La Princesa Mononoke y la lepra extranjera

¿De dónde salió Lady Eboshi, la mujer que amenaza con matar todo, incluyendo a los dioses en "La Princesa Mononoke"? Como fabrica fusiles en un lugar en donde no había armas de fuego y ese lugar es Japón huele a extranjera. Los europeos fueron los primeros en llevar armas de fuego a Japón, casi estoy seguro que eran portugueses. Después de eso los japoneses prohibieron las armas de fuego, y a los extranjeros, durante siglos. Además Lady Eboshi lidera a un grupo de mujeres orgullosas de no obedecer a ningún hombre. Y eso no es como muy japonés tradicional por decir lo menos.

Además parece que lady Eboshi trae con ella la lepra. los tipos que tiene fabricando los fusiles son leprosos y las balas vienen infectadas con algo, se supone que es una maldición, pero por lo menos hay una escena donde dicen que es una infección. Y eso que hace la maldición de comerse la carne y los huesos se parece mucho a la lepra también.

Pero se supone que Lady Eboshi y su gente son unos ecocidas mata-árboles  y mata-dioses, no tienen nada contra los japoneses o contra la gente en general. Pero ¿No podrían representar los animales a la gente? Los animales de ese bosque en particular son inteligentes, los lobos sobre todo. Además su color blanco los hace simbólicamente los mejores para representar la lucha contra extranjeros infecciosos. Además en su lucha los ayudan dos humanos pero son dos humanos que han sido transformados: San, la "Princesa Mononoke" fue adoptada por los lobos  y detesta tanto a los humanos, que se niega a vivir entre ellos ni para estar con su amado Ashitaka. Ashitaka también lucha del lado de los animales y también sufrió una transformación, cuando el "Dios Venado" lo cura y le salva la vida después de haber recibido un balazo. Simbólicamente estar al borde de la muerte y ser salvado es como nacer de nuevo o transformarse. Si lo salva el Dios del bosque y de todos los animales es como volverse parte de ellos. Y en el momento de la curación aparecen mariposas. Es demasiada coincidencia, como expliqué en el Viaje de Chihiro, las mariposas son símbolos de transformación.

Son entonces animales, y humanos transformados simbólicamente en animales, quienes luchan contra Lady Eboshi y sus apestosos seguidores humanos (¿extranjeros?). Lo de que estos humanos apestan se dice y se repite. De hecho Eboshi y los suyos usan el mal olor como estrategia de guerra. ¿Y que es lo que quieren Eboshi, sus prostitutas, leprosos y demás seguidores ? Matar a los dioses del lugar, y si hay algo que representa una cultura son sus dioses. Lady Eboshi dice que sin sus dioses los animales del bosque serán tan tontos como todos los demás animales. Y todo esto sucede en Japón, en donde hasta la fecha la gente evita a los extranjeros al grado de no sentarse junto a ellos en el metro. Extranjeros que dicen que huelen mal.

El viaje de Chihiro al país de la bulimia

Voy a partir de la teoría que dice que la bulimia, la enfermedad que le da sobre todo a mujeres jóvenes que dejan de comer llegando incluso a matarse de hambre, es provocada por un rechazo a crecer y a la sexualidad, que surge de un deseo de no dejar de ser niñas y por un rechazo a los cambios corporales de la pubertad.

Entonces... tenemos que la pequeña Chihiro, que se supone tiene 10 años y, todos le dicen que es muy pequeña y flaquita, está triste porque está dejando atrás su vida anterior. Le enseñan su nueva escuela y dice que le gustaba la de antes. Las flores que le dieron de despedida, símbolo por lo tanto de su vida anterior se están marchitando y esto la alarma pero su mamá le dice que sólo hay que ponerlas en agua. El agua es muy importante en toda la historia y me parece que su papel es de símbolo de purificación y limpieza. Por lo tanto si las flores son el símbolo de su vida anterior, la purificación es vista como el camino de regreso. Y las flores vienen con una tarjeta con el nombre de Chihiro. Ambas cosas, la tarjeta y su nombre, van a funcionar como clave de su identidad anterior.

Luego vienen todos los símbolos de transformación posibles y con una carga más bien negativa: Una vuelta equivocada en el camino, atravesar un edificio abandonado y lúgubre, también un poco más adelante hay un puente y un tren. Hay también muchos sapos/ranas. Los sapos y ranas se supone que son, al igual que las mariposas, símbolos de transformación. Las mariposas porque antes eran orugas; y ranas y sapos eran renacuajos. Aunque no son tan bonitos como las mariposas. Y aparecen con una carga negativa en la historia: Primero hay piedras talladas como sapos o ranas y están en un lugar abandonado medio tenebroso.

Sirven de hecho como símbolo del lugar y primero casi chocan Chihiro y familia con una de estas piedras y luego hay un personaje sapo que descubre a Chihiro cuando ella trata de cruzar el puente sin ser vista. No son la rana Gustavo precisamente, son más bien malos. Más adelante hay muchos personajes sapos que son de lo más avariciosos.

Y la avaricia es un tema muy importante en la historia. De hecho la explicación oficial de Ghibli dice que los padres de Chihiro se convierten en cerdos por avariciosos. Pero estaban comiendo, es una avaricia que se parece mucho a la gula, el pecado de comer demasiado. En realidad la avaricia y la gula tienen lo suficiente en común, como para que a nivel simbólico sean lo mismo. Por algo a los avariciosos, sobre todo si son prósperos capitalistas, se les suele representar como cerdos sin que hasta la fecha se sepa de algún cerdo que junte dinero.

Y Chihiro llega al país de la avaricia y la gula: La mandamás es una mujer con pinta de madrota, de madrota avariciosa claro, que amenaza a Chihiro con ponerla a hacer el trabajo más asqueroso y difícil que hay ahí. Por la forma en que lo dice parece que ese trabajo sería de juguete sexual de los obesos clientes de su congal o balneario. Estos clientes se supone que son dioses o espíritus pero por su peso parecen luchadores de sumo. Todos son gordos, al igual que el hijo de la jefa/ madam, que es un bebé gordo y gigante que traga como rata hambrienta, y que luego se convierte en rata de hecho. (Las ratas y demás roedores también simbolizan gula/avaricia). Además parece tener la costumbre de que cuando se quiere divertir con una chica esta no puede negarse.

Hay otros tres personajes clave: Una sombra que dicen que es un "sin cara", un "dios/espíritu apestoso" que resulta ser el espíritu de un río. Espíritu de un río sucio pero que logra limpiarse. Y un chico que se convierte en dragón pero que al final resulta ser también el espíritu de un río.

Según la psicología jungiana todas las personas tenemos una especie de sombra psicológica que aparece en nuestros sueños de diferentes formas y también aparece en todo tipo de mitos e historias. La sombra representa nuestro lado negativo, y como el "sin cara" es literalmente una sombra, creo que podríamos considerarlo representante de La Sombra sicológica, sólo que esta Sombra tiene una peculiaridad: Es una sombra muy buena... excepto cuando come. Esta sombra tienta a los demás con oro y todos los avariciosos caen, excepto Chihiro que ni come ni le interesa el oro aunque sea regalado.

La sombra después de comerse un par de sapos y a una persona se convierte en un monstruo y sólo se cura hasta que vomita. El espíritu del río también necesita expulsar todo lo que trae dentro y así deja de apestar. Y en ese lugar tan sólo oler a humano es apestar y para dejar de apestar hay que dejar de comer comida humana.

Lo mismo sucede con Haku, el chico/dragón/espíritu de río, que se enferma por comerse el sello de una bruja que es... un sapo. Pero también vomita y se cura.

Haku al igual que Chihiro viene de fuera de ese mundo pero no puede regresar porque ha olvidado su nombre, es decir su identidad anterior. Para que eso no le suceda a Chihiro, Haku le da la tarjeta con su nombre que venía con sus flores. Expulsar lo que uno trae dentro, vomitar, purificarse con agua y no cambiar ni dejar de ser lo que uno era es lo que se recomienda aquí para salvarse. Aunque también aparece lo contrario: Volverse transparente con peligro de dejar de existir por no comer. La sombra de hecho también es muy transparente, muy buena y todo pero siempre y cuando no coma.

Al final no se resuelve este conflicto entre comer y volverse un monstruo o no comer y volverse transparente hasta dejar de existir. Al parecer Chihiro se enamora de Haku... y si tuviera un novio y todo eso dejaría de ser niña y sería como una prueba superada según la teoría de la bulimia antes mencionada...  pero se separan y ni siquiera prometen volver a verse. Haku tan sólo dice algo así como "Ya nos toparemos de nuevo, bye". A fin de cuentas en realidad él sólo es el espíritu de un río limpio y puro. Y ella regresa a ser lo que era, su última prueba es que es capaz de identificar a sus papás. De regreso con papá y mamá, a ser una niña flaquita que aprendió que las cosas se arreglan vomitando.

