¡Ya siéntese abuelo!

"A Scorsese no le interesa el mundo después de los setentas". Eso lo leí en algún lado hace algún tiempo y con El Irlandés esto se confirma. Esta película viene siendo como un gran helado de pura nostalgia servido en copa de esas que ahora son de nevería retro. Como los que Pacino se toma en varias escenas pues según esto, Jimmy Hoffa, el líder sindical que interpreta, se la pasaba comiendo helado. Y como suele suceder con la nostagia, todo lo idealiza, empezando por los mafiosos: Todo entre ellos es honor, respeto, tipos simpáticos, paternales, amantes de los niños, listos, sólo recurren a la violencia como último recurso. Y nos dicen que controlan el mundo, los de hasta arriba claro, los meros meros mafiosos. Si los de abajo son como ángeles, entonces los invisibles, los inombrables de hasta arriba, son el supremo poder terrenal según esto. Por encima de los mortales. Porque nos explican que después del Presidente, Jimmy Hoffa era el segundo hombre más poderoso de Estados Unidos. Pero a este y a Kennedy los mataron por meterse con la mafia. Aunque a Kennedy primero lo hicieron Presidente. En realidad el problema con Hoffa, según lo que se ve en la película, fue que le faltó al respeto a los italianos. Y lo mataron, faltaba más. Porque para la nostalgia y el orgullo no hay realidad que alcance y entonces se empieza a inventar. Para ello Scorsese encontró la historia ideal: El libro con las supuestas confesiones de un asesino de la mafia que quien sabe que tan buen asesino era, pero para imaginar si parece muy bueno. Porque este tipo de apellido Sheeran dice haber asesinado a Jimmy Hoffa...  al igual que otras 13 personas, que también han dicho que lo mataron. Según lo que han investigado los medios en Estados Unidos, no hay ninguna prueba de que Sheeran haya dicho la verdad al respecto. Tal vez por eso no ha tenido problemas con la ley. Además según Sheeran antes de matarlo trabajó como asesino para Hoffa. Y después de ver esta película cualquiera sale dando por hecho que Hoffa mataba. Sólo que nunca se le acusó de ningún asesinato. Ni legalmente ni de ningún otro modo. Tenía fama de muchas cosas pero no de asesino. Y según Sheeran mató a unos 30 por órdenes de Hoffa. Y seguro que tampoco mató a Joe Gallo en el 71 en un restaurante de Little Italy, el barrio neoyorquino de Scorsese. Y ya ni hablar del cuento de que llevó las armas para el asesinato de Kennedy y para el ataque a Bahía de Cochinos. Sólo le faltó decir que mató a Colosio por órdenes de Elvis.

Scorsese ya está como viejito que repite la misma historia mil veces, pero que para seguir llamando la atención, deforma la verdad de lo que pasó cada vez más. Y para confundir revuelve todo con detalles verídicos y precisos. Y así cada que aparece un nuevo personaje nos dice: Este es el famoso mafioso fulano de tal, asesinado en tal año y especifica cuantos balazos le dieron.

El genio narrativo sigue ahí, Scorsese sigue siendo muy bueno para contar historias, y tiene buenos momentos, pero parece que no tiene nada nuevo que contar, o no quiere. Prefiere seguir, como dicen los raperos, representando a su barrio, a sus mafiosos de la vieja escuela. Y con los mismos actores y por un lado da gusto ver a la vieja guardia pero también resulta obvio que la película necesitaba actores más jovenes, pues es más fácil para un actor joven representar a un viejo que al revés. El rejuvenecimiento de De Niro por computadora (¡y sus ojos azules!) se siente sumamente forzado. Su personaje y sobretodo el de Pesci se ven rucos desde jóvenes.

Y al final parece que al director de la película le sucede lo mismo que al personaje principal y a la película misma: Nomás no quieren acabar. Vemos a Frank Sheeran angustiado por la muerte y que no quiere que lo cremen que porque eso es demasiado "definitivo", y la película pasa de las tres horas y no sólo no acaba sino que no encuentra un buen final y hasta la cámara parece que ya se va en un último plano secuencia scorsesiano pero regresa con Frank, que pide que no cierren la puerta de su habitación. Nada de cierres o finales. Si la película no se hubiera llamado "El Irlandés" podría llamarse "El miedo a la cortinilla final".

MDMA y el falso caldo de víctima

MDMA es una película que busca generar al mismo tiempo empatía y admiración por el personaje principal porque es una víctima pero una víctima badass que pelea. Pero la trama de la película deja huecos que dejan ver que en lugar de una heroína, basada en la vida de la directora de la película, lo que vemos es la historia de una estudiante que por robarse cosas del laboratorio de la Universidad en la que estaba gracias a una beca, tuvo que conformarse con estudiar en otra Universidad menos buena. Algo no precisamente muy épico.

Fuera de algunos flashbacks y una escena en la que la protagonista, Angie, le cuenta a su amiga de sus problemas familiares, la historia se centra en las experiencias de Angie como dealer de MDMA, de tachas pues. Suele suceder que las historias de Hollywood que supuestamente cuentan cosas que realmente sucedieron cambian las cosas tanto que al final lo que queda no se parece casi nada a lo que realmente pasó, así que lo mejor es suponer que no sabemos lo que realmente pasó y lo único que nos consta es la historia que vemos.

Entonces Angie, cualquiera que sea su pasado, está en una prestigiosa Universidad privada de San Francisco. O sea que podemos suponer que está en Stanford. Nada más por eso tiene más oportunidades frente a ella que la inmensa mayoría de los seres humanos. Se le abrieron las puertas de la élite, puede aspirar a los trabajos mejor pagados del mundo. No es como para que echemos la lágrima porque su roomie tiene más dinero y eso de que le llegan facturas de la Universidad que no puede pagar no suena real. Las universidades en Estados Unidos no son como los hospitales, desde un principio informan con lujo de detalle lo que cobran. Que no nos vengan con el cuento de que Angie se metió de dealer para poder seguir estudiando.

Y aquí viene la otra parte del engaño, la directora de la película nos dice que ella era una malota, una guerrera temible traficante de drogas - pero con instinto maternal-  feroz y tierna como Lupita D´Alessio más o menos. Sólo que hay un detalle: Estaba traficando éxtasis antes de que fueran ilegal. O sea estaba vendiendo cosas perfectamente legales, como plátanos con crema o Milky Ways. No era realmente una "dealer", una mafiosa, ni una delincuente. Las tachas en ese momento eran tan legales como las pastillas para el aliento o los chicles que probablemente vendían en los baños de los clubes a donde ella iba.

Entonces veamos que pasa en la escena clave de la película cuando descubre que el dueño del antro le subió el precio a las tachas y entonces ella lo acuchilla. A ver ¿qué tan lógico es esto? Atacar con un cuchillo a alguien porque nos regatea y además le sube el precio a los productos que  nos compra para revender. Imaginémoslo en otro contexto: Que un wey que vende plátanos descubre que un cliente le subió el precio a los plátanos con crema que prepara y entonces lo acuchilla porque el maldito además le regatea. ¿No es lo que todo comerciante, desde el origen del tiempo, trata de hacer? ¿Comprar más barato y vender más caro? ¿Acaso este dueño de antro habría prometido someterse a las leyes del comercio justo y donar parte de las utilidades de la venta de drogas a la caridad? ¿Cuando compramos algo debemos esperar que nos acuchillen si pedimos que nos bajen el precio? ¿Y es un ser despreciable cualquiera que suba precios de lo que vende?

Y luego, este tipo mata sin querer al amigo de Angie, en una escena absurda. La tiene enfrente pero en vez de darle a ella mata al amigo. Okey eso puede pasar pero la escena es muy mala, no es verosímil, les salió mal. Parece de película del Santo. Ah pero otra vez se supone que debemos compadecernos de esa pobre inocente a la que todo le pasa.

Y entonces la expulsan de la Universidad. Recordemos que no es por vender drogas porque no estaba vendiendo nada ilegal, lo que sucede es que se robaba cosas del laboratorio. Nada más. Pero acaba trabajando en un antrazo de Nueva York en donde tenía que bailar y luego se iba a meter líneas de coca. ¡Oigan yo quiero fracasar así! ¡Fracasemos todos y nos vamos a bailar a Nueva York! Ay no perdón es una víctima, casi lo olvidaba, Como su amiga que se andaba suicidando porque su mamá la critica. Perdón, perdón, snif, snif, no lo vuelvo a hacer.

