Malditismo condechi

Sobriedad me estás matando (Dir Raúl Campos, guión Campos, Octavio Hinojosa, Félix de Valdivia 2025) es una película que parece más comedia en el trailer y la publicidad de lo que es en realidad. Sí tiene comedia y humor pero es un comedidrama y con drama pesado. En particular la relación entre Raffi el protagonista, y su mamá, es como la peor relación madre - hijo que yo recuerde de la ficción. Se llevan muy, muy mal.

Realmente ya con eso - unos padres que parecen pelearse por ser ellos los que querían abortar a Raffi, la mamá le dice que ella lo quería abortar y el papá que no, que era él - pues ya es más que suficiente para que la vida de Raffi sea un desastre, y la supuesta razón por la que Raffi se volvió drogadicto no sólo sale sobrando sino que es absurda. O sea nos dicen que Raffi se volvió drogadicto por culpa de un accidente. Y Raffi sí podría sentirse culpable, pues por querer dejar a su novia se desató la cadena de acontecimientos que llevaron al accidente. Pero no, Raffi odia a la novia muerta y le echa la culpa de todo a ella. ¿Y entonces cómo o porqué él se habría vuelto drogadicto por eso? Es absurdo, y la propia película me da la razón pues lo que hace recaer a Raffi en la heroína es algo que pasa con la mamá, nada que ver con la exnovia muerta.

O sea que entonces la vida de Raffi iba muy bien, fuera del pequeño detalle de que sus padres lo odiaban, hasta que un día a los 23 años choca en el periférico. ¡Y púm, se vuelve drogadicto!

Nótese que Raffi tiene la típica personalidad del niño consentido, del niño malcriado. ¿Pero quien demonios consentía a Raffi? una mamá así no deja que nadie consienta a quien le "destryó la vida", y si le heredan un reloj que "vale una fortuna" primero lo tira antes que dárselo a ese hijo.

Me parece que en realidad Raffi y su mamá no se llevaban tan mal como nos quieren hacer creer. Nótese que ella es pintora y él quería ser fotógrafo. Ahí hay como un interés común en las artes visuales. y sobre todo, lo que acaba delatando que Raffi y su mamá no se odiaban es que al final ella le dice que no es especial, y apenas un poco más adelante el Raffi ya anda tirando rollo de exadicto y dice que la clave fue darse cuenta que no es especial. Nomás le falta darle las gracias a su má.

Yo sé que en la Ciudad de México, entre los fresas, la "gente bien", hay adictos a la heroína. Y se me hace buena idea, me gusta que hayan hecho una historia con un personaje así. Una historia del México del siglo XXI. Pero... les falta barrio. Casi no se toca el tema de la drogadicción en si mismo, toda la jerga y la realidad de ese mundillo.

Se siente con lo de las drogas y los malos padres una cosa como de maldad wannabe. Y la música se me hizo horrible, eso del junkie cantando la de Napoleón de "abre tus brazos a la vida" está de un cringe insoportable.

Y entonces el junkie que cantaba a Napoleón, y que quería ser papá aunque fuera de las criaturas que su crush de la prepa tuvo con otros, vive además con ángeles, como su cuate Trino que es un santo, cualquier otro lo hubiera echado de su casa y además en un mundo laboral bien chido donde se puede mentir sin tanto problema para conseguir chamba. aquí Sobriedad me estás matando saca el lado de la comedia y de la comedia romántica inclusive. El otro extremo.

Con razón no les sale la maldad. A la película le pasa lo mismo que a Raffi cuando está en su terapia de grupo y le llega su turno de decir la neta y en vez de eso hace una broma.

Y luego regresa a rehab y ahora se hecha su rollo de "soy bien sabio porque estoy dejando las adicciones. ¿Pero como tomarlo en serio si ya vimos que es un adicto a las drogas duras sólo que está atrapado en una comedia boba?

Así no se puede.

Sueños de anfeta

Marty Supreme (Dir. Josh Safdie guion Safdie, Ronald Bronstein 2025) recuerda mucho a Uncut Gems, el anterior y genial largometraje de Josh Safdie codirigido con su hermano Benny. Ahora ya dirigiendo solo, Josh nos presenta nuevamente la historia de un judío (subrayando todo lo posible que es judío) de Nueva York que hará hasta lo imposible por conseguir dinero al mismo tiempo que tiene enredadas relaciones fuera del matrimonio, del suyo, como en Uncut Gems o del de ellas, como en este caso. Como malabaristas jugando con varias pelotas a la vez. O como jugadores de ping pong capaces de contestas cualquier tiro. Y las dos películas con animaciones al inicio parecidas.

