La suite presidencial de pacha mama

Cementerio de Elefantes (2008 Tonchy Antezana) es una película boliviana que cuenta la historia de Juve, un pobre diablo que vive en la calle desde los catorce años y que decide encerrarse en un cementerio de elefantes, es decir, en un cuartucho dentro de un bar lumpen a beber hasta morir. Sólo hay que pagar de antemano por el alcohol y los camilleros que se llevarán el cuerpo al final. En La Paz, Bolivia se nos dice que hay cuatro de estos cementerios de elefantes donde la gente puede ir a hacer su versión latinoamericana de "Leaving Las Vegas".

Claro que esto es lumpen, nada que ver con el glamour de la ciudad del pecado, aunque la factura de "cementerio de elefantes" no es tan mala. una historia lumpen pero de factura digna como el protagonista Juve que acabo comiendo de la basura pero que jamás pidió limosna que porque eso estaba por abajo de su dignidad.

Entonces Juve llega a un local y pregunta por la "suite presidencial" que es como se llama el cementerio de elefantes ahí y empieza a relatar su vida y también unas breves anécdotas de anteriores ocupantes de la suite.

Este lamento boliviano de Juve - cuya vida es más o menos, excepto al final, lo que uno se imaginaría de un personaje así, con su dósis de violencia, crimen y luchas de cholitas - es narrado por él mismo y dice beber para olvidar. Sobre todo su infancia. Aunque otras veces dice que lo que quiere es recordar. Y su recuerdo favorito es también de la infancia, un cumpleaños que dice es el único recuerdo feliz que tiene de niño.

Juve se pregunta si estaba predestinado a su vida y su final, o si las cosas pudieron ser diferentes. El mismo se responde al hablar de Marlene, su gran amor, que dice, pudo cambiar su vida. Pero ella se fue con otro y, al final,  regresa y pasan una noche juntos pero cuando él ya decidió encerrarse en la suite presidencial y su rumbo no cambia.

Por lo menos su final parece dictado no por el destino sino por la pacha mama: Juve traiciona a su mejor amigo, el "tigre" para que este sea sacrificado por los albañiles de una construcción y así asegurar que el edificio que están construyendo por la pacha mama no se caiga.

Lo de que las construcciones requieren un muerto para estar "aseguradas" es un mito al parecer bastante extendido. Es conocido en Europa y se aplica especialmente a puentes según tengo entendido. Claro, como leyenda antigua nada más. Y la pacha mama es tan sólo la versión sudamericana de una figura religiosa universal, la madre tierra.

Con los cien dólares que le dieron por su amigo Juve pudo rentar la suite presidencial. quizá si pudo tener otro destino pero decidió aceptar la lana de la pacha mama. Todo con tal de revivir un cumpleaños de su infancia. Un momento de felicidad que acabó siendo lo peor que le pudo pasar.

Un paseo por las catacumbas de la taquería del mal

Lowlife (2017 Ryan Prows) nos da buenas razones para pensar que "el monstruo", el luchador mexicano protagonista de esta película de bajo presupuesto quería ser en realidad el santo, pues se supone que es un luchador mítico. Pero conseguir los derechos de el santo es muy caro así que tuvo que ser el monstruo.

El monstruo sin embargo es barato y no sólo por lo del presupuesto. Para empezar es chaparro, al contrario de su padre y su abuelo, los monstruos que le anteceden y cuyos zapatos no puede llenar. Lo peor de todo es que los anteriores monstruos eran vengadores, defensores de los mexicanos, pero este monstruo en vez de hacer eso tiene un trabajo vergonzoso e indigno que consiste en llevar a los clientes con las mujeres que su gangsteril jefe gringo fuerza a prostituirse. Convirtiéndose así en un auténtico monstruo de los sotanos de la taquería angelina donde su jefe, y suegro,  tiene su negocio de prostitución y robo de órganos. Un taquero macabro. Pero gringo.