Se supone que sí hay un cambio, que era una niña tímida y miedosa que deja eso atrás para volverse valiente. Pero ese es sólo el mensaje consciente. El inconsciente en cambio no sabe mentir.

Hasta el título de la película en inglés, "Spirited Away" puede interpretarse como muerte por derrota de la carne. Puede traducirse como "Llevada por el espíritu o los espíritus", pero también como "Se la cargó el espíritu". Y mucho espíritu y nada de carne puede ser dañino para la salud.

El payaso sólo quiere un poco de atención

Joker se quiere presentar como una película que critica a los ricos y al sistema, pero esta crítica en realidad es muy superficial. Los bullys a los que mata en el metro podrían no ser ricos sino de cualquier otro grupo impopular y no cambiaría gran cosa la trama. El papá es rico y malo pero la mala de verdad resulta ser la mamá. Que cerraran el servicio de la doctora con la que iba y le dejaran de dar medicinas tampoco lo afecta pues al final él decide dejar de tomar las medicinas. El tema de la enfermedad mental tampoco es tan importante: Para ser un loco es bastante equilibrado: Es un tipo que trabaja, con una clara vocación, es buen hijo y lo más que hace, por lo menos al principio, es que se ríe demasiado. El verdadero tema de Joker es la necesidad de atención. Esa es la esencia del personaje y de la historia. El drama de Arthur es que se siente invisible, nadie le hace caso, nadie lo ama. Y el colmo es que cuando lo sacan en televisión es para decirle que no es gracioso. Quiere ser visto pero sólo como él quiere ser visto. Le reprocha a la sociedad que decida que es gracioso y que no, como si eso fuera tan malo, porque él quiere ser quien decida eso y al que no se someta le va a dar un balazo.

Y de cualquier modo ¿cómo verlo si está disfrazado? ¿La sonrisa es real o es un disfraz? ¿Está triste o contento? La paradoja de disfrazarse para llamar la atención es que con un disfraz nadie nos ve. Y si los invisibles son un problema social ¿De quién es la culpa? ¿La atención es un derecho humano? ¿Hay que hacer la revolución para que se reparta la fama? ¿Se debería poder poner una demanda si nadie nos pela? ¿Y quién va a tener qué poner atención? ¿Tú? ¿Yo? Yo no, yo paso.

The Courier: El magnate y la repartidora

Al contrario de como aparece en todos los posters, con traje de cuero negro, en la película The Courier (La Mensajera) el personaje de Gary Oldman se viste con un estilo muy diferente: Batas de seda, suetercitos y camisas formales. Y eso que casi todo el tiempo está en su domicilio, un elegante apartamento en un edificio muy alto y antiguo con vista al central park. Se supone que es un peligroso criminal de los bajos fondos de Nueva York pero... si no nos lo dijeran lo único lógico sería suponer que es un millonariazo que hizo su fortuna en Wall Street o algo así. De hecho hay una escena en el que su hija dice que su padre construyo todo eso, y está en el edificio con vista al central park, de la nada. Lo típico que a los empresarios les gusta que se diga: que construyeron un imperio de la nada. Y los policias que se supone lo vigilan en su arresto domiciliario más bien parecen sus mayordomos, ridículamente serviles. Como si en vez de ser un criminal de los "slums", los barrios bajos, que se supone que es lo que es, fuera un magnate de los bienes raíces estilo Donald Trump, que además al igual que Trump, confía en su hija más que nadie. O como el célebre Jeffrey Epstein, amigo de Trump que fue a dar a la cárcel porque eso sí, este wey, de los bajos o de los altos fondos, es un criminal, de eso no queda duda pues la película se trata de que este tipo tiene comprada a la interpol y la policía en Londres, para que maten al único testigo de un crimen que puede llevarlo a la cárcel.

Así que mientras este sujeto oye música clásica en discos de acetato, lo detuvieron en misa por cierto, una mensajera/ repartidora lucha por salvar al testigo con el que las circunstancias la juntaron. Por suerte para el testigo ella resulta ser una exmilitar desertora de la guerra de Siria. Como es desertora ha eliminado su antigua identidad para que no la agarren, así que no tiene ninguna documento oficial de identidad, nadie sabe su verdadero nombre, no tiene pasado etc. Lo que haría muy difícil que trabajara de repartidora en cualquier negocio formal, en realidad como que sólo podría trabajar en algo medio clandestino. Repartiendo drogas por ejemplo. Y el millonario debajo de su parche pirata tiene un rostro deformado, un ojo vacío que contrasta con toda la elegancia a su alrededor. Cuando se quita el parche es como si viéramos el verdadero rostro del poder económico, que claro, tiene a la policía a su servicio. Quienes se enfrentan a los dealers por cierto. 

The Operative: La espía sin figura paterna (Spoilers!!)

Una película de espionaje basada en una novela escrita por un ex agente del Mossad, el servicio secreto israelí. Es buena pero falla al final y pienso que se debe a que no solucionan el conflicto central de la protagonista, interpretada por Diane Kruger, la mujer reclutada por los israelís para infiltrarse en Irán.

En general, el género del espionaje se presta para tratar el tema de la identidad y en esta película en particular la verdadera identidad de la protagonista, que usa diferentes nombres e historias desde antes de volverse espía, es central. El Mossad la recluta precisamente por eso, como es una mujer que ha vivido en diferentes países, es adoptada, y parece no tener raíces en ningún lado, resulta ideal para inventarle una personalidad que le sirva como cubierta para operar en Irán. Tampoco tiene un lazo muy fuerte con Israel pero dice que en ningún lugar de los que ha vivido se ha sentido tan en casa como en Israel. Además es judía por parte de alguno de sus padres. "Está a la deriva", dice quien la contrata y será su jefe.

Luego pasan muchas cosas incluyendo que se enamora del iraní a quién debería de utilizar en el plan para evitar que Irán tenga su bomba nuclear. Un clásico del género del espionaje, pero al final el tipo por el que arriesga la vida es su jefe. Y no es que ahí también hubiera un romance, se trata más bien de una figura paternal. Que por cierto descubre que ella nunca fue adoptada como le dijo. Lo que sucedía es que odiaba a su papá con quién se quedó sola tras la muerte de la madre. Pero esto resulta totalmente anticlimático porque lo único que nos dice de su padre, aparte de que lo odiaba, es que era muy esctricto. Y su jefe pues es un hijodesuchi que se dedica al espionaje, negocio donde no caben los sentimientos y de hecho nunca se desarrolla bien la relación entre ellos en la película, que es más bien como una relación entre militares de diferente rango. "Esto es una guerra" le dice él a ella en algún momento. Al final parece que "Mi padre ha muerto" la frase clave de ella para ser rescatada se seguirá repitiendo con una figura paterna como esa. De hecho la película empieza con el jefe que contesta su celular y sólo escucha "Mi padre ha muerto... de nuevo." Creo que también en una escena se usa la clave pero al revés " Tu padre ha muerto", para que ella huya. Si en cambio, ella se hubiera quedado con el iraní Farhad, el conflicto interno se hubiera superado y podría haber un mejor final.

Pero claro... es una historia israelí y ese final no podía ser.

Ad Astra: Un mandilón en Neptuno

En esta película la aventura espacial es sólo una metáfora de la relación con el padre (y como esto afecta en la relación de pareja) del protagonista. Las pruebas a las que se somete el astronauta son evaluaciones psicológicas que más bien parecen confesiones en un grupo de autoayuda. En ningún momento se ve que esté realmente interesado en el espacio o en los extraterrestres, como su padre. Como tantas otras películas se usa al espacio para transmitir una sensación de soledad. Todo con una iluminación mortecina, dialogos parcos, caras tristes. Sonidos como de electrocardiograma sin pulso como soundtrack. Es una fórmula bien conocida.

Además de la soledad estilo Odisea Espacial 2001, tiene un toque del "El corazón de las tinieblas", y por lo tanto de "Apocalipsis Now", con el tema del tipo que por estar tan sólo en medio de la nada se vuelve loco y se vuelve un peligro. También tomaron de Alien la historia del pasajero terrorífico en una nave espacial. pero como lo único que realmente le interesa a esta película es el tema del padre, resulta que el mono asesino que aparece brevemente sólo sirve para recordarle al protagonista su propia furia. Y la de su padre claro, que afecta su relación de pareja, que es lo único que importa...  hay unos rayos que pueden destruir el planeta y etcétera etcétera pero eso es lo de menos.

