Mirada de demonio

 El Fantasma del Convento (Fernando De Fuentes 1934) es una película con un título engañoso pues no se trata de un fantasma esctrictamente hablando. En todo caso es un convento fantasmal y de cualquier modo la historia es más de momias y del demonio (le dicen "el mal") que de fantasmas.

Aunque podrían haber guardado la sorpresa para el final, desde un principio la película misma hace el spoiler de que todo va a suceder en un convento abandonado en donde no vive nadie. Por eso y varias otras pistas muy claras sabemos que los monjes de ahí están muertos. El final está más que cantado, pero supongo que tuvieron que elegir entre crear una atmósfera, que esa sí está muy bien lograda; es una atmósfera como de... convento de monjes muertos... y si pareciera convento de vivos para luego dar la sorpresa pues no sería lo mismo.

Pero el meollo de la trama es el sexo, que los monjes apenas y se atreven a mencionar, pero no hay que culparlos: Uno de los monjes sucumbió a la tentación de la carne, antes de meterse de monje, de hecho se enclaustró con estos monjes "del silencio" para expiar su pecado. Pero a pesar de su conducta ejemplar se lo llevó el demonio y los monjes llevan siglos, sí, siglos, rezando por él pero satanás no lo suelta.

Aparte de que todos los monjes están muertos hay otra cosa que queda muy clara en esta historia: El demonio es una mujer, joven y atractiva. Lo sabemos pues exactamente lo mismo que le pasó a Fray Rodrigo, el monje cuya alma se llevó el demonio, está a punto de sucederle a Alfonso, uno de los tres que llegaron al convento, además de él, Eduardo y Cristina, un matrimonio. Eduardo y Alfonso son mejores amigos pero Cristina y Alfonso se desean mutuamente.

Y Cristina se le está ofreciendo descaradamente a Alfonso. Por suerte para él la luz de la mañana regresa todo a la normalidad, a tiempo para salvarlo.

Alfonso en la tenebrosa noche le dijo a su amigo Eduardo que su esposa estaba rara, como endemoniada. Y Cristina ya al día siguiente dice que en la noche se sintió rara. Pero es demasiado tarde, ya nos dimos cuenta que El Fantasma del Convento quiere convencernos de que las mujeres son demonios.

Sangre y Tierra

Los Niños del Maíz (Fritz Kiersch 84) un clásico del folk horror nos presenta una deidad que surge como por debajo de la iglesia protestante. En el pueblo de Gatlin, Nebraska, la iglesia (protestante) anuncia un sermón acerca del Maíz y Dios. Gatlin es una isla en un mar de maíz y hasta hay una pareja de navegantes cuyo automóvil encallará en Gatlin. No serán devorados por sirenas pero los niños del lugar los querrán crucificar por fuereños. 

Tal y como está escrito en los mandamientos del horror, a la pareja, Vicky y Burt, les advierten en una gasolinería decrépita que no se paren en Gatlin, que ahí no les gusta la gente de fuera, pero, como también es de ley, el hombre, Burt, no hace caso.

Hay otra señal interesante: Al igual que en Masacre en Texas, desde antes de llegar a la gasolinería/portal del infierno, los viajantes de la carretera vienen oyendo señales ominosas por el radio. En este caso no pueden sintonizar otra cosa que no sean predicadores fanáticos. A la lista de gente que se irá al infierno según el predicador: homosexuales, fornicadores y usuarios de droga, Burt y Vicky burlonamente le agregan a los graduados de la Universidad y a los que ven la televisión pública, es decir la televisión educativa. Dando a entender quienes no escuchan a esos predicadores. Y por cierto otra similitud con Masacre en Texas es el tema de la gasolina. En Gatlin todos los adultos son asesinados, excepto el de la gasolinería, al menos al principio. 

Si en la mitología americana la carretera es el lugar de búsqueda o perdición espiritual, la peregrinación para encontrarse a uno mismo o el camino al infierno, la radio era antes del internet lo que avisaba lo que venía adelante.