De remate esta guerrera después de sobrevivir a todo rehace su vida, faltaba más, aunque debe meterse a una universidad del montón. Ah pero dice que ahora tiene experiencia en el mundo del narco, lidiando con tipos rudos y pandilleros. Sólo que, recordémoslo, ella misma lo dice al principio, eso no es cierto, vendía pastillas legales. Lo único ilegal que ha hecho es robarse cosas del laboratorio de su escuela, no es precisamente la versión femenina del chapo Guzmán. ¿Y el tipo que acuchilló? Pues ni siquiera la detuvieron o interrogaron al respecto, ni nada de nada. Lo más probable es que fue algo que nunca pasó, como el supuesto asesinato de su amigo Tommy, porque apuesto que si esa fuera una experiencia real de la directora la puesta en escena le hubiera salido mejor.

El Golem y el continuo fantasía - ciencia (ficción)

Esta nueva versión (2018) del mito del Golem está bastante equis, más bien desabrida, pero podría ser interesante para quienes no conozcan el mito del Golem. O de los Golems. Según las tradiciones judías se trata de unos humanoides que se hacen con tierra aplicando magia cabalística. Lo que viene siendo como una tradición esotétrica, medio ocultista, judía. Se ha dicho que Frankenstein es una renovación de este mito pero, como todo mundo sabe Frankenstein es ciencia ficción. Además de ser del género del horror, claro. ¿Puede una historia fantástica ser un antecedente de una de ciencia ficción? En realidad la frontera entre lo fantástico y la ciencia ficción es muy porosa. No sólo la fantasía ha sido muchas veces inspiración de la ciencia ficción, y de la ciencia y tecnología en general, sino que también sucede que lo fantástico, o el pensamiento mágico, crea las formas de pensamiento que luego se vuelven científicas: Por ejemplo, es bien sabido que la química surge de la alquimia. Isaac Newton escribió mucho sobre alquimia. Este viejo artículo de la revista Wired habla de esta relación entre lo mágico y la tecnología y de como en el Silicon Valley les encantan los rituales y todo lo mágico y fantástico. No es casualidad que el festival de Burning Man haya sido creado por tecno nerds de Silicon Valley. Y en el artículo vienen ejemplos de ideas del ámbito fantástico/religioso/ocultista que pasan a la tecnología: Como el caso del creador del VRML, uno de los primeros lenguajes de realidad virtual, que se inspiró en el mito hindú de la red de Indra. También dice el artículo que la criptografía empezó con el trabajo de ocultistas y alquimistas como Trithemius y John Dee. Y por otro lado, la idea de que la vida es como la electricidad y se puede dar vida a un cadáver con descargas electricas no tiene nada de científico. Es fantasía pura oculta tras la términología moderna y el equipo de laboratorio.

Nick Nolte y el Subcomandante Marcos

En esta película Nick Nolte se supone que busca al líder guerrillero Rafael, el "comandante Rafael" del que nadie conoce su rostro. Y la película fue filmada en Chiapas y lo más importante en esa guerra, en realidad, es lo que sale en los medios. Y es de 1983, mucho antes del EZLN y todo eso.

Harry Potter y los niños pobres

De acuerdo a la psicología jungiana, la serpiente es uno de símbolos de la sombra, y esta sombra es un arquetipo de nuestro inconsciente colectivo que representa todo lo que rechazamos de nosotros mismos, lo que nosotros o nuestra sociedad o familia rechaza y que por lo tanto reprimimos y negamos. Y, aunque no lo dijera la sicología jungiana, lo que sucede con las serpientes es realmente de llamar la atención pues al parecer en todas las culturas son un símbolo de sexualidad, de salud, de transformación y se les relaciona con lo religioso cuando, en vista de la capacidad de los reptiles venenosos de matarnos, parecería más lógico que se hubieran quedado representando lo terrorífico y nada más.

 

Con la sombra sucede lo mismo pues a pesar de representar, por definición, lo que consideramos negativo, tiene también su lado bueno. La sombra, decía Jung, puede dominarnos desde la oscuridad, puede ejercer su influencia sobre nosotros sin que nos demos cuenta, pero por otro lado, si conocemos nuestra sombra podemos hacer que ese poder, esa energía sea nuestro. "Se dueño de tu propia sombra" recomendaba Jung.

 

En la primer película de Harry Potter, la serpiente y sus símbolos y otras representaciones de la sombra están muy presentes.

 

Erase una vez un huérfano.

Es sabido el papel especial que ocupan los huérfanos en la mitología, desde Moisés hasta Luke Skywalker pasando por casi todos los héroes de las películas de Disney y Harry es un huérfano, en términos simbólicos es hijo de todos, de la sociedad.

Y su vida no es fácil, sufre a manos de su primo consentido y malcriado, que se enoja porque de cumpleaños solamente recibió 36 regalos de sus papás pero su madre rápidamente lo consuela diciéndole que le van a comprar más. Digamos que Harry tiene un problema de clase social dentro de su propia casa, y a él le toca ser la clase trabajadora de esa familia y lo ponen a preparar el desayuno y servir el café.

 

Más tarde en el zoológico vemos que Harry se comunica con una serpiente que lo que quiere es salirse y hacer de las suyas y que está del lado de Harry. Pues hay un lado de él, que el propio Harry desconoce y que su familia postiza, que como dije viene representando a la sociedad, está empeñada en ocultar. Los mensajes empiezan a llegar poco a poco hasta que finalmente se vuelven abrumadores, así como suelen ser los mensajes del inconsciente hasta que un día no se pueden ocultar más e irrumpen de la peor manera como un gigante que llega tirando la puerta. Y este gigante le dice a Harry entre otras cosas:

 

               "...alguna vez haz hecho algo que no puedes explicar

                          cuando estás enojado o asustado?"

 

Justo como las cosas que suele hacer la sombra. Antes de irse el primo de Harry recibirá una lección y cuando se estaba atascando el pastel de cumpleaños de Harry, el gigante Hagrid le pone una cola de cerdo, el animal que simboliza la avaricia, la codicia y hasta a los grandes capitalistas.

Harry se cambia de bando

En el zoológico frente a la serpiente, Dudley, el porcino primo de Harry lo empuja y toma su lugar.

Esto resulta significativo porque ahora Harry se va a Hogwarts, que si lo separamos (Hog warts) y lo traducimos significa "verrugas de cerdo", no es la colita pero una verruga de cerdo vendría siendo otro tipo de "marca" de cerdo. Y es una escuela inspirada sin duda en las escuelas particulares británicas, como las afamadas universidades de Cambridge y Oxford. Las casas de Hogwarts vienen siendo el equivalente de los colleges (nada que ver con un college americano), de esas universidades. Para entrar a Cambridge o Oxford la gente no hace exámen para entrar a una facultad, sino que tiene que entrar a un college, independientemente de lo que uno vaya a estudiar. Por lo menos en lo que vendría siendo el nivel licenciatura. Y estos colleges tienen grandes rivalidades entre ellos.

Las cenas en Hogwarts son como unas comidas que hay en los colleges, llamadas High Tables, a las que la gente va con uniformes y gorritos y los profesores se sientan en una mesa al frente más alta que las otras. Y en estas universidades hay edificios muy antiguos y medievales como el castillo de Hogwarts.

 

Hasta en el famoso diálogo de Hermione cuando corrige a Ron diciéndole que se pronuncia "Leviooosa y no Leviosaaaa" hay señales de estas elitistas universidades pues sus graduados tienen fama de ser a veces unos pedantes que, como han estudiado materias como inglés y latín con los mejores profesores, se la pasan corrigiendo a los demás.

 

Y Cambridge y Oxford son de las universidades más famosas y prestigiadas del mundo pero para los británicos también tienen un lado negativo pues se les considera escuelas elitistas que forman parte muy importante del sistema de clases sociales de ese país. Y para abreviar y no tener que decir Cambridge y Oxford todo el tiempo le dicen el oxbridge, es decir el "puente de los bueyes".

 

Entonces resulta que Harry ahora tiene fama y fortuna heredadas, como una especie de aristócrata de la magia. Aunque cabría preguntarse de que le serviría a un mago tener tanto dinero en el banco, ¿no podría convertir cosas en oro simplemente o por lo menos guardar su tesoro en un lugar más "mágico" que un banco? En El Señor de los Anillos, otra historia centrada en la magia, el dinero no tiene ninguna importancia por poner un ejemplo.