Finalmente, así como Remi y Heidi y otros famosos niños abandonados el protagonista finalmente llega con su padre, que por cierto no estaba loco, sólo había tenido problemas técnicos, pero sigue de necio buscando vida extraterrestre. Lo importante es que le dice a su hijo que está orgulloso de él y ya así el papá se puede morir y el hijo regresar con su esposa pues lo único que quería era que su papá le dijera que estaba orgulloso de él. Ni a él ni a la película les importó nunca el espacio y en un monólogo final dice mientras regresa a poner los pies en la tierra que lo único que importa es lo que está cerca y los que están cerca, es decir la esposa. El problema es que una película de aventuras en el espacio cuya moraleja es que el espacio y buscar extraterrestres es estúpido pues lo único importante es estar en casita con la domadora no puede ser más que una película mala y aburrida.

Divorcio en la Roma

En el debate acerca del personaje de Yalitzia Aparicio en Roma: Que si es positivo darle un protagónico a una mujer indígena, o que si no lo es porque el personaje es una sirvienta, o que si precisamente que una sirvienta sea protagónica es positivo; paso desapercibido cuál es la función, dramáticamente hablando, del personaje. Y para eso primero hay que definir de que se trata la historia, y creo que la respuesta puede resultar sorpresiva después de tanto escuchar que se trata del personaje de Aparicio o de la recreación de época. En realidad lo que estructura la historia es el divorcio de los padres. Porque eso es lo que cambia a la familia o en la familia. Lo diferente entre el principio y el final.

Creo que estuvo a punto de ser diferente y de ser realmente acerca de esta mujer, Cleo. Si en la escena en la que el niño se estaba ahogando en el mar hubiéramos visto a Cleo no sólo meterse al mar y gritarle, sino nadar y agarrar al niño, salvarlo, la historia hubiera sido suya. Pero el rescate se queda corto y queda la duda de si lo salvó o si sólo lo agarró ya que el niño logró acercarse. O si las olas lo regresaron. Si hubiéramos visto a Cleo nadar y salvarlo de la muerte, la escena más representativa de la película podría ser una de Cleo con el niño en brazos saliendo del mar. Y no donde está toda la familia abrazándose en la arena. Un rescate así podría ser el final de la película. Y entonces sí sería la historia de Cleo. Aunque ese final podría sentirse forzado. Otra opción sería si Cleo no hubiera perdido a su hijo/a,  lo que hubiera llevado la historia por otro camino.

Pero lo que tenemos es una historia en donde el padre, que como señal de machismo tiene un coche tan grande que apenas cabe en su cochera, engaña a la mujer; que es super torpe para manejar, y entonces se divorcian. Pero al final la mamá va manejando tranquilamente llevando a sus hijos y a Cleo por una bonita carretera como diciendo que al final todo estará bien. Que ya pasó lo peor. Ella es ahora la jefa de familia y tiene la invaluable ayuda de Cleo. Como ha de suceder en tantos casos en que una mujer se divorcia y se apoya en otra mujer, que puede ser la nana o sirvienta. Que tendrá entonces vínculos más fuertes con los hijos.

La película no se trata de Cleo, no es su historia, como señalaron correctamente los críticos de Roma. Pero el personaje no es sólo una sirvienta porque la historia apunta a un cambio en su función.

¡Ya siéntese abuelo!

"A Scorsese no le interesa el mundo después de los setentas". Eso lo leí en algún lado hace algún tiempo y con El Irlandés esto se confirma. Esta película viene siendo como un gran helado de pura nostalgia servido en copa de esas que ahora son de nevería retro. Como los que Pacino se toma en varias escenas pues según esto, Jimmy Hoffa, el líder sindical que interpreta, se la pasaba comiendo helado. Y como suele suceder con la nostagia, todo lo idealiza, empezando por los mafiosos: Todo entre ellos es honor, respeto, tipos simpáticos, paternales, amantes de los niños, listos, sólo recurren a la violencia como último recurso. Y nos dicen que controlan el mundo, los de hasta arriba claro, los meros meros mafiosos. Si los de abajo son como ángeles, entonces los invisibles, los inombrables de hasta arriba, son el supremo poder terrenal según esto. Por encima de los mortales. Porque nos explican que después del Presidente, Jimmy Hoffa era el segundo hombre más poderoso de Estados Unidos. Pero a este y a Kennedy los mataron por meterse con la mafia. Aunque a Kennedy primero lo hicieron Presidente. En realidad el problema con Hoffa, según lo que se ve en la película, fue que le faltó al respeto a los italianos. Y lo mataron, faltaba más. Porque para la nostalgia y el orgullo no hay realidad que alcance y entonces se empieza a inventar. Para ello Scorsese encontró la historia ideal: El libro con las supuestas confesiones de un asesino de la mafia que quien sabe que tan buen asesino era, pero para imaginar si parece muy bueno. Porque este tipo de apellido Sheeran dice haber asesinado a Jimmy Hoffa...  al igual que otras 13 personas, que también han dicho que lo mataron. Según lo que han investigado los medios en Estados Unidos, no hay ninguna prueba de que Sheeran haya dicho la verdad al respecto. Tal vez por eso no ha tenido problemas con la ley. Además según Sheeran antes de matarlo trabajó como asesino para Hoffa. Y después de ver esta película cualquiera sale dando por hecho que Hoffa mataba. Sólo que nunca se le acusó de ningún asesinato. Ni legalmente ni de ningún otro modo. Tenía fama de muchas cosas pero no de asesino. Y según Sheeran mató a unos 30 por órdenes de Hoffa. Y seguro que tampoco mató a Joe Gallo en el 71 en un restaurante de Little Italy, el barrio neoyorquino de Scorsese. Y ya ni hablar del cuento de que llevó las armas para el asesinato de Kennedy y para el ataque a Bahía de Cochinos. Sólo le faltó decir que mató a Colosio por órdenes de Elvis.

Scorsese ya está como viejito que repite la misma historia mil veces, pero que para seguir llamando la atención, deforma la verdad de lo que pasó cada vez más. Y para confundir revuelve todo con detalles verídicos y precisos. Y así cada que aparece un nuevo personaje nos dice: Este es el famoso mafioso fulano de tal, asesinado en tal año y especifica cuantos balazos le dieron.

El genio narrativo sigue ahí, Scorsese sigue siendo muy bueno para contar historias, y tiene buenos momentos, pero parece que no tiene nada nuevo que contar, o no quiere. Prefiere seguir, como dicen los raperos, representando a su barrio, a sus mafiosos de la vieja escuela. Y con los mismos actores y por un lado da gusto ver a la vieja guardia pero también resulta obvio que la película necesitaba actores más jovenes, pues es más fácil para un actor joven representar a un viejo que al revés. El rejuvenecimiento de De Niro por computadora (¡y sus ojos azules!) se siente sumamente forzado. Su personaje y sobretodo el de Pesci se ven rucos desde jóvenes.

Y al final parece que al director de la película le sucede lo mismo que al personaje principal y a la película misma: Nomás no quieren acabar. Vemos a Frank Sheeran angustiado por la muerte y que no quiere que lo cremen que porque eso es demasiado "definitivo", y la película pasa de las tres horas y no sólo no acaba sino que no encuentra un buen final y hasta la cámara parece que ya se va en un último plano secuencia scorsesiano pero regresa con Frank, que pide que no cierren la puerta de su habitación. Nada de cierres o finales. Si la película no se hubiera llamado "El Irlandés" podría llamarse "El miedo a la cortinilla final".

MDMA y el falso caldo de víctima

MDMA es una película que busca generar al mismo tiempo empatía y admiración por el personaje principal porque es una víctima pero una víctima badass que pelea. Pero la trama de la película deja huecos que dejan ver que en lugar de una heroína, basada en la vida de la directora de la película, lo que vemos es la historia de una estudiante que por robarse cosas del laboratorio de la Universidad en la que estaba gracias a una beca, tuvo que conformarse con estudiar en otra Universidad menos buena. Algo no precisamente muy épico.

Fuera de algunos flashbacks y una escena en la que la protagonista, Angie, le cuenta a su amiga de sus problemas familiares, la historia se centra en las experiencias de Angie como dealer de MDMA, de tachas pues. Suele suceder que las historias de Hollywood que supuestamente cuentan cosas que realmente sucedieron cambian las cosas tanto que al final lo que queda no se parece casi nada a lo que realmente pasó, así que lo mejor es suponer que no sabemos lo que realmente pasó y lo único que nos consta es la historia que vemos.

