El blues del estadio

Es raro ver una película Hollywoodense, con-reparto-estelar-y-toda-la-cosa que se meta al tema del fracaso como lo hace Moneyball, que en vez de ser motivadora, tiene tono como de consolación; que acaba con una canción dulce y triste y que hace todo eso tan deliberadamente. Podrían haber puesto a decir a Billy Beane, el personaje principal: "Si este equipo llega a 20 partidos invictos consideraré que he triunfado" y luego con ese triunfo tener un final apoteósico y triunfador, pero los guionistas con toda saña hace decir a Beane que a él no le importa un carajo el récord, que él lo que quiere es la serie mundial y que cualquier otra cosa no sirve. Para luego ponerlo derrumbado en el campo de juego diciendo que él realmente quería ganar ahí, en ese estadio. Y es también curioso que haya varios diálogos en donde se habla de cambiar el sistema, aunque se trate del sistema del beisbol. Y realmente lo único que le critíca la película al beisbol es que hay unos ojetes en Nueva York que como tienen mucho varo se agandallan a los demás. Los Yanquis de Nueva York, claro está.

Otra película a la cuenta de la retromanía

   
Me sorprendió bastante que Caballo de Guerra estuviera nominada al Oscar. Es cursísima, y el soundtrack de John Williams hace que debiera estar contraindicada para diabéticos. Por un lado parece un viejo programa de televisión de Disney, bastante infantil. Pero no es una película infantil. En esto se parece a otras películas recientes como la de Alvin y las ardillas 3 o El Gato con Botas, que son películas supuestamente infantiles, pero que en realidad tienen un trasfondo para adultos. En este caso es al revés, supuestamente es una película para adultos pero es muy infantil. Otra cosa que me llamó la atención es que aparte de ser de época, me daba la sensación de que el director, Steven Spielberg, le había puesto un estilo retro a la dirección. Como si no fuera suficiente hacer una historia de principios del siglo XX, que de por si recuerda viejos programas de Disney. Así que me puse a ver que habían escrito los críticos de Caballo de Guerra y en efecto, parece que todos están de acuerdo en que retoma el estilo de viejos directores de Hollywood como Victor Fleming, el de "Lo que el Viento se Llevó" y  John Ford, un clásico de los viejos Westerns. Guguleen "War Horse" junto con "Victor Fleming" y verán que casi parece complot, todos están de acuerdo. Este crítico en particular dice que esta película no es que les deba algo a los grandes directores sentimentalistas Victor Fleming y Douglas Sirk, sino que les debe todo. Así que a "La invención de Hugo", "El Artista" y "Medianoche en París" hay que agregarle también "Caballo de Guerra" como otra de las películas retro - obsesionadas por el pasado que competirán por el Oscar este año. O sea la oleada esta fuerte, aquí mismo en este blog escribí sobre The Ward, una película que parece que llegó muchos años tarde y Dream House, cuya publicidad cínicamente trata de engañar al público haciendo creer que tiene algo que ver con "El Resplandor" de Stanley Kubrick.

La hacker que no decía por favor

Antes de ver la chica del dragón tatuado me propuse leer la novela, y no me gustó, la dejé por ahí de la segunda parte. Me pareció sumamente sobrevalorada La película me gustó más, lo cual le da puntos a la teoría que dice que de buenas novelas salen malas películas y visceversa. Aunque tampoco es que la película sea una obra maestra, pero se deja ver. ¿Qué fue lo que no me gustó de la novela?: sobre todo la sensación de "Bueno, ¿este tipo quiere contar algo realmente o se va a seguir otros cientos de páginas prometiendo que ahora si ya viene lo bueno?" Abusa de la creación de expectativas creando un efecto que podríamos llamar "de final de viernes" como si fuera una telenovela que al final de cada capítula inventa algo para que vuelvas a ver el próximo aunque ni siquiera tenga la intención realmente de contar lo que ha prometido. Esto se nota claramente, por ejemplo, cuando suelta así al final de un capítulo que Mikael Blomkvist vive un triángulo amoroso. Yo lo que pensé fue ¿En serio se va a meter a eso también? porque ya para entonces la novela ha empezado lo que podrían ser muchas historias: La corrupción e intriga del caso Wennerstrom, La corrupción e intriga en la familia Vander, Lisbeth Salander etc. Como que el autor no sabe a donde va y entonces multiplica personajes y situaciones gratuitamente. Y al menos por lo que pude ver en la película, ese triángulo amoroso en efecto fue solo para dar un efecto de final de capítulo. O sea, la novela me provocó la típica sensación de hartazgo de cuando uno lee y lee y no acaba de captar de que se trata realmente el libro. Y, hasta donde yo me quedé, lo más importante era el caso del corrupto empresario Wennerstrom, pero tal vez por ser mexicano estoy curado de espantos en cuanto al tema de la corrupción y se que puedo encontrar mejores historias en periódicos o revistas. También promete la novela, con notas al inicio de cada parte de la misma, que se va a tratar del tema del abuso contra las mujeres, pero cuando uno lleva tantas páginas y el mentado tema aún no hace su aparición pues se empieza a sospechar que eso es otro truco fácil, Y también, por lo que se ve en la película ese no es tampoco realmente el tema de este libro.

¿Entonces cuál es la historia de la chica del dragón tatuado? En realidad es un amasijo de historias, hay una historia sobre un periodista que se enfrenta a un empresario corrupto, enmedio se mete otra historia detectivesca sobre un asesino serial y hay otra historia sobre una hacker que es extorsionada sexualmente por el oficial que el gobierno puso a su cargo por su pasado conflictivo. Lo que me quedó claro es que en esta película lo importante no es la historia en si misma sino uno de los personajes principales, Lisbeth Salander.

Ya desde que estaba leyendo la novela había oido que era el personaje a checar. Inclusive según Mario Vargas Llosa ha entrado un nuevo personaje entre los grandes de la literatura universal. ¡Vaya exageración! Confieso que antes de ver la película estaba muy intrigado ¿Pues qué le ven a esta novela y a la tal Lisbeth Salander? Pero creo que ya entendí: Lisbeth Salander no me sorprende tanto porque he leído otras historias de hackers, y los hackers suelen ser personajes muy peculiares. Pero bueno ya que vi la película entendí la atracción por Lisbeth Salander. Creo que el gran mérito de este personaje, y que es a la vez el de la película, es su actualidad: es un personaje que, por decirlo de algún modo, llega a anunciar que las viejas reglas ya no aplican. Algo que viene en la novela y que no mencionan en la película es que Lisbeth Salander no acabó el bachillerato, y no respeta las reglas del trabajo, empezando porque no se apega al horario, bueno no se apegaba al horario cuando trabajaba "de planta" antes de volverse freelance y tampoco sigue ninguna otra regla u obedece órdenes. En la película la presentan como de trato muy brusco, nunca dice gracias o por favor. No recuerdo que fuera así exactamente en la novela, pero bueno, sí era un personaje antisocial ...y no decir por favor es taaaan Hollywood. El caso es que frente a ella y los suyos las viejas ideas sobre privacidad o sobre la diferencia entre lo que es tuyo y lo que es mío, o sobre sexualidad, y claro, también sobre quién y como se encarga de hacer justicia, estallan como antiguedades tiradas a la banqueta desde algún edificio. Y todo esto sin perder un cierto grado de verosimilitud.

Claro, no es que antes de Lisbeth Salander no hubiera habido personajes parecidos, pero su mérito es que es como la primera hacker que entra tan al mainstream de la novela y de la ficción. Además la novela es muy políticamente correcta, empezando por presentar a una hacker mujer, y a un musulmán que es muy buena persona etc. La película, a pesar de que por tener que meter una historia tan larga en apenas tres horas parece que en vez de contarnos una historia nos está contando lo que cuenta la historia, tiene suficientes escenas impactantes y diálogos rescatables como para valer la pena. Es tan obvio que aquí lo importante no es la historia, o las historias, que incluso en el caso del asesino serial, la historia pasa tan rápidamente que la única forma de entender como es que lo agarran es gracias a la explicacion que le da Blomkvist al propio asesino al final (...de esa historia). No, lo importante era presentar a la chica del dragón tatuado, que a juzgar por alguna cosa que he leído por ahí, ya es una heroína del más alto nivel para la banda del girl power.                            

For years, opinion leaders have told us that it’s all about family values. And it is — but it will take a while before most people realize that they meant the value of coming from the right family.
                               