Entonces ahora Harry va a Hogwarts, como sus padres, y recordemos que la tía de Harry ha dicho que su hermana era una insoportable, y se mete de lleno en ese mundo de competencia entre las casas, y es rico y famoso pero... ahora la serpiente ya no está de su lado, es su enemiga.

La casa rival, Slytherin, nombre tan parecido a slither, que significa reptar; es encabezada por el profesor Snape, sólo cámbienle la “p”. De hecho hay una toma, afuera de la casa de los reptiles en el zoológico, en que se ve a un grupo de estudiantes saliendo con unos uniformes muy parecidos a los de Hogwarts, y los uniformes tienen los colores de Slytherin

No se dejen engañar porque Harry se hace amigo del pobretón, "uniforme usado" de Ron Weasley. Harry es ahora un rico bastardo, pero ahora también tiene problemas con la serpiente y no sólo con los de Slytherin, hay de hecho un tipo que tal vez quiera matarlo, pero como todo aquello que está en la sombra, debe ser negado, al grado que ni siquiera debe pronunciarse su nombre. Un día sin embargo en "El bosque oscuro", otro de los símbolos de la sombra, Harry finalmente lo encuentra. Como era de esperarse el tipo es invisible, es tan sólo una especie de humo, podemos deducir que está ahí porque mueve las cosas, como la sombra, pero no podemos verlo. Y se mueve como serpiente.

 

Entonces para que el enemigo no adquiera poder Harry deberá conseguir una piedra antes que él y aquí hay que regresar a Jung que decía que a nuestra sombra síquica, no se le debe ni puede combatir o reprimir ni negar, lo que hay que hacer es conocerla, entenderla. Porque llama la atención que en varias de las pruebas que Harry y sus amigos deberán pasar para llegar a esta piedra de lo que se trata es de no luchar. Para empezar obviamente cuando caen en un cuarto lleno de víboras y la clave está en ponerse flojito y dejarse llevar, la piedra misma sólo la conseguirá quien no quiera usarla.

Y al "Espejo de Erised" también se le puede conectar con otra famosa frase de Jung, "Nadie se ilumina fantaseando figuras de luz, sino haciendo consciente su oscuridad". Y ese espejo en donde todo se ve como queremos, no sirve de nada como le dice Dumbledore a Harry.

Como suele suceder con las serpientes simbólicas al final el profesor Snape resulta ser bueno y en cambio el profesor Quirrell, dedicado a combatir a la fuerzas oscuras, lo que como ya se dijo, no debe hacerse, era manipulado por el lado de él que nadie, ni él mismo, podía ver. No es de extrañar que se comportara de una forma que es de suponerse él no había elegido, es lo que pasa cuando la sombra lo domina a uno.

 

Al final sin embargo Harry no logra derrotar a la sombra, y debe regresar a su casa con su familia postiza y su primo. Hagrid le acaba dando tips para cuando su primo lo vuelva a molestar. Lamentable pero, como ya se dijo, si uno se pone contra la sombra lleva las de perder.

¿Pero porque se ha puesto Harry contra ella? En la casa de los reptiles el insensible Dudley tomó el lugar de Harry frente a la serpiente. En la vida real, el que se habría ido a una escuela elitista sería Dudley, no Harry. Al intercambiar papeles Harry dejó de entenderse con la serpiente, como Dudley cuya sombra pasa a ser la de Harry.

¿Qué podría haber en la sombra de Dudley?, ¿Qué cosas a reprimido y negado? Por lo menos en esta primera parte "aquel que no debe ser nombrado" es simplemente malo porque sí.

Pero se nos dan algunas pistas: Primero, todos los malos vienen de Slytherin y sólo hay dos personajes de Slytherin con un papel en la película: El profesor Snape, que es bueno, y Draco Malfoy, el mamón que critica a Ron Weasley por usar un uniforme de segunda mano. Por lo tanto las sombras de Dudley y de Draco Malfoy podrían tener algo en común. Otra pista: Esta serpiente es huérfana como Harry, o sea que también simboliza a una hija, o más precisamente a una sombra de todos, de la sociedad.

¿Y qué otra cosa tienen en común Harry y la serpiente? Que están encerrados. Al parecer Harry pasa mucho tiempo encerrado porque le dice a la serpiente que entiende cómo se siente ella. ¿Y por qué los Dursley tendrían encerrado todo el tiempo a Harry? Pues para no verlo, pues podrían estar proyectando en Harry a su propia sombra. Es pobre y a la gente no le gusta ver a los pobres. Después de ver "Harry Potter y la piedra filosofal" lo que podemos deducir es que lo que los Dursley y la sociedad no quieren ver y que por lo tanto han enviado a la sombra es a los niños pobres, precisamente como al Harry Potter del principio de la película.

Y los niños pobres simbolizan la inocencia, por lo tanto a los pobres que no tienen la culpa de serlo.

Guillerno Arriaga y la intuición

Dice Guillermo Arriaga: 

-Nunca investigo. Jamás. Con 21 gramos todos los términos médicos, todo lo que sucedía allí lo inventé, lo imaginé. Pero luego los doctores me decían: “¿Oye y cómo lo hiciste, quién te dijo?, todo es correcto”.

http://critica.cl/entrevistas/entrevista-a-guillermo-arriaga-los-maestros-pensaban-que-yo-era-tonto

El secreto de Tribilín

Pues según dicen aquí, y suena convincente, lo que pasa es tribilín que representaba a un negro. O mejor dicho a cierto estereotipo de negro.

Enchúlame a los fresas

Mirreyes avanzando en formación V

Erase un hombre rico que sentía que sus hijos no lo respetaban: el hijo mayor quería ponerse creativo y hacer sus propios negocios en vez de trabajar en su empresa y hacer todo lo que él decía. El hijo menor se le estaba volviendo como hippie izquierdista, un chairo; y le había dado por andar con mujeres mayores. Lo peor de todo era que la hija quería casarse con un tipo sin dinero. Que como es bien sabido casi cualquiera que quiera casarse con la hija de un rico si tiene menos dinero que este es considerado un cazafortunas. La hija luego tiene un romance con un pobre, al estilo Amar te duele, y ese amor sí es aprobado, supuestamente porque ese tipo sí es trabajador; en realidad porque ese sí es un amor imposible que jamás podría suceder y entonces como es tan irreal tampoco parece una amenaza. Es como un sueño o fantasía salido del mismo lugar que el inverosímil sindicato que amenaza la fortuna familiar, sindicato que ni el hijo que trabaja en la empresa conoce, y que sería muy raro en México en donde las empresas privadas con sindicatos de verdad son poco menos que inexistentes. El sueño es que la hija puede andar con quien ella quiera, Javi puede trabajar sin tener a su papá de jefe y el menor es acosado por las mujeres mayores. Y el papá también sueña, sueña que ahora él es quien exige dinero a sus hijos. Aprovechando el viaje vemos que en realidad los fresas son simpáticos y buena gente en el fondo, y en esto hay que reconocerle a esta historia que su humor sí es efectivo, la neta. Sobre todo el Javi Noble es bien cagado, la verdad. Ya después de los créditos para los que se esperaron, una escena final: Al que ambicionaba la fortuna del patriarca lo van a violar entre dos. Chido.

Todo esto por supuesto, no es la película Nosotros los Nobles. Sólo que si uno quisiera hacer una película política y comercialmente correcta, a partir de la historia anterior; lo mejor sería hacer Nosotros los Nobles.

Elysium, salubridad y apocalipsis

Impresionante el timing de Elysium. En esta película que podría resumirse como "La banda del bordo de Xochiaca se rebela contra los de las colonias enrejadas nice" nomás que estás colonias están en el espacio porque es película de ciencia ficción... pues resulta que el meollo de la trama es darle reboot (literalmente) al sistema y así cambiar todo el esquema de poder. ¿Y qué vemos qué es lo más desean los pobres? Pues servicios de salud. Justo cuando en Estados Unidos por oponerse a un seguro de salud los republicanos están amenazando con darle reboot a todo el sistema. Si para el 17 de Octubre no hay un acuerdo y la deuda de Estados Unidos, considerada el activo más seguro del mundo, más incluso que el efectivo, cae en default, osea, se deja de pagar, nadie sabe que pueda pasar. Sólo que puede ser algo que haga ver la quiebra de Lehman del 2008 como cosa de nada. Así que estamos en cuenta regresiva... Bueno, nadie dijo nunca que los americanos no sepan ponerle emoción a las cosas.