Entonces Angie, cualquiera que sea su pasado, está en una prestigiosa Universidad privada de San Francisco. O sea que podemos suponer que está en Stanford. Nada más por eso tiene más oportunidades frente a ella que la inmensa mayoría de los seres humanos. Se le abrieron las puertas de la élite, puede aspirar a los trabajos mejor pagados del mundo. No es como para que echemos la lágrima porque su roomie tiene más dinero y eso de que le llegan facturas de la Universidad que no puede pagar no suena real. Las universidades en Estados Unidos no son como los hospitales, desde un principio informan con lujo de detalle lo que cobran. Que no nos vengan con el cuento de que Angie se metió de dealer para poder seguir estudiando.

Y aquí viene la otra parte del engaño, la directora de la película nos dice que ella era una malota, una guerrera temible traficante de drogas - pero con instinto maternal-  feroz y tierna como Lupita D´Alessio más o menos. Sólo que hay un detalle: Estaba traficando éxtasis antes de que fueran ilegal. O sea estaba vendiendo cosas perfectamente legales, como plátanos con crema o Milky Ways. No era realmente una "dealer", una mafiosa, ni una delincuente. Las tachas en ese momento eran tan legales como las pastillas para el aliento o los chicles que probablemente vendían en los baños de los clubes a donde ella iba.

Entonces veamos que pasa en la escena clave de la película cuando descubre que el dueño del antro le subió el precio a las tachas y entonces ella lo acuchilla. A ver ¿qué tan lógico es esto? Atacar con un cuchillo a alguien porque nos regatea y además le sube el precio a los productos que  nos compra para revender. Imaginémoslo en otro contexto: Que un wey que vende plátanos descubre que un cliente le subió el precio a los plátanos con crema que prepara y entonces lo acuchilla porque el maldito además le regatea. ¿No es lo que todo comerciante, desde el origen del tiempo, trata de hacer? ¿Comprar más barato y vender más caro? ¿Acaso este dueño de antro habría prometido someterse a las leyes del comercio justo y donar parte de las utilidades de la venta de drogas a la caridad? ¿Cuando compramos algo debemos esperar que nos acuchillen si pedimos que nos bajen el precio? ¿Y es un ser despreciable cualquiera que suba precios de lo que vende?

Y luego, este tipo mata sin querer al amigo de Angie, en una escena absurda. La tiene enfrente pero en vez de darle a ella mata al amigo. Okey eso puede pasar pero la escena es muy mala, no es verosímil, les salió mal. Parece de película del Santo. Ah pero otra vez se supone que debemos compadecernos de esa pobre inocente a la que todo le pasa.

Y entonces la expulsan de la Universidad. Recordemos que no es por vender drogas porque no estaba vendiendo nada ilegal, lo que sucede es que se robaba cosas del laboratorio. Nada más. Pero acaba trabajando en un antrazo de Nueva York en donde tenía que bailar y luego se iba a meter líneas de coca. ¡Oigan yo quiero fracasar así! ¡Fracasemos todos y nos vamos a bailar a Nueva York! Ay no perdón es una víctima, casi lo olvidaba, Como su amiga que se andaba suicidando porque su mamá la critica. Perdón, perdón, snif, snif, no lo vuelvo a hacer.

De remate esta guerrera después de sobrevivir a todo rehace su vida, faltaba más, aunque debe meterse a una universidad del montón. Ah pero dice que ahora tiene experiencia en el mundo del narco, lidiando con tipos rudos y pandilleros. Sólo que, recordémoslo, ella misma lo dice al principio, eso no es cierto, vendía pastillas legales. Lo único ilegal que ha hecho es robarse cosas del laboratorio de su escuela, no es precisamente la versión femenina del chapo Guzmán. ¿Y el tipo que acuchilló? Pues ni siquiera la detuvieron o interrogaron al respecto, ni nada de nada. Lo más probable es que fue algo que nunca pasó, como el supuesto asesinato de su amigo Tommy, porque apuesto que si esa fuera una experiencia real de la directora la puesta en escena le hubiera salido mejor.

El Golem y el continuo fantasía - ciencia (ficción)

Esta nueva versión (2018) del mito del Golem está bastante equis, más bien desabrida, pero podría ser interesante para quienes no conozcan el mito del Golem. O de los Golems. Según las tradiciones judías se trata de unos humanoides que se hacen con tierra aplicando magia cabalística. Lo que viene siendo como una tradición esotétrica, medio ocultista, judía. Se ha dicho que Frankenstein es una renovación de este mito pero, como todo mundo sabe Frankenstein es ciencia ficción. Además de ser del género del horror, claro. ¿Puede una historia fantástica ser un antecedente de una de ciencia ficción? En realidad la frontera entre lo fantástico y la ciencia ficción es muy porosa. No sólo la fantasía ha sido muchas veces inspiración de la ciencia ficción, y de la ciencia y tecnología en general, sino que también sucede que lo fantástico, o el pensamiento mágico, crea las formas de pensamiento que luego se vuelven científicas: Por ejemplo, es bien sabido que la química surge de la alquimia. Isaac Newton escribió mucho sobre alquimia. Este viejo artículo de la revista Wired habla de esta relación entre lo mágico y la tecnología y de como en el Silicon Valley les encantan los rituales y todo lo mágico y fantástico. No es casualidad que el festival de Burning Man haya sido creado por tecno nerds de Silicon Valley. Y en el artículo vienen ejemplos de ideas del ámbito fantástico/religioso/ocultista que pasan a la tecnología: Como el caso del creador del VRML, uno de los primeros lenguajes de realidad virtual, que se inspiró en el mito hindú de la red de Indra. También dice el artículo que la criptografía empezó con el trabajo de ocultistas y alquimistas como Trithemius y John Dee. Y por otro lado, la idea de que la vida es como la electricidad y se puede dar vida a un cadáver con descargas electricas no tiene nada de científico. Es fantasía pura oculta tras la términología moderna y el equipo de laboratorio.

Nick Nolte y el Subcomandante Marcos

En esta película Nick Nolte se supone que busca al líder guerrillero Rafael, el "comandante Rafael" del que nadie conoce su rostro. Y la película fue filmada en Chiapas y lo más importante en esa guerra, en realidad, es lo que sale en los medios. Y es de 1983, mucho antes del EZLN y todo eso.

Harry Potter y los niños pobres

De acuerdo a la psicología jungiana, la serpiente es uno de símbolos de la sombra, y esta sombra es un arquetipo de nuestro inconsciente colectivo que representa todo lo que rechazamos de nosotros mismos, lo que nosotros o nuestra sociedad o familia rechaza y que por lo tanto reprimimos y negamos. Y, aunque no lo dijera la sicología jungiana, lo que sucede con las serpientes es realmente de llamar la atención pues al parecer en todas las culturas son un símbolo de sexualidad, de salud, de transformación y se les relaciona con lo religioso cuando, en vista de la capacidad de los reptiles venenosos de matarnos, parecería más lógico que se hubieran quedado representando lo terrorífico y nada más.

 

Con la sombra sucede lo mismo pues a pesar de representar, por definición, lo que consideramos negativo, tiene también su lado bueno. La sombra, decía Jung, puede dominarnos desde la oscuridad, puede ejercer su influencia sobre nosotros sin que nos demos cuenta, pero por otro lado, si conocemos nuestra sombra podemos hacer que ese poder, esa energía sea nuestro. "Se dueño de tu propia sombra" recomendaba Jung.

 

En la primer película de Harry Potter, la serpiente y sus símbolos y otras representaciones de la sombra están muy presentes.

 

Erase una vez un huérfano.

Es sabido el papel especial que ocupan los huérfanos en la mitología, desde Moisés hasta Luke Skywalker pasando por casi todos los héroes de las películas de Disney y Harry es un huérfano, en términos simbólicos es hijo de todos, de la sociedad.

Y su vida no es fácil, sufre a manos de su primo consentido y malcriado, que se enoja porque de cumpleaños solamente recibió 36 regalos de sus papás pero su madre rápidamente lo consuela diciéndole que le van a comprar más. Digamos que Harry tiene un problema de clase social dentro de su propia casa, y a él le toca ser la clase trabajadora de esa familia y lo ponen a preparar el desayuno y servir el café.

