos y uno de sus temas favoritos era la burocracia. De hecho el título mismo de la película es burocrático, más aún el original francés "Dossier 137" que realmente quiere decir algo así como archivo o expediente 137.

Entonces Stephany trabaja en asuntos internos de la policía francesa y le toca investigar el caso de Guillaume Girard, un tipo de 20 años al que la policía le reventó la cabeza con un arma que dispara unas como pelotas muy duras. Esto me sorprendió, no imaginé que la policía de un país civilizado usara semejantes armas para controlar multitudes. Guillaume no murió pero le fracturaron el cráneo y quedó con graves secuelas. Y la historia está basada en un caso de la vida real sucedido durante las protestas de los chalecos amarillos en Paris en diciembre de 2018.

Fría y objetivamente Caso 137 presenta los puntos de vista de policías y manifestantes así como de los familiares y amigos de Guillaume. Aunque de él no tanto porque quedó mucho tiempo sin poder hablar.

Y lo que vemos gracias a la fría y lógica objetividad es que la racionalidad fría nomás no alcanza. Para empezar Stephany nunca habría encontrado el video en donde se ve a los polis vestidos de civil que le dispararon a Guillaume sino fuera porque se apasionó por el caso. Esto porque resultó que Guillaume era de su mismo pueblo y la mamá de él había cuidado de la suya alguna vez que estuvo enferma.

Pero Stephany no le avisó a su jefa de esta relación entre ella y la víctima lo que fue contra las reglas.

O sea que a Stephany, policía de policías, le pasó lo mismo que a muchos de los policías de a pie que investigaba: Le ganó la pasión.

Y de todos modos no sirvió de nada pues a los policías que le dispararon a Guillaume no les pudieron presentar cargos porque fueron dos quienes dispararon y no se supo cual exactamente le atinó a la cabeza de Guillaume así que no se les pudo acusar.

Caso 137 presenta a las leyes algo inútil por partida doble. No sirve para castigar a los policías que rompen la ley pero tampoco para controlar a los que están en el otro bando, contra los policías, pues durante las manifestaciones tuvieron que desplegar policías de civil "para salvar la república". ¿Y para que servirá que vayan de civiles si no es para que no se les pueda identificar si rompen alguna ley? No parece que sea para poder pasar desapercibidos pues con las armas y equipo que cargan es obvio que son polis.

En una escena de la película Stephany está visitando a sus padres y su mamá se pone a ver videos de gatitos. El papá le dice que ve demasiados videos de gatitos, que se distrae mucho y no piensa en cosas importantes y que la democracia va a morir si la gente sigue distraída con gatos.

Al final Stephany, que ya ha sido separada del caso de Guillaume se pone a ver videos de gatitos y su hijo se ve que la juzga severamente por eso. Como si esperara que en vez de ponerse a ver gatos su mamá se pusiera a pensar en los cambios necesarios a la ley para que ahora si funcione. O alguna otra locura semejante.

Caso 137 se presenta en la 79 Muestra Internacional de la Cineteca.

El therian no tiene la culpa sino el que lo hace compadre

Tus Dos Muertos (Daniel Castro Zimbrón 2025) es un noir chilango con todo y detective que bebe Johnnie Walker a pico de botella y oye jazz. Pero no por eso el judicial Zuzunaga (Gerardo Trejoluna) deja de ser un poli muy mexicano que se dedica en realidad a cobrar cuotas y llevarle su parte a su superior. Aunque tiene su lado detectivesco la película se centra más bien en la atmósfera. De jazz en noche lluviosa pero corriéndose hacia el horror. Y en el personaje del judicial capitalino Cipriano Zuzunaga que lo ha perdido todo y quiere recuperarlo, aunque ya más que decadente el excomandante parece haber entrado en proceso de putrefacción. Igual que el mundo a su alrededor con todo y videoclub que se niega a morir, tiendas de conveniencia cuyo café es para escupir, criminales - monstruo y por adentro de Zuzunaga las culpas, los miedos y las alucinaciones. Aunque el therian de la historia no es una alucinación, es de esos therians a la antigua a los que insensiblemente les decían loquitos. Y no es un therian faldero buenaondita, es un perro sicópata del infierno. Y conste que esta película, y no se diga la novela de Jorge Alberto Gudiño Hernández en que se basa, son de antes que se pusiera de modo el tema de los que se identifican como animales.  