Los peligros del Dr. Who

Que dicen los del partido comunista chino que es muy peligroso que la gente ande imaginándose realidades alternativas, no se les vaya a ocurrir imaginarse un régiman mejor del que tienen, y entonces que agarran y prohiben al Dr. Who.

/http://www.tydknow.com/did-you-know-that-the-chinese-government-banned-the-show-dr-who-because/

Mallick el anunciante

To the Wonder es como un largo anuncio, al terminar sentí que había visto más escenas de niñas y mujeres bailando en trigales que si hubiera juntado todas las escenas de niñas y mujeres bailando en trigales de todos los anuncios de teléfonía y seguros de vida del mundo. Aunque para ser justos esta puesta en escena de Chanel meets Tommy Hilfiger tiene de todo, hasta toma cosas del estilo chantajista de los anuncios de las fundaciones.

 

Claro que en el mundo de la publicidad todos los personajes tienen algún problema muy concreto y terrible - su desodorante no dura todo el día o algo así - y en cambio en esta película los personajes viven como despegados de lo material, todo es bailar con alguna cortina bajo el sol de la tarde o jugar con el lodo después de la lluvia mientras se piensan frases deshilvanadas sobre el amor. La película en realidad es un himno a la superficialidad, tanto en lo visual con su foco en las texturas, como en la historia en sí que evita meterse al fondo de cualquier cosa. El colmo es que luego esto se venda como cine alternativo, con todo y Ben Affleck y Javier Bardem. Y tiene un tufillo nacionalista... O sea...  ¿Estados Unidos un país tan honesto? ¡¿Honesto?! Y bueno, ¿qué tal el padrecito Bardem con sus soliloquios religiosos de fondo? ¡Puf!

Terrible.

Desenfocando la violencia

Fecha de Caducidad, debut en largometraje de Kenya Márquez es otra película en que se nota una negación del narco y su violencia. Al igual que en Miss Bala o en Heli o en la obra teatral El Narco Negocia con Dios, En Fecha de Caducidad el narco se mete a la vida de personajes que aparentemente no tendrían porque tener que ver con el narco. Bueno, en este caso resulta que el edificio de departamentos que sirve como escenario principal es de un narco, pero eso acaba por no tener ninguna importancia, como algo simplemente anecdótico.

En este caso lo que se mete en la vida de los personajes, una señora que vive con su hijo adulto al que consiente con el esmero necesario para cultivar un perfecto macho mexicano, es simplemente que al hijo le cortan la cabeza. De hecho no se ve a ningún narco, por lo menos no a la cara y ni siquiera se menciona o se ve droga alguna. Tampoco se dice nada acerca de la razón por la que le cortan la cabeza al hijo, o quienes fueron o en que andaba metido. Como si eso no importara o más bien como si ese asunto no tuviera interés alguno.

Porque en el fondo esta es una película centrada en la intimidad de los personajes, en los cuentos que se cuenta Ramona, la madre del desaparecido, con ayuda de otra mamá que perdió a su hijo. En el personaje de Mariana que huyó de su pueblo pues mató al marido que la golpeaba. Ramona creerá que Mariana debe ser novia de su hijo, como confirmando que ese esposo golpeador podría ser el hijo de alguien como ella. Y en Genaro, un milusos servil de pelo relamido que parece una especie de jorobado de Notre Dame enamorado de Mariana. Un tipo ratonil que busca refacciones en los deshuesaderos, roba cosas de la morgue, hace mandados, saca copias, colecciona periódicos de nota roja y le habla a las cucarachas como a unas amigas. Curiosamente otro tipo que saca copias y se enamora de una dependienta. Según el crítico José Antonio Valdés Peña, las historias de Kenya Márquez, quien además de este largometraje ha hecho tres cortometrajes, tienen que ver siempre "con un México provinciano dominado por fuertes presencias matriarcales que engendraban hombres patéticos, castrados emocionalmente". Y sí, resulta fácil imaginarse a Genaro como un niño al que su mamá embadurna de gel y lo vuelve jorobado a base de zapes.

El mundo de Fecha de Caducidad se siente sofocante y decadente, o mejor dicho se nota que algo está podrido ahí. Un gran acierto de la película además de su humor negro es el diseño de arte que al principio hace pensar que se trata de una historia de época, pero lo que retrata en cambio es una realidad en donde el tiempo parece haberse quedado detenido: lo mismo en las oficinas burocráticas con su patetismo, o en el departamento de Ramona. Todo esto además, fotografiado con tonos mates y gránulo reventado, dan un aspecto de algo tan estancado como el hijo adulto al que la mamá le corta las uñas.

Aunque el estilo narrativo se aleja, afortunadamente, del lento minimalismo de moda, y en cambio presenta una atractiva historia narrada desde tres puntos de vista que parece detectivesca, creo que el final decepciona pues en vez de contarnos que enredos le costaron la cabeza a Osvaldo, el hijo de Ramona, tenemos una especie de final interruptus en que ella cree que ya mando pal otro lado con unos bolsazos al que cree es el asesino de su hijo, es decir, al pelmazo de Genaro, que por andar de acomedido llevándole a la señora la cabeza que se encontró accidentalmente acaba pagando el pato.

Como en Heli, la toma final presenta una escena que indica un retorno a la vida cotidiana. Aunque la vida haya sido trastornada. En este caso acabamos viendo a Ramona cerrar el círculo comprando sopa de tomate, la que siempre le daba a su hijo, la que se enfrío mientras lo esperaba. Todo empieza y acaba en la vida cotidiana, aunque haya pasado lo que haya pasado en medio. Algo que se metió a su vida y se llevo a su hijo. Pero ni ella, ni la película pudieron siquiera asomarse a ver que pasó.

En Miss Bala destacan las tomas desenfocadas, como si no se quisiera ver bien. En Heli vemos en primer plano unos genitales quemándose, pero a nivel de trama el narco se desdibuja. En Fecha de Caducidad las actuaciones enfatizan todo, casi como en estilo de cine mudo, pero tampoco se quiere ver tan bien: la cabeza de Osvaldo, el hijo, no se ve muy realista, ni siquiera los golpes en la cara de Mariana se ven bien. En una escena le dicen a Mariana que se maquille los golpes pero no se le ve ninguno. En fin, una historia entretenida pero que parece que está siendo contada por una señora como Ramona que sólo ve lo que pasa afuera a través de una ventanita entreabierta, como viejita de pueblo.

Heli, retrato intimista con narco

Heli, tercer largometraje del mexicano Amat Escalante pertenece a las películas del estilo que se ha llamado minimalismo mexicano o contemplativo mexicano y en el cual se inscriben directores como Fernando Eimbcke (Temporada de Patos, Lake Tahoe), Hari Sama (El sueño de Lú), Ernesto Contreras (Párpados azules) Gabriel Mariño (Un Mundo Secreto), Carlos Reygadas etc. Se caracterizan por hacer tomas muy largas, generalmente con cámara fija, y tener anécdotas o tramas mínimas, diálogos muy parcos y por lo general su tema es la intimidad de algún personaje muy cotidiano, es decir de personas que no parecen tener nada particularmente especial. Ah y claro, también se caracterizan estas películas por ganar muchos premios en festivales internacionales como es el caso de Heli por el que Escalante recibió la palma de oro a mejor dirección en el pasado festival de Cannes.

Lo que distingue a Heli de las otras películas minimalistas mexicanas es que en este caso el fenómeno del narco irrumpe en la cotidianeidad de los personajes promedio retratados aquí. Y el verbo retratar, con su conotación de algo fijo, nunca fue tan preciso como en el caso de las películas mexicanas minimalistas, como puede constatar cualquiera mientras espera pacientemente a que cambie la toma en alguna de ellas. Y, también, nada explica tan claramente que se trata de presentar personajes promedio como el hecho de que en Heli, el personaje principal Heli (valga la redundancia), es presentado en una escena en que llega una trabajadora del censo a tocar a su puerta para pedirle sus datos. Hasta hace pensar que quizá Heli fue creado a partir de ciertos parámetros de normalidad tomados del censo o algo así.

Pero entonces ¿cómo conjuntar una mirada intimista de unos personajes promedio y su cotidianeidad con el fenómeno del narcotráfico? ¿Qué no es el narcotráfico algo demasiado complejo, y brutal, como para combinar con la propia noción de cotidianeidad? ¿Y también demasiado complejo para una película que siga el férreo precepto del cineminimalismo mexicano de que la trama será mínima en caso de que haya trama?

