Entrele al narco y solucione los problemas de infertilidad e infidelidad de su matrimonio

Es bien sabido que los hombres con aspecto de que acaban de salir del reclusorio, o que van que vuelan para allá, tienen mucho éxito con las mujeres. Pero lo que Brawl on Cell Block 99 (2017 dir y guión Craig Zahler) nos presenta va más allá: La historia va de un matrimonio a punto de dejar de serlo. Ella (Jennifer Carpenter) le ha estado poniendo el cuerno y además no han podido tener hijos.

Entonces él (Vince Vaughn ) anuncia que le va a entrar al narco ¡Y pum! Lo siguiente que sabemos es que ya dejaron su casita y viven ahora en una casota y esperan una bebé, la "koalita".

Bradley el marido es ahora un súper amoroso futuro padre que ni siquiera deja que la koala, la mamá de la koalita, corte una ensalada con un cuchillo porque no se vaya a cortar.

Pero las cosas se van a complicar, como de costumbre, y Bradley acabará peleando, con los puños, por su koalita.

Es una historia que mantiene el interés y la tensión de principio a fin, con buenos diálogos. Además tiene algo de tono crudo pero realista atractivo. Pero sólo algo y no hasta el final. Ya para cuando Bradley cae en una cárcel de máxima seguridad y el director de esta carcel (Don Johnson) sale a recibirlo a la calle la cosa ya es totalmente fantasiosa.

Tanto así como cuando al final la koala se pone el celular en la barriga para que Bradley hable con la koalita.

Sí, son muy divertidas las películas de madrazos cuando están bien hechas.

Pero detesto el mensaje de que todo lo hacen por amor, casi siempre, a una niña. Parece que ni siquiera dan permisos para poner a un niño en vez de a una niña.

Me recuerdan a los políticos que dicen que roban por amor a su familia. 

Los he oído.

No, los políticos corruptos no son así por amor y no hay narcos que en el fondo sean caballeros medievales, que dizque no se meten con los "civiles" y que son de lo más honorables.

Los malandros no van a ser brutales con unos pero dulces contigo.

Ah, y otro tip: Antes de comprarle una nueva casa a una esposa infiel habría que pensar si así se salvará el matrimonio o si sólo se está poniendo mejor la escenografía para los encuentros con los amantes.

Héroes pornográficos contra los ancestros asesinos

Pearl (Dirección Ti West, guión Ti West y Mia Goth) es una precuela de X (Dir. y guión Ti West) y son dos películas que presentan una historia conjunta de guerra generacional sin tratarse de generaciones específicas. En Pearl, la protagonista (Mia Goth ) que da nombre a la película es una joven mujer cuyo esposo Howard (Alistair Sewell) se fue a la primera guerra mundial dejándola sola en la guerra contra su madre (Tandi Wright) y el bulto de su padre (Matthew Sunderland), que está completamente paralizado.

En X el conflicto es por un lado entre Pearl (Mia Goth otra vez ) y Howard (Ahora interpretado por Sthepen Ure) que quien sabe qué generación serán. Se supone que Howard fue a la primera y a la segunda guerra mundial. Los que pelearon en la segunda guerra mundial son llamados la generación G.I. o también la "greatest generation" aunque como Howard estuvo también en la primer guerra mundial supongo que es de una generación anterior.

Pero el pleito ahora es con unos boomers, y su jefe. Aquí Mia Goth interpreta a la Pearl anciana y también a Maxine, una joven con muchas semejanzas con la joven Pearl. Y aquí la vieja Pearl es la villana. Una villana muy peculiar. Y el pleito generacional es a muerte. Muerte estilo slasher clásico: Jovenes llegan al bosque, tienen sexo y aparecen, son dos en este caso, unos psicópatas asesinos.

Y el bosque es el tenebroso territorio rural de los fanáticos de los teleevangelistas.

Entonces la precuela nos cuenta que le pasó a Pearl, que pasó de ser una joven soñadora a ser una asesina. Una asesina amargada además.

El esposo por cierto no es importante más que como una especie de instrumento de ella.

La historia de Pearl presenta al menos dos niveles, en el externo Pearl odiaba su vida trabajando en la granja familiar bajo el yugo de su madre puritana e inflexible y cuidando a su padre - bulto.