 

Más tarde en el zoológico vemos que Harry se comunica con una serpiente que lo que quiere es salirse y hacer de las suyas y que está del lado de Harry. Pues hay un lado de él, que el propio Harry desconoce y que su familia postiza, que como dije viene representando a la sociedad, está empeñada en ocultar. Los mensajes empiezan a llegar poco a poco hasta que finalmente se vuelven abrumadores, así como suelen ser los mensajes del inconsciente hasta que un día no se pueden ocultar más e irrumpen de la peor manera como un gigante que llega tirando la puerta. Y este gigante le dice a Harry entre otras cosas:

 

               "...alguna vez haz hecho algo que no puedes explicar

                          cuando estás enojado o asustado?"

 

Justo como las cosas que suele hacer la sombra. Antes de irse el primo de Harry recibirá una lección y cuando se estaba atascando el pastel de cumpleaños de Harry, el gigante Hagrid le pone una cola de cerdo, el animal que simboliza la avaricia, la codicia y hasta a los grandes capitalistas.

Harry se cambia de bando

En el zoológico frente a la serpiente, Dudley, el porcino primo de Harry lo empuja y toma su lugar.

Esto resulta significativo porque ahora Harry se va a Hogwarts, que si lo separamos (Hog warts) y lo traducimos significa "verrugas de cerdo", no es la colita pero una verruga de cerdo vendría siendo otro tipo de "marca" de cerdo. Y es una escuela inspirada sin duda en las escuelas particulares británicas, como las afamadas universidades de Cambridge y Oxford. Las casas de Hogwarts vienen siendo el equivalente de los colleges (nada que ver con un college americano), de esas universidades. Para entrar a Cambridge o Oxford la gente no hace exámen para entrar a una facultad, sino que tiene que entrar a un college, independientemente de lo que uno vaya a estudiar. Por lo menos en lo que vendría siendo el nivel licenciatura. Y estos colleges tienen grandes rivalidades entre ellos.

Las cenas en Hogwarts son como unas comidas que hay en los colleges, llamadas High Tables, a las que la gente va con uniformes y gorritos y los profesores se sientan en una mesa al frente más alta que las otras. Y en estas universidades hay edificios muy antiguos y medievales como el castillo de Hogwarts.

 

Hasta en el famoso diálogo de Hermione cuando corrige a Ron diciéndole que se pronuncia "Leviooosa y no Leviosaaaa" hay señales de estas elitistas universidades pues sus graduados tienen fama de ser a veces unos pedantes que, como han estudiado materias como inglés y latín con los mejores profesores, se la pasan corrigiendo a los demás.

 

Y Cambridge y Oxford son de las universidades más famosas y prestigiadas del mundo pero para los británicos también tienen un lado negativo pues se les considera escuelas elitistas que forman parte muy importante del sistema de clases sociales de ese país. Y para abreviar y no tener que decir Cambridge y Oxford todo el tiempo le dicen el oxbridge, es decir el "puente de los bueyes".

 

Entonces resulta que Harry ahora tiene fama y fortuna heredadas, como una especie de aristócrata de la magia. Aunque cabría preguntarse de que le serviría a un mago tener tanto dinero en el banco, ¿no podría convertir cosas en oro simplemente o por lo menos guardar su tesoro en un lugar más "mágico" que un banco? En El Señor de los Anillos, otra historia centrada en la magia, el dinero no tiene ninguna importancia por poner un ejemplo.

Entonces ahora Harry va a Hogwarts, como sus padres, y recordemos que la tía de Harry ha dicho que su hermana era una insoportable, y se mete de lleno en ese mundo de competencia entre las casas, y es rico y famoso pero... ahora la serpiente ya no está de su lado, es su enemiga.

La casa rival, Slytherin, nombre tan parecido a slither, que significa reptar; es encabezada por el profesor Snape, sólo cámbienle la “p”. De hecho hay una toma, afuera de la casa de los reptiles en el zoológico, en que se ve a un grupo de estudiantes saliendo con unos uniformes muy parecidos a los de Hogwarts, y los uniformes tienen los colores de Slytherin

No se dejen engañar porque Harry se hace amigo del pobretón, "uniforme usado" de Ron Weasley. Harry es ahora un rico bastardo, pero ahora también tiene problemas con la serpiente y no sólo con los de Slytherin, hay de hecho un tipo que tal vez quiera matarlo, pero como todo aquello que está en la sombra, debe ser negado, al grado que ni siquiera debe pronunciarse su nombre. Un día sin embargo en "El bosque oscuro", otro de los símbolos de la sombra, Harry finalmente lo encuentra. Como era de esperarse el tipo es invisible, es tan sólo una especie de humo, podemos deducir que está ahí porque mueve las cosas, como la sombra, pero no podemos verlo. Y se mueve como serpiente.

 

Entonces para que el enemigo no adquiera poder Harry deberá conseguir una piedra antes que él y aquí hay que regresar a Jung que decía que a nuestra sombra síquica, no se le debe ni puede combatir o reprimir ni negar, lo que hay que hacer es conocerla, entenderla. Porque llama la atención que en varias de las pruebas que Harry y sus amigos deberán pasar para llegar a esta piedra de lo que se trata es de no luchar. Para empezar obviamente cuando caen en un cuarto lleno de víboras y la clave está en ponerse flojito y dejarse llevar, la piedra misma sólo la conseguirá quien no quiera usarla.

Y al "Espejo de Erised" también se le puede conectar con otra famosa frase de Jung, "Nadie se ilumina fantaseando figuras de luz, sino haciendo consciente su oscuridad". Y ese espejo en donde todo se ve como queremos, no sirve de nada como le dice Dumbledore a Harry.

Como suele suceder con las serpientes simbólicas al final el profesor Snape resulta ser bueno y en cambio el profesor Quirrell, dedicado a combatir a la fuerzas oscuras, lo que como ya se dijo, no debe hacerse, era manipulado por el lado de él que nadie, ni él mismo, podía ver. No es de extrañar que se comportara de una forma que es de suponerse él no había elegido, es lo que pasa cuando la sombra lo domina a uno.

 

Al final sin embargo Harry no logra derrotar a la sombra, y debe regresar a su casa con su familia postiza y su primo. Hagrid le acaba dando tips para cuando su primo lo vuelva a molestar. Lamentable pero, como ya se dijo, si uno se pone contra la sombra lleva las de perder.

¿Pero porque se ha puesto Harry contra ella? En la casa de los reptiles el insensible Dudley tomó el lugar de Harry frente a la serpiente. En la vida real, el que se habría ido a una escuela elitista sería Dudley, no Harry. Al intercambiar papeles Harry dejó de entenderse con la serpiente, como Dudley cuya sombra pasa a ser la de Harry.

¿Qué podría haber en la sombra de Dudley?, ¿Qué cosas a reprimido y negado? Por lo menos en esta primera parte "aquel que no debe ser nombrado" es simplemente malo porque sí.

Pero se nos dan algunas pistas: Primero, todos los malos vienen de Slytherin y sólo hay dos personajes de Slytherin con un papel en la película: El profesor Snape, que es bueno, y Draco Malfoy, el mamón que critica a Ron Weasley por usar un uniforme de segunda mano. Por lo tanto las sombras de Dudley y de Draco Malfoy podrían tener algo en común. Otra pista: Esta serpiente es huérfana como Harry, o sea que también simboliza a una hija, o más precisamente a una sombra de todos, de la sociedad.

¿Y qué otra cosa tienen en común Harry y la serpiente? Que están encerrados. Al parecer Harry pasa mucho tiempo encerrado porque le dice a la serpiente que entiende cómo se siente ella. ¿Y por qué los Dursley tendrían encerrado todo el tiempo a Harry? Pues para no verlo, pues podrían estar proyectando en Harry a su propia sombra. Es pobre y a la gente no le gusta ver a los pobres. Después de ver "Harry Potter y la piedra filosofal" lo que podemos deducir es que lo que los Dursley y la sociedad no quieren ver y que por lo tanto han enviado a la sombra es a los niños pobres, precisamente como al Harry Potter del principio de la película.

Y los niños pobres simbolizan la inocencia, por lo tanto a los pobres que no tienen la culpa de serlo.

Guillerno Arriaga y la intuición

Dice Guillermo Arriaga: 

-Nunca investigo. Jamás. Con 21 gramos todos los términos médicos, todo lo que sucedía allí lo inventé, lo imaginé. Pero luego los doctores me decían: “¿Oye y cómo lo hiciste, quién te dijo?, todo es correcto”.

http://critica.cl/entrevistas/entrevista-a-guillermo-arriaga-los-maestros-pensaban-que-yo-era-tonto

El secreto de Tribilín

Pues según dicen aquí, y suena convincente, lo que pasa es tribilín que representaba a un negro. O mejor dicho a cierto estereotipo de negro.