Creo que la escena que aparece en uno de los carteles de esta película refleja muy bien lo que pasó: Una cosa feroz y brutal, una bestia monstruosa y rugiente, es decir un vehículo del ejército, llega y se planta frente al minimalista Heli (Armando Espitia) flaco y sin camisa, y su mínima casa pelona sin pintar. Y lo que pasa en esa escena es que simplemente, sin ninguna explicación, el vehículo militar se va. Y en la película Heli, el narco también se pierde frente al minimalismo.

La primera toma, un largo (no podía ser de otro modo) acercamiento a la cabeza y los pies de unos torturados bajo una bota parece indicar el principio de un acercamiento en close up al mundo del narco, pero estas y otras imágenes de la película no tienen un equivalente en el detalle del guión, de la historia. El primer indicio es cuando cuelgan un cuerpo de un puente pero sin narcomanta; después viene una cadena de absurdos: Los paquetes de cocaína que sólo cuida un perro y cuya ubicación es una especie de "rumor" que escuchó un tipo. Luego Heli que descubre los paquetes en su tinaco en donde acaba de ver a su hermana con su novio y lo que se le ocurre es ir a tirar la cocaína en el agua donde chapotea una vaca. Cuando llegan por él y su familia uno no puede más que pensar "Pues sí, eso le pasa por bestia". Después en una escena que recuerda el final de Miss Bala, cuando a la Miss nomás porque sí se le abre una puerta para escapar de su narcopesadilla, a Heli los torturadores le dicen que acabó su tormento y que ya se puede ir. Su hermana sigue desaparecida pero después de unos días regresa así nomás, no habla pero ni siquiera se le ven golpes y dibuja un mapa muy preciso del lugar donde la tenían. Así que Heli, ya en el colmo del absurdo, va a esta guarida de narcos a darles su merecido solito y a puño limpio y con tanta suerte que sólo había un malandro en el lugar que sale corriendo para que Heli no le pegue. Aunque Heli (SPOILER ADELANTE, PELIGRO) lo alcanza.

En fin que el costumbrismo intimista derrota al narco, porque este de verlo nomás salió corriendo, (a la mejor las películas lentas son la criptonita de los narcos) y al final tenemos una larga escena en la que el viento mece las cortinas de los personajes amodorrados en una tarde tranquila. Paz y amor y las telenovelas de la tarde, amén.

Misato mata Mako

Sí juzgamos Titanes del Pacífico por el simple criterio de sí es entretenida o no, la respuesta para la mayoría es que sí. Incluyéndome. Pero cuando acabó la película me dio una sensación de que algo faltaba y es que aunque visualmente es espectacular, los personajes son completamente acartonados (o sea ¿a alguien le provocó algo el beso final entre Raleigh y Mako?). Y la historia en lo fundamental sale de Evangelion. Aunque de Evangelion sólo una parte esté en Pacific Rim.

Y bueno, no niego que hacer una versión de acción viva de Evangelion, con un gran presupuesto, suena como una buena idea. Pero si la juzgamos así: ¿Qué tan bien quedó esta película de millones y millones de dólares comparada con esa mundialmente famosa y exitosa caricatura? Entonces creo que Titanes del Pacífico queda a deber. Porque aunque, como ya dije, visualmente es espectacular, una película necesita una historia y necesita buenos personajes. Y Guillermo Del Toro lo sabe y le metió a su película una buena cantidad de personajes y subtramas y hasta se mete en un rollo acerca de los gemelos,  los cerebros dobles, las mentes de colmena y que si creamos mounstruos para defendernos de los mounstruos etc.  Sin que esto llegue a nada al final.

Y parece que fue por sus personajes a las tiendas Simi de personajes de cartabón. Así tenemos a los dos pistoleros/pilotos retirados que deben regresar a pelear (Raleigh y el Mariscal Pentecost) y la pareja de guerreros que primero se enfrenta y luego se enamora (Raleigh y Mako Mori), el gángster excéntrico Hannibal Chau y la pareja de nerds maniacos. Ah y claro, el conflicto de vestidor entre las dos estrellas Raleigh y Hansen. Pero sin que ninguno sea más que una simple caricatura de personaje. Y aquí es en donde paradójicamente, si la comparamos con las caricaturas de Evangelion, está película queda muy mal. Y pongo simplemente un ejemplo: Creo que cualquier fan de Evangelion escogería, sin pensarlo siquiera, irse a tomar unas chelas con Misato Kasuragi antes que conocer al personaje femenino de esta película Mako "zapatitos rojos" Mori. Inclusive si tomamos en cuenta que por ser una película PG-13 probablemente le habrían tenido que bajar a la parte sexual, Misato es un personaje sexy, divertido, e interesante. Una engullidora de cervezas que podría ganarle en eructos a un trailero, que tiene un pingüino mascota y es tan mala cocinando que hasta la comida para microondas le queda mal. Y sus dialogos, al menos según recuerdo, son mejores que los elementales diálogos de Titanes. El colmo es cuando en una escena después de créditos sale el personaje de Ron Perlman a preguntar por su zapato. ¿Eso lo sacaron de algún manual de frases para poner en un guión o qué?

Noté que a muchos les gustó la película por una cuestión nostálgica (¡Titanes de la Nostagia!) que dicen se sintieron de nuevo como cuando tenían siete años y les recordó a Mazinger Z, Godzilla y Mothra etc.Yo sólo se que a mi niño interno de 7 años le caga la nostagia y le gusta ver cosas nuevas.

En cuanto al sonido esta es una películña realmente ruidosa pero su ruido como que podría aportar más, no sé... que los gritos de kaijus helaran la sangre o sonaran a algo nunca antes oído por ejemplo. Como que al diseño de audio no le pusieron tanta atención como a lo visual. ¿Y ese soundtrack con rocanrolito x? Esta película pedía a gritos algo de electro.

Por último, nuevamente aparece el tema, muy de moda, del personaje atormentado por recuerdos que debe combatir clones o despertar gracias a los recuerdos para ya no ser él mismo un clon: Oblivion, La Huésped, Aeon Flux, son algunos ejemplos de esto. Pero a diferencia de lo que sucede en estas películas, en Titanes del Pacífico el personaje lo que hace, y lo que le dicen que debe hacer, es no hacerle caso a esos recuerdos. Y entonces curiosamente resulta que el personaje, Mako en este caso, acaba siendo protagonista de una película en cuyo ADN no hay nada original. Como le sucede a los clones.

Una buena comedia

Entre tantas comedias malas es difícil encontrar cosas que valgan la pena y Youth in Revolt a primera vista parece una del montón, aunque ya fijándose el elenco sí está bueno. Además en México parece que le pusieron "La Chica de mis Sueños", que es el mismo título que le pusieron a Ruby Sparks, como para que realmente nadie la notara. Pero está buena.

Borrando los recuerdos fantasmagóricos

Pig es otra película con personaje atormentado por recuerdos, en este caso se la pasa, en repetidas ocasiones, despertando en medio del desierto sin recordar nada de su pasado. Lo que sucede es que el guey era un hijodesuchi que por necio y borracho mató a su esposa y su hijo y le ofrecieron meterlo de conejillo de indias para probar unas nanomedicinas para borrar sus recuerdos y así saldría de la cárcel pero sobre todo sería feliz. El problema es que el tipo sigue buscando quién era y hay que repetir el experimento. Al parecer en la última prueba parece que no buscará su anterior identidad. No se en en donde pero leí que  la tecnología para borrar recuerdos ya viene en camino.

Increíble pero cierto

Compliance es una película basada en un caso de la vida real, que contrario a lo que suele suceder, sí está realmente basada en un caso de la vida real y no como luego pasa que es 99 por ciento de imaginación y lo demás de realidad. De hecho parece que en todo caso se quedaron un poco cortos, porque se basaron en un caso sobre todo, pues hay varios así, y ese caso es verdaderamente increíble. Pero cierto.

El clon de hojalata quiere un corazón

The Host es otra película cuya historia parece que se trata de clones en conflicto con humanos tradicionales. Como Oblivion. En Host los extraterrestres de hecho no son más que cables de fibra óptica. Se visten todos igual, sus edificios son muy modernos y en sus tiendas los productos no tienen marcas, todo igualito como clonado. Se supone que son almas pero, físicamente, parecen simple fibra óptica. Y al igual que en Oblivion, o en Aeon Flux, estos seres modernos viven en un mundo perfecto, pero algo, por dentro, les recuerda algo. En los tres casos el amor que es lo que los hace regresar, despertar o en el caso de The Host renacer.