Pero la verdad Uncut Gems es mejor que Marty Supreme. Que es divertida sin duda, aunque uno puede quedarse bizco tratando de entender como fue exactamente que Marty y su amigo Wally desplumaron a los apostadores en un juego de ping pong o porqué Marty regresó de meses de gira internacional dando juegos de exhibición sin dinero ¿Y porqué decía que era "biológicamente imposible" que hubiera embarazado a Rachel si sí la embarazó?  

Marty Mauser es un ladrón, un político en potencia que sólo dirá la verdad por equivocación, capaz de sufrir cualquier humillación por dinero. Lo de besar al cerdo estaba menos pior que lo que dejó que le hiciera el Sr. Rockwell. y sin embargo Marty nos cae bien. Y Rachel, que se ve que es igualita a él, también. Queremos que triunfen, que les vaya bien porque le echan muchas ganas. Bueno y dice Marty que él es así porque de donde viene todos son así. Pues... puede ser.

Además para los que odiamos las películas lentas una historia con ese ritmo es padre aunque a veces nos quedemos con cara de what.

Una cosa que noté es que el soundtrack es como raro, tanto las partes con coro y orquesta y el final con Tears for Fears. Lo de Public Image Ltd y New Order resulta sorpresivo, pero positivamente, uno no se imagina clásicos de los 80´s en una historia ambientada poco después de la segunda guerra mundial. Pero lo de Everybody Wants to Rule the World que es una canción épicamente buena, un pinche himno, buenísima... pero como que no viene al caso.

De hecho el final es mi principal crítica a Marty Supreme. O sea Marty se la pasa toda la película tras el billete. Y primero niega que el hijo de Rachel, a quien no le habló en 8 meses, sea suyo, y luego lo quiere dar en adopción y al final acaba sin dinero pero en un mar de lágrimas viendo al bebé. Eso no parece un final épico sino un final forzado. Como varias otras cosas en la historia: O sea esa escena donde Dion avienta las pelotas por la ventana... ¿eso qué? o cuando Rockwell dice que es un vampiro. Y así por el estilo.

Tanto Marty como la película parece que andan en alguna droga, anfetamina o algo así. Que por cierto había mucho de eso al acabar la segunda guerra mundial pues se las daban a los soldados y muchos se volvieron adictos. Nótese que Marty nunca duerme. Y luego en ese mundillo de los salones de juego que frecuentaba... híjole no sé, no sé... como que podría haber un final con Marty en rehab y Rachel lo va a visitar y le confiesa que su hijo no es de él sino de Ira, el marido, pero que no se preocupe porque le está llendo muy bien secuestrando perros.

O sea el Marty es la piel de Judas, le da risa que el hijo de Rockwell se murió ¿pero exactamente en la última escena se vuelve bueno y se conmueve por su hijo? No, el Marty que nos habían presentado estaría pensando en cuanto lo iba a vender. Y lo que debería sonar es "Money, money" de Billy Idol.

Nunca nos cuentan como fue que cambió el personaje. La historia es como un buen subidón con final feliz metido con forceps. Una película que se le podría ocurrir a alguien como Marty para sacar dinero. Una historia interesante aunque exagerada.

Podría contarla el mismo Marty, ya todo un gerente de la tienda de zapatos, y que cuando acaba, diciendo que al final dejó el ping pong porque se chingó la rodilla, voltea a ver al cliente y le pregunta si sí se va a llevar los zapatos o no, y entonces este le contesta: Papá, mi mamá me había dicho que eras superchorero, pero nunca creí que tanto. Y ahí sí, Marty llora, entra la música y ruedan los créditos.       

La píldora envenenada en el agua del punk

Kriegerin ó Combat Girls (dir y guion David Wnendt 2011) 

Marisa se llevaba muy bien con su abuelo y no tan bien con su mamá, que se llevaba muy mal con su papá, un ex soldado nazi, que le dijo que los nazis no eran malos a Marisa, que se unió a un violento grupo de neonazis.