                                                                                                          Paul Krugman

La película que se equivocó de casa: Dream House

Es muy curioso que hayan salido casi al mismo tiempo dos películas que recuerdan tanto a dos clásicas de Stanley Kubrick: Primero The Ward, ya reseñada en el post de abajo, y la todavía más fallida Dream House a la que sólo faltó que la promovieran como el regreso de las gemelas de El Resplandor. Basta con ver el poster de la película y el trailer en el que al final hasta le agregan la escena, inexistente en la película, en que las gemelas se funden con la pared. Parece que hasta el tapiz de la pared lo copiaron. Y hasta le pusieron Detrás de las Paredes a esta película en español. Por cierto, las películas generalmente  las mandan ya con los títulos que deben llevar en español, no es culpa de los traductores de aquí.

Nada más que en esta película no hay nada terrorífico detrás de las paredes, ni detrás de nada. He ahí una razón de su fracaso, se vende como una película de terror, parece ser una película de terror más o menos durante la primera mitad y luego resulta que no es de terror sino que es un thriller sicológico, nada más que para cuando nos enteramos que se trata de descubrir quién es el asesino ya es demasiado tarde y al final no se desarrolla bien ni una ni otra cosa. Además al igual que en The Ward, resulta que el personaje sufre de trastornos de personalidad múltiple por lo que el espectador debe entender que todo lo que ha visto ha sido sólo una alucinación del personaje principal. 

Otras cosas en la que esta película se asemeja a El Resplandor es que el personaje principal es un escritor que aparentemente es un buen padre y esposo, y en que el inquilino anterior del lugar a donde va a escribir un libro había matado a su familia. También, en ambas películas resulta que el recién llegado escritor en realidad ya había vivido ahí antes, como lo señala la escena final de El Resplandor que muestra una foto antigua del hotel en donde Jack Nicholson / Jack Torrance está en una fiesta. Sólo que mientras que esa película es un clásico del cine, esta es un bodrio, al grado de que el director de Dream House pidió que su nombre no apareciera en los créditos pues se peleo con los productores, que le hicieron tantos cambios, que no la quería reconocer como suya, y él y los actores se negaron a promocionar la película que además no fue presentada primero a los críticos como se acostumbra.

Una diferencia con El Resplandor es que mientras en esa el padre enloquece y trata de matar a su familia e inclusive se ha demostrado que Kubrick mete muchos elementos para evocar-explotar las matanzas de indios en Estados Unidos y los sentimientos de culpa relacionados con esto y hasta se ha  propuesto que también refleja el interés - preocupación de Kubrick con el holocausto judío ( vean la entrada en la wikipedia ).  La historia de Dream House por el contrario, además de carecer de las interminables sutilezas y hasta misterios-que-se-siguen-debatiendo de El Resplandor, es una historia en la que las culpas se limpian: El papá sí es bueno y no mató a su familia. Por eso no es de extrañar que no haya nada misterioso, ni terrorífico ni interesante en las paredes de esa "casa de ensueño" ni en ninguna parte de ella. Curiosamente al igual que los personajes de película parece que los realizadores de la misma se equivocaron de casa. La buena era la de enfrente: En la trama es clave la confusión con la casa de enfrente y sus habitantes: La masacre que provoca todo debía haber sido en la casa de enfrente sólo que el asesino se equivocó y, si no me equivoco también hay un par de escenas antes de que el personaje principal se instale en la casa en que hay confusiones con la dirección de la casa. Además él y el verdadero asesino luchan cuerpo a cuerpo y la esposa se confunde y le da un balazo al personaje equivocado. De hecho las escenas en las que Peter Ward/Will Atenton interactúa con la vecina interpretada por Naomi Watts a mi me hicieron pensar que algo iba a suceder entre ellos, sobre todo cuando ella y su hija lo reciben amorosamente y hasta le prestan su tina para que se bañe. En esa familia el ex-esposo y papá es un villano, pero es un personaje muy verosímil: enfrentado legalmente con su ex-esposa por la custodia de su hija y peleando por la casa y por dinero. Bueno... pero al menos él sí parece real, no como el otro:  Tan bueno que es, pero que resulta pésimo personaje.

Esa perra del mal en el espejo: The Ward

Aquí no hay mucho que criticarle a la historia: Cómo resulta al final que todo es la alucinación de una joven con trastorno de personalidad múltiple, al parecer eso justifica todas las incoherencias de la trama. Lo que se le crítica a esta película del viejo artífice del terror John Carpenter es que  uno sale del cine más con una sensación de deja vú que de miedo. Al final la historia termina siendo únicamente un  instrumento para darle jump scares al público. Sin embargo queda claro que en la trama de la historia se pretendía al menos usar otros dos mecanismos para crear miedo: El primero sería el temor a la siquiatría. Desde la escena inicial de créditos se presentan imágenes como de torturas medievales y luego, enlazados, lo que parecen instrumentos antiguos de psiquiatría. Supongo que esa sería una de las razones para ambientar la película en 1966, al fin y al cabo la película clásica antisiquiatríca, Atrapado sin Salida, (hasta la enfermera parece trasplantada de esa película) también sucede en los sesentas, y son bien conocidos los excesos de la psiquiatría en esos tiempos. Y claro, además así se pueden usar máquinas de electroshocks.

Pero ¿que no hay nada nuevo de que espantarse? De hecho, el ubicar la historia en los sesentas ya provoca una cierta distancia, al fin y al cabo, ese tiempo ya pasó. Aún así creo que algunas de las mejores escenas de la película tienen que ver si no específicamente con la siquiatría sí con el temor que nos pueden causar los hospitales y tantas cosas en ellos. En especial me gustó esa escena donde una chava despierta atada a una silla de ruedas y "algo" la va empujando. El otro mecanismo de la historia es más sutil, pero aún así creo que el vidrio rompiéndose en la secuencia inicial de créditos y el final, cuando la asesina sale del espejo sobre el lavabo del baño, indican que también fue un efecto planeado: el temor a ese o esa extraña que a veces se aparece en el espejo, y que no es otro sino nosotros mismos. Obvio que como la protagonista tiene trastorno de personalidad múltiple esto se lleva hasta el extremo. Desafortunadamente los personajes secundarios en esta película están mal desarrollados. A las otras internas del hospital, que al final resultan ser las otras personalidades de la protagonista, y también al personal del mismo, se les podría haber sacado más jugo. En especial esa "personalidad" atrapada en la infancia es patéticamente mala. Está bien que hayan llenado la pantalla de viejas buenas pero podrían haber presentado personajes más interesantes y creíbles. Al final el doctor le dice a la protagonista cuál es su verdadera personalidad, pero eso no sirve de nada, ahora la personalidad falsa, que era buena, tomará el papel de mala y el terror continuará. Casi como una moraleja: Sí un doctor te tiene que decir quien eres tú realmente, el problema no va a acabar. O también: no dejes que cualquiera empuje tu silla de ruedas, no vaya a ser que acabes como una de las...

Big Godínez is watching you: J. Edgar

Independientemente de lo fiel que está película sea a la verdadera historia de Edgar Hoover, que al parecer no es mucho, el resultado en pantalla resulta el retrato del burócrata perfecto. El personaje interpretado por Leonardo DiCaprio es lo más parecido al Godínez o Gutierritos, como les decimos en México a los típicos oficinistas,  ideal. Para empezar, Hoover llegó rápidamente al escritorio de jefe y se quedó ahí nada menos que 48 años. Ya nomás ese dato serviría para ubicar a Hoover como un auténtico Uberburócrata. Los chantajes, intrigas y el espionaje que vemos en esta película no son en esencia diferentes de los que pueden suceder en cualquier oficina en cualquier lugar, lo único que cambia es la magnitud. En este caso Hoover chantajeaba nada menos que a los Presidentes de Estados Unidos y disponía de medios más sofisticados que el intrigante burocrático común, pero el juego es el mismo. Inclusive la homosexualidad del personaje puede verse como otra característica que lo ubica como el burócrata ideal: como es sabido hay lugares que valoran positivamente la homosexualidad al contratar personal ya que a falta de una esposa e hijos los gays pueden entregarse más plenamente a su compañía u organización. De hecho en la propia película Hoover escoge a su secretaria personal cuando esta le dice que no planea casarse sino dedicarse por completo al trabajo. Y en la escena en que está revisando las solicitudes de los aspirantes a agentes, cuando rechaza a uno de los solicitantes, la secretaria le pregunta si es porque este tiene familia en Nueva York, dando a entender que si no por el hecho mismo de tener familia al menos el hecho de tenerla en otra ciudad aunque fuera cercana sí era un factor negativo en la valoración de los aspirantes. A Hoover le fueron leales durante décadas sus colaboradores más cercanos, al menos vemos en la película que ese fue el caso de Tomlinson su amante – director adjunto y su secretaria, que le fue leal hasta después de muerto, lo que hace pensar que Hoover era leal y también sabemos que era obsesivo y paranoico. En la película apenas vemos alguna mención de su obsesividad; hay una escena en que se ve que le molesta saludar dando la mano, al parecer esto lo detestaba y corría a lavarse de inmediato y también vemos muestras de este carácter metódico con el que organizó el catálogo del congreso de Estados Unidos y su deseo de hacer un catálogo similar pero para guardar información sobre todos los estadounidenses. Lo de su paranoia es otra característica conocida de Hoover que en la película apenas queda esbozada en su preocupación con cualquiera que pudiera alterar el orden. Lealtad, método, aunque sea obsesivo y paranoia, siempre útil para mantenerse alerta: Cualidades muy útiles en un medio burocrático.