El bien y el mal según Juno

En Juno, se presentan los siguientes personajes:

Adolescente que regala a su hij@ ---> Es buena
Adulto que no quiere hijos            ---> Es malo

Me parece que estos juicios que presenta Juno son con los que estaría de acuerdo la sociedad. Así que es interesante preguntarse que pasaría si cambiamos algunos de los factores. Por ejemplo, si el hombre en vez de ser un adulto fuera un adolescente. Supongamos que embarazó a su novia que era huérfana y la novia muere y entonces, el adolescente, (digamos que tuviera la misma familia de Juno) se queda con el bebé y lo regala. ¿Sería bueno o malo? Supongo que bueno.

¿Pero qué pasaría si lo que cambia es el dinero? Fuera de que tienen una casa grande no nos consta que tan rica realmente sea la pareja adoptante pero lo único que importa aquí es que Juno dice que son ricos. Entonces ¿qué pasaría si Juno fuera rica, muy rica, y regalara a su bebé? Seguramente que Juno entonces no sería tan buena. El dinero es lo que cuenta más que el género o la edad.

Y hay otra cuestión, el personaje de Jennifer Garner, Vanessa, no puede tener hijos pero dice que siente que ella nació para tener hijos así que está dispuesta a sobornar, ehem perdón, este... dar una compensación económica a alguna adolescente que le regale al suyo. Entonces ella es muy buena. Cambiemos los factores, ahora es un hombre que dice que él nació para tener niñas y darles todo lo que quieran. Incluyendo su amor. Bueno, okey, es un pedófilo y está dispuesto a dar una compensación econo... no, no, eso está muy feo... mejor que sea un hombre que no puede tener mujeres guapas pero siente que el nació para tenerlas, así que está dispuesto a dar una compensación económica, no por quedarse con alguien para siempre sino sólo por tenerlas un ratito: malo sin duda, a la cárcel por fomentar la prostitución.

Y también está el factor imagen. Supongamos que el fondo del asunto queda igual, es Juno la que va a dar a su bebé, y se lo va a dar a una pareja adulta. Pero que tal que en la película vemos que Juno no sabe que hacer; que no es tan lista, fría y sarcástica. Y la decisión es tan difícil para ella que anda llorando por los rincones. Y entonces se le aparece un viejo político corrupto, un tipo muy gordo y feo que anda en una camionetota con guaruras y le dice que quiere a su bebé, no para él sino para su hija. La misma, Vanessa, que es Jennifer Garner, que es toda linda y amable. Excepto cuando no sea así claro..

Digo, podría ser, pues apenas sabemos algo del personaje Vanessa en la película aparte de que es bonita y tiene dinero.

Soñando con el Spring Break

Al principio de Spring Breakers una de sus cuatro protagonistas femeninas dice que todo mundo se siente tan miserable ahí; ese ahí es de suponerse es el college en donde vive junto con sus tres amigas, porque todo el tiempo están viendo lo mismo. Y ese comentario resulta significativo al principio de una película que se va a caracterizar por una repetición constante de tomas y de frases. Como para que no quede duda que la repetición incesante es algo fundamental en Spring Breakers, su director Harmony Korine inclusive llega a repetir varias veces la misma escena con tomas desde diferentes ángulos una tras otra.

Esto junto con otras cosas me hacen suponer que la respuesta a la pregunta de si el director está planteando alguna crítica en su película es que sí. Creo que Spring Breakers sí se puede leer como una crítica, lo cuál no quiere decir que hacer esta crítica haya sido la intención de Korine, ni siquiera una de sus intenciónes, pero que como quiera que sea hay una crítica en esa película. Y la crítica no es a la promiscuidad, ni a las drogas o al culto a las armas. Para mí que la crítica es a los sueños de los americanos, más específicamente los de la generación que está en la universidad y se va de spring break.

La historia empieza con algo común en el cine americano actual: la gente, maestros y alumnos odian la escuela no importa si es el high school, la primaria o la universidad. Así que las cuatro estudiantes que nos presenta Spring Breakers no soportan la idea de quedarse en su universidad durante el spring break. Hasta aquí llega el realismo de la película pues para conseguir dinero ejecutan un asalto inverosímil a un restaurante. La inverosimilitud de la historia llegará al máximo al final cuando dos de las chicas llegan con bikinis fosforescentes y máscaras de ski rosas a matar con sus metralletas a todo mundo en la casa de un peligroso gángster. Pero para entonces ya los espectadores vimos escenas con ellas bailando con sus máscaras rosas en una ronda con metralletas mientras otro gángster, el alien, toca una canción de Britney Spears en el piano. Después de eso no puede quedar duda que realismo no es lo que el director busca.

En cambio, si consideramos esta película como una especie de sueño que sale de los dormitorios de los colleges mientras se espera el spring break, entonces todas las piezas caen en su sitio. Así se entienden mejor tantos flashforwards y flashbacks, que dos estrellas de la "fábrica de sueños" de Disney, Selena Gomez y Vanessa Hudgens sean estelares, o que el soundtrack mezcle agresivos tracks de Skrillex con piezas de electrónica de tono fantasmal.

Y ¿qué nos dice Spring Breakers de estos sueños? Para empezar que el sueño no es irse de spring break y regresar sino vivir un spring break sin fin y nunca nunca tener que regresar a la maldita realidad. Pero la película se burla de este sueño cuando una de las springbreakers dice que eso quisiera y las otras se burlan.  El Alien por su parte repite que él vive el sueño americano y pide que vean sus cosas: sus fajos de billetes, sus armas y sus t shirts de diseñador, pero cuando lo matan, sus amigas ni siquiera voltean a verlo. Las alegres vacacionistas llaman a abuelitas y otros familiares por teléfono y les cuentan lo maravilloso que la están pasando y como les han servido sus vacaciones en escenas que son una burla. Y sobre todo, está la repetición incesante que como escuchamos al principio, es lo que hace que la gente se sienta miserable.

Hollywood soñando con la muerte

Passion Play es una película muy mala pero además es una auténtica rareza. Para empezar el estilo de la película es muy raro pues parece una típica película hollywoodense que de pronto se va por rumbos que parecen del realismo mágico latinoamericano. Estelarizada por Megan Fox, Bill Murray y Mickey Rourke, es una historia con todas las señales de decadencia posibles. Empezando claro, por el señor Rourke, que después de ser uno de los máximos galanes del cine pasó a convertirse en ícono de decadencia. Y claro, interpreta a un tipo decadente: un trompetista que toca en un tugurio, es pobre, adicto, su vieja lo ha dejado etc. Bueno no, su mujer murió por la heroína, vicio que él le pasó, pero vaya, el cuadro de patetismo es el mismo. Ah pero resulta que se metió con la esposa de un mafioso y este lo manda matar. Entonces el asesino se lo lleva al desierto para darle cran y van los dos en el coche por una carretera solitaria y pues uno se imagina que va a ser la típica historia de vaqueros encubierta: O sea el trompetista le dará su merecido al asesino, conseguirá una chica, demostrará que es bueno para los madrazos y las persecusiones en coche y que tiene buena puntería. Pero no. De hecho el tipo, conste que esto es un spoiler, se muere. O sea el asesino le da un tiro y lo deja tirado y ya.

Nada más que esto se revela hasta el final, aunque para ese entonces ya uno como que lo sospecha. Porque todo lo que pasa después de que unos indios de blanco supuestamente salvan a Nate, el personaje de Rourke, está muy alucinado. Se supone que se pone a caminar toda la noche y llega a México. Específicamente a una especie de feria ambulante enmedio del desierto, en donde un inglés (?!) anuncia las atracciones. Ahí Nate descubre a Lily, o sea Megan Fox, que es exhibida como freak pues es una mujer-pájaro. Una mujer-pájaro mexicana que aprendió a hablar inglés americano, gracias a que le enseñó el inglés (de Inglaterra), dueño del show (?!).