Y salta a la vista todo lo que esos neonazis tienen en común con los punks, supongo que principalmente con los punks originales.

Para empezar, la música, la rebelión contra los padres, en Krigerin, esto se ve sobre todo en el personaje de Svenja, que tiene un padrastro superestricto al que detesta. Y la pertenencia a un grupo, la identidad, sacar de quicio a las buenas conciencias. En esta historia queda claro que para Marisa y Svenja lo de odiar a los inmigrantes, se trata simplemente de tener rivales, que podrían ser simplemente otra pandilla, un equipo rival de futbol o algo así. De hecho después de lastimar a un inmigrante a Marisa le da remordimiento de conciencia y acaba ayudando a un chico afghano. Para no hacer el spoiler diré simplemente que eso la mete en problemas.

Una diferencia que noto con los punks es que en las películas de neonazis siempre hay un adulto, muy mayor que los jóvenes cabezarapadas, que los manipula.

Eso aparte de lo que le dijo su abuelo a Marisa.

Kriegerin es una muy buena película de David Wnendt que después hizo la sensacional Feuchtgebiete o Wetlands, otra historia de rebelión con una protagonista adolescente. Kriegerin ganó el premio de mejor guion y mejor actuación femenina en los premios del cine alemán de 2012 además quedó en tercer lugar como mejor película..

Y sí, no hay nada peor que supuestos rebeldes que creen que están contra el sistema pero que son manipulados por abuelitos. Como Trump o López Obrador. 

La virgen de los perros asesinos

La Virgen de la Tosquera ( dir. Laura Casabé guion Benjamín Naishtat basada en cuentos de Mariana Enríquez 2025) es una película argentina aunque con coproducción mexicana y española, coproducción que al parecer fue necesaria después de que Milei dejó sin dinero al sector cinematográfico argentino.

La película nos presenta la historia de Natalia y su entorno, lo que incluye un país en medio de una crisis económica devastadora. La historia se sitúa en la Argentina del 2001 y la crisis retumba como trasfondo en las noticias y en los comentarios de los personajes que hablan constantemente de que todo se fue a la mierda y de antes de que todo se fuera a la mierda y así por el estilo.

También se van la luz y el agua constantemente. En medio de todo, el amor en  el corazón de Natalia cambia por celos homicidas.

Tres vírgenes dejan de serlo: Natalia y una de sus amigas que van con un prostituto colombiano a que las desvirgue. Lo que resulta muy sorprendente. ¿Cómo que no hay quienes se las cojan? Natalia sobre todo es bastante atractiva. Eso de tener que pagar está muy extremo.

La tercer virgen, una virgen católica, o que se supone es la imagen de una virgen católica resulta que en realidad era una figura como de santería, toda de un rojo ensangrentado. Imposible no pensar en la Santa Muerte pues esta virgen también mata. Es otra figura que parece como de catolicismo devenido en magia negra.

Y Natalia, que al principio no quería ni ver un muerto acaba solazándose viendo perros matar a su ex amado Diego y a la odiada rival.

La historia es como una visión de la ruta argentina, y latinoamericana, hacia Haití, en lo económico y religioso. Es la crisis que vuelve a todos salvajes como en la también latinoamericana Zafari porque para Natalia y sus amigos hasta para cruzar un puente se necesita ser más salvaje que el que se pone enfrente. Y los realmente pobres, los vagabundos son el terror mismo. La abuela de Natalia quema las cosas de uno de estos "villeros", como les dicen en Argentina, entre rezos exorcistas.

Pero La Virgen de la Tosquera es una buena película que ni que. Se estrenó en el festival de Sundance y se ganó un premio en el festival de Sitges. Aunque es una narrativa de la descomposición que no hace más presentar una visión de dicha descomposición. Pero por algo se empieza.

Lo más intrigante para mí es ¿porqué, según dice una de las amigas de Natalia, todos los hombres de su escuela perdieron la virginidad con prostitutas y ellas hacen lo mismo? Quizá porque los únicos que cogen,  Silvia y Diego acaban devorados. Por los celos, la envidia. En otra parte frente a una extorsión a Natalia le sale un lado casi caníbal y también lo sexual acaba siendo sangriento.

Parece que la carrera hasta el fondo no tiene fin.