Enchúlame a los fresas

Mirreyes avanzando en formación V

Erase un hombre rico que sentía que sus hijos no lo respetaban: el hijo mayor quería ponerse creativo y hacer sus propios negocios en vez de trabajar en su empresa y hacer todo lo que él decía. El hijo menor se le estaba volviendo como hippie izquierdista, un chairo; y le había dado por andar con mujeres mayores. Lo peor de todo era que la hija quería casarse con un tipo sin dinero. Que como es bien sabido casi cualquiera que quiera casarse con la hija de un rico si tiene menos dinero que este es considerado un cazafortunas. La hija luego tiene un romance con un pobre, al estilo Amar te duele, y ese amor sí es aprobado, supuestamente porque ese tipo sí es trabajador; en realidad porque ese sí es un amor imposible que jamás podría suceder y entonces como es tan irreal tampoco parece una amenaza. Es como un sueño o fantasía salido del mismo lugar que el inverosímil sindicato que amenaza la fortuna familiar, sindicato que ni el hijo que trabaja en la empresa conoce, y que sería muy raro en México en donde las empresas privadas con sindicatos de verdad son poco menos que inexistentes. El sueño es que la hija puede andar con quien ella quiera, Javi puede trabajar sin tener a su papá de jefe y el menor es acosado por las mujeres mayores. Y el papá también sueña, sueña que ahora él es quien exige dinero a sus hijos. Aprovechando el viaje vemos que en realidad los fresas son simpáticos y buena gente en el fondo, y en esto hay que reconocerle a esta historia que su humor sí es efectivo, la neta. Sobre todo el Javi Noble es bien cagado, la verdad. Ya después de los créditos para los que se esperaron, una escena final: Al que ambicionaba la fortuna del patriarca lo van a violar entre dos. Chido.

Todo esto por supuesto, no es la película Nosotros los Nobles. Sólo que si uno quisiera hacer una película política y comercialmente correcta, a partir de la historia anterior; lo mejor sería hacer Nosotros los Nobles.

Elysium, salubridad y apocalipsis

Impresionante el timing de Elysium. En esta película que podría resumirse como "La banda del bordo de Xochiaca se rebela contra los de las colonias enrejadas nice" nomás que estás colonias están en el espacio porque es película de ciencia ficción... pues resulta que el meollo de la trama es darle reboot (literalmente) al sistema y así cambiar todo el esquema de poder. ¿Y qué vemos qué es lo más desean los pobres? Pues servicios de salud. Justo cuando en Estados Unidos por oponerse a un seguro de salud los republicanos están amenazando con darle reboot a todo el sistema. Si para el 17 de Octubre no hay un acuerdo y la deuda de Estados Unidos, considerada el activo más seguro del mundo, más incluso que el efectivo, cae en default, osea, se deja de pagar, nadie sabe que pueda pasar. Sólo que puede ser algo que haga ver la quiebra de Lehman del 2008 como cosa de nada. Así que estamos en cuenta regresiva... Bueno, nadie dijo nunca que los americanos no sepan ponerle emoción a las cosas.

Los peligros del Dr. Who

Que dicen los del partido comunista chino que es muy peligroso que la gente ande imaginándose realidades alternativas, no se les vaya a ocurrir imaginarse un régiman mejor del que tienen, y entonces que agarran y prohiben al Dr. Who.

/http://www.tydknow.com/did-you-know-that-the-chinese-government-banned-the-show-dr-who-because/

Mallick el anunciante

To the Wonder es como un largo anuncio, al terminar sentí que había visto más escenas de niñas y mujeres bailando en trigales que si hubiera juntado todas las escenas de niñas y mujeres bailando en trigales de todos los anuncios de teléfonía y seguros de vida del mundo. Aunque para ser justos esta puesta en escena de Chanel meets Tommy Hilfiger tiene de todo, hasta toma cosas del estilo chantajista de los anuncios de las fundaciones.

 

Claro que en el mundo de la publicidad todos los personajes tienen algún problema muy concreto y terrible - su desodorante no dura todo el día o algo así - y en cambio en esta película los personajes viven como despegados de lo material, todo es bailar con alguna cortina bajo el sol de la tarde o jugar con el lodo después de la lluvia mientras se piensan frases deshilvanadas sobre el amor. La película en realidad es un himno a la superficialidad, tanto en lo visual con su foco en las texturas, como en la historia en sí que evita meterse al fondo de cualquier cosa. El colmo es que luego esto se venda como cine alternativo, con todo y Ben Affleck y Javier Bardem. Y tiene un tufillo nacionalista... O sea...  ¿Estados Unidos un país tan honesto? ¡¿Honesto?! Y bueno, ¿qué tal el padrecito Bardem con sus soliloquios religiosos de fondo? ¡Puf!

Terrible.

Desenfocando la violencia

Fecha de Caducidad, debut en largometraje de Kenya Márquez es otra película en que se nota una negación del narco y su violencia. Al igual que en Miss Bala o en Heli o en la obra teatral El Narco Negocia con Dios, En Fecha de Caducidad el narco se mete a la vida de personajes que aparentemente no tendrían porque tener que ver con el narco. Bueno, en este caso resulta que el edificio de departamentos que sirve como escenario principal es de un narco, pero eso acaba por no tener ninguna importancia, como algo simplemente anecdótico.

En este caso lo que se mete en la vida de los personajes, una señora que vive con su hijo adulto al que consiente con el esmero necesario para cultivar un perfecto macho mexicano, es simplemente que al hijo le cortan la cabeza. De hecho no se ve a ningún narco, por lo menos no a la cara y ni siquiera se menciona o se ve droga alguna. Tampoco se dice nada acerca de la razón por la que le cortan la cabeza al hijo, o quienes fueron o en que andaba metido. Como si eso no importara o más bien como si ese asunto no tuviera interés alguno.

Porque en el fondo esta es una película centrada en la intimidad de los personajes, en los cuentos que se cuenta Ramona, la madre del desaparecido, con ayuda de otra mamá que perdió a su hijo. En el personaje de Mariana que huyó de su pueblo pues mató al marido que la golpeaba. Ramona creerá que Mariana debe ser novia de su hijo, como confirmando que ese esposo golpeador podría ser el hijo de alguien como ella. Y en Genaro, un milusos servil de pelo relamido que parece una especie de jorobado de Notre Dame enamorado de Mariana. Un tipo ratonil que busca refacciones en los deshuesaderos, roba cosas de la morgue, hace mandados, saca copias, colecciona periódicos de nota roja y le habla a las cucarachas como a unas amigas. Curiosamente otro tipo que saca copias y se enamora de una dependienta. Según el crítico José Antonio Valdés Peña, las historias de Kenya Márquez, quien además de este largometraje ha hecho tres cortometrajes, tienen que ver siempre "con un México provinciano dominado por fuertes presencias matriarcales que engendraban hombres patéticos, castrados emocionalmente". Y sí, resulta fácil imaginarse a Genaro como un niño al que su mamá embadurna de gel y lo vuelve jorobado a base de zapes.

El mundo de Fecha de Caducidad se siente sofocante y decadente, o mejor dicho se nota que algo está podrido ahí. Un gran acierto de la película además de su humor negro es el diseño de arte que al principio hace pensar que se trata de una historia de época, pero lo que retrata en cambio es una realidad en donde el tiempo parece haberse quedado detenido: lo mismo en las oficinas burocráticas con su patetismo, o en el departamento de Ramona. Todo esto además, fotografiado con tonos mates y gránulo reventado, dan un aspecto de algo tan estancado como el hijo adulto al que la mamá le corta las uñas.

Aunque el estilo narrativo se aleja, afortunadamente, del lento minimalismo de moda, y en cambio presenta una atractiva historia narrada desde tres puntos de vista que parece detectivesca, creo que el final decepciona pues en vez de contarnos que enredos le costaron la cabeza a Osvaldo, el hijo de Ramona, tenemos una especie de final interruptus en que ella cree que ya mando pal otro lado con unos bolsazos al que cree es el asesino de su hijo, es decir, al pelmazo de Genaro, que por andar de acomedido llevándole a la señora la cabeza que se encontró accidentalmente acaba pagando el pato.

Como en Heli, la toma final presenta una escena que indica un retorno a la vida cotidiana. Aunque la vida haya sido trastornada. En este caso acabamos viendo a Ramona cerrar el círculo comprando sopa de tomate, la que siempre le daba a su hijo, la que se enfrío mientras lo esperaba. Todo empieza y acaba en la vida cotidiana, aunque haya pasado lo que haya pasado en medio. Algo que se metió a su vida y se llevo a su hijo. Pero ni ella, ni la película pudieron siquiera asomarse a ver que pasó.