¿Cuál es el problema de Zuzunaga y del Fresno, el barrio que es su territorio? Lo que nos dice la trama de Tus Dos Muertos es que el problema central es que hay padres pero no paternidad. El excomandante dice que a su papá lo que más le gustaba era madreárselo, ahora el padre es un anciano apenas con fuerza para abrir los ojos pero en las pesadillas de Cipriano Zuzunaga aún así le sigue partiendo su madre. El por su parte fue un padre ausente. El padre del chavo del barrio que fue secuestrado es un político, es decir un hijo de puta, que ni siquiera le dio su apellido. Ni le comparte de su fortuna, si no su vástago no viviría en Fresno. Engendrar cualquiera puede, hasta el therian. Y que decir de la misoginia; junto al hijo del diputado se llevaron también a su novia, pero el secuestro de ella ni siquiera lo denuncian. La redención de Zuzunaga sólo puede llegar de que le salga un lado protector.

Un punto interesante es como funciona el barrio: todos se reúnen en la iglesia, pero es una parroquia mafiosa, un tema que se ha visto en otras películas, como Sleepers.

Tus Dos Muertos es una interesante adaptación del cine negro a la realidad mexicana e inaugura la 79 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional.

La singularidad - Dios y sus sucias tretas

Buena Suerte, Diviértete, No Mueras, es una historia que mezcla elementos de Terminator, con The Matrix. En esta película el John Connor que viene del futuro a tratar de evitar que un ente tecnológico tome el control no tiene nombre y parece el típico vagabundo orate. Nomás no se lo lleva la policía porque siempre llega del futuro al mismo dinner de Los Angeles y le puede decir cosas a la gente que se supone que no podría saber y entonces lo de que viene del futuro ya no suena tan desquiciado.

Pero eso de que lleva 117 intentos de juntar gente en esa cafetería que le ayuden a salvar el mundo es una debilidad de la historia, al menos si la comparamos con la Terminator original del 84 en la que el drama está en que en una noche se va a decidir el futuro de la humanidad. Era la única oportunidad. Y para hacer las secuelas tuvieron que cambiar esa premisa básica.

Aquí en cambio el héroe sin nombre trae un botón que con sólo apretarlo regresará sano y salvo al futuro. Total si ya falló 117 veces que más da fallar de nuevo.

Y esta es una película divertida y original sin duda, a pesar de su relación Terminator / The Matrix. Pero no creo que llegue a ser un clásico porque en vez de presentar un drama presenta un juego.

Y paradójicamente es una historia digamos gameificada que critica precisamente la gameificación de la vida.

Entre los personajes que se unen al tipo que viene del futuro hay una pareja, maestros de un high school cuyos alumnos viven conectados a sus celulares sin hacer el mínimo caso a sus maestros, que viven aterrorizados por los adolescentes. Quienes se ponen a cazar profes guiados por sus teléfonos como si los docentes fueran pokemones.

Otro miembro del equipo es una señora cuyo hijo fue asesinado en una típica masacre escolar. Pero ya estas masacres están normalizadas y a la señora le ofrecen clonar a su hijo. Aunque sólo se puede clonar el cuerpo las demás características del clon hay que escogerlas como si fueran las características de un avatar de videojuego.