Hoover, para fortalecer políticamente a su agencia, promovió películas que presentaran a sus agentes como héroes y hasta historietas donde él, que no era un hombre de acción, enfrentaba directamente a los malhechores. En esto, así como en su deseo de contratar puros graduados universitarios parece ser inspiración de nuestro mexicano Secretario de Seguridad Pública, Genaro García Luna, de quién también se rumora se sirve del chantaje y el espionaje para sus fines políticos.  Esto es llevar la lucha por el presupuesto y el poder burócrático, en lo que a cualquier burócrata digno de tal nombre le va la vida, al máximo nivel.
Suponemos que nunca jamás alguien le llamó la atención a Hoover por no cumplir los requisitos de la “excelente presentación” burocrática, y él tampoco se preocupaba de no invadir los terrenos de lo personal en que respecta a la presentación y estado físico de sus subordinados, al grado de que vemos que corre a un viejo rival, ya siendo su jefe, por usar bigote, lo cual le desagradaba. Esto sin duda será el sueño húmedo de muchos Gutierritos: “Ah cuando yo sea jefe correré a fulano y sutano con cualquier pretexto”. Si hay políticos tan de tiempo completo y tan hábiles que se les dice animales políticos en Hoover tenemos al animal burocrático por excelencia, nadie como él para aferrarse a un puesto, acabar con los rivales de la oficina, agandallar más espacio para su departamento y torcer las reglas.

Sin embargo el burócrata aunque de director del FBI se vista burócrata se queda. En la película se vislumbra una vida monótona, más bien aburrida. Una gran parte transcurre en oficinas, y de hecho, en la misma oficina. Lo vemos hacerse viejo y ver pasar a los Presidentes desde el mismo balcón. Para colorear esta grisura la película se sirve de las mismas escenas fantasiosas de las que el Hoover real se sirvió, escenas de Hoover haciendo personalmente detenciones que sólo existieron en su imaginación y en la propaganda del FBI. Y por alguna razón, la única que se me ocurre es que probablemente el director, Clint Eastwood, quería darle a la película una atmósfera como de cine negro, J Edgar es una película fotografiada como en un tono muy gris, con colores como deslavados.

De forma paradójica, o quizá sintomática, el gran enemigo de Hoover fue una ideología que crearía gigantescas burocracias. Los regímenes comunistas llevaron a cabo su sueño de fichar a todos los habitantes de un país y es de suponerse que a Hoover le hubiera encantado estar a cargo de sistemas que espiaban todo acerca de todos y llevaban un control muy estricto de la población como el de la Alemania Comunista.  Al final resultó que durante la guerra fría, el órgano más parecido a los de las burocracias comunistas que tuvieron los americanos, fue precisamente la agencia que perseguía a los comunistas. El Buró Federal de Investigaciones para evitar caer bajo el control de un Polit- Buró demostró una vez más que lo que odiamos en los demás es algo que tenemos en nosotros mismos.

Alvin, el niño problema

                                                      Alvin y las ardillas 3

En el fondo esta no es una película realmente infantil. Y no lo digo por algún chiste dirigido a los papás que tengan que verla. Sino que la historia en sí no tiene la fantasía que caracteriza a una historia infantil de verdad. Hay imaginación en los chistes, en los gags, pero la trama es una demasiado simple historia de náufragos en una isla desierta. Iba a decir que es la típica historia, pero creo que la típica historia de náufragos en la isla desierta tiene más fantasía. Alvin y las ardillas 3 se siente como cuando uno va a una fiesta infantil y se da cuenta que en realidad la fiesta la hicieron los papás para si mismos y usaron a los niños de pretexto.

Además, detrás del humor, hay un conflicto a través de toda la película y es que Alvin se porta muy mal. Hay de hecho diálogos tan serios como cuando Dave, el “papá”, le pregunta a Alvin cuando dejará de comportarse como niño y Alvin le contesta que cuando él lo deje de tratar como niño: Otra prueba de que esto realmente no es una historia de niños para niños. De hecho aunque las ardillas se supone son niños, en realidad se comportan como típicos adolescentes: Las ardillitas "niñas" compiten en la pista de baile con sexosas mujeres y quieren llegar a la entrega de premios de la música pues si no serán unas “loosers” totales. Alvin se escabulle al casino del barco donde están de vacaciones vestido como James Bond de película de los sesentas (Como si el sueño de todo niño fuera ser galán sesentero) y, obvio, trata de ligar y finge tener más edad. A Simon, el chipmunk nerd, lo pica una araña con "veneno neuro tóxico" que le cambia la personalidad por la de un francés latin lover. O sea un latin lover con acento francés ¡el personaje favorito de todo infante! - Ajá.

Todo esto no tendría nada de raro si no fuera porque obviamente los adolescentes no son el público objetivo de esta película, pues cualquier adolescente en su sano juicio huirá de Alvin y las ardillitas 3 como si fuera la peste. ¿Extraño no? ¿Será conscientemente una película para papás?

Los tres personajes adultos principales:  Dave el manager, el ex – manager y villano, y la mujer–figura materna nos revelan que la familia de las ardillitas está medio disfuncional: El ex manager hace pensar en un  ex marido o ex padre abusador. Ahora trabaja como botarga de pajarraco muy como de pesadilla infantil y al principio de la película parece que va a ser el principal generador de conflictos en una lucha continua villano versus los buenos, pero resulta que no es tan malo, o mejor dicho tiene una dualidad muy propia de alguien que fue la figura paterna. Y la figura "materna" es una loca chiflada capaz de cualquier cosa por encontrar dinero y joyas y sólo convive con unas pelotas a las que les da características humanas. Pelotas-muñecas que son las únicas con las que se relaciona, como niña atrapada en cuerpo de adulta. Y Dave, “el bueno” insiste demasiado en que ama a sus ardillas - hijos a pesar de que sólo le dan problemas. Insiste tanto que hace pensar que se lo tiene que repetir mucho a si mismo. Alvin sospecha que Dave ya no lo quiere por portarse tan mal, pero es que ser el divertido y simpático es su papel, (Cómo si alguien se lo hubiera dado, ¿será así? ) y se dice esto a si mismo mientras ha dejado de serlo y se ha tenido que volver responsable porque su hermano menor gracias a la picadura de araña es ahora el divertido y entonces Alvin se tiene que comportar como adulto - papá. Y lo odia.

Esta película recrea muy bien la sensación de estar con una de esas familias en donde los hijos siempre se están peleando y todo son gritos y regaños. Y viene con todo y recomendaciones para los padres como cuando Simon se pone a hablar muy seriamente con Dave, ya en plan de terapia familiar, acerca de la terrible conducta de Alvin, y le dice que lo que necesita es dejarlos tomar sus propias decisiones, darles confianza. Y también vienen escenas de moraleja con rollo acerca de perdonar y no dejarse llevar por el rencor y a la mujer le dicen que no todo en la vida es dinero. Y Alvin se arrepiente y promete  que ya se va a portar bien, pero como todo sería aburridísimo si se portara bien la película cierra con Alvin que ya está de nuevo haciendo de las suyas porque como todo papá ya sabe, sólo la conducta irresponsable, como por ejemplo la del soltero que aún quisiera ser, es divertida. Y en el caso de Dave no le quedará más que perdonar a Alvin porque a pesar de los rollos de reconciliación y perdón, en realidad sólo él lo quiere, como queda demostrado en la escena en donde la mujer y el "ex" contemplan indiferentes que va a morir cayendo a un precipicio. Sí, sólo a Alvin, como si los otros no fueran sus hijos. Bueno, quizá no lo son, de hecho las ardillas no son hermanos y por eso se pueden tirar la onda entre ellos.