En Gatlin está el predicador de un ente relacionado con el maíz. Pero también con el cristianismo, del que toma las crucifixiones y la iglesia del lugar. Además del estilo bíblico del predicador que era un predicador cristiano. Como sabemos en México, los dioses del maíz no son nada nuevo. Este ente es una típica deidad de sociedades agrícolas, de las que dicen "¿Quieres ayuda con tu cosecha? pues sacrifícame unos humanos." Y viene de la tierra es "El que camina detrás del surco". Como si los fieles de Gatlin de tanto rezar por las lluvias (De la sequía sólo queda el anuncio del sermón sobre Dios y el maíz pero en el cuento original de Stephen King se habla más al respecto) hubieran despertado una deidad primitiva. 

Pero lo que me resulta más interesante del ente "Que camina detrás del surco" es que es un Dios de sangre y tierra. Dice uno de los líderes de la secta que es un Dios de sangre y sacrificios, y pide sacrificios pero además no acepta a los de afuera, como Burt y Vicky, lo que lleva a pensar en otro significado de sangre, significado que suele ir unido a la tierra. Los principios "sangre y tierra" en inglés se refieren a posturas políticas extremistas, como el nazismo, que enfatizan lo que en México llamaríamos la raza y el territorio (o tierra).

Y no hay duda de que "el que camina detrás del surco" está relacionado con la tierra, de hecho se le ve como tierra que se levanta y se mueve, además su maizal es sagrado y la tierra donde hacen las crucifixiones igual.

Todo esto hace pensar en el radicalismo que hay actualmente en Estados Unidos. En especial el de derecha. Un radicalismo racista, sectario, uno de cuyos líderes más populares, Charlie Kirk, dijo una vez que si era por el derecho "sagrado" (¡Sagrado, no mamar!) a tener armas podía aceptarse que hubieran víctimas inocentes, que eran como sacrificios por este sagrado derecho.

¿Y cómo empezó a difundirse este radicalismo político encarnado ahora en el trumpismo? Claro, siempre ha existido, ¿pero como fue que creció tanto que acabó cooptando al partido republicano? Según leí en algún lado fue por la radio digital en los noventas que empezó a crecer. Y como es bien sabido las comunidades más trumpistas son las rurales y las de fundamentalistas cristianos.

Cuando hasta los personajes lloran de lo mala que es la película

Abracadabra (Pablo Berger 2017) es una muy fallida película aunque no empieza tan mal. Al principio parece una típica comedia de cambio de cuerpos. La conocida fórmula en donde un hombre y una mujer, o un joven y un viejo o lo que sea, intercambian cuerpos. En este caso el marido ideal se mete al cuerpo de un marido típico a quien lo único que le importa es el Real Madrid, un macho genérico intercambiable que apenas les hace caso a la esposa y a la hija, es un grosero etc. Pero todo en tono de comedia y la cosa no pinta tan mal. Después a este Pedro Picapiedra se le mete el espíritu de un marido acomedido, gran bailarín que no deja de halagar a la mujer y ayuda a la hija con la tarea.

Pero el nuevo marido no sabe hacer el trabajo del anterior, desconcierta a la mujer y la hija y de cualquier modo tener un marido poseído por otro puede ser complicado así que es de suponerse que por eso la esposa quiere que regrese el esposo madridista.

Y aquí es donde la película pierde el hilo, la trama y hasta el humor: Para regresar las cosas como estaban se necesita hacer una especie de ritual y entre otras cosas para ello es necesaria una prenda íntima del marido ideal. Para ello Carmen, la esposa y su primo aprendiz de hipnotista van al departamento donde vívía este tipo. Departamento que está desocupado y en venta. Así que primer absurdo, un departamento en venta que lleva más de treinta años desocupado pero lleno de las cosas, incluyendo hasta comida en los platos en la mesa, de los anteriores inquilinos.