La madre del vagabundo que viene del futuro es una chava alérgica a la tecnología, que se enamora a primera vista de un wey porque este no tiene celular (Sí, exactamente como le habría pasado a la cantante Grimes si me hubiera conocido en persona, yo la habría salvado de Elon Musk, pero esa es otra historia, regresemos al análisis cinematográfico). La pareja es muy feliz hasta que al wey le regalan un equipo de realidad virtual y se pierde como si esta fuera fentanilo. Al día siguiente le anuncia a su novia que va a transicionar, no de sexo sino de realidad, y se va a vivir a unas cápsulas donde vivirá conectado para siempre. Digamos que tomará la píldora azul.

El enemigo en esta ocasión no es skynet sino una singularidad - Dios, un tema del que escribí en el análisis de Bugonia. Pero BSDNM (Buena Suerte, Diviértete, No Mueras) no se lo toma en serio sino como un juego, lo que hace sospechar que BSDNM es un truco más de la singularidad para parecer simpática. Lo que siempre hacen los malos.  

El profeta del gym

Octagón fue una de las primeras películas americanas con ninjas. Estos míticos asesinos del antiguo Japón eran apenas conocidos en 1980 y la película explota su misterio hablando de ellos como de antigua amenaza que resurge y para darle un toque más oscuro a la trama, el personaje de Chuck Norris, Scott James, tiene una voz interna cavernosa y saturada de eco. Esa voz sabe quien es el único que puede estar entrenando ninjas nuevamente: Su hermano malvado, al que no ve hace muchos años.

Sólo que a Scott James le sucede lo que a todos los pistoleros y asesinos retirados del cine hollywoodense: El no quiere volver a pelear, tiene remordimientos de su pasado. Es el viejo mito que Clint Eastwood recreó en Los Imperdonables. Pero Scott regresará para salvar a un amigo que es como su hermano menor.

Ninguno de estos hermanos en realidad es un "hermano de sangre", porque para empezar Scott fue un hijo adoptado. Y el mismo padre que le dijo que él era su hijo y Sakura su hermano, un día le dijo que Sakura ya no era su hermano sino su enemigo pues Sakura rompió las reglas de las artes marciales.

El nuevo hermano de Scott pelea y entrena con él y la chica que se queda con Scott ya pasó por el entrenamiento ninja. Y como el objetivo de la vida es tener una causa por la cual luchar (Se entiende que de preferencia a karatazos), que es lo que dicen varios personajes a lo largo de la película, entonces el gym, perdón, el dojo, es el nuevo templo de los ochentas. Es el lugar donde se halla el sentido de la vida y la familia espiritual. Y quien mejor que el dueño de unas escuelas de karate como Norris para presentar la opción de las artes marciales. Mientras Stallone, el engullidos de huevos crudos, nos enseña que golpear la pera de box y comer cosas sanas pero asquerosas es la forma de dejar de ser unos don nadies.

Y claro, Arnold mientras tanto invita a pasar al bar de malteadas de proteína y esteroides anabólicos.

Mucho antes de que él trascendiera a nivel meme, las escuelas del entrenador Chuck Norris pasaron por problemas económicos y entonces le dijeron que podía actuar. Y podía, tanto como Stallone o Schwarzenegger. Aunque entre estos tres y Clint Eastwood compitan por el Oscar a la actuación con menos diálogos.  

Chuck, que en realidad se llamaba Carlos Ray Norris, le dio a las artes marciales una mitología que fusionaba elementos típicos americanos, como lo del pistolero del viejo oeste retirado, con cosas como lo de los ninjas con carga mística. Una combinación más poderosa que cualquier licuado de proteínas con antioxidantes para llevar gente al gimnasio.

Así que ya saben pequeños saltamontes todos a pagar las cuotas a tiempo o Chuck bajará desde el gym celestial a darles unos guamazos.    