Pastorela

 
Mex 2011 Guión y Dirección Emilio Portes con Joaquín Cosío Carlos Cobos Eduardo España Ana Serradilla

Resulta bastante revelador que esta película mexicana gira alrededor de un personaje que se aferra a un papel en una pastorela y que reclama que ese es su papel, por la simple y sencilla razón de que él siempre lo ha hecho. Después resulta que el elenco de la pastorela es mejor con él que sin él, pero al principio,  el judicial que siempre sale de diablo en la pastorela del pueblo ( Joaquín Cosío ) simplemente reclama su papel porque es suyo porque sí pues él siempre lo hace. A partir de ahí se desarrolla una comedia que destila por todos lados un fuerte tufo conservador, en el sentido estricto de la palabra conservador, de defensa de lo establecido. Veamos: el nuevo, el padrecito recién llegado, es el villano. Los motivos para romper con la tradición sólo pueden ser inconfesables: se trata de una conspiración para agandallarse el dinero y premios de un concurso. Y bueno...  se trata de una pastorela. De la pastorela del pueblo. Con padrecitos, monjitas por doquier y señoresobispos. Como es sabido, las pastorelas tradicionales, a menos que seas la mamá del niño de cinco años que sale de San José, no le interesan a nadie, así que Pastorela, la película, hecha mano del mismo recurso de las tradicionales pastorelas para no parecer tradicional: presentarse como comedia pícara. 

Ahora, aunque una pastorela es el tema de esta película, la trama en cambio pertenece al género de las comedias navideñas infantiles gringas, con todo y policías por doquier sólo que en este caso son judiciales mexicanos en lugar de patrulleros de pueblo gringo. Aunque Pastorela hace reir, la mezcla de géneros está muy dispareja y se pierde el tono realista de comedia pícara con el humor y estilo más infantil de la comedia navideña santaclosera. Además siento que el típico guión gringo, seguido estrictamente con todo y final con caos y persecuciones hace que uno como espectador se vuelva más consciente de las limitaciones de la película. Es decir, que si a uno lo ponen a ver una historia gringa, uno se vuelve más consciente de no estar viendo una producción hollywoodense con espectaculares efectos, derroche de presupuesto y cuidado del más mínimo detalle. Y luego con el tema de la pastorela pueblerina como fondo y los escenarios e imágenes de viejas iglesias, monjas etc. pues se acentúa una sensación de chafez, de estar viendo en efecto una superproducción, pero pueblerina. 

Creo que el gran problema de Pastorela, es que no cumple con lo que le ofrece al espectador en sus carteles promocionales: mandar la tradición al diablo. Las grandes comedias tienen un espíritu crítico, y en cambio esta película como ya dije tiene un tono bastante conservador, desde el tema de la pastorela, el guión hecho by the book, y claro, los personajes sacados de esas dos entrañables corporaciones que son la iglesia católica y la policía judicial. Es interesante el caso de la iglesia: Para darle un toque más cool, se recurre a personajes malhablados, un padrecito que se coje a una monja (Ana Serradilla) y en general se presenta a la iglesia como si fuera una moderna corporación en busca de ganancias. Lo de la búsqueda de ganancias me lo creo, lo de moderna no. Hay un chiste en Pastorela que ejemplifica a la perfección el carácter conservador de la película: Un obispo, o algo así, le pide a otro ensotanado que está leyendo el periódico que le diga como va el mundo, el otro empieza a contarle  lo que pasa pero cuando empieza a decir algo sobre el Presidente el Obispo lo para. Lo que quería saber era como va Edmundo, no el mundo. Moraleja: Cero crítica a la realidad aquí y cuidadito con meterse con la autoridad en esta película.

En cuanto a los actores las actuaciones están bien, en especial me gustó el trabajo de Serradilla y de Eduardo España. Curiosamente tal y como dice un texto al inicio de la película, en las pastorelas el diablo suele ser el más simpático. En este caso hay varios diablos y España interpreta al que quiere agandallar el papel por lo que viene siendo realmente el diablo malo de la pastorela.

One Day

EU 2011 Guión David Nicholls basado en su propia novela
Dirección Lore Scherfig Con Anne Hathaway Jim Sturgess

Película antiromántica que me recuerda un poco a 500 days of summer  en el sentido de que son épicas del no amor. En el caso de One Day se  convierte en una demasiado larga historia que borda sobre la historia de  una pareja – no porque sean una pareja, simplemente porque los  protagonistas son hombre y una mujer -  que sostienen una larga y nada  tórrida relación durante muchos años. Es una película- suéter digamos o  una película-cachorrito- tibio para tomarse acompañado de un chocolate  abuelita y sentir una cálida sensación de confort, aunque de preferencia  debería verse mientras se hace otra cosa al mismo tiempo porque sobre  todo al final, aburre.
Los protagonistas llevan la típica relación  contemporánea de amigos que quisieran ser más que eso pero por alguna  razón no lo hacen. Y no es culpa del destino, ni de ningún villano o de  que sus familias se opongan a su amor o alguno de los obstáculos de los  historias románticas. Este antiromanticismo de la historia queda  evidenciado muy claramente en la escena que abre y cierra la película,  que es una típica escena romántica sólo que al revés: Lo típico es,  digamos, que en medio de una tormenta una pareja se separa y parece que  será para siempre, ella tomará el tren o el avión que se la llevará, es  el final, él también se da la vuelta. Entonces él cambia de opinión, y  corre para alcanzarla. El tren arranca, un semáforo o un camión se  interpone entre ellos pero el héroe corre por encima de los autos, la  alcanza, se besan, lágrimas, créditos etc. Aquí la pareja, después de  algunos strikes se va a la cama después de su graduación de prepa, pero  se topan a los papás de él que echan a perder el plan. Ella se va, él se  queda con sus papás, la vemos alejarse sola y triste, y entonces él  regresa por ella. Pero eso es al final, en un flashback, y ya sabemos  que pasarán años y años sin que pase nada entre ellos y al final el güey  se queda solo con la hija que tuvo con otra. Si en la típica historia  romántica la pareja debe ganarle al cruel destino, en esta película el  destino parece que ya ganó desde el principio aunque la pareja no lo  sepa. Sólo que no es el destino el que se interpone, vaya hasta salen de  vacaciones juntos, son ellos mismos los que se interponen entre ellos, y  el destino podría lavarse las manos. En fin, tiene algunos buenos  diálogos, fotografía e imagen muy cuidadas, bonita música, la película  aprovecha que la historia empieza en los 80´s y acaba hasta el 2011 para  recurrir a la nostalgia y hablar del mundo antes del celular y poner  canciones de Corona. Eso sí, la amistad es épica en One Day y no se rompe ni en  caso de que el amigo le robe a la esposa al otro, la amistad es como lo  más a lo que se puede aspirar en el mundo de esta historia, pero por  ninguna razón en especial, como algo que simplemente así es. Como sucede  en tantas vidas en el mundo real.

Algo que me puso a pensar es  ¿porqué había que matar a la protagonista? Supongo que porque si no la  historia sería de un cursi insufrible. Y además se perdería el  nudo del drama: En vez de ser la historia de un amor imposible sería la  historia de una pareja equis que forma una familia, nomás que se tardan  mucho en lograrlo porque pues… pues porque se tardaron mucho y ya.

El magnate y el clítoris

A mí, el Ciudadano Kane, que está en varias listas como la mejor película de todos los tiempos, me aburre. No me extraña que haya sido un fracaso comercial. Coincido con las críticas negativas que la película ha recibido según el breve resúmen de ellas en la entrada de la wikipedia (en inglés) de este clásico: El Ciudadano Kane será un prodigio formal pero no emociona al espectador, aburre, representa un triunfo del estilo sobre la substancia, etc. Recuerdo que la primera vez que la vi me decepcionó mucho que al final "Rosebud", la última palabra de Kane, fuera el nombre de un trineo. Para quienes no la han visto, la película puede resumirse como la investigación de un reportero acerca del significado de la última palabra de un magnate de los medios: Rosebud, o sea capullo de rosa. Según la misma wikipedia, al parecer Rosebud era el nombre que Willian Randolph Hearst, el magnate de los medios de la vida real que sirvió de inspiración, entre otros, para la historia, le puso al clítoris de su amante Marion Davies. Creo que ese detalle ayuda a explicar que es lo que falla en la película. Al personaje Charles Foster Kane lo acusan los otros personajes de sólo quererse a si mismo, de no interesarse por nada ni nadie más. Alguno dice que lo único que Kane buscó toda su vida fue el amor. Pero el Ciudadano Kane no tenía corazón y lo mismo le pasa a la película. Que diferente sería si Rosebud fuera una mujer, o su clítoris, un amor secreto de Charly Kane. ¿Un trineo qué? Claro, es un símbolo de su infancia. ¿Pero entonces al final resulta que todo lo que el magnate quería era a su mamá? Al igual que Kane el personaje, que trata de llenar su vacío comprando obras de arte, que según le reclama su última mujer, a veces ni siquiera saca de la caja, la película del Ciudadano Kane cubre con maravillosas tomas un centro vacío. Capullo de rosa es un gran nombre para un clítoris, y uno ridículo para un trineo.