Tras una historia rocambolesca tipo Tarantino - wannabe, y sin embargo no carente de interés; en un elei underground que además de bajos y siniestros fondos taqueros está poblado de inmigrantes ilegales, adictos, exconvictos, delincuentes, gente que vende a sus hijas y quienes les roban sus órganos. Y con una mexicanidad extraña, llena de mitos pero intensificados en la que no se puede no cumplirle un deseo a una quinceañera, o quitarse una máscara de luchador una vez que uno se la pone. Al final el monstruo decide que dejarle su máscara a su hijo sería dejarle una carga, como la que a tenido que cargar él, inferior a su padre y a su mito. Siendo un supuesto héroe que defiende a los oprimidos que en el camino se pasó del lado del opresor/explotador por más que venda tacos. Como suele suceder.

Así que mejor le deja la máscara para que ayude a los mexicanos a un gringo. Mismo que necesita la máscara y el mito para tapar la suástica en su cara, que debió tatuarse para sobrevivir en la cárcel. Pero que ya habla de México como su tierra ancestral. Y al final opresores y libertadores quedan todos enmascarados y confundidos por igual.

Mamitis criogénica

El problema de "El Problemista" o también "Amigos Bizarros" (2023 Dir. Julio Torres) está claro: Tiene mamitis. Desde el principio nos explican que a Alex su mamá lo consentía mucho. Inclusive ella le hizo una especie de casa - castillo para jugar y el princeso pidió que tuviera escalinata para poder salir de ahí como cenicienta. Y claro, su mamá le puso la escalinata al ceniciento.

Ya de grande Alex quiere dedicarse a hacer juguetes y tiene ideas muy originales para hacer nuevas versiones de Barbie o de las muñecas Cabbage Patch, entre otros juguetes.

No estoy tratando de decir que el personaje parece gay, Alex es gay y en una escena para ganar dinero debe ir a limpiar el departamento a un fetichista de chicos sexys que limpian casas. Aunque él no quería hacer eso pero tiene que hacerlo porque el Bank of America de forma gandalla y abusiva como todo banco lo dejó sin un centavo por sobregirarse en su tarjeta.

El caso es que Alex es de El Salvador y está en Nueva York, lejos de su mamá, pues quiere trabajar en Hasbro, la compañía de juguetes, pero no lo contratan y para no convertirse en calabaza entra a trabajar a un lugar que se dedica a congelar artistas, la congelación criogénica, para que en el futuro puedan ser descongelados y vivir gracias a  futuros avances de la medicina.

Alex necesita el trabajo porque si no lo van a deportar. Pero lo despiden. Afortunadamente conoce a Elizabeth (Tilda Swinton) una vieja loca, que es como ella misma se describe, y Alex pa pronto le va cara de mamá y se le pega.

Al igual que su mamá salvadoreña, Elizabeth trabaja en el mundo del arte aunque no es artista como ella, sino crítica de arte o algo así. Además se dedica a cuidar maternalmente a Bobby (el rapero RZA) que está congelado esperando que haya una cura para el cáncer que padece y sólo entonces descongelarse.

Y hay otra cosa en la que la relación de Elizabeth y Bobby parece más bien maternal: El wey se dedicaba a pintar unos hórridos cuadros de huevos que, obviamente, a nadie le gustaban. Excepto a Elizabeth que porque los huevos representan algo que aún no ha nacido, el futuro como página en blanco y entonces como que decide acabar de empollar a Bobby y sus huevos.

También ayuda a Alex, le enseña como hacer que lo contraten en Hasbro: Poniéndose bien perra.

Y la mamá y el par de polluelos se reúnen más de trescientos años después: Mamitis eterna.

A pesar de lo que pueda parecer la película me gustó. Se siente original, fresca. Algo le han de haber visto Tilda Swinton, Isabella Rosellini que es la narradora y Emma Stone que participó como productora, además de la distribuidora A24; al proyecto de Julio Torres que como Alex el protagonista es salvadoreño, gay y vegano y ha trabajado en televisión, entre otras cosas nada menos que como escritor de Saturday Night Live.

Se nota en la película que Torres nos está contando cosas cercanas a su vida real y eso siento que hace que la historia se sienta actual.

Finalmente un dato curioso: Al final de los créditos se avisa que Bank of America ha bajado las penalizaciones por sobregirarse en la tarjeta, y que obligaron a la película a poner ese aviso.  

 

¿A quién le importa la luna?