Porque él no murió, trascendió como Obi Wan sólo que él sí derrotó al representante del lado oscuro. El final de Octagón recuerda ese duelo entre Obi Wan Kenobi y el de la máscara estilo japonés, Darth Vader. Duelos que a lo lejos observa una, o un, discípulo. Una historia con minions todos de negro y otra con todos de blanco. Y el número dos de Sakura parece un Darth, como entre Vader y Darth Maul.

Tanto Luke Skywalker como Scott James son huérfanos cuyas figuras paternas son sus maestros en el arte de pelear. Y ambas artes incluyen luchas con espadas.

Jedis y ninjas tienen tanto en común. Son mitologás que surgen, o resurgen, en la misma época. En el caso de los jedis, el maestro Yoda está inspirado, según ha dicho George Lucas, en el personaje de Carlos Castaneda, Don Juan, un indio mexicano. ¿Y a dónde creen que va Scott James a buscar a los ninjas?  Pues primero a la Ciudad de México. Hay escenas de Octagón en el Zócalo, en Reforma y Chapultepec.  Aunque después parte a algún lugar de centro américa al campamento ninja. Que hace pensar en un campamento de entrenamiento de narcos pues tienen ahí a la gente contra su voluntad, entrenándolos para asesinar. 

Como dos lados de una moneda, uno te lleva al gimnasio, el otro a la tienda de juguetes. ¿Ustedes qué camino eligieron?    

El loco de la calle

Dead Man´s Wire, la última película de Gus Van Sant, recrea un incidente de la vida real, el caso de un tipo que tomó como rehén a un banquero en 1977. Tony Kiritsis acusaba al banco Meridian Mortgage de haberse aprovechado de él en un negocio y hacerle perder todo su dinero. A lo largo de la película nunca se presenta nada que lo contradiga. O sea que parece que tenía razón.

Kiritsis pone un alambre amarrado de un lado al gatillo de una escopeta y del otro alrededor del cuello de Richard Hall, director e hijo del dueño de Meridian Mortgage. Pero fuera de eso era un buen tipo, muy amable, que hasta se disculpaba por decir groserías. O sea que Kiritsis es como el personaje de Al Pacino en Tarde de Perros, Sonny Wortzik, un clásico de 1975 basada también en un caso de la vida real cuando en un asalto a un banco los asaltantes acaban tomando como rehenes a los clientes de la sucursal que acaban desarrollando el famoso síndrome de Estocolmo, y se ponen del lado de los asaltantes.

No es por lo tanto casualidad que Al Pacino salga también en Dead Man´s Wire sólo que ahora él es el banquero, el padre de Richard Hall y dueño de Meridian Mortgage, un tipo tan malo que se niega a pedir disculpas ni siquiera porque eso puede salvarle la vida a su hijo.

Queda claro de lado de quien está la película. Kiritsis dice ser pobre, que ha trabajado haciendo de todo y que no le molesta ser pobre pero que no quiere dejar que ganan los malos.

Parece ser un tipo popular en su ciudad, Indianápolis, todo mundo habla bien de él y hasta resulta ser amigo de los policías.

Todo muy bien pero ¿Qué aporta en realidad Dead Man´s Wire? La verdad es que es como una Tarde de Perros pero no tan buena. La película de Sydney Lumet del 75 tiene muchas cosas que no tiene la de Van Sant, sólo un ejemplo: En un momento de la película el amante del asaltante Sonny, un hombre, revela que su amado, el personaje de Pacino, quiere dinero para hacerse un a operación de cambio de sexo. 

Como que esta película de Van Sant es muy políticamente correcta, muy nostálgica con su recreación de los 70´s, pero en realidad en estos tiempos de inteligencia artificial, cambio climático, megacorporaciones y demás, la maldad de un banquero avaricioso en el Indianápolis de los 70´s como que no tiene mucha relevancia.

¿Quién mató a Catherine Earnshaw?