De San Quintín a Hollywood.

Me sigo encontrado artículos que he publicado. Esta es la historia de Edward Bunker, cuyo currículum incluye haber sido el preso más joven en la cárcel de San Quintín, haber estado en la lista de los 10 más buscados por el FBI, unos cuantos asaltos a bancos y créditos como actor en 25 películas.

En realidad la historia de Bunker es una historia circular, pues este personaje nació en Hollywood, después tuvo una larga vida como criminal, incluyendo muchos años de prisión en algunas de las cárceles más famosas de Estados Unidos. Al final regresó a la meca del cine donde trabajó como guionista, actor y productor. Sin embargo su fama se debe principalmente a su trabajo como escritor. Bunker publicó varias novelas y libros autobiográficos y es considerado como uno de los mejores escritores que haya habido acerca del mundo criminal y de las prisiones.

Si vieron la película “Kurt & Courtney”, un documental donde prácticamente se acusa a la actriz y cantante Courtney Love de haber mandado asesinar a Kurt Cobain, tal vez les llamó la atención que parecía haber muy poca distancia entre el glamoroso mundo del cine y el bajo mundo. En “Kurt & Courtney” podemos escuchar las amenazas que Courtney dejó en la contestadora del director del documental. Suena como si fuera la mataviejitas pero es la misma mujer que hemos visto muy sonriente desfilando por la alfombra roja en la entrega de los Oscares. En otra parte el director va a entrevistar a un amigo de Kurt, pero parece duda antes de entrar al lugar donde está este sujeto, pues dice, es la casa de un narcotraficante y le han dicho que siempre trae una metralleta UZI y que es muy violento. Y así por el estilo.

En el caso de Bunker, la frontera entre el bajo mundo criminal y el mundo del cine se borra por completo. Eddie, como le decían sus allegados, nació en 1933, su madre fue una corista de las películas musicales del director Busby Berkeley y su papá trabajaba como chalán en foros de cine. Desde los cinco años Bunker fue abandonado e internado en un orfanato. A partir de ahí su vida se alternó entre internamientos, ya sea en otros orfanatos, en reformatorios y después en cárceles, y periodos de libertad dedicados casi por completo a la delincuencia.

Si se han preguntado como algunas películas como por ejemplo “Perros de reserva” o “Fuego contra fuego” logran parecer tan reales, pues resulta que este realismo le debe mucho a Bunker. ¿Cómo no van a parecer reales los asaltantes de “Perros de reserva”, si el propio Eddie, con experiencia de primera mano en el tema, interpreta a uno de ellos? En esa película Bunker interpreta a “Mr. Blue” y esa es sin duda su actuación más recordada. En el caso de “Fuego contra fuego” Bunker no aparece en pantalla pero fue asesor de los actores y del director Michael Mann. Al parecer Mann también le pidió a todo el elenco que leyeran “No Beast so Fierce”, la primer novela de Bunker, que escribió en la cárcel.

Danny Trejo, otro de los actores de la película, también es un exconvicto y le debe su carrera actoral a Bunker. Ambos se volvieron amigos en prisión y se reencontraron trabajando en una película en los años ochenta. Bunker era uno de los guionistas y Trejo estaba de extra, pero Eddie recomendó a Trejo con el director que acabó dándole un papel importante. Danny Trejo es el tipo alto, con cara de villano más allá de toda duda, que sale en todas las películas en donde debe haber mexicanos malos, como en “Del crepúsculo al amanecer”, “Erase una vez en México” y “Desperado”. En “Fuego contra fuego” interpreta al criminal de nombre homónimo, Trejo.

Durante su vida Bunker fue juzgado y condenado, entre otras cosas, por narcotráfico, extorsión, falsificación de cheques y asalto a banco. En realidad lo sorprendente en su caso es que haya vivido también fuera de las cárceles. La leyenda de Eddie Bunker no tiene nada que envidiarle a otros criminales famosos: En una ocasión logró que lo pasaran de la cárcel a un manicomio, para ello fingió estar loco diciendo que la iglesia católica le había insertado un radio en el cerebro. También tenía una fuga en su haber. Se dice que cometió su primer delito antes de cumplir los cinco años, cuando quemó la cochera de unos vecinos. Bunker era un tipo con una inteligencia muy superior al promedio y al parecer empezó a escribir gracias a la influencia de otro prisionero famoso, Caryl Chessman. Chessman era un condenado a pena de muerte por secuestro, robo y violación que se hizo muy famoso por defenderse a si mismo de forma muy astuta, incluso montando toda una campaña en los medios de comunicación. Varias veces logró evitar su ejecución por muy poco tiempo. Y provocó una gran polémica acerca de la pena de muerte, antes de que ese tema fuera muy controversial en Estados Unidos. Chessman escribió varios libros en prisión gracias a los cuales escritores de la talla de Aldous Huxley, Ray Bradbury y Norman Mailer abogaron por él. Al final, la muerte de Chessman fue tan dramática como la más dramática muerte cinematográfica. Cuando ya estaba en la cámara de gases llegó una llamada urgente al lugar pues se descubrió una prueba que demostraba su inocencia. Desafortunadamente para Chessman no se pudo sacarlo de la cámara pues los gases se hubieran salido matando a la gente que estaba presente en la ejecución.

En la famosa cárcel de San Quintín Bunker lo conoció en una ocasión en que estuvo encerrado en una celda de castigo cerca de él. Otra persona determinante para Bunker fue una antigua actriz del cine mudo, Louisa Wallis, que lo conoció en una de sus etapas de libertad, cuando Bunker fue su chofer. De algún modo Wallis notó su talento y durante años lo ayudó. Ella le regaló su primer máquina de escribir, que tuvo que mandarle a la cárcel. Bunker dice que para poder pagar las estampillas y mandarle por correo sus escritos debió vender su sangre.

Desafortunadamente sólo uno de los libros de Bunker se ha traducido al español,  el autobiográfico “La educación de un ladrón”. (Aunque en realidad la traducción correcta debería ser “La educación de un delincuente”). Sus libros han recibido muchos premios, algunos han sido adaptados al cine como en el caso de “Animal Factory” y “No Beast so Fierce” y han sido muy elogiados tanto por otros escritores del género como por autores más “serios” como William Styron. Bunker murió en el 2005 a consecuencia de una operación contra el cáncer.

Jorge Ayala Blanco: Forajido del viejo oeste cultural

Esta es una entrevista que le hice a JAB en el 2008:

Antecedido siempre por su leyenda, de un modo u otro todos los que hemos pasado por las clases de Jorge Ayala Blanco, maestro del CUEC en donde ha impartido materias como Corrientes Estéticas del Cine o Historia del Lenguaje Cinematográfico, nos enteramos de que se trataba de un crítico de cine muy temido; un erudito de la cinematografía, qué, contaba la leyenda, capitaneaba a uno de los dos bandos de críticos mexicanos de cine; el otro grupo era el de su archienemigo, el “gachupín” Emilio García Riera.

Y los veredictos de Ayala Blanco tenían tanto peso que podían determinar la suerte de las películas mexicanas, o al menos de eso estaban seguras personas como el director Arturo Ripstein quien en una ocasión lo demandó judicialmente pues según Ripstein una crítica de Ayala Blanco había hecho que nadie fuera a ver una de sus películas.

Sus clases, en donde se podía pasar rápidamente de la fascinación al enojo, de descubrir los secretos de las grandes películas, esas que uno ha oído que son muy buenas pero que uno nunca ha entendido por qué, hasta que él las explica. Y luego sentir sus balazos uno tras otro cuando Ayala Blanco dispara con acidísimo humor negro contra lo que a uno le gusta. Todo depende del lado de la escopeta donde uno esté parado.

Esta tarde Jorge Ayala Blanco está en su departamento lleno de discos y libros de la colonia Cuauhtémoc. Está muy atento a las noticias sobre las manifestaciones contra la reforma energética, como si estuviera olfateando algo en el aire, algo personal.

Previamente ha advertido que no va a decir ni una palabra sobre cine mexicano, de hecho lleva ocho años sin hacerlo. ¿Acaso habrá hecho un juramento y entregado sus armas? ¿Se habrá acobardado? No, está próximo a publicar un nuevo libro sobre cine mexicano y no va a decir nada antes del lanzamiento.

Jorge Ayala a los dieciséis años participó en el famoso concurso de televisión del “Premio de los 64,000”  con el amplio tema de “El cine universal desde su invención hasta nuestros días”. En 1962, a los veinte años, empezó a publicar sus críticas, y en 1964 fue al CUEC, que apenas había sido inaugurado dos años antes como centro de estudios cinematográficos de la UNAM, a pedir informes sobre las clases. En lo que esperaba, le dijeron que lo habían propuesto como maestro. Pues ya desde entonces empezaba a tener fama como Enfant Terrible de la crítica.