 - ¡Pero cuántas piedras hay aquí! -

Esa es la frase que uno de los astronautas del Apolo 11 dice que planeaba decir al pisar la luna en "La Otra Cara de la Luna" (2024 Greg Berlanti) la comedia romántica que intenta tener además de romance una historia sobre la llegada del hombre a la luna. Las pélículas románticas o rom - coms, como se les dice en el negocio, son vistas casi sólo por mujeres, así que a veces meten un tema que les pueda interesar a los hombres y aquí se intentó meter la carrera espacial.

Pero puede verse desde el espacio que dicho tema a la guionista no le interesa en lo más mínimo.

Para empezar porque asume que es algo que no le interesa realmente a nadie. ¡Si sólo es un lugar lleno de piedras!

Sólo porque la astuta publicista - publirelacionita - mad woman Kelly (Scarlett Johansson) llega a ayudar se evita que los astronautas alunicen y digan que hay muchas piedras.

Y ni bonito está el suelo lunar como dice Lance, el gay amanerado chistoso de turno.

-¿Creen que queremos poner un hombre en la luna? - Pregunta Moe (Woody Harrelson), el mandamás del proyecto Apolo, a quien sólo le falta agregar - ¿Creen qué somos estúpidos? -

Este Moe, es un personaje revelador pues no es un funcionario normal de gobierno. Está por encima de todo y no se sabe cual es su puesto. No es de la Nasa, es del "deep state", de algo secreto, de la Cia o del supremo poder patriarcal, algo así, y me parece revelador porque sólo en estos tiempos conspiranoicos semejante jalada puede presentarse como algo "creíble".

En cambio los astronautas casi ni salen porque ¿pues qué chiste tienen?

Entonces se supone que el viaje a la luna es algo que a nadie le interesa y ese precisamente es el, supuesto, gran problema del programa espacial.

Por lo tanto Kelly es la heroína que hace posible la llegada a la luna, en una escena hasta le agradecen por haber hecho todo posible.

¿Y cómo lo logró? Haciendo que el público relacionara la gris y absolutamente carente de interés luna, con cosas que sí importan. Como relojes, cereales para el desayuno, jugos en polvo y ropa interior.

Creo que el único tema, que si fue un tema, valga la redundancia, en la carrera espacial de los sesentas y que sale en esta película, aparte de la obvia confrontación con la Unión Soviética y el lado propagandístico de todo el asunto, es el tema religioso.

En una parte de la historia Kelly y el coprotagonita Cole (Channing Tatum) van a ver a un legislador que no quiere darle presupuesto al programa y les dice que teme que los viajes espaciales afecten la fe la gente en la religión. Eso puede que si haya sido un tema. Yuri Gagarin, el primer astronauta de la historia declaró tras su primer vuelo espacial que había ido al cielo y no había visto ningún Dios.  Y hay un capítulo de los 60´s de la mítica serie Twilight Zone, que se ponía en tono Nietszcheano a preguntar si se podía seguir creyendo en Dios en la era espacial.

Pero en general todo el tema del viaje a la luna en esta película está más que chafita.

¿Y lo romántico?

Pues también. No hay alguna escena para recordarse, es una historia romántica hecha según las instrucciones. Como si fuera receta para hacer jugo con un sobre de Tang: La chica conoce al gran partido y se la pasa dándole lata, él la rechaza. Ella demuestra que puede ser útil, él la hace volar, esto suele ser sexo pero en este caso vuelan en un viejo avión. El demuestra tener un lado sensible, después la cacha en una mentira, parece que todo acabó pero ella le explica todo, se besan.

Creo que el único tema que realmente le interesaba a la guionista era el de la mentira y las personalidades falsas. Resulta que Kelly tenía un pasado de estafadora con múltiples personalidades.

Y el verdadero gran conflicto de la historia es que Moe ordena hacer una historia falsa de la llegada a la luna por si el viaje real falla y luego decide que pase lo que pase es mejor transmitir la historia falsa. Por si las moscas. Pero Kelly y Cole deciden pasar la transmisión real y engañar a Moe haciéndole creer que están transmitiendo la historia falsa.

Parece que lo que la guionista quería escribir realmente era una comedia de enredos. Y justificar las vidas falsas. Por algo le hace decir a Kelly que "todo mundo miente". Y Cole que siempre dice la verdad casi hace, por negarse a mentir, que todo se vaya al demonio.