Cumbres Borrascosas es realmente una muy buena película y Margot Robbie merece reconocimiento no sólo por su actuación sino como productora de Cumbres Borrascosas. Parece como si actrices como ella o Sydney Sweeney no encontraran los papeles que quieren y se están lanzando a producir las películas que quieren estelarizar. Y a la Robbie su película le salió realmente muy bien. No conozco la novela pero el guion es muy bueno igual que la dirección de Emerald Fennel, también la dirección de arte, todo realmente.

Curiosamente hace poco escribí de otra película en la que se habla de historias de amor trágico y en donde se ponen como ejemplos Romeo y Julieta y Cumbres Borrascosas. Y en esta adaptación de Cumbres Borrascosas se habla de Romeo y Julieta subrayando la relación entre ambas historias.

Si nos ponemos a analizar un poco, la tragedia de los amantes en ambos casos tienen el mismo origen: la familia. Sólo que en la historia de Shakespeare esto es muy obvio, Romeo y Julieta no pueden amarse pues sus familias son enemigas, en cambio en Cumbres Borrascosas este conflicto queda como desplazado. Pero veamos, ¿Quién tiene la culpa de la muerte de Cathy? Su nana, que es la figura materna y que por no creerle a Cathy que había perdido a su bebé, no llamó al doctor. Y quizá no le creyó  por no quererle creer pues no le convenía que ella abortara. Si ella se iba con Heathcliff dejando al Sr. Linton, lo que un aborto le ayudaría a hacer, la nana quedaría de patitas en la calle. Y claro, para empezar, Cathy se casó con Edgar Linton por su culpa.

Y hay que agregar al papá que necesitaba que su hija se casara con un rico por haber perdido su fortuna en el juego. Y, como si Cathy fuera muy consciente de eso, cuando el papá muere... ¡ella le da un par de patadas! 

También el Sr. Linton tiene la culpa, no sólo le provocó un embarazo mortal a su esposa, sino que se negó a despedir a la nana, que acabó siendo una homicida indirecta, como Cathy le había pedido.

Nótese que la nana quiere hacer de Catherine una mujer como ella, que vive con una familia por dinero renunciando al amor.

Viéndola así, y conste que estoy hablando de la película, Cumbres Borrascosas es como una versión capitalista e industrial de Romeo y Julieta que todavía viven en un mundo feudal donde las familias se pelean por las tierras. El papá de Cathy tiene tierras y ella dice que eso sigue siendo más valioso que los negocios textiles de los Linton. Pero no es así, la riqueza ya cambió y Edgar Linton, un industrial, es ahora más rico. Ahora el dinero cuenta más que las tierras. Tanto así que la familia de Linton es él y una chica que ha adoptado, por su dinero es de suponerse. Agréguese a Cathy a la que se ganó por su riqueza. aunque claro, ella venía de una familia no tan diferente, fuera de Cathy y su padre en su casa vivían su hermano adoptado, la nana a sueldo y la servidumbre.

Por otro lado lo que estoy seguro que no viene de Romeo y Julieta ni de la novela original de Emily Bronte, al menos tan explíctamente, es lo del sadomasoquismo.

La película empieza con un ahorcamiento y un niño que les dice a sus amiguitos: "¿Ven? Ya se le paró, les dije que si al ahorcado no se le rompía el cuello se le iba a parar el pito."

Es obvia la intención de relacionar tortura con amor y sexo en la historia. De hecho la relación de Cathy y Heathcliff desde niños es como sadomasoquista. Ella como una niña caprichosa que lo trata mal, como a "una mascota",  y que hace que le peguen por su culpa y él que la ama sin remedio al parecer no a pesar de eso sino gracias a eso. 

Cathy ama ver ahorcamientos y hasta tiene muñequitos de ahorcados y en cambio odia la vida en la casa de muñecas de colores pastel de Linton. Y a la ñoña de Isabella.

Como si el obstáculo para el amor fuera no sólo el dinero sino también la falta de dolor.

Por cierto parece que las traducciones de las películas las andan haciendo con IA y traen muchos errores.