 

Pedro Picapiedra, asesino serial

La Unica Opcion (Dir. Park Chan-wook 2025 Guion Park Chan-wook, Don McKellar, Lee Kyoung-Mi, Lee Ja-hye basado en una novela de Donald Westlake)

Sin duda Park Chan-wook es uno de los grandes narradores de historias de la actualidad. Al ver películas como Oldboy, Stalker, o como La Unica Opción se siente que este director coreano se divierte contándonos cosas y uno también se divierte.

Sin embargo en La Unica Opción además del talento narrativo se nota otra cosa, que le metieron a la película todo, pero todo realmente lo que le pudieron meter para hacerla una "feel good movie". O digamos para que la banda mainstream se relaje. Algo así como ver videos de perritos y gatitos. De hecho hay un par de golden retrievers, la obligatoria niña encantadora y una familia perfecta. Perfectísima. Para mi gusto exageradamente perfecta. De hecho parece propaganda promatrimonio y pronatalista. Son más perfectos que los picapiedra o que la familia de Alf, son como el show de Cosby coreano. Bueno, casi casi.

O más bien como los Locos Addams, porque hay otro lado de la historia que hace ver el lado empalagoso como la anestesia para meter el lado oscuro, la lucha del papá, a muerte, por un trabajo en la industria manufacturera.  

Este tipo era un gerente pero en una entrevista de trabajo le dicen que si no le importaría trabajar bajo las órdenes de otro tipo que fue su subordinado. Y dice que no, pues siempre se ha considerado un obrero. De hecho lo vemos cargando cajas en una tienda después de ser despedido de la fábrica de papel donde llevaba 25 años trabajando. Vaya, es un obrero, como Pedro Picapiedra sólo que muy exitoso. Tenía que ser así para meter el lado de la familia perfecta "aspiracional".

Y al final logra regresar a una empresa papelera, pero al contrario de la planta en donde trabajaba antes, esta es una fábrica sin gente en donde todo se ha automatizado. Está él sólo con la maquinaria. Y antes de los créditos vemos máquinas que cortan árboles, para hacer papel seguramente, sin nigún humano a la vista.

El título de la película nos dice que para este personaje no había opción más que matar para tener un buen empleo. Y no se necesita forzar mucho la imaginación para pensar que han de haber casos así en la vida real. O que los habrá. Y de ahí se puede relacionar el tema con lo que vemos en las noticias: Las políticas antiinmigrantes o las tarifas comerciales de Trump. 

Yoo Man-soo tuvo suerte pues tuvo que matar a tres competidores pero alcanzó el último trabajo que quedaba. Sólo que quien sabe por cuanto tiempo 

 

La civilización como hoja de parra

Cover Up (Laura Poitras, Mark Obenhaus 2025) es uno de los posibles nominados a mejor documental en los Oscares de este año y se trata de Seymour Hersh, célebre periodista americano que se volvió famoso en los sesentas al revelar la masacre que había cometido el ejército de Estados Unidos en la aldea vietnamita de My Lai. En donde mataron a todo mundo incluidos bebés. A mujeres y niñas antes de matarlas las violaron.

Y Hersh, que por cierto es judío, no ha parado, al momento en que se hacía el documental trabajaba juntando información de las atrocidades israelíes en Gaza.

También reveló en su momento los programas CHAOS, de la CIA, con el que esta agencia que por ley tiene prohibido actuar adentro de Estados Unidos espió en los sesentas a los estudiantes que protestaban contra la guerra. Y el demencial programa MKULTRA, otra creatura de la CIA, que se proponía controlar a una persona por medio de LSD para que asesinara a la gente que le indicaran.

Hersh también fue quien sacó a la luz el apoyo del gobierno americano al golpe contra Allende en el 73 y fue el primero en publicar información, y fotos, del programa de torturas en la cárcel iraquí de Abu Ghraib. Entre muchas otras cosas.

Al final uno se queda pensando que la crueldad y la barbarie no son cosas excepcionales en el mundo. Dice Hersh que en lo de My Lai hubo cientos de personas involucradas y enteradas de lo que pasó. Y la masacre salió a la luz casi por accidente, con algunas coincidencias afortunadas incluidas.

La teoría de este periodista es que nadie hablaba de My Lai porque esae tipo de cosas sucedían todo el tiempo en la guerra. Que no eran nada raro, al contrario. Dice que de hecho ese mismo día, muy cerca de My Lai hubo una masacre similar en otra aldea.