Siento que es como si una persona gorda y chaparra, que está en su quinto matrimonio y se inventó una personalidad en internet donde es alta, delgada y virgen, va a conocer a un ligue en la vida real, a espaldas del marido, y en ese momento le piden que escriba un guión sobre la llegada del hombre a la luna.

Es que eso de las múltiples personalidades parece ser el tema cinematográfico del momento. 

Zombies bien adaptados socialmente

Prozac Nation (2001 dir Erik Skjoldbjaerg guión Frank Deasy y Larry Gross) es una película basada en la autobiografía de Elizabeth Wurtzel del mismo nombre, un libro que se relacionó con la generación x, aunque salió en 94, años después de Nirvana, el grunge y "Generación X", la novela de Douglas Coupland.

Y la historia se desarrolla en los 80´s cuando Wurtzel (Christina Ricci) estudiaba en Harvard y era una gran promesa del periodismo musical, ganando premios de periodismo y publicando en Rolling Stone.

Pero se estaba derrumbando por dentro. Al menos lo que se ve en la película es que su choque con el iceberg es cuando pierde la virginidad con un wey, y por un lado dice que ella quería que fuera algo muy especial con alguien especial. Pero organiza una gran fiesta para celebrar que ya no es virgen y ese wey se enoja. Y de ahí cae en una resbaladilla de drogas, problemas con todo mundo, una gran decepción amorosa, hasta un intento de suicidio.

Sin embargo parece que Elizabeth Wurtzel alias Lizzie, tiene perfectamente claro cuál es la causa de todos sus problemas: Su papá.

Un padre abandonador, un divorcio antes de que ella cumpliera dos años, la mamá que no deja de despotricar contra él y luego se vuelve demasiado posesiva y sobreprotectora con ella.

En fin, un tema muy generación x, el divorcio de los padres.

De hecho se presenta todo lo de su interés en escribir, en la música y el periodismo musical como algo motivado por los "daddy issues". Su interés por Lou Reed, quien por cierto hace una aparición en la película, que por la edad parece que podría ser su papá. Y en quien piensa mientras pierde la virginidad como alguien que ama y desea pero al mismo tiempo rechaza. Y su obsesión por Bruce Springsteen, otro ídolo bastante mayor que ella. Justo tratando de escribir de él se bloquea y para tratar de desbloquearse se droga tanto, que sus amigos le buscan ayuda profesional. Así aparece el personaje de la doctora Sterling (Anne Heche).

A ella le cuenta que lo primero que escribió fue un poema a su padre y que sabe que le teme al rechazo por culpa de él.

Es como si entendiera perfectamente cuál es su problema y la doctora no tuviera nada que decirle. Pero que de cualquier modo entender el problema no ayuda en nada.

Le dice a la terapeuta al principio que quiere ser una persona normal, de las que se caen, se ponen una curita y siguen caminando.

Ella le responde que si de verdad quiere pasarse la vida nomás poniéndose curitas. Pero al final cuando le receta Prozac para la depresión y le dice que es sólo para que se estabilice y que es algo temporal y dan el dato, ya de quien sabe cuándo, de que cada año en Estados Unidos se prescriben 300 millones de recetas de Prozac y otros antidepresivos, se entiende que no es que la gente se caiga y se pare como si nada sino que andan todos con "curitas".

Cuando en su etapa de desenfreno Elizabeth visita a su mamá, ella dice que llevó a su hija a Harvard y Harvard le está devolviendo una zombie.

Supongo que al final, ya como una más de la nación Prozac, ella seguía siendo una zombie, pero una zombie bien adaptada.

¿Pero qué tiene de malo el Prozac? Según Elizabeth Wurtzel, sentía como que no era ella, como si tuviera una personalidad falsa. Supongo que algo como haber elegido la pastilla azul de la matrix.

El remate feliz de la película es que dicen que Elizabeth, años después, escribió Prozac Nation que fue un súper éxito.

Y yo me pregunto entonces cuál podrá ser el remate feliz del libro.

Porque la historia no es sólo sobre la depresión, es deprimente. No es como una canción de The Cure depresiva pero bonita.