En el 68, habiendo sido ya becario del Centro Mexicano de Escritores, en donde tuvo como maestros nada menos que a Juan José Arreola y Juan Rulfo, publicó su primer libro sobre cine mexicano, “La Aventura del Cine Mexicano”, que originalmente se iba a llamar “Escarnio y Pasión del Cine Mexicano”. En ese mismo año empezó a publicar sus críticas en el suplemento “La Cultura en México”. En ese momento ingresé a “La Mafia” como taxi tolerado, dice Ayala Blanco.

Se refiere al poderoso grupo de intelectuales que dominaban la vida cultural del país desde hacía años. Por “La Mafia”, pasaron en un momento u otro muchos de los más importantes artistas, críticos e intelectuales de México: Monsiváis, Fuentes, Cuevas, Poniatowska, Emmanuel Carballo y un muy largo etcétera. Aunque el verdadero jefe de La Mafia era el pintor Vicente Rojo dice él.

Su juicio sobre este grupo es muy severo: “Durante 17 años aguanté las arbitrariedades de la mafia a través de Monsiváis”; “La Mafia llevaba las cuentas del PRI, de la embajada rusa y de la UNAM, a través de la Imprenta Madero, que tenía su editorial, la editorial ERA.” Y él, también publicaba en ERA. Explica que para La Mafia había personajes innombrables como los escritores Luis Spota, Ricardo Garibay o Elena Garro. Acusa a Monsiváis de haber destruido a Jorge Arturo Ojeda, quién, asegura, es el mejor prosista de su generación.

- No podías publicar en ninguna publicación cultural, si no pertenecías a La Mafia o eras tolerado por La Mafia.

-Todavía, los restos de esa mafia son los que controlan.

- Las becas del FONCA son para quedar bien con los capos.

-Nadie habla de las mafias culturales porque en fondo quieren pertenecer a ellas.

Un pasaje de la vida de este crítico, que ha quedado documentado en libros como “Jueves de Corpus” de Orlando Ortiz, fue su participación en la matanza del Jueves de Corpus, también conocida como “El Halconazo”, el 10 de Junio de 1971. En aquella ocasión, a su esposa, Rosa María Campos, que trabajaba como reportera  para Jacobo Zabludovsky y para el periódico Ovaciones, le tocó cubrir la manifestación que acabó en matanza. Tras tratar de convencer a su mujer de que no fuera, por el peligro que corría, decidió acompañarla y les tocó estar en medio de la matanza. Después, en las instalaciones de la cruz verde, estando escondidos los dos, vieron como los halcones entraron a robarse los cadáveres. Gracias a su testimonio y el de su esposa, Jacobo Zabludovsky dijo en su noticiero que había habido muertos por la represión.

En cuanto a sus exalumnos célebres, se niega a hacer una lista, pues son demasiados, así que le pregunto sólo por dos, primero por José Woldenberg, el ex presidente del IFE, que antes de ser un poderoso funcionario – intelectual, pasó por el CUEC, en donde participaba en películas con títulos como “Explotadores y Explotados”:

-  José Woldenberg era de un colectivo ultraradical que se llamaba “Taller   

   de Cine Octubre". El era el niño ultrarradical. Era de los miembros más   

   prominentes de ese grupo.

A Alfonso Cuarón lo recuerda como “un muchacho explosivo, muy melómano.” “Todo mundo cree, ay sí, el director de Harry Potter, inofensivo. ¡Nada! Las discusiones en el CUEC, con Alfonso Cuarón, terminaban a golpes”. Y él fue su coordinador: “Yo tenía que dar la cara cada vez que Cuarón agarraba a puñetazos a un maestro: Nooo maestro, es un chico temperamental, no se preocupe”.

- Mi punto de contacto con él era la melomanía, porque los dos descubrimos al mismo tiempo la música de Hans Werner Henze.

- Poncho era encantador, siempre y cuando no te metieras en su territorio.

- Era un personaje muy inteligente, muy sensible…  pero muy inestable. Es la imagen que yo tengo, con gran afecto.

Recuerda Ayala Blanco que los futuros directores Alfonso Cuarón y  Luis Estrada, así como los fotógrafos Carlos Marcovich y Emmanuel Lubezki, fueron expulsados del CUEC por la entonces directora Marcela Fernández Violante, por hacer una película que titularon “The vengeance is mine”.

- La hicieron en inglés y sin darle crédito al CUEC. Para burlarse del CUEC. Marcela montó en cólera y se les invitó a que terminaran su carrera.

Por último, uno no puede hablar con Jorge Ayala Blanco sin pedirle que diga cuales son las películas en cartelera que hay que ver obligatoriamente a fuerzas, recomienda dos: “Paranoid Park y Control, sobre la capacidad de depredación y autodestrucción de los adolescentes. Sin moralina.”

Cartún México

Ahora le tocó al tequila nueva imagen caricaturesca, aunque en este caso quedó poca madre. Les dejo un par de links para más información aquí y aquí

El pop es cosa del diablo

Continuando con el tema del post de abajo, les presento este texto que tenía guardado. Como verán el tema del pop, y el "mal", es algo que me llama la atención desde hace tiempo. En general he notado que la música y el crimen suelen no estar muy lejos uno del otro y eso es algo que me llama mucho la atención ¿porqué será? Y no soy el primero en notarlo: Hace poco leí que Keith Richards dice que la música es el negocio legal más sucio que hay. Y en "Noches de Cocaína" J.G. Ballard dice que el crimen y lo artístico siempre van uno junto al otro. De cualquier modo me llama la atención el caso particular del pop y por eso la historia de Phil Spector (el galán de la foto) es tan significativa pues se le considera el primer gran productor de pop adolescente.

Hubo un tiempo en que el rock era para los chicos malos y el pop para los ñoños. Sin embargo esta relación parece haber cambiado. Algunas de las más famosas personalidades del rock actual se la pasan luchando por buenas causas y tienen vidas muy respetables, no parecen tan rebeldes. En cambio en el reino del pop las cosas no podrían ser más diferentes. Basta con recordar la historia del llamado “Rey del Pop” que todos conocemos. Quizá una de las historias más extrañas de Michael Jackson es que en uno de los juicios que enfrentó por abuso de menores un doctor le hizo una revisión física y declaró que Jackson no podría haber abusado sexualmente de nadie pues su cuerpo había sufrido una regresión al cuerpo de un niño de diez años. Definitivamente pasaban cosas raras en el rancho de Nunca Jamás. Por su parte la “Princesa del Pop” Britney Spears, quién empezó su carrera como estrella infantil del club de Mickey Mouse, se la pasa entrando y saliendo de centros de rehabilitación, ya estuvo recluida en un hospital psiquiátrico y ha sido separada legalmente de sus hijos, sin derecho a visitarlos. Y como estas historias hay muchas más: desde Lindsay Lohan quién también empezó su carrera como actriz infantil de películas de Disney, pasando aquí en México el clan Trevi - Andrade hasta el caso de Lou Pearlman, el creador de grupos como los Backstreet Boys y N Sync, quien ha sido sentenciado a 25 anos de cárcel por delitos como fraude y lavado de dinero. El caso de Pearlman incluye los ingredientes de explotación y abuso ya conocidos de otros casos. En el caso de los Backstreet Boys, se supo que Pearlman les pagaba a los cantantes 12,000 dólares al año mientras él se embolsaba millones cobrando como representante, productor y hasta como el sexto Backstreet Boy.
Pearlman también ha sido acusado por familiares de los cantantes y otras personas, de abuso sexual. Steve Mooney, un aspirante a cantante que vivió en una de las propiedades de Pearlman, pues ese era un requisito para todos los aspirantes, vivir donde le quedaran cerca a Lou, dijo que más de una vez se encontró a jóvenes cantantes saliendo en la noche del cuarto de Lou, fajándose la camisa y con una “mirada bovina” en la cara. Según Mooney había siempre una persona en cada banda que debía “sacrificarse”. 