En resumen, el título del documental, Cover Up, es decir encubrimiento, que se refiere a los intentos de esconder asuntos del conocimiento público, parece que también se puede aplicar a la civilización, que después de ver esto, parece una hoja de parra que apenas tapa la crueldad humana. Casi parece sorprendente que ya no se practique el canibalismo. No de forma generalizada al menos.

Un silencio que estalla

Mátate, amor (Lynne Ramsay 2025 guion de L. Ramsay, Enda Walsh y Alice Birch, adaptación de una novela de Ariana Harwicz) nos presenta el retrato de una mujer que parece deprimida, todo mundo se lo dice. Sólo que ella nunca menciona la palabra depresión. En cambio dice que el universo la aburre. El universo y las estrellas no le dicen nada mientras que parece obsesionada con pequeñas cosas. También hay cosas grandes que le interesan: Un caballo, un negro que se quiere coger, la masturbación, el sexo, su bebé. Pero no es muy sociable y es una escritora que no escribe. Y como dijo Kafka "Un escritor que no escribe es un monstruo que está desafiando a la locura".

La historia parece que nos suelta pistas para que como público diagnostiquemos a Grace, sólo para decirnos después que no, que no sabemos que le pasa: En la primer escena vemos que Grace y Jackson, su pareja, llegan a vivir a una casa sucia, abandonada. En donde el tío de Jackson se suicidó. Pero Jackson al final la arregla y la casa queda muy bien. Pero no era eso. Tampoco la relación con Jackson que ponía su pito en todos lados menos en Grace, según le reclama ella. Pero ellos acaban casándose en una boda animada y ya al final de la película van en su camioneta cantando una canción de amor tomados de la mano. Pero tampoco era eso.

No es una de esas depresiones post-parto en las que la madre no quiere saber nada del hijo o hija, Grace quiere a su hijo. Parece que el problema viene desde antes, ella le cuenta a un sicólogo o psiquiatra que no le gustaban sus padres.

Creo que lo único parecido a una explicación que da Mátate, amor, sobre el problema de Grace es a través de la música. Todo el soundtrack está hecho de canciones muy viejas, como rock & roll de los cincuentas. Cuando llegan a la casa donde van a vivir, lo primero que hace Jackson es ver en donde va a escribir Grace y donde tocará él su batería. Pero él nunca la toca y ella nunca escribe. Grace pregunta si hay algún universo en donde ella sea una estrella de rock, pero en otra parte dice que no soporta las guitarras, sorprendiendo a Jackson.

Al final, la última canción, es la única que rompe la continuidad de la música de los cincuentas. El cierre con una versión de Love will tear us apart de Joy Division, cuya letra trata de la esperanza de que llegue el amor. Sólo un nuevo amor, una nueva música podrán salvar a Grace que mientras tanto se ha despojado de sus viejas ropas, ha quemado sus escritos y avanza rompiendo e incendiando todo a su paso.

La dirección de Lynne Ramsay está como muy fresca, original y creo que podría ganarse una nominación al Oscar a mejor dirección y claro, la actuación de Jennifer Lawrence también es nominable, de hecho ya se llevó el premio Donostia en el Festival de San Sebastián, siendo la persona más joven en ganarlo. También estuvo nominada para los Golden Globes y la película se llevo los premios a mejor fotografía y supervisión musical en los British Independent Film Awards.

Postdata: Pues no quedó en los oscares, supongo que está demasiado oscura

El arte del azote

Valor Sentimental (Dir: Joachim Trier 2025 Guion: J. Trier y Eskil Vogt) es uno de esos dramas en que lo que se descubre al final es que en realidad nunca hubo problema: El padre siempre amó a las hijas, todos los sentimientos negativos fueron producto de malentendidos, todos son buenos y uno se queda con la sensación de haber comprado un sandwich sin jamón, una cerveza sin alcohol, una rosca sin muñequito.

La casa de los Borg, símbolo de la familia y que participa como narradora de la historia, tenía una grieta estructural. Al final Gustav el papá/abuelo sólo remodela el exterior y ni quien se acuerde de la grieta.

Ah pero eso sí, Gustav le dice a su hija actriz que ella actúa en obras de teatro para pensionados. Ella actúa en una obra de Chéjov y Gustav quiere que actúe en una película que va a dirigir, él es director de cine, y va a hacer una película sobre su mamá aunque niega que sea sobre su mamá.