Al menos yo en la película no veo que pudiera haber hecho del libro un best seller. Todo es como deliberadamente gris sin chiste: La fotografía, la música, la dirección de arte. No aprovechan para nada ser una historia de época.

Además se siente como si la historia en lugar de ser contada fuera una exposición de puntos de una lista. Nos dicen, por ejemplo, cuál es la gran amiga de Elizabeth, pero nunca las vemos ser grandes amigas, sólo las vemos pelearse. Luego está su gran romance con Rafe (Jason Biggs). pero no se ve un gran romance, no hay alguna escena memorable. Y Biggs que era un actor muy popular, está totalmente inexpresivo con cero carisma y ninguna química entre los dos.

Parece como si fuera una historia larga que trataron de meter con calzador en la película o algo así.

De cualquier modo ¿Qué se puede esperar de una historia que acaba en que a la protagonista le recetan Prozac y colorín colorado este cuento se ha acabado?

El héroe y el destino

El viaje fantástico de Simbad o El viaje dorado de Simbad (1974  Dir. Gordon Hessler, guión Brian Clemens y Ray Harryhausen inspirado en las historias de Simbad el marino) es de una época en que el islam era considerado sólo otra religión igual que cualquiera sin las conotaciones que ahora tiene. Y entonces el héroe de esta película británica, Simbad el marino, podía hablar de alá como si sólo fuera otro nombre de un dios básicamente intercambiable.

Por lo tanto todo lo que se dice en la película sobre el destino, que parece venir de las historias originales del marino Simbad, y que es el tema que recorre la historia de principio a fin, de hecho todo acaba en la "fuente del destino", todo eso del destino que puede ser ordenado por alá, o estar ya escrito, frase que se repite varias veces, y la relación del destino con la voluntad de los hombres, son también como ideas generales intercambiables.

Desde la primer escena el destino se hace presente como un mounstrito volador con alas de murciélago que lleva un objeto de oro y los marineros de Simbad se preguntan si flecharlo o no pues según alguno eso sería de mala suerte.Ya con el objeto de oro Simbad ve en sueños a Margiana (Caroline Munro), la mujer predestinada para él.

Una tormenta desvía el barco de su camino y los lleva a Marabia. Según un personaje que es el segundo de a bordo y se encarga de avisar a Simbad y de paso a la audiencia que hay peligros mortales adelante, sería peligrosísimo desembarcar ahí. Pero Simbad sabe que ahí está su destino, lo vió en su sueño - Algunos dicen que alá se comunica a través de sueños - le contesta, y obviamente entonces deben desembarcar en Marabia.

Simbad y su gente tienen espadas, flechas y su astucia pero nada de magia, el único mago de la historia es el malévolo Koura. Por eso cada vez que Simbad dice "Confá en alá... pero ata tu camello" y de hecho con esa frase acaba la película, parece que lo importante para él es la parte práctica de atar a tu camello pues lo mágico tiene una como conotación negativa.

La única parte positiva del destino es lo de encontrar a Margiana, y ahí sí hay una crítica de la cultura islámica pues ella es una esclava y, según su dueño, no tiene ningún valor, Simbad se la lleva y le dice que ninguna persona puede ser dueña de otra.

Las otras cosas mágicas "positivas", los tesoros que buscan Koura por un lado, y Simbad con Margiana, sus marineros y el visir de Marabia por otro, en realidad no son tan positivas: Un escudo que protege a quien lo tiene haciéndolo invisible, que al final lo obtiene Koura y no le sirve para maldita la cosa. También poder y riqueza encarnadas en la corona del reino de Marabia pero esto se parece mucho al otro tesoro que es la juventud. Pero como resulta que usar la magia negra envejece, ese regalo mágico parece que sólo compensa el "envejecimiento mágico".

Y lo mismo el poder y la riqueza del reino de Marabia. Los dos personajes que se lo pelean, Koura y el visir parecen dos caras de la misma moneda. Uno es bueno y el otro malo pero tienen cosas en común: La magia negra de Koura que le quemó la cara al visir a él lo envejece aceleradamente. La máscara de oro con que se tapa el visir le da un aspecto más siniestro que el de Koura y los marineros se mofan de él diciendo que a él sí que se le subió el oro a la cabeza. Y sobre todo al final Simbad pudiendo quedarse con la corona de Marabia, prefiere dársela al visir y le explica a Margiana que no quiere ser rey pues ellos ni siquiera pueden casarse con quien quieren.