Nos enteramos que su primer plan para escapar era casarse con Howard, que venía de una familia con mejor posición económica. Pero en vez de que él se la llevara a su mundo, Howard lo que quería era irse a vivir al de ella, es decir trabajar en una granja. Y después se fue a la guerra aunque lo pudo haber evitado.

El segundo plan era que el proyeccionista de cine del pueblo se la llevara a Europa. Cosa que tampoco sucede.

Generalmente aquí es donde se pone alerta de spoilers pero como se trata de una precuela no tiene mucho caso: Después de ver X sabemos que el plan de Pearl de ser una bailarina tampoco va a funcionar.

Y hay también una historia interna, sicológica, de Pearl.

Por un lado ella se siente especial, una estrella, que merece más de la vida y que quiere ser vista.

Por otro lado odia que la vean, está acomplejada y la envidia la corroe.

Este lado obscuro está representado por cierto regalo que le dan que se acaba pudriendo, por sus padres, especialmente después de muertos, y por su gusto por "alimentar al caimán".

Esta historia sicológica de Pearl es realmente la central y no lo externo pues como le dice el proyeccionista de cine "pasando la puerta hay un camino que lleva a Nueva York."

En X la joven soñadora que quiere que la vean pero odia que la vean es Maxine. Sólo que su sueño no es bailar (según la mamá de Pearl "con putas de la ciudad") y que la vean en salas de cine. Maxine quiere ser una estrella porno y que la gente vea sus películas en las videocaseteras que están empezando a salir.

En los años setentas Pearl aparte de haberse vuelto anciana se la pasa viendo teleevangelistas lo cual no evita que mate ni ha detenido su bisexualidad, tema que parece claramente puesto para decir que no sólo a los jovenes les da por esas cosas. Pero que no aparece en la precuela.

Lo que si parece quedar explicado en la precuela es la razón por la que a ella no le gustan las rubias.

Pero para eso mejor vean las películas.

A mí me gustó más X, me gustó mucho de hecho, Pearl menos pero es buena de todos modos y si ven X van a querer ver Pearl. Y habrá que ver MaXXXine, que se estrena el 5 de Julio para saber que sucede con esta aspirante a estrella porno. Ti West sin duda es un cineasta con el don para contar historias. Y además al parecer también puede hacerlas película en tiempo récord.

Son producciones de A24 especialistas en encontrar nuevo talento y parece que Ti West, junto con Mia Goth, han pegado con tubo con estas peliculas.

Espejismos en el desierto

El Mirador (Dirección Diego Hernández, Guión Diego Hernández y Melissa Castañeda 2024) película que compite en la sección Ahora México del FICUNAM 2024 podría ser descrita como una docuficción dentro de una docuficción... que al final además rompe la cuarta pared.

Es una ficción con actores que se representan a si mismos haciendo una película de docuficción. Ficción que envuelve una ficción en donde hay un documental en el que se buscan testigos de la violencia en Tijuana. Especialmente testigos de la balacera en "la cúpula". Una balacera histórico alrededor de una construcción en forma de cúpula.

Y es una "love letter" a Tijuana. La frase la dice un personaje que producirá una docuficción sobre esa ciudad. Considerando la fluidez entre realidad y ficción que hay aquí como con un muro fronterizo poco sólido dividiéndolas, pues eso de la "love letter" parece quedar muy bien como descripción de las intenciones reales.

Sólo que la Tijuana de El Mirador parece a primera vista intercambiable con muchos lugares, la realidad que presenta no es muy diferente de la de otras partes de México y seguramente también de fuera del país.

Empezando por los personajes: Un empleado de call center y una chofer de Uber. Que quieren ser actores.

Pues no son perfiles particulares de Tijuana y la violencia tampoco lo es.

Lo que resulta más particular lo revela otra ficción dentro de la ficción: En un ejercicio de improvisación los personajes deben interpretar una pequeña historia que suceda en el desierto, en una maquiladora y en Hollywood.

Esos sí que son temas de la frontera: El desierto, las maquiladoras y el sueño americano.

Y nos habla de los personajes que están en el desierto, trabajan en un call center, que es como una maquiladora moderna y el agua que buscan es vivir en un edificio con alberca como el productor de la película dentro de la película o el oro de las inversiones de la educación para invertir en criptomonedas que se obtiene haciendo que otros inviertan en esa educación en criptomonedas. O la fama y la fortuna en la actuación.