O sea el mundo al revés, un director que sólo filma escenas de su vida no puede criticar a clásicos universales y peor tantito decir que son obras para jubilados cuando él mismo está ya prácticamente retirado y quiere hacer la película con sus amigos que están en la misma situación. Además lo que vemos de su película, hecha en su casa, anegada en lloriqueos, y en la que un personaje cae en la religiosidad no es precisamente un blockbuster de verano. De hecho la adaptación de Chéjov se veía más vanguardista.

Pero ella no rechaza salir en la película del padre por eso. Sino porque él nunca estaba con ella y su hermana, que en realidad sí las veía. De hecho Agnes, la hermana menor, actuó en una película de él y el papá dice que si no convivieron mucho en esa película y ella dice que sí pero que luego se iba. Aunque claro, regresaba y entonces ella sufría mucho y bua bua snif snif.

Puro azote barato. Y caigo en cuenta que esta es la tercer película noruega seguida que veo que cae en lo mismo, Armand y Sueños (sexo y amor) son películas en las que los personajes también se ahogan en vasos de agua.

Pero, le reconozco a Valor Sentimental que quizá ella misma esté dando un remedio: En una escena Gustav le regala a su nieto, que está cumpliendo nueve años o diez, algo así, unas películas: La Maestra de Piano e Irreversible.

Podría ser que si ponen a todos los niños en Noruega a ver Irreversible y películas similares, cuando crezcan, los que se dediquen a hacer cine dejarán de lado tanto falso victimismo.

Sin embargo no dudo que esta película se lleve el Oscar a mejor película extranjera porque a la academia le encanta el cine en el cine. Como en esta película en que el tema de la actuación es muy importante, el personaje de Elle Fanning se supone que es una famosa actriz americana que entre lágrimas le dice a Gustav que no puede hacer el personaje que él le ofrece pues no siente que ella sea la indicada para el papel: Más azotadez e hipersensibilidad imposible.

Además aquí el cine es mágico: En su película Gustav describe cosas de sus hijas que no sólo desconocía sino que ni siquiera tenía modo de saber. Lo que suena raro aunque son cosas que a veces pasan. Y al final vemos que lo que él quería hacer era cambiar en la ficción una cosa que pasó en la realidad. En fin, apuéstenle una lana a Valor Sentimental.

En todos lados se cuecen noodles

Left Handed Girl (La Chica Zurda) es una película taiwanesa del 2025 dirigida por Shih-Ching Tsou con un guion de él mismo en colaboración con Sean Baker, el de Tangerine, Anora etc. Y está entre las posibles nominadas al Oscar a mejor película extranjera.

Se trata de un drama familiar que tiene como protagonista a una niña de cinco años muy simpática, I Jing, aunque su familia es un pinche caos. Con oscuro secreto incluido. No haré el spoiler pero les daré una pista: I Jing tiene una historia similar a la de Jack Nicholson con respecto a su mamá y su abuela. Son cosas que sí pasan..

Es una historia entretenida que incluye una antigua superstición china acerca del demonio junto con cosas más contemporáneas como una abuela que le gusta coquetear y que está metida en el tráfico de migrantes, relaciones extramatrimoniales, el aborto y también una suricata y el ya mencionado oscuro secreto pero lo más importante es la niña, quien es el sabor principal en esta sopa de noodles. Y no es que quiera estereotipar la comida oriental que sé que es mucho más que ramen, fideos chinos y noodles pero los noodles ocupan un lugar muy importante en la historia. A eso se dedica la familia y es la comida favorita de I Jing.

Entonces la cosa va desde el abuelo y sus ideas absurdas sobre los zurdos y por lo tanto sobre su nieta, pasando por las madres solteras que deben ganarse la vida y enfrentar los prejuicios sociales. Es la lucha contra el oscurantismo ¿Podrá entrar la luz? ¿Por dónde se las ingeniará para entrar?

Cocineros en el submarino

La Cocina (Dirección y guion Alonso Ruizpalacios 2024 basada en The Kitchen de Arnold Wesker) 

Alguien del equipo de La Cocina me contó que la instrucción del director fue que el sonido de la película debía ser como el sonido del interior de un submarino. Creo que en realidad la película toda es como la historia de los operadores de una máquina, como un submarino con sus marinos y oficiales. Y el final feliz es cuando el submarino parece hundirse pero uno de sus instrumentos da señales de vida y todos respiran aliviados: El motor sigue funcionando, no morirán.