El caso del productor Phil Spector es significativo pues él fue considerado el primer zar de la música adolescente. Spector empezó su carrera musical en los cincuentas tocando y componiendo con un grupo con un nombre muy ñoño: Los Teddy Bears. El primer gran éxito de los Teddy Bears fue una canción compuesta por Spector: To know him is to love him. Aunque detrás de ese meloso título había una historia tétrica, pues Spector lo tomó de una frase de la lápida de su padre quien se suicidó cuando él tenía nueve años. Después de los Teddy Bears, Spector tuvo durante los sesentas una larga cadena de éxitos principalmente como productor aunque también componía. El estilo de las grabaciones de Spector, caracterizado por múltiples capas de instrumentación fue bautizado como “La Pared de Sonido”. Al menos en su caso, él si hizo aportaciones a la música. De hecho su legado es amplio. Después de su etapa de encantador de adolescentes ñoñas trabajo con gente como los Ramones, Leonard Cohen y los Beatles. Fue el productor de Let it be y coproductor del disco Imagine de John Lennon. Sin embargo, la etapa por la que más se le recuerda fue entre 60 y 66, cuando según sus propias palabras se dedicaba a hacer “pequeñas sinfonías para los chicos” y fue clave para el éxito de los primeros girl groups: los grupos orientados a chicas adolescentes formados casi siempre por iniciativa de productores o representantes, con letras simples que hablan de amores de adolescencia, generalmente desgarradores, y en donde la moda y el físico de las cantantes son parte indispensable de la fórmula del éxito.

Tom Wolfe, periodista considerado como el gran cronista de los sesentas en Estados Unidos, definió a Spector como el “Primer magnate de lo adolescente”. Grupos como The Ronettes, The Crystals y los Righteous Brothers triunfaban en las listas de popularidad con canciones producidas por Phil Spector como You’ve lost that living feeling, Twist and shout, Da doo ron ron  y Be my baby.

Poco a poco Spector se fue volviendo cada vez más excéntrico y raro. Para el 2002, aunque ocasionalmente producía alguna canción, se sabía muy poco de él. Se decía que vivía prácticamente recluido, que se había vuelto loco y cosas por el estilo. Entonces un periodista británico, Mick Brown, consiguió una entrevista con él. El relato de este encuentro es casi surrealista:* Después de tres meses de buscar la entrevista, hablando con representantes de Spector y sufriendo posposiciones, finalmente una noche Brown recibe una llamada y le avisan que una persona lo recogerá en el hotel de Los Angeles en donde se hospedaba para llevarlo con Phil Spector. A la hora señalada un chofer uniformado llegó a recogerlo en un Rolls Royce con las ventanas cubiertas con cortinas negras.

Finalmente llegó al castillo gótico, rodeado de una barda con toda la parafernalia de seguridad posible, en donde vivía el famoso productor. Después de cruzar la puerta, que se cerró automáticamente tras ellos, el chofer se detuvo frente a unas largas escaleras, de 180 escalones, y le dijo a Brown que a Spector le gustaba que los invitados subieran para llegar a él.

Después de esperarlo un buen rato en una sala, finalmente Spector apareció bajando por una escalera circular y con música de fondo para realzar su entrada. Llevaba, dice Brown, una larga peluca, botas con tacones de casi cinco centímetros, lentes oscuros y una bata negra con sus iniciales grabadas en plata.
Spector le contó, entre muchas otras cosas, como tenía que convencer a los grupos de la importancia de lo que estaban haciendo, que era muy difícil “porque ellos no tenían un sentido del destino”. En cambio él siempre pensaba en hacer arte que cambiara la historia, buscaba la inmortalidad, dijo el veterano productor.
También le dijó que era bipolar, que estaba "emocionalmente lisiado" y que tomaba medicina para la esquizofrenia, aunque no se consideraba esquizofrénico. Dijo que loco le parecía una palabra dura, pero que había demonios adentro de él que lo atormentaban. Había visto por primera vez a un siquiatra en 1960. Bueno, aceptaba que probablemente estaba loco, pero podía funcionar en el mundo. Confesó que durante años no pudo soportar estar con gente. Unas semanas después de esa entrevista, el también llamado “genio perdido del pop” Phil Spector era arrestado, cuando la actriz y modelo Lana Clarkson apareció con un disparo en la boca en las escaleras de su castillo. Actualmente purga una sentencia de 19 años de prisión por asesinato.

¿Cuáles son esos demonios qué habitan el castillo encantado del pop? ¿Es mera coincidencia el trágico destino de sus estrellas o es qué hay algo de por si enfermizo tras esas tonadas pegajosas y esas letras tan ñoñas?

*Tearing Down the Wall of Sound: the Rise and Fall of Phil Spector  Por Mick Brown Londres: Bloomsbury 2007

Rascando la superficie musical

Esta es mi próximo artículo de Pulso Kapital, que en la versión del blog blog lleva además unos videos.

Durante mucho tiempo mantuve la postura de ser tolerante en cuestión musical: Es simple cuestión de gustos, pensaba. Ahora ya no estoy tan seguro: Un día oí una canción de Yuri cuya letra dice que está harta del trabajo pero ella sólo pide amor. Por alguna razón me acordé que en los ochentas cuando salió esa canción había crisis económica. Bonito mensaje pensé, todos jodidos pero hagan caso y sólo pidan amor. Mi yo tolerante rápidamente saltó: No seas paranoico, ¿qué puede tener que ver esa cancioncita con la política?

Luego en un documental sobre la música electrónica Alemana me enteré que allá también tenían el equivalente a nuestros baladistas, con cantantes manejando un nivel de ridiculez onda Yoshio pero peor. Los pioneros de la electrónica entrevistados, dicen que estos cantantes cumplían la función de distraer a la gente para que obedecieran y trabajaran y no pensaran mucho. Entonces pasa por mi mente un programa de Verónica Castro donde Beto Cuevas dice que en Chile el rock estaba muy politizado pero ellos no le hacían a eso y entonces “La Vero” voltea a la cámara y dice “Ay y nosotros no queremos eso” poniendo cara de fuchi. 

Mi yo tolerante insistía en que no me pusiera conspiracionista, pero entonces me enteré que en los ochentas los sintetizadores estaban prohibidos. No literalmente, pero según el sindicato de músicos un sintetizador desplazaba a 100 músicos, así que quienes los usaran debían pagar ese desplazamiento. Con reglas absurdas como esas, este sindicato dirigido por Venus Rey, cuya orquesta solía tocar al inicio de Siempre en Domingo, reprimía a quienes amenazaran el orden musical establecido. Como por ejemplo al grupo Size, el más importante del post punk y new wave mexicano. Si nunca oyó de ellos agradézcaselo a don Venus y sus golpeadores, quienes los bajaron a madrazos del escenario justo antes de abrirle a The Police en el primer concierto de rock internacional que hubo en México. Cuando por fin tocarían frente a un gran público con un buen sonido. Eso fue antes del concierto de Rod Stewart en Querétaro y del de Queen en Puebla. Seguramente Luis Miguel, que estaba apadrinado por el Negro Durazo, el jefe de policía narco de la ciudad no tenía esos problemas. El mismo Luis Miguel dijo que era su padrino en una entrevista con Tele Guía muy al principio de su carrera. ¿Y qué decir de las boy bands? Ex miembros de grupos como Backstreet Boys y N Sync han demandado a su manager por abuso sexual y también financiero, pues resulta que apenas les pagaban. Eso parece ser la regla más que la excepción con esos grupos. Sí, al final mi gusto musical que me decía que algo estaba mal con ellos y la Trevi y las estrellas de Siempre en Domingo no estaba tan equivocado. Si alguien quiere saber más de Size busquen el documental Nadie puede vivir con un monstruo.

Bueno este es el trailer 

Cuando Size se separó, Walter Schmidt y Carlos Robledo formaron junto con una go go girl - groupie del grupo, Ulalume Zavala, Casino Shangai. Chequen la voz de Ulalume en esta canción. Por cierto otra de las go go girls de Size era la actriz Arianne Metcalf, mejor conocida como Nina de Cachún Cachún Ra-Ra.



Y esta es la primera parte del documental sobre los orígenes de la electrónica alemana o krautrock, está muy bueno

Superman y el 11 de Septiembre

Estas imágenes fueron impresas antes de los ataques para el número de Superman del 12 de Septiembre de 2001 Esta historia y otras más aquí

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Daria ¿La hipster original?

No se ustedes pero yo digo que Daria sí es inspiración de los hipsters

Videoatletas profesionales

Este es un artículo ya medio viejo, pero no he visto que se hayan publicado cosas nuevas sobre el tema.

Ponerse a hacer algo útil no siempre significa lo mismo. Si usted es un padre de familia preocupado porque su hijo es todo un junkie de los videojuegos, tranquilicese: Quizá él es una futura estrella de los e-sports y se vuelva rico y famoso.

Eso fue lo que le sucedió al papa del coreano Lim Yo Hwan. El estaba muy angustiado porque su vástago, en lugar de estudiar, se la vivía en los cybercafés jugando Starcraft. Cuenta el papá de Lim que solía salir a buscarlo por todos los tugurios de videojuegos de Seúl para llevarlo de regreso a su casa y que inclusive en una ocasión fue con un palo a sacarlo de un lugar.