Y las cosas parecen ir bien pero hay hoyitos inquietantes como el hoyo en la ventana del baño de una casa cerca de la cúpula. Una adolescente que era niña cuando fue la famosa balacera se da cuenta que es un hoyo de bala. Pero su familia dice que el hoyo lo hizo una piedra. Historia que ella sabe que es absurda. O el hoyo en el carter del coche de la chofer de Uber por donde se le sale el aceite. O como la llamada que hace el empleado del call center a una persona acerca de una deuda y le dicen que no saben de que está hablando y cuando quiere hablar con su jefe acerca de eso resulta que no hay nadie.

Hoyos en la realidad del desierto. Pero los balazos son muy reales. El agua en cambio siempre puede ser un espejismo en el juego de espejos de El Mirador.

Mounstruosidad mata bonitez horrífica

Según yo, la interpretación de Eraserhead como sueño puede ser la siguiente: Los mounstritos y el mounstrito bebé que son como gusanos o espermatozoides pero con cara de animal sin piel son productos de la cabeza de eraserhead. El primero aparece saliendo de su boca. Queda la duda de si tuvo sexo con la mujer con la que procreó al hijo mounstrito. Porque más bien salió de su boca. Sus órganos son los pollos "hechos por el hombre". De hecho el mounstrito necesita vendas para amarrar sus órganos, es un mounstrito artificial. ¿Y qué mounstruos salen de la cabeza? Los pensamientos. Las cabezas en esta película son explosivas, desbordadas, como el pelo de eraserhead, como la cabeza del mounstrito. Frente a los entes que salen de la cabeza está la mujer del radiador, que los aplasta. Ella es el cielo, una luz cegadora. "En el cielo no hay problemas" canta ella. Pero también es deforme. Es como si los mounstruos de la cabeza reprentaran las pastillas roja y ella la pastlla azul de The Matrix. Por feos que sean los gusanos sin piel, la mujer del radiador que se presenta como escape, parece una trampa, una salida a un camino sin retorno.

El demonio extraterrestre y la mujer prohibida

Battlefield Earth (2000) Campo de Batalla: La Tierra /Batalla Final: Tierra. Dir. Roger Christian, Guión: David Shapiro y Corey Mandell basada en la novela de L.Ron Hubbard, es una película ganadora de una buena cantidad de premios, como peor película. De hecho es considerada uno de los grandes fracasos de la historia del cine, y es que es una gran producción que cuenta mal una mala historia. Además es una típica película de los ochentas, con salvajes a la Conan, postapocalíptica a la Mad Max, y también con salvajes que viven entre rejas entre las ruinas de viejas ciudades estilo Escape de Nueva York. Y con un elegido para luchar contra un enemigo con superioridad tecnológica a la Terminator. Pero sin llegarle ni a los talones a ninguno de esos clásicos. De hecho la novela original de Ron Hubbard, el señor dianética, se publicó en el 82 y la película salió hasta el 2000.

El colmo es que se anunció que la película sería "como Star Wars, sólo que mejor" y es evidente que imita a la guerra de las galaxias. Desde la música, la batalla para destruir a la estrella de la muerte, la destrucción completa de un planeta, tema que también sale en películas como Oppenheimer o Plan 9 del espacio exterior, de las que escribí aquí.

Sólo que en lo de destruir un planeta completo esta historia se sitúa en el lado opuesto de star wars pues ahí los malos los planetas de los buenos y aquí es al revés. Y lo van a hacer quemando la atmósfera con un arma nuclear, posibilidad que se explica en Oppenheimer.

Otra cosa en común con star wars es que ahí, el padre, ( que por cierto vader es padre en holandés, no es necesario estirar mucho la liga para interpretar a Darth Vader como un padre negro) le corta la mano a su hijo Luke y aquí Terl (John Travolta) se la corta a su asistente y aprendiz, el negro (Forest Withaker) Ker.

Y este es apenas uno de los temas "edípicos" de la película pues aquí el Luke Skywalker se llama Johnny Goodboy (Barry Pepper) que se le rebela al anciano líder de su tribu. Y Terl es castigado por meterse con la hija de un poderoso político, lo que hace que también se rebele y para eso primero debe quitar el poder a su decrépito y corrupto jefe directo.