Pero no es un submarino en la guerra. Es una máquina que muchos conocemos de nuestros trabajos, una de tantas máquinas de la economía, con los escritorios, los pasillos, las estaciones de trabajo en la línea de producción, los clientes. Y la omnipresente presión, los conflictos que estallan como ollas express y la camaradería que de repente se asoma a la hora del descanso. Así como los sueños de escapar de ahí a una playa desierta. Y están los amores de la chamba y la insensibilidad del sistema al que no le importa si alguien necesita dinero para hacerse un aborto. O si ya abortó. Hay que trabajar y achicar el agua que inunda la cocina. Como dice el chef, a él no le importa en lo más mínimo lo que le pase al personal. Hasta que todo truena y entonces hasta el dueño baja al cuarto de máquinas y se pregunta que demonios pasa y parece implorar al cielo por una respuesta.

La historia se sitúa en Nueva York, en un restaurante en Times Square y por lo tanto en una cocina en la que conviven múltiples idiomas y nacionalidades. Al principio una joven cocinera de Huauchinango Puebla llega a pedir trabajo armada con su experiencia en un Sanborns.

Sin embargo a pesar de lo específico de la ubicación del restaurante es una historia universal cuyo tema principal es el trabajo, pues el restaurante podría estar en un lugar donde todos hablaran el mismo idioma pero con que unos fueran aficionados a un equipo de futbol y otros a otro las divisiones estarían igualmente presentes.

Me queda claro que esta película a pesar de todos sus diálogos en inglés y francés y de ser una historia ubicada en Nueva York, basada además en la obra de un dramaturgo inglés, habría sido una mejor propuesta de México para los Goyas y los Oscares. A fin de cuentas si se considera una película mexicana pues es mexicana y ya.

Basta del cine mexicano que sólo se ve el ombligo. Estaría bueno que nuestro cine aprendiera algo de Estela, la chica del Sanborns de Puebla que llega a un restaurante de Nueva York. Como tantos mexicanos de la vida real que quieren más mundo y no quedarse en temas locales.

Una narrativa cooptada

They Live (John Carpenter 1988) se presenta como una historia de izquierda. Un trabajador desempleado llega a Los Angeles en busca de chamba y todo lo que escuchamos durante la primer parte de la película pertenece, o mejor dicho pertenecía, a un discurso de izquierda. El típico de explotadores y explotados, proletarios contra el capital etcétera. No se cita a Marx pero sí se habla de la conciencia obnubilada, de la manipulación para adormecer y dividir a los explotados o ganado. Uno de los que han logrado despertar y ver la verdad dice que para ellos, los explotadores, la gente es como ganado. 

Pero es fácil darse cuenta que, hoy en día, esta historia embonaría con el discurso de la derecha. Los enemigos son los que llegan de fuera, los aliens, y también los que compran coches extranjeros. Y las élites. Y la derecha en Estados Unidos ha logrado que los pobres piensen que los ricos, como Trump, son sus aliados en contra de los malvados elitistas liberales.

La propia idea delirante de la conspiración de extraterrestres es muy de derecha, así como lo de juntar armas para enfrentar al poder. En cuanto a los medios, el arma que hipnotiza a la población es un canal de cable. Los medios en la vida real son atacados tanto por la izquierda como por la derecha. Pero nunca se había atacado al periodismo como con Trump.

Un detalle interesante es que el protagonista, que tiene el extraño apellido "Nada", es un tipo callado que apenas abre la boca hasta que tiene un arma en la mano. Como si esta fuera su permiso para hablar. ¿Y cómo le hace para que su amigo vea las cosas como él? Pues a madrazos. Con esas cosas en la cabeza, consciente o inconscientemente, no es extraño que los proletarios en E.U. se hayan vuelto derechistas. Pero ojo, los lentes y el programa de TV que hacen que la gente vea la supuesta verdad funcionan como una droga y cuando pasa su efecto la caída es fuerte según dice Nada.

Por cierto, aquí ya hay drones que vigilan a la gente, y algo realmente curioso, el idioma escrito de los extraterrestres es como un código QR nada más que extendido como escritura en vez de en un cuadrito.