En Miss Bala destacan las tomas desenfocadas, como si no se quisiera ver bien. En Heli vemos en primer plano unos genitales quemándose, pero a nivel de trama el narco se desdibuja. En Fecha de Caducidad las actuaciones enfatizan todo, casi como en estilo de cine mudo, pero tampoco se quiere ver tan bien: la cabeza de Osvaldo, el hijo, no se ve muy realista, ni siquiera los golpes en la cara de Mariana se ven bien. En una escena le dicen a Mariana que se maquille los golpes pero no se le ve ninguno. En fin, una historia entretenida pero que parece que está siendo contada por una señora como Ramona que sólo ve lo que pasa afuera a través de una ventanita entreabierta, como viejita de pueblo.

Heli, retrato intimista con narco

Heli, tercer largometraje del mexicano Amat Escalante pertenece a las películas del estilo que se ha llamado minimalismo mexicano o contemplativo mexicano y en el cual se inscriben directores como Fernando Eimbcke (Temporada de Patos, Lake Tahoe), Hari Sama (El sueño de Lú), Ernesto Contreras (Párpados azules) Gabriel Mariño (Un Mundo Secreto), Carlos Reygadas etc. Se caracterizan por hacer tomas muy largas, generalmente con cámara fija, y tener anécdotas o tramas mínimas, diálogos muy parcos y por lo general su tema es la intimidad de algún personaje muy cotidiano, es decir de personas que no parecen tener nada particularmente especial. Ah y claro, también se caracterizan estas películas por ganar muchos premios en festivales internacionales como es el caso de Heli por el que Escalante recibió la palma de oro a mejor dirección en el pasado festival de Cannes.

Lo que distingue a Heli de las otras películas minimalistas mexicanas es que en este caso el fenómeno del narco irrumpe en la cotidianeidad de los personajes promedio retratados aquí. Y el verbo retratar, con su conotación de algo fijo, nunca fue tan preciso como en el caso de las películas mexicanas minimalistas, como puede constatar cualquiera mientras espera pacientemente a que cambie la toma en alguna de ellas. Y, también, nada explica tan claramente que se trata de presentar personajes promedio como el hecho de que en Heli, el personaje principal Heli (valga la redundancia), es presentado en una escena en que llega una trabajadora del censo a tocar a su puerta para pedirle sus datos. Hasta hace pensar que quizá Heli fue creado a partir de ciertos parámetros de normalidad tomados del censo o algo así.

Pero entonces ¿cómo conjuntar una mirada intimista de unos personajes promedio y su cotidianeidad con el fenómeno del narcotráfico? ¿Qué no es el narcotráfico algo demasiado complejo, y brutal, como para combinar con la propia noción de cotidianeidad? ¿Y también demasiado complejo para una película que siga el férreo precepto del cineminimalismo mexicano de que la trama será mínima en caso de que haya trama?

Creo que la escena que aparece en uno de los carteles de esta película refleja muy bien lo que pasó: Una cosa feroz y brutal, una bestia monstruosa y rugiente, es decir un vehículo del ejército, llega y se planta frente al minimalista Heli (Armando Espitia) flaco y sin camisa, y su mínima casa pelona sin pintar. Y lo que pasa en esa escena es que simplemente, sin ninguna explicación, el vehículo militar se va. Y en la película Heli, el narco también se pierde frente al minimalismo.

La primera toma, un largo (no podía ser de otro modo) acercamiento a la cabeza y los pies de unos torturados bajo una bota parece indicar el principio de un acercamiento en close up al mundo del narco, pero estas y otras imágenes de la película no tienen un equivalente en el detalle del guión, de la historia. El primer indicio es cuando cuelgan un cuerpo de un puente pero sin narcomanta; después viene una cadena de absurdos: Los paquetes de cocaína que sólo cuida un perro y cuya ubicación es una especie de "rumor" que escuchó un tipo. Luego Heli que descubre los paquetes en su tinaco en donde acaba de ver a su hermana con su novio y lo que se le ocurre es ir a tirar la cocaína en el agua donde chapotea una vaca. Cuando llegan por él y su familia uno no puede más que pensar "Pues sí, eso le pasa por bestia". Después en una escena que recuerda el final de Miss Bala, cuando a la Miss nomás porque sí se le abre una puerta para escapar de su narcopesadilla, a Heli los torturadores le dicen que acabó su tormento y que ya se puede ir. Su hermana sigue desaparecida pero después de unos días regresa así nomás, no habla pero ni siquiera se le ven golpes y dibuja un mapa muy preciso del lugar donde la tenían. Así que Heli, ya en el colmo del absurdo, va a esta guarida de narcos a darles su merecido solito y a puño limpio y con tanta suerte que sólo había un malandro en el lugar que sale corriendo para que Heli no le pegue. Aunque Heli (SPOILER ADELANTE, PELIGRO) lo alcanza.

En fin que el costumbrismo intimista derrota al narco, porque este de verlo nomás salió corriendo, (a la mejor las películas lentas son la criptonita de los narcos) y al final tenemos una larga escena en la que el viento mece las cortinas de los personajes amodorrados en una tarde tranquila. Paz y amor y las telenovelas de la tarde, amén.

Misato mata Mako

Sí juzgamos Titanes del Pacífico por el simple criterio de sí es entretenida o no, la respuesta para la mayoría es que sí. Incluyéndome. Pero cuando acabó la película me dio una sensación de que algo faltaba y es que aunque visualmente es espectacular, los personajes son completamente acartonados (o sea ¿a alguien le provocó algo el beso final entre Raleigh y Mako?). Y la historia en lo fundamental sale de Evangelion. Aunque de Evangelion sólo una parte esté en Pacific Rim.

Y bueno, no niego que hacer una versión de acción viva de Evangelion, con un gran presupuesto, suena como una buena idea. Pero si la juzgamos así: ¿Qué tan bien quedó esta película de millones y millones de dólares comparada con esa mundialmente famosa y exitosa caricatura? Entonces creo que Titanes del Pacífico queda a deber. Porque aunque, como ya dije, visualmente es espectacular, una película necesita una historia y necesita buenos personajes. Y Guillermo Del Toro lo sabe y le metió a su película una buena cantidad de personajes y subtramas y hasta se mete en un rollo acerca de los gemelos,  los cerebros dobles, las mentes de colmena y que si creamos mounstruos para defendernos de los mounstruos etc.  Sin que esto llegue a nada al final.

Y parece que fue por sus personajes a las tiendas Simi de personajes de cartabón. Así tenemos a los dos pistoleros/pilotos retirados que deben regresar a pelear (Raleigh y el Mariscal Pentecost) y la pareja de guerreros que primero se enfrenta y luego se enamora (Raleigh y Mako Mori), el gángster excéntrico Hannibal Chau y la pareja de nerds maniacos. Ah y claro, el conflicto de vestidor entre las dos estrellas Raleigh y Hansen. Pero sin que ninguno sea más que una simple caricatura de personaje. Y aquí es en donde paradójicamente, si la comparamos con las caricaturas de Evangelion, está película queda muy mal. Y pongo simplemente un ejemplo: Creo que cualquier fan de Evangelion escogería, sin pensarlo siquiera, irse a tomar unas chelas con Misato Kasuragi antes que conocer al personaje femenino de esta película Mako "zapatitos rojos" Mori. Inclusive si tomamos en cuenta que por ser una película PG-13 probablemente le habrían tenido que bajar a la parte sexual, Misato es un personaje sexy, divertido, e interesante. Una engullidora de cervezas que podría ganarle en eructos a un trailero, que tiene un pingüino mascota y es tan mala cocinando que hasta la comida para microondas le queda mal. Y sus dialogos, al menos según recuerdo, son mejores que los elementales diálogos de Titanes. El colmo es cuando en una escena después de créditos sale el personaje de Ron Perlman a preguntar por su zapato. ¿Eso lo sacaron de algún manual de frases para poner en un guión o qué?

Noté que a muchos les gustó la película por una cuestión nostálgica (¡Titanes de la Nostagia!) que dicen se sintieron de nuevo como cuando tenían siete años y les recordó a Mazinger Z, Godzilla y Mothra etc.Yo sólo se que a mi niño interno de 7 años le caga la nostagia y le gusta ver cosas nuevas.

En cuanto al sonido esta es una películña realmente ruidosa pero su ruido como que podría aportar más, no sé... que los gritos de kaijus helaran la sangre o sonaran a algo nunca antes oído por ejemplo. Como que al diseño de audio no le pusieron tanta atención como a lo visual. ¿Y ese soundtrack con rocanrolito x? Esta película pedía a gritos algo de electro.