Pero para acabar con sus superiores necesita la ayuda de los de abajo. Aquí el personaje principal no es el Luke Skywalker región 4 Johnny Goodboy. Esta es la historia de Terl. Por algo es el personaje que interpreta Travolta que fue uno de los productores de la película y su principal impulsor. Y claro está, Terl es la cara que acapara los posters y toda la publicidad de la película.

A nivel historia Johnny Goodboy y los rebeldes no habrían podido hacer nada si no fuera porque Terl decidió educar a Johnny para sus propios fines.

En realidad la historia es la de Terl, descendiente de un ilustre linaje según sus propias palabras, que fue educado para "conquistar galaxias" y que por meterse con la hija de un poderoso político es castigado con un puestucho secundario del que no lo piensan mover. 

Para arreglar su situación Terl planea robarse una gran cantidad de oro pero para eso necesita al "animal humano" Johnny y hace algo que está prohibidísimo: Pone a Johnny en una máquina que mete conocimiento directamente en su cabeza. Curiosamente un famoso libro medieval, el Ars Notoria, prometía hacer lo mismo: Meter conocimiento directamente en la cabeza de la gente, en el Ars Notoria venían los rituales que había que hacer para conseguir el "conocimiento total" y sobre todo las imágenes que había que ver para que el conocimiento fluyera mágicamente, como la luz que se mete a la cabeza de Johnny desde la máquina de los psychlos. Uno de los que atacaron al Ars Notoria fue el famosísimo Santo Tomás de Aquino, el santo patrono de los intelectuales católicos y doctor de la Universidad de París. Y no parece una simple coincidencia.  En el siglo XIII la Universidad de París empezaba a destacar y sus egresados progresaban económicamente y por eso seguramente el Ars Notoria se volvió popular entre la gente que no podía ir a la Universidad.  Que era inaccesible, absolutamente incosteable para la mayoria. Y aquí en esta historia el aristócrata Terl no para de hablar de la Academia, en donde sacó muy buenas notas y donde fue el mejor tirador y explica que por lo tanto es injusto que no lo asciedan de puesto. Inclusive ya al final sin saber que Johnny ahora tiene el poder le dice que su cabeza acabará colgada en un muro de la academia.

Pero es que claro, una máquina que mete conocimientos automáticamente en la cabeza no puede ser buena para los egresados de las academias. Pero el necio Terl no hizo caso y acabó mal, prisionero de los que aprendieron sin graduarse. Y de su subalterno negro, al que decía estar entrenando.

Al principio de la historia a Johnny le explican que una estatua es nada menos que un Dios que se enamoró de una humana. Lo cual estaba prohibido así que lo convirtieron en estatua por desobedecer. Terl acabó sin un brazo y preso y su desgracia también fue por meterse con una mujer prohibida, aunque él no era Dios, sino demonio, al menos según los humanos.

Acaba siendo muy paradójico una historia tan edípica de parte de Ron Hubbard, enemigo de la siquiatría, tanto así que aquí a los "demonios" les puso "psychlos."

El señor Heineken no tiene con quien echarse unas frías

El Caso Heineken ( 2015 Dir. Daniel Alfredson, guión William Brookfield basado en la novela de Peter R. de Vries)  es lo que se llama una "heist movie", el género de las películas de atracos. En este caso se trata de un secuestro. Aunque para tener dinero para hacer el secuestro del magnate de la cerveza Heineken como dios manda primero tuvieron que asaltar un banco. No querían parecer una banda pequeña, querían que la policía creyera que eran de la mafia o de la organización terrorista alemana Baader - Meinhof que porque con ellos no se meten.

La película busca despertar en el espectador la simpatía por los audaces criminales. Los polis casi ni aparecen. Y los secuestradores no son tan malos, tienen familia, de hecho la historia empieza con tomas del bebé de uno de ellos (Como es bien sabido los solteros somos considerados desechables). Además primero intentaron hacer negocios lícitos, sólo que había una crisis económica, eran socios de una empresa que quebró y no tenían acceso a crédito porque unos paracaidistas, okupas, squatters, tenían invadido el edificio de su propiedad que podían dejar como garantía. Después de que tras intentar desalojar a golpes a los invasores, fueron ellos los que quedaron detenidos, decidieron irse por el camino del mal. 