En realidad Passion Play es lo que en México llamamos una mafufada y no acabaría de poner interrogaciones y signos de admiración si me pusiera a analizarla completa. Baste con decir que tiene varios errores de continuidad que le saltan encima al espectador. O sea generalmente los errores de continuidad son difíciles de detectar y hay que poner mucha atención para encontrarlos. Aquí no, esta película está tan mal hecha que se le notan fácilmente, además la historia está mal contada, la relación entre Nate y Lily nunca parece creíble siquiera. En fin ¿qué tan mala será que el propio Mickey Rourke declaró que era una película muy mala antes de su estreno? Creo qué sólo los fans de Megan Fox pueden tener alguna razón para verla.

Pero, como dije, además de mala, es rara. Lo de la mujer pájaro, mexicana, parece de realismo mágico y de hecho, no me acuerdo bien, pero creo que en el cuento de García Márquez, "Un señor muy viejo con unas alas enormes", ese señor aparecía en la basura. Igual que Lily. Esta mujer-pájaro además más bien funciona como un ángel. Al final se lleva volando a Nate, por encima del desierto donde quedó tirado su cuerpo. Y tanto Nate como "Happy" Shannon, el personaje de Bill Murray, la ven al principio como un ángel.

Es un tipo de fantasía rara para Hollywood, y más rara aún es una historia así sobre la muerte, que parece salida de un Hollywood "dark", con perdón de los darks. Además su cursilería y sentimentalismo parecen de telenovela mexicana. Hollywood puede ser muy cursi, pero este estilo de cursilería no es lo que acostumbra. El personaje de Megan Fox por ejemplo es toda buena e inocente y el de Rourke es un tipo endurecido pero por otro lado se la pasa llorando. Como cuando tiene que vender su trompeta por ser tan pobre. Hay largas escenas con jazzesitos tristes y bueno, la cosa es tan triste que cuando al final Nate se muere parece una liberación.

Y todo esto es raro, porque la película será rara pero no marginal. No se puede considerar a esta una películita hecha por desconocidos. Con su elenco sólo puede ser considerada una película Hollywoodense hecha y derecha. Y es rara una película Hollywoodense tan pesimista, tan malhechota hasta en cosas muy básicas. Deja pensando que habrá pasado con el optimismo americano. Aunque en esto último, sí se parece a otras películas americanas recientes. ¿Y qué significa el ángel? Puede ser el amor o más bien la libertad pues en la feria y después en un antro del villano "Happy" Shannon, Lily se la pasa encerrada en cajas de cristal, para que los malos hagan dinero. Aunque también podría ser la inspiración, una especie de musa pues los dos tipos que la encierran son empresarios del entretenimiento y a ella cuando la liberan, hace volar al que la liberó. Además Nate es un artista que también quiere darla a cambio de dinero y lo único que logra es perderla, aunque luego la recupere. De cualquier modo Nate ya no está para lecciones, porque desde el principio está ya bien frío. Ahi pa la próxima.

Cine de departamentos

Podríamos llamarlos DepaDramas, películas que parece que surgieron con alguien que ve un edificio de departamentos y se pregunta que historias habrá ahí encerradas. Como en la última película mexicana de la que escribí, Párpados Azules, o en esta otra película Hollywoodense cuyo nombre lo dice todo, Small Apartments. Los DepaDramas son sin duda una especialidad del cine mexicano que parece haber sacado un estilo a partir de las restricciones presupuestarias. Algunas de los más famosos representantes serían Rojo Amanecer, que sucede casi por completo en un departamento durante la matanza del 2 de Octubre de 1968, La Tarea, del director Jaime Humberto Hermosillo, que explota las posibilidades voyeuristas de una cámara intrusa en un departamento, o Temporada de Patos, película que al parecer inauguró una nueva corriente de películas minimalistas mexicanas y que transcurre al igual que Rojo Amanecer en un departamento de la Unidad Tlatelolco.

Otra película de departamentos es Ciudad de Ciegos, que inclusive al final tiene una escena que hace explícita la idea de una historia que sale de un departamento y se mete al cine cuando un personaje sale del departamento (Como de los 30´s, de la Condesa, como suele suceder) y va caminando a los estudios de cine Churubusco y se mete al foro en donde se filma Ciudad de Ciegos, rompiendo la ficción, o la cuarta pared como se le dice, y canta ahí en un videoclip.

Parece que el verdadero tema de esta película es el propio cine mexicano y por lo tanto ese final en que la película acaba siendo parte de la película es muy adecuado. Ciudad de Ciegos está hecha de varias viñetas, la primera como en los 40´s y la última de la época en que se hizo esta película que se estrenó en 1991. Se puede ver como un especie de catálogo o tráiler en versión largometraje, aunque tampoco tan largo, que anuncia las posibilidades del cine mexicano. En ese entonces se hablaba de un nuevo "nuevo cine mexicano" (el primer "nuevo cine mexicano", fue el de los 70´s durante el gobierno de Luis Echeverría), con películas que pretendían atraer a la clase media. De esa época, por ejemplo, también es "Sólo con tu Pareja" debut del director Alfonso Cuarón, que también se centra en un edificio de departamentos. También había por entonces una serie de televisión, "La Telaraña", en la que cada capítulo era una historia diferente que sucedía en un departamento de los edificios Condesa, de la colonia Condesa, valga la redundancia.

Durante los ochentas el cine mexicano se basó en comedias con desnudos y un humor muy mexicano de juegos de palabras de doble sentido, los llamados albures. No es difícil imaginar porque sucedió esto: para competir con el cine Hollywoodense se necesitan películas que no  parezcan simples imitaciones baratas del cine americano sino que tengan algo propio y las películas con albures y "encueratrices" sin duda eran algo diferente, pero de las que la clase media huía.

Entonces Ciudad de Ciegos también presenta muchos desnudos pero de otro tipo, más eróticos whateverthatmeans, y otros con un estilo más natural y se contiene en cuanto al lenguaje, los diálogos son más recatados. De hecho son medio torpes en realidad.

Por otro lado Ciudad de Ciegos también se presenta como una película de izquierda, quiere representar cierta rebeldía. En la primer viñeta una mujer entra al departamento en donde se ve con un perseguido político. No queda muy claro que es: un agitador, periodista incómodo o sindicalista tal vez. Y no nada más es él un perseguido que no puede salir a la calle sino que su amor también es prohibido pues es casado. Esa es otra constante de la película, los amores furtivos. Todo en esta película quedará apenas esbozado, casi como sugerido o anunciado y así también el coqueteo con el izquierdismo de esa primer viñeta quedará casi como una cosa de estilo.

Para la segunda viñeta, el tema, apenas presentado en alguna línea de diálogo y en el final, es la denuncia. En este caso de un padre hipócrita con dos casas. Aunque resulte contradictorio que en esta Ciudad de Ciegos los amantes furtivos son buenos pero el padre bígamo es malo. Luego una madre y una hija que meten a escondidas una de otra a sus amantes al departamento, el acercamiento a lo popular con las empleadas de una doctora que hacen una parchifiesta a ritmo de Rigo Tovar en el departamento de su jefa, la lesbiana que entre otras cosas amenaza a su pareja con decirlo todo y luego la pareja de amantes en la que ella le pide a él que la deje maquillarlo y él le dice que ya va a dejar a su esposa. Otra posibilidad explorada: la de identificar la propia historia en la pantalla: La familia de los 60´s ve la inauguración de las olimpiadas del 68 en la tele, mientras la hija rebelde habla de la matanza de unos días antes, la pareja de la maquillista y el maquillado se despiertan con el temblor del 85. El, con todo y ojos pintados sale del departamento mientras ella se queda en el departamento roto. De fondo una canción con una letra fatalista: "Aquí me quedo". La música es otra de las posibilidades que presenta Ciudad de Ciegos. El soundtrack, (con canciones de Pepe Elorza, entre otras cosas) tiene un protagonismo casi de videoclip hasta el final en que ya es un videoclip tal cuál. En la última viñeta, el departamento funciona como bodega y cuarto de ensayo de un grupo cuyo saxofonista tiene dos viejas que se conocen ahí. Luego la cantante del grupo les avisa que ya no podrán ensayar en ese lugar pues su mamá va a arreglar el depto para vivir ahí y luego vemos a la mamá, que es la hija rebelde de la familia de los 60´s, y a la hija ya instaladas en el departamento arreglado y redecorado y la hija se despide y sale al foro donde se filma ciudad de ciegos. Hija rebelde del 68 - madre de personaje/actriz de película mexicana dice Ciudad de Ciegos.