Eso lo dice en la fuente del destino en donde los héroes hicieron que este cambiara y Simbad consigue a la chica de sus sueños y el tonto y vago que hacía de hazmerreír de la historia logra ser considerado todo un marinero por Simbad.

Tal y como les dijo un oráculo con cara de demonio, que parece un holograma en una película de 1974 y que habla como una especie de Jorge Luis Borges de los mares fantásticos del cine de aventuras, entre versos sobre el destino y la eterna lucha entre el bien y el mal les explicó a los aventureros que los pequeños hombres mortales pueden cambiar las cosas a pesar de todo.

El más allá y el más acá, inseparables por siempre

Ginger & Rosa (2012 dir y guión Sally Potter) presenta la historia de dos amigas que ya lo eran desde antes de nacer, vemos a sus madres, en 1945, que ya eran amigas y estaban por parir, estrechando las manos entre sus camas de hospital.

Son tan amigas que hasta lo relacionado con el sexo opuesto como que surge de su amistad, las vemos juntas cada una con un wey besándose y llendo más allá pero sin perder la complicidad a través de las miradas, estando con hombres sin dejar de estar juntas.

La gran prueba de la amistad no será que les guste el mismo wey, sino cuando Rosa empieza a andar con Roland el papá de Ginger.

Pero no sólo eso, cada una representa una postura opuesta ante la vida y la muerte, Rosa es cristiana y Ginger atea.

Leyendo un poco entre líneas hay una no tan sutil actitud de la guionista y directora Potter con respecto a estas dos posturas: A Rosa no le iba bien en la escuela y la mamá de Ginger (Christina Hendricks) decía que parecía una chica problema, que vaya que acabó siendo un problema para ella. Pero además mientras Ginger leía a T.S. Eliot y a Simone de Beauvoir, Rosa leía revistas bobas.

Pero la diferencia queda contrastada más radicalmente frente al tema del momento: Están en 1962, en la crisis de los misiles soviéticos en Cuba, el momento más caliente de la guerra fría, cuando el mundo estuvo más cerca de una guerra nuclear que acabaría con millones. Y mientras que ginger se mete al movimiento pacifista Rosa propone rezar.

Aquí creo que la historia cae en una trampa pues resulta que la gente ve la extrema preocupación de Ginger por la guerra como un autoengaño. Y que lo que realmente le afecta es lo de su amiga y su papá.

Pero eso de que estaba exagerando su preocupación es como un punto de vista que a nosotros, ahora, que sabemos que no hubo guerra nuclear en 1962, nos resulta fácil.

Pero en ese momento era perfectamente racional y propio de una niña o un adulto estar no sólo alarmado sino aterrorizado por la guerra. había un peligro real de que les cayera una bomba nuclear, no era histeria.

Sin embargo, al final, la historia le da la razón al ateismo de Ginger, que le viene de su papá.

Y en algo muy políticamente incorrecto, el papá ateo dice que él cree que hay que hacerle caso al amor, cuando aparezca, como aparezca, y justifica su relación con Rosa. Su forma de pensar quedaría condenada si se rompiera la amistad de Ginger y Rosa pero la historia le da la razóncuando su hija le escribe a su amiga y le dice que ellas seguirán siendo amigas por siempre pase lo que pase.

BFF!

Es una bonita película, con buena musiquita y sobre todo con Elle Fanning y su actuación, tan buena que poco después los Red Hot Chili Peppers la escogieron para el papel de la hija de Joe Albany, un pianista de jazz, y padre problema, en la película que produjeron sobre su vida llamada Low Down.

A nadie dejará de gustarle Elle en esos papeles de adolescentes aficionadas al jazz, sufriendo con esos padres hedonistas e irresponsables.

Disponible en Apple Tv, Prime Video

... y en OKRU https://ok.ru/video/8579405974099

Coraline con O y la telaraña de la identidad

Este próximo agosto se cumplen quince años del estreno de Coraline, película de stop motion basada en una historia de Neil Gaiman, nada menos. Y va a haber un reestreno en cines de celebración.