Y el vendedor del departamento les cuenta que este marido ideal en realidad fue un asesino que le cortó la cabeza a su mamá. Y desde ahí la película ya no quiere ser una comedia sino una película de horror, que nunca da miedo a pesar de no tener pies ni cabeza. El acabose es cuando el marido, en su versión picapiedra/madridista, poseído, a ratos, por el marido mandilón pero que en realidad es un sicópata... ¡se vuelve loco! Y empieza a ver un chimpancé.

A mi me encanta el absurdo pero Abracadabra no es un absurdo que parezca original o interesante, es simplemente un guión muy malo. Se nota que el director que también es el guionista ya no sabía que hacer y simplemente se puso a escribir idioteces.

Que bueno que para su siguiente película "Mi amigo robot" se basó en la historia de otra persona.

Con decirles que al final, Carmen, Carlos el marido y el mandilón sicópata tienen un enfrentamiento... ¡en la matrix! Sí en el espacio blanco que Berger le piratea a los Wachowskis. Para cuando, en la última toma, Carmen se va llorado en medio de la lluvia es inevitable pensar que debe de ser por haber tenido que salir en una película tan mala. 

Las croquetas del mañana

 

Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer 73) es una película en la que sorprendentemente se habla del efecto invernadero, lo que provoca el calentamiento global, y eso que fue estrenada hace más de cincuenta años. En esta historia se supone que es el año 2022 y que entre el calentamiento global y científicos que envenenaron el planeta, no hay comida, la sociedad está colapsando, los aparatos se descomponen y ya no hay como arreglarlos y lo único que sobra es gente que pulula como insectos sobre un cadáver putrefacto.

En este nada bonito escenario distópico los muertos son comida y las mujeres muebles que se incluyen con los bienes raíces. Las viejas imágenes dela naturaleza hacen llorar a la gente y no hay ningún lugar mejor a donde ir, a donde escapar. Esa imposibilidad mata el amor entre Shril y el policía Thorn, la pareja protagónica pues él no podría llevar a vivir a Shril a un lugar tan bueno como el departamento en donde ella está de mueble. Ni siquiera conseguirle la comida que acostumbra, o los cigarros o el agua caliente.

En realidad el problema es entre los de arriba y los de abajo. No sólo para el amor, los de arriba, políticos y empresarios coludidos entre ellos, ocultan la verdad y mantienen a todos engañados comiéndose unos a otros sin esperanza de encontrar una salida.

Al final los gritos de Thorn representan la verdad. Desafortunadamente hoy en día, en tiempos de la posverdad sabemos que las evidencias ya no convencen y de los gritos de Thorn, de su verdad  sólo queda el horror.

Lolitas

Historia de Eva (Mimmo Cattarinich 78) por su tema es una película pariente de Pretty Baby y de la Lolita de Nabokov. Al igual que Pretty Baby es del 78 y parece imposible que se hiciera una película así hoy en día. Y también es una historia de época situada en la época de la primera guerra mundial. En este caso el protagonista, Paul, regresa lesionado de la guerra, no puede caminar bien y tiene que usar un bastón. Pero se supone que se está recuperando, él sin embargo está muy deprimido al grado de querer suicidarse.

Lo que lo saca del hoyo, ya se iba a tirar desde un peñascoes Eva, una niña, sobrina adoptada por la pareja que tiene de sirvientes en su casa.

Paul se enamora y anda con esta niña a todos lados como si fuera su novia sin que le importen los tíos o la demás gente, a quienes no parece importarle la diferencia de edad de la pareja. como si fuera de lo más normal ver una niña de pareja de un hombre treintón.

Inclusive Paul escribe la historia de su relación con Eva y la publica.

Lo único que le falta a la relación es sexo. Paul desea a Eva pero nunca pasa nada entre ellos. La historia nos hace creer que Paul se limita por una cuestión de moral. Pero ya casi al final que Paul quedó incapacitado para el sexo en la guerra.