Otra de las estrategias de la película es explotar el star system mexicano, al punto de convertirse en una especie de catálogo para explotación comercial. La cosa empieza desde los escritores, que son seis e incluyen al director de la película Alberto Cortés, a un famoso periodista del periódico de izquierda La Jornada y al novelista José Agustín entre otros. Resulta bastante raro porque no hay mucho guión que digamos. Y luego como son viñetas pues la película está retacada de actores ahora sí que de cine, teatro y televisión. Me llamó la atención sobre todo la presencia de Claudia Fernández, actriz que era muy popular en la tele en ese entonces y cínicamente lo único que hace su personaje es arreglarse frente a un espejo con fondo musical  luciendo ropa interior blanca. Bueno, pero luego sale ya vestida de noche. Esto sucede en el segmento de la familia de los 60´s. Aunque no se dice nunca que hace ella ahí. Y luego están los músicos: el grupo Santa Sabina completo, de hecho la cantante Rita Guerrero es también la actriz que se mete a los Estudios Churubusco. Y Sax de La Maldita Vecindad es al que se le juntan sus dos viejas en el ensayo. Una de ellas por cierto es la actriz telenovelera Dobrina Liubomirova, que todavía sigue por ahí nomás que con otro nombre. Y también está Saúl Hernández de los Caifanes y hasta Benny Ibarra hace una breve aparición. En fin que aquí hay de todo. Lo único que si no le viene manejando Ciudad de Ciegos y lo mismo puede decirse del cine mexicano son los buenos guiones. Para acabar les dejo el video final, foto finish, con canción del tal Pepe Elorza con Rita Guerrero en la voz y Saúl Hernández haciéndola de pocho.

Dos buenas películas

 

 

Para la etiqueta sincrítica un par de películas muy diferentes: Macario, un clásico del cine mexicano aunque no de la época de oro, pues es de 1960, con Ignacio López Tarso, fotografía de Gabriel Figueroa y guión del propio Gavaldón y de Emilio Carballido. Aunque es una película muy mexicana la historia parece una respuesta a la famosa escena de la Bergmaniana El Séptimo Sello, en la que un tipo distrae a la muerte jugando ajedrez con ella. Y Stoker, la última de Chan-wook Park, con la misma combinación de drama y toque exquisito de Oldboy que hasta pone de buenas.

Trabajadores de compañías petroleras con el corazón roto

Me parece que hay coincidencias interesantes entre Brett, el del Pañuelo Amarillo, interpretado por William Hurt y John Ottway, el personaje de Liam Neeson en The Grey. Como escribí en este post, Brett  representa a un obrero americano blanco y hay que añadir, a uno maduro, solitario y "conocedor de la vida". Ottway es un tipo de la misma edad que también trabaja para una compañía petrolera, también es un solitario que tiene recuerdos de una mujer que perdió y también es un tipo maduro y "sabio". Brett, al principio de la película, sale de la cárcel y Ottway dice que sabe que está con los suyos y empieza su lista de quienes son los suyos con exconvictos, fugitivos y "drifters", gente que va a la deriva. Me parece revelador que Brett representa a un exconvicto al que no se le ve como peligroso, o como víctima de alguna injusticia o algo así. Lo de que haya estado en prisión se presenta como algo de lo más normal. Y es que en Estados Unidos pues sí es como muy normal estar o haber estado en la cárcel. Según estas estadísticas con datos de 1991, (y desde entonces la situación ha empeorado) el 5.1 por ciento de los americanos purgará alguna condena en una cárcel estatal o federal. O sea más de una de cada 20 personas y el porcentaje sube mucho para hispanos, para hombres en general y no se diga para hombres negros que tenían arriba del 28 % de posibilidades de caer en una cárcel estatal o federal. Nótese que estas estadísticas ni siquiera incluyen a los presos en las cárceles de los condados. Si a eso se le agregan a quienes tienen a algún familiar cercano en la cárcel (Hay millones de niños con algún padre en la cárcel, ya hasta hay un personaje de Plaza Sésamo cuyo papá está encarcelado ), a los que están en libertad condicional, esperando juicio o fugados etc. pues resulta que las cárceles son una realidad para una proporción muy alta de los americanos.

The Grey por suerte es una película mucho más interesante que el pañuelo amarillo. La escena de la caída del avión, por ejemplo, me gustó mucho y en general me gustó la atmósfera de la película, y tiene suspenso que eso siempre es bueno, aunque la verdad los lobos no me parecieron muy realistas o una amenaza muy verosímil. Hubieran dicho que eran lobos transgénicos digo yo.

En Estados Unidos se habla de los lobos para referirse a una situación económica difícil, mantener a los lobos "afuera de la puerta" es evitar una crisis económica familiar o personal. ¿Se puede interpretar esta película como una metáfora de los problemas del proletariado americano? No sé, de cualquier modo lo que me pareció más interesante es un mensaje no tan sutil que hay en The Grey. Después del accidente del avión Ottway guía a un moribundo para morir en paz y le dice que piense en alguien a quien quiera para que lo guíe. Luego a lo largo de la película los sobrevivientes van contando a quién extrañan más, y en que es lo que creen. Pero Ottway parece un ateo, inclusive hay una escena en la que grita "Fuck faith" e increpa a Dios, que por cierto no lo ayuda. El caso es que todos se mueren menos él, él que no cree en el más allá, que parece que en lo que único que realmente cree es en un poema que escribió su padre acerca de sobrevivir y del gusto de pelear: tal vez sobreviva o tal vez no, pero al final, es el único que queda con una oportunidad. A los obreros con fe se los comieron los lobos.

La balada de amor del de las fotocopias y la de la tienda de uniformes

Al principio parece que Párpados Azules va a ser una comedia romántica. O rom - com que les dicen. Pero de hecho es una crítica de las comedias románticas, donde se nota que, para empezar, hicieron todo lo posible por evitar cualquier rastro de comedia. La historia comienza con una vieja contando una historia estilo Nicolás Maduro de que llegó un pajarito a avisarle que iba a encontrar el amor y al final la vieja dice de muy mal humor que ella inventó esa historia y manda a todos sus pájaros, literalmente, a volar. O a la chingada también podría decirse. Este par de escenas de la vieja (Ana Ofelia Murguía), enmarcan una historia con una pareja, Marina (Cecilia Suárez) y Víctor (Enrique Arreola), a la que cuesta trabajo describir como historia romántica. Quizá sólo si aceptamos que puede haber historias románticas deliberadamente frías. Historias de parejas en un tono naturalista que son comunes en el cine francés. Y que siempre incluyen escenas de sexo, digamos, cotidiano.

Con una fotografía preciosita de interiores, un ritmo semilento y una musicalización que me pareció interesante, incluyendo una aparición de la Sonora Dinamita tocando la de "Carmen se me perdió la cadenita", Párpados Azules se inscribe dentro de la ola de cine mexicano minimalista. Y me parece muy bien que se vaya contra las convenciones de la comedia romántica pero creo que se les pasa la mano al presentar a dos protagonistas tan simples, de hecho tan patéticos: un par de empleados solitarios sin nada que decir. Al final cuando deciden casarse pensé que una pareja así debería a toda costa evitar tener hijos para no propagar más el aburrimiento cósmico por el mundo.

Es el mismo caso de otras de las películas del "minimalismo mexicano": está bien que quieran cortar con todo lo que sobra, con cualquier asomo de vulgaridad o cliché. Que las hagan con su propio ritmo. Se nota un interés especial por la imagen y la fotografía que combinado con el ritmo lento provocan la sensación de ser historias que se arman a través de fotos fijas. De hecho Párpados Azules en lo poco que se permite divagar por fuera de su sobriedad narrativa es en que Víctor, el protagonista, quiere comprar un departamento y con imágenes de interiores: cuartos vacíos, cocinas etc. En esta historia ciertos edificios de la Ciudad de México típicos de algunas colonias como Roma o Narvarte tienen un lugar muy destacado. De hecho creo que lo mismo sucedía en El Sueño de Lu. Bueno, no es necesario buscar más ejemplos, hay un tipo de edificios, como de los 30´s, 40´s comunes en la Condesa, Roma o Narvarte que son favoritos del cine mexicano. En el caso de Párpados Azules es tal el protagonismo de las imágenes de interiores que pareciera que la historia fue sugerida por estos. Hasta aquí todo bien, pero lo que le critico a esta película es que al final parece que sólo quería restar y quitar todo lo sobrante. Pero...  ¿qué es lo que sí quería contar?