Coraline (2009 dir y guión Henry Selick) es una niña que llega con su familia a vivir a un lugar cerca de un pozo tan profundo que desde su fondo el día se ve como noche. Al revés pues. Y el tema de ver las cosas al revés será un tema muy importante en este cuento de hadas.

Coraline lo primero que hace al llegar es buscar el pozo con una rama zahorí, de esas con una horquilla que se dobla donde hay agua según dicen.

El tema del agua también recorre la película de principio a fin, como algo bueno y necesario. Un niño vecino le dice a Coraline "bruja de agua" y que seguramente ella viene de un lugar seco y por eso busca agua.

Este niño le avisa a Coraline que esta parada en la tapa del pozo y que se puede caer. Simbólicamente eso es lo que pasa más tarde. Sólo que el pozo a donde cae, y en donde todo se ve al revés, es una pequeña puerta en su nueva casa

¿Qué ve al revés? Pues a una araña la ve como una mamá amorosísima y a las ratas como simpáticos ratoncitos acróbatas. Y así todo.

Pero lo que parece bueno y bonito es sólo el queso de la ratonera y el dulce sabor de la telaraña está hecho a la medida de cada quien pues la araña espía a sus presas dándoles muñecas o muñecos que se parecen a ellos. O sea con los que se identifican.

Lo de la identidad es otro tema que recorre la historia. Ella se llama Coraline, algo así como coralillo en español. y le gustan los colores brillantes como los de las coralillos, pero todo mundo cree que se llama Caroline. Su vecino se llama Wybie que es la abreviación de Wyborn, que según Coraline es a su vez la abreviación de Why where you born? ¿Porqué naciste?

Cuándo él le pregunta a ella su nombre Wybie dice ¿Y a ti qué peso te cargaron encima?

En realidad el peso de Coraline no es su nombre sino que nadie escucha y le dicen Caroline y, según Wybie "Un nombre común como Caroline puede llevar a la gente a tener expectativas ordinarias sobre una persona."

Entonces a través de la muñeca con la que Coraline se identifica la araña la espía y puede ver que le gusta y que no. Como si fuera un celular. Y construye un mundo de fantasía para ella lleno de colores brillantes, estilo mundo de la pastilla azul matrixiana, donde sus padres la escuchan y su vecino Wymbie se calla.

Porque ese es otro tema de la historia, sus padres no la escuchan. Cuando Coraline le cuenta a su mamá que casi se cae en un pozo, la mamá ni caso le hace. Y ella es igual, en su mundo ideal Wymbie no habla.

El heroé de la película es un gato que ve y oye mejor que los demás según dice él mismo. No habla aunque puede hacerlo. Habla en el mundo fantástico, como una ficción.

O un sueño, el mundo de la araña y sus engaños aparece primero como un sueño. Pero la ficción también es importante en la historia, los Jones, es decir Coraline y sus padres comparten una casa dividida en tres departamentos con cirqueros, el señor Bobinsky y dos hermanas que son como cabareteras y acróbatas. Ellas le dan una piedra con un hueco enmedio a través del cuál puede ver las cosas como realmente son y con eso puede luchar contra la mujer araña que quiere quitarle sus ojos, como ha hecho ya con otros tres niños que le piden a Coraline los ayude a recuperar sus ojos y así, sus almas.

Estos ojos-almas están en el teatro de las hermanas, en el circo de señor Bobinsky y en el jardín de la casa que también tiene que ver con el arte, hasta dibujan en el caras con flores.

Coraline además debe rescatar a sus padres que también han caído en la trampa de sus muñecos mini- me.

Aquí hay simbolismos interesantes: Ni sus padres ni ella escuchan. Coraline dice que vienen de Pontiac, Michigan y sus padres acaban atrapados en una esfera de cristal adentro de la cual está algho referente a Detroit, Michigan, la ciudad de las automotrices fabricantes de los Pontiacs.

Y cuando uno vive en una burbuja no puede oir, ni ver la burbuja.

Al final queman a los muñecos espías, el gato le arranca los ojos a la mujer del mal y por fin los padres acaban con su trabajo en sus computadoras y salen al jardín a donde no querían ir por la lluvia. Ahora todos quieren agua y la reparten en grandes vasos de colores.