Y acaba cachando a Eva a punto de ser desvirgada por un gitano, con quien Paul, celoso, le había dicho que no se juntara que porque los gitanos son vagos. Aunque Paul no parece conocer el trabajo ni de lejos. así que al final no era moral sino impotencia.

Este mensaje final es muy explícito, tanto así que en la última escena, cuando Paul muy románticamente se suicida, junto a su cuerpo queda un libro abierto con una frase acerca de la imposibilidad de contener el deseo.

El efecto dominó y la lucha de clases

Los Goonies (Richard Donner 85) son un grupo de amigos como entre adolescentes - preadolescentes y dos de ellos son unos hermanos que están a punto de perder su casa y tener que irse a vivir a quiensabe donde. Los demás también tendrán que irse, aunque sea más adelante, porque en donde viven van a construir un club de golf. Lo que está raro porque vemos que la zona es una colina escarpada nada plana.

El caso es que detrás del club de golf están algunos ricos del pueblo, representados por Troy, un junior con chaqueta de equipo colegial como sus amigos. Y Troy tiene un convertible y es medio bully. Aunque claro, quitarles sus casas a las personas es ser muy bully y eso hace el papá de Troy animado por su hijo.

Y ya hay un club de golf en el pueblo. En una parte del viaje de los goonies por túneles subterraneos pasan por donde están las tuberías de este club y la lucha de clases toma forma de accidentes que les suceden a los burgueses con agua y con los escusados. Un pobre fresita que hace del dos acaba arriba de una fuente de excremento gritando ¡Papi!

Aunque la película no se toma tan en serio la lucha de clases como para evitar la práctica del "product placement" con anuncios en la historia de cosas como las Domino´s Pizza.

Pero el chiste de la película no está en la revancha contra el clasismo sino en disfrutar de la camaradería de chicos y chicas con romance y besos adolescentes incluidos mientras viven aventuras enlazadas como en un efecto dominó. O como se les dice en Estados Unidos unidas en una "máquina de Rude Goldberg", por un caricaturista que dibujaba ese tipo de cosas en donde una bola de billar golpea un palo que golpea a una gallina que pone un huevo que cae en un sartén que al moverse jala una palanca etc. De hecho para abrir la puerta de la casa de los hermanos a punto de quedarse sin casa hay un mecanismo de Rude Goldberg.

Y lo que hacen los goonies para conseguir dinero y poder mandar a chingar a su madre a Troy y su papá es buscar un tesoro pirata. Un pirata que, como ellos, hizo un sistema de Rube Goldberg pero para que nadie llegara a su barco y su tesoro escondidos en una cueva, y que además al final el mismo sistema libera al barco para que salga nuevamente al mar.

Lo que resulta excesivamente empalagoso. O sea esa última escena del barco pirata navegando con la intención de sacarle la lagrima al respetable público es demasiado. Y es obvio que el barco representa una infancia pasada, porque a nadie le hace llorar un barco así nomás porque sí. Entonces al final todo se remata con un tono nostálgico, cosa que a mi no me gusta. Y no sólo eso, el personaje de Chunk le dice a su nuevo amigo Sloth, una especie de mounstrito, que lo ama desaforadamente y lo va a cuidar toda la vida. Eso también está demasiado empalagoso. En realidad todo el final es muy malo. Resulta que habían tenido que dejar el oro para salvar la vida pero al final la nueva chacha mexicana de la familia, Rosalita, que apenas había llegado a trabajar por primera vez la mañana anterior, descubre que traía una bolsa con diamantes del barco y, en vez de quedárselos como haría cualquier persona normal, decide dárselos a la familia que acaba de conocer para que no pierdan su casa.

Creo que el problema es que aunque los goonies resulta divertida, es como irse a una feria y subirse a los juegos. Sí, es muy divertido pero al final no es como que uno haya ganado la guerra. Y la película al final quiere hacernos llorar y dar una sensación épica y no hay modo de que eso funcione con una historia que ha mandado todo realismo a tomar por culo. Hubiera sido más congruente si al final nos hubieran hecho reir y ya.