Ahora al Sr. Hwan hasta se le sale la lágrima y se pone cursi frente a los periodistas cuando ve que su hijo gana un torneo más. Corea del sur es el país en donde están más desarrolladas las ligas profesionales de videojuegos. Inclusive hay canales de cable que se dedican a transmitir los torneos las 24 horas y hay “estadios” especiales para las competencias. También hay comentaristas y entrenadores especializados y los periódicos cubren los “e-sports” en su sección de deportes. En la sudcoreana ciudad de Busan se han llegado a juntar mas de cien mil espectadores para ver un torneo. Y Starcraft es el rey de la selva en lo que a profesionalismo se refiere en Corea, pues es el juego más popular en ese país, dejando muy atrás a todos los demás.

Sin duda ser profesional sería el sueño dorado de muchos. Las estrellas de la consola y la PC todavía no están ganando millones, pero si ganan arriba de los cien mil dólares anuales. Aunque tal vez lo más importante para ellos es que en su mundillo son superestrellas y se les trata como tal. Los transportan en limusina, tienen grupis, estilistas, se ponen guantes especiales para mantener sus dedos calientes antes de empezar un juego, y en fin, tienen toda la parafernalia de un ídolo que se respete. Excepto una cosa, y es que no todo podía ser miel sobre hojuelas. Al parecer la sociedad en Corea del Sur todavía no está preparada para las estrellas contemporáneas tipo el trío calavera (Paris, Britney y Lindsay). Las ligas profesionales coreanas no quieren que sus jugadores anden entrando y saliendo de la cárcel, la clínica de rehabilitación y los salones de tatuajes y tienen muy controlados a sus jugadores, les prohíben decir groserías, enojarse o emborracharse, y esto significa que no pueden hacerlo nunca y en ningún lugar.

En realidad a los “gamers” profesionales coreanos, con la excepción de los que ya son realmente muy, pero muy famosos, les pasa lo mismo que a los jugadores de yo-yo que salieron en un capítulo de los Simpsons. Bart y sus amigos de Springfield se imaginaban que la vida de esos profesionales del yo-yo seguramente sería de lo más cool y divertida, pero la verdad era que eran unos empleados sobreexplotados. Algo así les pasa a los “e-atletas” coreanos. Viven en grupo en departamentos que les ponen sus patrocinadores y los andan latigueando diariamente para que entrenen, en su juego y además tienen que hacer pesas y otros ejercicios. Y tienen que entrenar tanto, pero tanto, que hasta para los más viciosos del juego es difícil y además, obviamente, no es lo mismo jugar por gusto que por obligación y también tener que ganar por obligación.

Por suerte en México, en estos días aciagos en lo que se refiere a fútbol, ya tenemos a nuestro primer crack de los e-deportes. Se trata de Carlos Daniel Borrego Moreno, oriundo de Pachuca, quien acaba de coronarse como campeón mundial de Pac-man. El torneo fue organizado por Microsoft entre competidores de todo el mundo. Y la final fue en Nueva York, en un local en Times Square en donde se juntaron miles de espectadores.

Aparte de las lesiones propias de los videojuegos como tendonitis y el “pulgar de consola”, otro peligro que enfrentan los gamers profesionales es que su juego, o juegos, pasen de moda. En Estados Unidos, en donde el desarrollo de los e-deportes todavía están muy lejos del de Corea, aunque ya hay varias ligas profesionales, se dio el caso de que una de estas ligas estaba dedicada a Quake, pero luego la popularidad de ese juego bajó y la liga completa se pasó a Counter-Strike. Esto sin embargo, no es un obstáculo tan grande como lo demuestra la historia de Dennis Fong.

Fong, mejor conocido por su apodo de “Tresh”, es considerado el “Michael Jordan” de los videojuegos. Este jugador se ganó en una ocasión nada menos que un Ferrari jugando Quake. Tresh competía principalmente en Doom, Quake y Starcraft. Durante su carrera, pues ya se retiro, Tresh tuvo una racha de 5 años ganando todos los torneos a los que entró. Y después puso varias compañías relacionadas con videojuegos con el dinero que ganó. En el caso de Fong, que por cierto es de ascendencia china, se calcula que él si ganó millones de dólares. El año pasado Tresh le vendió una de estas compañías, Xfire, a MTV por la módica suma de 102 millones de dólares.

Aunque las ligas profesionales aún son muy recientes, su potencial económico es muy grande. Baste con recordar que hubo un tiempo en que las estrellas del fútbol tenían que tener un trabajo “de verdad” aparte de jugar. Una de las máximas estrellas del América, por ejemplo, trabajaba en una sastrería para poder mantenerse. Y en el caso de los videojuegos los profesionales ya están comercializando diferentes productos con sus nicks. Jonathan Wendell, por ejemplo, mejor conocido como “fatal1ty”, es un jugador de Quake, Counter-Strike y Painkiller entre otros juegos, que gracias a su status de estrella ha logrado contratos de patrocinio con diferentes compañías por lo que ahora hay toda clase de equipo; tarjetas de sonido, ratones, teclados, y un largo etcétera y hasta ropa marca “fatal1ty”.

En el caso del coreano Lim Yo Hwan, la estrella coreana de Starcraft que tenía que jugar arriesgándose a que su papá llegará a darle de garrotazos, logró evitar varios años el servicio militar, que en Corea es de varios años encuartelado, gracias a su status de deportista profesional. Al final sin embargo tuvo que entrar a la fuerza aérea de Corea del Sur, pero esta decidió que Lim le sería más útil en su papel de ídolo, así que se formó el equipo profesional de Starcraft de la fuerza aérea sudcoreana con Lim como estrella principal. Así que, es poco probable, pero tal vez tu futuro sí esté en Halo y aunque nuestro campeón mexicano de Pac- Man apenas ganó un xbox edición especial y el derecho de comer sandwiches gratis durante 26 años en una tienda, entre otras fruslerías, los premios en los torneos tienden a mejorar y seguramente se van a poner cada vez mejores.

legalize it

Imagen pirateada del blog de Zzierra Rrezzia http://bit.ly/bFLL6T
originalmente es un grafitti 

¡El ataque del Blob!

Primero les enseño algunos blobs de ficción, se que hay una película del Santo donde combate a un blob chaquetísimo, pero no sé como buscarla. Y luego.... ¡el video del real, el verdadero, el blob asesino que están creando los científicos!

Este es el video del blob que, según lo que leí están desarrollando en Estados Unidos para los militares, no se sabe que vaya a hacer la masa asesina una vez que entre por cualquier hoyito pues ¿para que darle tanta información al enemigo?

911 tacos

Mex-One

Aquí les paso videos en Español e Inglés del primer robot humanoide mexicano

Manuales insólitos

Los que hayan visto las caricaturas del Coyote y el Correcaminos, recordarán la marca Acme de los que el Coyote era cliente fiel. Bueno pues para que comprobemos una vez más que la realidad no es más que una burda imitación del arte, les presento estos manuales que les serán de gran utilidad a todos los aspirantes a Wile E. Coyote que pululan por ahí.

Antes que nada el manual para el trabajo de moda, de novedad: Como traficar drogas, este libro le enseña todos los secretos del oficio e incluye una playera Polo para las 100 primeras personas que llamen.

Ahora que si a usted se lo comieron las ansias y rompió la ley antes de terminar de leer un buen manual para saber como hacerlo como Dios manda, no se preocupe porque tenemos este otro libro para que no lo agarren.

*¡Incluye sabrosas recetas para cocinar los osos que tendrá usted que matar para poder vivir en sus cuevas!

Y si llama en los próximos 5 minutos se llevará totalmente gratis este bonito manual del canibal contemporáneo, que también le puede ser de gran utilidad.

Ahora que si lo suyo es el verbo, también tenemos un libro para ti, ¡El manual para hacerse rico como charlatán!

Y como no queremos que nadie se quede sin alcanzar sus sueños, ¡les presentamos el manual para encontrar todo lo que usted ha soñado buscando en botes de basura, que incluye indicaciones para hallar comida y muchas cosas más!

Ahora que si tú eres realmente ambicioso y quieres fama, poder y fortuna, adquiere de una vez el curso avanzado ¡Atrevete a ser alguien!

Y por último, el libro que no puede faltar en su hogar, la guía de las peleas en bares y cantinas. ¡Un cadenero te dirá todo lo que se necesita saber!

Todo esto y mucho más podrán encontrar en el catálogo de Paladin Press

Más del cartucho

 

Aquí les pasó un video y el link del portafolio de Stanislas Guigui sobre el cartucho. Si no han visto el cuento del cartucho está acá.