Pero no lastimaron a nadie. Al señor Heineken (Anthony Hopkins) le daban de comer lo que les pedía, le llevaban libros para que no se aburriera y hasta le ponían música de su agrado. Además de que planearon muy bien su golpe.Y encima de todo eran amigos. ¿Cómo no los va uno a querer? El señor Heineken inclusive le dice al líder de la banda, Cor (Jim Sturgess) , que le envidia eso, que tiene buenos amigos, que porque en la vida no se puede tener mucho dinero y muchos amigos, como si el hombre detrás de la cerveza Heineken no tuviera con quien echarse unas chelas.

En la vida real, cuatro años después de que salió esta película, Willeem Holleeder, el personaje que interpreta Sam Worthington fue senteciado por mandar asesinar a Cor, que era su cuñado, (SPOILER adelante) de echo se supone que a ellos dos los agarran porque Cor le llama a su esposa embarazada, la hermana de Willeem. Algo que él le había advertido que no hiciera. Según se dice al final de la película la policía nunca logró encontrar todo el dinero del rescate que fue el mayor de la historia hasta ese momento. Pero quizá Cor debió hacer caso al señor Heineken y mejor escoger tener amigos.

El pájaro petirojo del amor y el escarabajo de la locura

La historia de terciopelo azul ( Dirección y Guión David Lynch 1986) es de contrastes y símbolos muy nítidos. Claramente definidos. Como las cercas bien pintadas de Lumberton. Y sus flores de colores firmes.

La manguera que se atora es como el sistema cardiovascular del que riega que está a punto de descomponerse y dejar de funcionar.

Y tan claro como los detalles es la historia, que en el fondo se trata del contrate entre el amor, simbolizado por los pájaros, la propia Sandy Williams el personaje de Laura Dern nos lo dice al contarnos su sueño de los pájaros; con los escarabajos.

¿Pero que significan estos insectos? Podría ser la violencia pero no creo, esa más bien está representada por el fuego. Que se prende cuando Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan ) golpea a Dorothy Vallens (Isabella Rossellini). Y en otros momentos de violencia.

Los escarabajos aparecen primero cuando el padre de Jeffrey cae al pasto tras lo que parece un accidente cardiovascular, y son como una revelación. Vemos lo que había estado velado bajo el pasto, las flores y las bardas blancas. Y son apenas el anuncio de lo que está escondido detrás de esa América de bomberos sonrientes y canciones melosas como el terciopelo azul.

Jeffrey jugará al detective, o más bien, al fumigador de plagas. El "bug boy" encargado de los insectos y buscando en los rincones de la cocina va a encontrar violencia, corrupción, pero sobre todo locura.

Justo en el departamento de la cantante de la inocente, melosa y nostálgica Blue Velvet.

Esa combinación de violencia y suavidad que acostumbra Nicolas Winding Refn ya estaba en terciopelo azul. En la cantante exquisita a la que le gusta que le peguen, en el matón Jack Booth (Dennis Hopper) que llora con las canciones románticas y llama cartas de amor a los balazos. Y en ese personaje bizarro, pero genial, Ben, el "elegante", el "suave" Ben (Dean Stocwell en una actuación tan breve como inolvidable), que parece un opiómano no sólo imperturbable sino tieso como momia pero que no por eso deja de sorrajarle un puñetazo a Jeffrey.

La locura sin embargo me parece es aquí la madre de todos los escarabajos, la violencia y la corrupción parecen secundarias a su lado.

Ella es la que se esconde detrás de los terciopelos rojos que se agitan inquietantes, la que aparece en la sala rojiza de Dorothy.

La locura representada por Jack Booth y Dorothy Vallens es el gran escarabajo que se comerá al final el pájaro del amor pero no porque sea su contrario. Más bien es su comida, como la tierra para los pastos de los jardines de Lumberton. O de América. O del mundo.

El demonio que rezaba el rosario

Hellboy (2004) podría ser considerada una película católica. Empieza con un personaje al pie de un cristo crucificado empuñando un rosario frente a las fuerzas del mal y al final ese mismo rosario salvará a Hellboy de ser vencido por las fuerzas infernales.

Además contra los demonios también se usan reliquias que están en balas - relicarios que incluyen agua bendita. 