Y de paso nos hubieran evitado los discursos de Mikey, que a su corta edad ya parece listo para motivar a su equipo de ventas de Avon. Y lo de que está encariñado con el pirata muerto y se comunica con él. Más humor y diversión y menos rollo de que cuando vayas a perder tu casa te conectes con tu niño/coach de vida interior.

 

¿El cine tiene alma?

Al final de la conferencia de prensa en donde se presentó el más reciente libro del abecedario del cine mexicano de Jorge Ayala Blanco, el veterano crítico cinematográfico dijo que le agradecía al público no haber hecho una pregunta. Esta pregunta maldita era ¿El cine mexicano actual deriva de Amores Perros? E insistió: De verdad estaba aterrorizado de que se lo preguntaran. De cualquier modo respondió la pregunta que nadie hizo en ese momento pero que seguramente se ha hecho en otros. ¡Por supuesto que no! exclamó el bigotudo profesor de la ENAC, antes CUEC, la escuela de cine de la UNAM. De hecho lo que el cine mexicano ha hecho es alejarse de Amores Perros, abundó.

En esta presentación de "La Sapiencia del Cine Mexicano" el crítico estuvo acompañado por el director Joaquín del Paso cuya película El hoyo en la cerca presta una de sus imágenes a la portada del libro y, según explicó Ayala, todas las portadas de sus libros tienen un significado, pues son de las películas que mejor representan el periodo que abarca cada libro.

En el presidium también estuvo Armando Casas, Presidente saliente de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, la AMACC, quien comentó que, a pesar de que él ve todas las películas que mandan a la AMACC para tratar de concursar por los Arieles, le sorprendió la cantidad de películas, desde largos hasta cortometrajes, de las que escribe Jorge Ayala en este libro. Muchas de ellas muy difíciles de encontrar y ver.

Más adelante Jorge Ayala explicó que ve todas las películas mexicanas de la cartelera comercial y todas las que se pueden ver en la cineteca nacional y además ve muchas películas mexicanas que, en efecto, son muy difíciles de encontrar. Algunas, por ejemplo, las ve porque alguien le manda un link, y que sí, como había dicho Armando Casas antes, sus libros también cumplen una función de rescate y preservación pues muchas de las películas de las que escribe están condenadas a desaparecer.

Todo mundo exaltó la variedad de las películas de las que Ayala Blanco  se ocupa en este y en sus demás libros, porque no sólo ve muchas películas mexicanas, él mismo se ha calificado como "bodrionauta", sino que además usa una definición muy amplia de cine mexicano gracias a la cual en este último libro pueden entrar películas como Pinocho de Guilermo Del Toro, Bardo de González Iñárritu o Sundown de Michel Franco y compartir espacio con Mirreyes contra Godínez 2, o Radical, producida y actuada por Eugenio Derbez (Que dice Ayala que está buena) y producciones modestísimas que ni distribución tuvieron.

Este tema de la variedad quedó engarzado con un tema favorito de este famoso cinéfilo: La crítica a otros críticos. Como quienes según dijo, no van a ver una película nomás porque sale Derbez. O que en alguna muestra dicen: "Hoy toca día libre porque toca la película Georgiana".

Ahí me sentí aludido pues en una muestra reciente cuando tocaba la película georgiana, y no del estado americano de Georgia, sino de la República de Georgia, un país vecino de Rusia, de por ahí donde también están Azerbaiján y Armenia, y de donde se presentaba un documental sobre el operador de un teleférico, yo, temiendo despertar a ronquidos a mis colegas críticos y críticas, provocando así su odio, decidí mejor abstenerme.

Luego vino otro ataque en que me quedó el saco: Según Ayala muchos críticos, o la mayoría, no recuerdo bien pero algo así como todos menos él, se dedican a hacer glosas interminables del guión pero parece que no ven la película. Que curioso: El año pasado yo le platiqué a Ayala que yo en mis críticas me fijo mucho en la historia, en la trama de las películas, y por lo tanto en el guión. Que yo sepa, la mayoría no hace eso. ¡Glosas interminables sobre el guión? ¡Pamplinas!