Por último, nuevamente aparece el tema, muy de moda, del personaje atormentado por recuerdos que debe combatir clones o despertar gracias a los recuerdos para ya no ser él mismo un clon: Oblivion, La Huésped, Aeon Flux, son algunos ejemplos de esto. Pero a diferencia de lo que sucede en estas películas, en Titanes del Pacífico el personaje lo que hace, y lo que le dicen que debe hacer, es no hacerle caso a esos recuerdos. Y entonces curiosamente resulta que el personaje, Mako en este caso, acaba siendo protagonista de una película en cuyo ADN no hay nada original. Como le sucede a los clones.

Una buena comedia

Entre tantas comedias malas es difícil encontrar cosas que valgan la pena y Youth in Revolt a primera vista parece una del montón, aunque ya fijándose el elenco sí está bueno. Además en México parece que le pusieron "La Chica de mis Sueños", que es el mismo título que le pusieron a Ruby Sparks, como para que realmente nadie la notara. Pero está buena.

Borrando los recuerdos fantasmagóricos

Pig es otra película con personaje atormentado por recuerdos, en este caso se la pasa, en repetidas ocasiones, despertando en medio del desierto sin recordar nada de su pasado. Lo que sucede es que el guey era un hijodesuchi que por necio y borracho mató a su esposa y su hijo y le ofrecieron meterlo de conejillo de indias para probar unas nanomedicinas para borrar sus recuerdos y así saldría de la cárcel pero sobre todo sería feliz. El problema es que el tipo sigue buscando quién era y hay que repetir el experimento. Al parecer en la última prueba parece que no buscará su anterior identidad. No se en en donde pero leí que  la tecnología para borrar recuerdos ya viene en camino.

Increíble pero cierto

Compliance es una película basada en un caso de la vida real, que contrario a lo que suele suceder, sí está realmente basada en un caso de la vida real y no como luego pasa que es 99 por ciento de imaginación y lo demás de realidad. De hecho parece que en todo caso se quedaron un poco cortos, porque se basaron en un caso sobre todo, pues hay varios así, y ese caso es verdaderamente increíble. Pero cierto.

El clon de hojalata quiere un corazón

The Host es otra película cuya historia parece que se trata de clones en conflicto con humanos tradicionales. Como Oblivion. En Host los extraterrestres de hecho no son más que cables de fibra óptica. Se visten todos igual, sus edificios son muy modernos y en sus tiendas los productos no tienen marcas, todo igualito como clonado. Se supone que son almas pero, físicamente, parecen simple fibra óptica. Y al igual que en Oblivion, o en Aeon Flux, estos seres modernos viven en un mundo perfecto, pero algo, por dentro, les recuerda algo. En los tres casos el amor que es lo que los hace regresar, despertar o en el caso de The Host renacer.

El bien y el mal según Juno

En Juno, se presentan los siguientes personajes:

Adolescente que regala a su hij@ ---> Es buena
Adulto que no quiere hijos            ---> Es malo

Me parece que estos juicios que presenta Juno son con los que estaría de acuerdo la sociedad. Así que es interesante preguntarse que pasaría si cambiamos algunos de los factores. Por ejemplo, si el hombre en vez de ser un adulto fuera un adolescente. Supongamos que embarazó a su novia que era huérfana y la novia muere y entonces, el adolescente, (digamos que tuviera la misma familia de Juno) se queda con el bebé y lo regala. ¿Sería bueno o malo? Supongo que bueno.

¿Pero qué pasaría si lo que cambia es el dinero? Fuera de que tienen una casa grande no nos consta que tan rica realmente sea la pareja adoptante pero lo único que importa aquí es que Juno dice que son ricos. Entonces ¿qué pasaría si Juno fuera rica, muy rica, y regalara a su bebé? Seguramente que Juno entonces no sería tan buena. El dinero es lo que cuenta más que el género o la edad.

Y hay otra cuestión, el personaje de Jennifer Garner, Vanessa, no puede tener hijos pero dice que siente que ella nació para tener hijos así que está dispuesta a sobornar, ehem perdón, este... dar una compensación económica a alguna adolescente que le regale al suyo. Entonces ella es muy buena. Cambiemos los factores, ahora es un hombre que dice que él nació para tener niñas y darles todo lo que quieran. Incluyendo su amor. Bueno, okey, es un pedófilo y está dispuesto a dar una compensación econo... no, no, eso está muy feo... mejor que sea un hombre que no puede tener mujeres guapas pero siente que el nació para tenerlas, así que está dispuesto a dar una compensación económica, no por quedarse con alguien para siempre sino sólo por tenerlas un ratito: malo sin duda, a la cárcel por fomentar la prostitución.

Y también está el factor imagen. Supongamos que el fondo del asunto queda igual, es Juno la que va a dar a su bebé, y se lo va a dar a una pareja adulta. Pero que tal que en la película vemos que Juno no sabe que hacer; que no es tan lista, fría y sarcástica. Y la decisión es tan difícil para ella que anda llorando por los rincones. Y entonces se le aparece un viejo político corrupto, un tipo muy gordo y feo que anda en una camionetota con guaruras y le dice que quiere a su bebé, no para él sino para su hija. La misma, Vanessa, que es Jennifer Garner, que es toda linda y amable. Excepto cuando no sea así claro..

Digo, podría ser, pues apenas sabemos algo del personaje Vanessa en la película aparte de que es bonita y tiene dinero.

Soñando con el Spring Break

Al principio de Spring Breakers una de sus cuatro protagonistas femeninas dice que todo mundo se siente tan miserable ahí; ese ahí es de suponerse es el college en donde vive junto con sus tres amigas, porque todo el tiempo están viendo lo mismo. Y ese comentario resulta significativo al principio de una película que se va a caracterizar por una repetición constante de tomas y de frases. Como para que no quede duda que la repetición incesante es algo fundamental en Spring Breakers, su director Harmony Korine inclusive llega a repetir varias veces la misma escena con tomas desde diferentes ángulos una tras otra.

Esto junto con otras cosas me hacen suponer que la respuesta a la pregunta de si el director está planteando alguna crítica en su película es que sí. Creo que Spring Breakers sí se puede leer como una crítica, lo cuál no quiere decir que hacer esta crítica haya sido la intención de Korine, ni siquiera una de sus intenciónes, pero que como quiera que sea hay una crítica en esa película. Y la crítica no es a la promiscuidad, ni a las drogas o al culto a las armas. Para mí que la crítica es a los sueños de los americanos, más específicamente los de la generación que está en la universidad y se va de spring break.

La historia empieza con algo común en el cine americano actual: la gente, maestros y alumnos odian la escuela no importa si es el high school, la primaria o la universidad. Así que las cuatro estudiantes que nos presenta Spring Breakers no soportan la idea de quedarse en su universidad durante el spring break. Hasta aquí llega el realismo de la película pues para conseguir dinero ejecutan un asalto inverosímil a un restaurante. La inverosimilitud de la historia llegará al máximo al final cuando dos de las chicas llegan con bikinis fosforescentes y máscaras de ski rosas a matar con sus metralletas a todo mundo en la casa de un peligroso gángster. Pero para entonces ya los espectadores vimos escenas con ellas bailando con sus máscaras rosas en una ronda con metralletas mientras otro gángster, el alien, toca una canción de Britney Spears en el piano. Después de eso no puede quedar duda que realismo no es lo que el director busca.

En cambio, si consideramos esta película como una especie de sueño que sale de los dormitorios de los colleges mientras se espera el spring break, entonces todas las piezas caen en su sitio. Así se entienden mejor tantos flashforwards y flashbacks, que dos estrellas de la "fábrica de sueños" de Disney, Selena Gomez y Vanessa Hudgens sean estelares, o que el soundtrack mezcle agresivos tracks de Skrillex con piezas de electrónica de tono fantasmal.

Y ¿qué nos dice Spring Breakers de estos sueños? Para empezar que el sueño no es irse de spring break y regresar sino vivir un spring break sin fin y nunca nunca tener que regresar a la maldita realidad. Pero la película se burla de este sueño cuando una de las springbreakers dice que eso quisiera y las otras se burlan.  El Alien por su parte repite que él vive el sueño americano y pide que vean sus cosas: sus fajos de billetes, sus armas y sus t shirts de diseñador, pero cuando lo matan, sus amigas ni siquiera voltean a verlo. Las alegres vacacionistas llaman a abuelitas y otros familiares por teléfono y les cuentan lo maravilloso que la están pasando y como les han servido sus vacaciones en escenas que son una burla. Y sobre todo, está la repetición incesante que como escuchamos al principio, es lo que hace que la gente se sienta miserable.