Y para empezar, lo de poner demonios a trabajar para alguien, o para uno, era algo común en la iglesia católica. Bueno, claro, no hacer eso, sino decir que hacían eso. A los religiosos que ofrecían esos trabajos de magia negra, los historiadores ahora les llaman necromancers clericales. Aunque no sólo en el catolicismo hubo esa costumbre, al parecer lo de esclavizar y obligar demonios a servirle a la gente viene del judaísmo y en general del antiguo medio oriente. Lo de los demonios que se incuban como larvas o gusanos también es algo de lo que ya se hablaba en la edad media, eso viene en De Operatione Daemonum, un libro sobre demonios del siglo XI de un tal Michael Sellus, texto que parece haber influído en el Necronomicón de Lovecraft.

En lo que respecta a las reliquias; rendir culto, y esperar milagros, de los huesos de cristo o de algún santo o de cualquier cosa que fue de ellos, o con la que estuvieron en contacto, como lo de la lanza con la que se hirió a cristo en la cruz es, claro está, una especie de fetichismo que también sale a relucir en esta película cuando en el museo de reproducciones resulta que había una escultura que no era una reproducción, era original, y en esa precisamente, venía un demonio escondido.

Aprovechando el viaje se mitifica a Hitler, que no pudo estar en una sociedad ocultista de aristócratas pues no era un aristócrata. Y luego eso de que murió hasta los años cincuentas...

Al final toda la película queda enmarcada en un tema como de superación personal, la historia del demonio que se convierte en hombre. Pero lo que se es no se puede cambiar. Es una cuestión de lógica. Si lo que se es deja de ser pues es que no era. Por eso los transexuales dicen que el género no es real y los que hablan de la autoestima y la autosuperación dicen que uno es lo que cree que es o sea que tampoco creen en un verdadero ser. La filosofía posmoderna niega también la existencia del ser.

Pero Hellboy se supone que sí es un demonio ¿cómo qué se convierte en hombre?

Que no mamen.

La virtud del que nunca pasa la pelota

La Sociedad de la Nieve comienza con una escena de un juego de rugby en donde a un jugador por más que le gritan que pase el balón sigue corriendo y hace perder el juego a su equipo. Al final, este jugador personalista, Roberto, junto con otro, Nando, serán la última esperanza del equipo, los Old Christians, que jugarán por su vida frente a la cordillera de los andes.

El héroe de la película sin embargo es Nando pues además de que él y Roberto son los que tienen mejores piernas y por eso son los que salen en busca de ayuda, Nando es el que logra ver la salida.

Como el jugador que ve por donde hacer la anotación.

Mientras otros se sacrifican por el equipo: 

"Muchachos me voy a morir, pueden comerme si tienen hambre, no hay pex. Comed de mi carne y bebed de mi sangre que no hay fijón."

Hay un tema religioso que recorre la película, un tema que empieza por lo que NO sucede en la película, que es que ninguno de los Old Christians recurre a la religión enmedio de su predicamento. Ni siquiera Numa, a quien tienen que sacar de misa para que se una al grupo en el viaje. Y que así pasa de oir de las tentaciones de Jesús en el desierto con arena, calor infernal y demonio, al desierto helado donde lo tentará el canibalismo. Algo que no está prohibido en los evangelios. Al revés, eso de comerse a Cristo suena como a un resabio de esa antigua práctica.

Entonces nadie reza. Al contrario, alguien dice que ya no cree en "ese" Dios. En otro diálogo otro sobreviviente le pide a los mayores que no hablen de fe frente a los de menor edad como si eso fuera fatal.

Es una película que se la pasa tratando de dar un mensaje trascendente. Se entiende esa tentación tratándose de una historia que funciona como una especie de experiencia cercana a la muerte. Y para quienes daban por muertos a los perdidos, como una resurrección.

Pero eso de que el sentido de la vida somos nosotros los que estuvimos en la montaña luchando por la vida no tiene sentido. En cambio, si en lugar de buscar mensajes sobre la trascendencia y el más allá, vemos lo que dice la experiencia de ese equipo de rugby sobre la sobrevivencia en el más acá, entonces la moraleja es clara: Que esos jugadores mamones y engreidos que nunca pasan el balón, que fallan una y otra vez, pero que son los que hacen las anotaciones, que esos son los indispensables.