No todo fueron diferencias. Alguien le preguntó si considera que las películas tienen alma y respondió que sí, que las películas tienen un discurso racional y un discurso afectivo, y que él en sus textos rescata sus "almitas". Eso me gustó y a final de cuentas como soy un alma buena y generosa hice como que no sentí los dardos envenenados y sólo intervine para señalar que recientemente, buscando "La Condición del Cine Mexicano", libro que está agotado, noté que ese libro junto con las primeras letras del abecedario Ayalablanquesco ya no están disponibles en las principales bibliotecas públicas pues se los robaron seguramente. Así que como también estaba en el presidium una persona de publicaciones de la ENAC, que hoy en día es la editorial con el mayor catálogo de libros de cine en español, y que desde hace años son la editorial de Ayala, dije que deben pedirle a las bibliotecas que compren más libros de este bodrionauta molesto pero genial.

 

Tlatelolco slasher

Rojo Amanecer ( Jorge Fons 1990) termina con una escena casi de horror, a un paso del gore. Nomás le falta un cucillo cebollero o una hacha para ser un slasher. Un nuevo sacrificio humano en Tlatelolco, como dijo Octavio Paz, a quien la matanza del 2 de Octubre le pareció una nueva versión versión de los sacrificios humanos prehispánicos.

Aunque la película tiene por momentos un tono didáctico como de típico profe que no fue al mitin porque sus papás lo encerraron en el baño o porque ya de camino se chingó la rodilla, no se puede negar que Rojo Amanecer crea tensión, tiene ritmo y crea una atmósfera. Es una buena película. Y con excelentes actuaciones.

El tema central de la película es la lucha entre generaciones. Lo político es como algo que sólo se le agrega al conflicto entre jóvenes y viejos. Conste que sólo estoy hablando de la película.

Por eso la figura del abuelo es tan importante en la historia. El es el representante del régimen posrevolucionario, es decir del PRI. Es un militar retirado veterano de la revolución. El papá en cambio fue un opositor, seguidor del general Juan Andreu Almazán según le dice a sus hijos. Pero que Almazán se vendió.

Los hijos dicen que la generación del papá fracaso pero que a ellos no les tiene porque ir igual. En realidad no es lo mismo fracasar que ser traicionado, pero de cualquier modo no creo que lo del general Almazán fuera un asunto tan generacional como lo del 68 porque ese movimiento es parte de la llamada rebelión juvenil de los sesentas, un fenómeno mundial sin precedentes hasta entonces. Lo interesante es que los hijos mismos lo dicen: El asunto es generacional.

El abuelo también lo dice en uno de los primeros dialogos de la película: "Antes los jóvenes eran diferentes".

Como bien dice la mamá, algunas de las peticiones eran absurdas. Pretextos para el movimiento.

Así como encontrarles un póster del che guevara y un manifiesto comunista a los estudiantes es un pretexto para reprimirlos: El largo del pelo de los hombres es un tema más discutido que la lucha de clases. De hecho el "pueblo" que dice uno de los hijos no los va a dejar solos, los dejó solos.

Y es así que en Tlatelolco, donde poco antes de la llegada de los españoles se sacrificaron niños para que lloviera se sacrificaron jóvenes que habían irritado a los mayores.

Pero ese niño, único sobreviviente de la familia, que sale corriendo entre los soldados, simboliza una generación que no venció a la anterior. los de antes murieron de muerte natural, por decirlo de algún modo. Y los nuevos una vez en el poder están demostrando ser peor que los anteriores. pero me limito a lo que se ve en la película: Esa escena del niño corriendo mientras pasan soldados para hacer el contraste. Ahora, los militares tienen más poder. Y los niños, que no votan, están peor que nunca.

A final de cuentas el sacrificio sólo sirvió de pretexto para el poder.